Notícia

Marta Sandal

Marta Sandal

Marta Sandal nasceu na Noruega em 1878. Começou a dar concertos aos doze anos e depois de receber grandes críticas na imprensa nacional, começou a actuar com o compositor norueguês Edvard Grieg.

Sandal fez uma turnê pela Europa antes de se mudar para a América, onde se apresentou com a Orquestra de Pittsburgh. Ela carregava consigo uma carta de apresentação de Grieg, que escreveu: “Dotada e inteligente como ela é, não tenho dúvidas de que ela terá sucesso em conquistar os corações do novo mundo tão bem quanto fez em seu próprio país”.

Em 1914, Sandal casou-se com Gudmund Rörtvedt, um fazendeiro de Erfjord, Noruega. O casal morava em Montana, onde criou quatro filhos. Marta Sandal-Rörtvedt morreu após uma longa doença em 2 de março de 1930.


Mata Hari nasceu Margaretha Geertruida Zelle em Leeuwarden, Holanda, em 7 de agosto de 1876, filha do pai Adam Zelle, um comerciante de chapéus que faliu devido a maus investimentos, e da mãe Antje Zelle, que adoeceu e morreu quando Mata Hari tinha 15 anos velho. Após a morte de sua mãe, Mata Hari e seus três irmãos foram separados e enviados para morar com vários parentes.

Ainda jovem, Mata Hari decidiu que a sexualidade era seu ingresso na vida. Em meados da década de 1890, ela corajosamente respondeu a um anúncio de jornal procurando uma noiva para Rudolf MacLeod, um capitão militar careca e bigodudo baseado nas Índias Orientais Holandesas. Ela enviou uma foto impressionante de si mesma, com cabelos negros e pele morena, para atraí-lo. Apesar de uma diferença de idade de 21 anos, eles se casaram em 11 de julho de 1895, quando Mata Hari tinha apenas 19 anos. Durante seu casamento rochoso de nove anos & # x2014 marcado pela bebedeira de MacLeod & aposs e frequentes acessos de raiva pela atenção que sua esposa recebia de outros oficiais & # x2014 Mata Hari deu à luz dois filhos, uma filha e um filho. (O filho do casal morreu em 1899 depois que uma empregada doméstica nas Índias o envenenou por razões que permanecem um mistério.)

No início dos anos 1900, o casamento de Mata Hari's havia se deteriorado. Seu marido fugiu com a filha e Mata Hari mudou-se para Paris. Lá, ela se tornou amante de um diplomata francês que a ajudou a ter a ideia de se sustentar como dançarina.


Marta Black

Resistente, mas elegante, descreve perfeitamente esta confortável bota de 5 polegadas de bico redondo. Exibindo um look de inspiração outdoor com cano em camurça de vaca e gola de lã. Tratado com tecnologia NeverWet & reg para proteção extra contra os elementos.

  • 5 polegadas de altura do eixo
  • Circunferência ajustável de 8 polegadas
  • Parte superior de camurça de vaca
  • Colarinho de mistura de lã
  • Forro de mistura de lã
  • Palmilha confortável de pele de carneiro
  • Ilhós em D de metal rebitado com renda plana de algodão
  • Sola leve de borracha soprada
  • Tratado com tecnologia NeverWet & reg

Conteúdo

A palavra Rebetiko (plural rebetika) é uma forma adjetiva derivada da palavra grega Rebetis (Grego: ρεμπέτης, pronunciado [re (m) ˈbetis]). A palavra Rebetis é hoje interpretado como uma pessoa que incorpora aspectos de caráter, vestimenta, comportamento, moral e ética associados a uma subcultura particular. [1] [ citação necessária ] A etimologia da palavra Rebetis continua a ser objeto de disputa e incerteza - um dos primeiros estudiosos da rebetiko, Elias Petropoulos, e o lexicógrafo grego moderno Giorgos Babiniotis, oferecem várias derivações sugeridas, mas deixam a questão em aberto. [2] [3] A fonte mais antiga da palavra até o momento pode ser encontrada em um dicionário grego-latino publicado em Leiden, Holanda em 1614 [4], onde a palavra ῥεμπιτός é definida como um 'andarilho', 'cego', 'mal orientado', etc.

Embora hoje em dia tratada como um gênero único, rebetiko é, musicalmente falando, uma síntese de elementos da música europeia, a música de várias áreas do continente grego e das ilhas gregas, o canto eclesiástico grego ortodoxo, muitas vezes referido como música bizantina, e as tradições modais da música artística otomana e da música café. [1]

Edição de melodia e harmonia

As melodias da maioria das canções rebetiko são, portanto, frequentemente consideradas como seguindo uma ou mais dromoi (δρόμοι, grego para 'estradas' ou 'rotas' no singular é dromos (δρόμος). [nota 1] Os nomes dos dromoi são derivados em quase todos os casos [nb 2] dos nomes de vários modos turcos, também conhecidos como Makam. [5]

No entanto, a maioria das canções rebetiko foram acompanhadas por instrumentos capazes de tocar acordes de acordo com o sistema harmônico ocidental e, portanto, foram harmonizadas de uma maneira que não corresponde nem com a harmonia europeia convencional, nem com a música de arte otomana, que é uma forma monofônica. normalmente não harmonizado. Além disso, a rebetika passou a ser tocada em instrumentos afinados em temperamento igual, em conflito direto com as divisões de altura mais complexas do Makam sistema. [5]

Durante o período posterior do renascimento do rebetiko, houve uma entente cultural entre músicos gregos e turcos, principalmente das gerações mais jovens. Uma consequência disso tem sido a tendência de superenfatizar o Makam aspecto da rebetiko em detrimento dos componentes europeus e, mais significativamente, à custa de perceber e problematizar a natureza verdadeiramente sincrética desta música. [nota 3]

No entanto, é importante notar neste contexto que uma proporção considerável do repertório rebetiko em discos gregos até 1936 não era dramaticamente diferente, exceto em termos de linguagem e "dialeto" musical, da música de café otomana (tocada por músicos de várias origens étnicas ) que os gregos continentais chamavam de "Smyrneika". Esta parte do repertório gravado foi tocada quase exclusivamente nos instrumentos de Smyrneika/ Música de café otomana, como kanonaki, santouri, politikí lyra (πολίτικη λύρα), tsimbalo (τσίμπαλο, na verdade idêntica ao cimbalom húngaro ou țambal romeno) e clarinete. [1]

Edição de Escalas

As escalas utilizadas na música rebetiko são as tradicionais escalas maiores e menores ocidentais, bem como uma série de makams orientais, influenciadas pela música clássica otomana. Alguns deles incluem rast, uşşâk, hijaz (ou "escala dominante frígio"), saba (h) e nahawand.

Edição de ritmos

A maioria das canções rebetiko é baseada em ritmos de dança tradicionais gregos ou anatólios. Os mais comuns são:

    , um nome geral para muitas danças gregas (incluindo o Nisiotika), (principalmente um 4
    4 medidor em várias formas), um 9
    4 ou um 9
    8 metro, nas suas várias formas, incluindo vários tipos de música grega. É também a versão rápida do Hasapiko (gostar 4
    4 e 2
    4 metro), um 4
    4 medidor e a versão rápida Hasaposerviko em um 2
    4 metro ou Karsilamas e Argilamas (uma 9
    8 metro) (a 9
    8 medidor) e Aptalikos, dividido em semicolcheias, (versão lenta a 9
    4 e versão rápida a 9
    16 metro em várias formas, dança alegre para mulheres (a 4
    4 ), em algumas canções, principalmente para violão (a 3
    4 )

Vários outros ritmos também são usados.

Edição de Taxim

Há um componente dentro da tradição rebetiko que é comum a muitos estilos musicais dentro das esferas musicais orientais. Este é o prelúdio não medido livremente improvisado, dentro de um dado dromos / makam, que pode ocorrer no início ou no meio de uma música. Isso é conhecido em grego como taxim ou taximi (ταξίμ ou ταξίμι) após a palavra árabe geralmente transliterada como taqsim ou taksim.

As primeiras canções rebetiko a serem gravadas, conforme mencionado acima, eram principalmente no estilo otomano / de Esmirna, empregando instrumentos da tradição otomana. Durante a segunda metade da década de 1930, à medida que a música rebetiko gradualmente adquiria seu próprio caráter, o bouzouki começou a emergir como o instrumento emblemático dessa música, gradualmente afastando os instrumentos trazidos da Ásia Menor.

O bouzouki Editar

O bouzouki aparentemente não era muito conhecido entre os refugiados da Ásia Menor, mas era conhecido por esse nome na Grécia desde pelo menos 1835, ano em que um desenho do artista dinamarquês Martinus Rørbye sobreviveu. É uma vista do estúdio do luthier ateniense Leonidas Gailas (Λεωνίδας Γάϊλας), a quem o artista descreve como Fabricatore di bossuchi. O desenho mostra claramente vários instrumentos do tipo bouzouki. Apesar dessa evidência, ainda não sabemos nada sobre a história inicial da associação do instrumento com o que veio a ser chamado de rebetiko. [6] Pesquisas recentes, entretanto, descobriram uma série de referências até então desconhecidas ao instrumento durante o século 19 e início do século 20, incluindo evidências de sua presença estabelecida no Peloponeso. [7]

Embora conhecido no contexto do rebetiko e frequentemente referido nas letras das músicas, muito antes de entrar no estúdio de gravação, o bouzouki foi gravado comercialmente pela primeira vez não na Grécia, mas na América, em 1926, quando o músico do Peloponeso Konstandinos Kokotis (1878 - depois de 1948) gravou duas canções folclóricas do Peloponeso com o acordeonista Ioannis Sfondilias. [5] Esta gravação, relançada pela primeira vez em 2013, [7] revela um estilo melódico "folk" nunca gravado antes ou depois. A primeira gravação a apresentar o instrumento claramente em um papel melódico reconhecível um pouco mais "moderno" foi feita em 1929, em Nova York. [7] [8] Três anos depois, o primeiro verdadeiro solo de bouzouki foi gravado por Ioannis Halikias, também em Nova York, em janeiro de 1932. [9]

Na Grécia, o bouzouki foi autorizado a entrar em estúdio pela primeira vez alguns meses antes, em outubro de 1931. Nas mãos de Thanassis Manetas (1870-ca 1943), junto com o tocador de tsimbalo Yiannis Livadhitis, pode-se ouvir acompanhando os cantores Konstantinos Masselos, também conhecido como Nouros, e Spahanis, em dois discos, três canções ao todo. [1] [7]

Essas primeiras gravações comerciais na América e na Grécia foram precedidas por um grupo de gravações documentais, consistindo em um disco de goma-laca de 78 rpm e cinco cilindros de cera, feito em Görlitz, Alemanha, em julho de 1917, durante a Primeira Guerra Mundial. O jogador amador de bouzouki Konstandinos Kalamaras acompanhou um cantor bizantino profissional, Konstandinos Vorgias, e um cantor amador, Apostolos Papadiamantis. Esses três homens estavam entre 6.500 soldados gregos internados como hóspedes da Alemanha em um campo de ex-prisioneiros de guerra na pequena cidade de Görlitz, na fronteira com a Polônia, de setembro de 1916 até sua libertação em fevereiro de 1919. [10]

Foi somente em outubro de 1932, após o sucesso da gravação de Halikias em Nova York, que imediatamente teve grande sucesso na Grécia, que Markos Vamvakaris fez suas primeiras gravações com o bouzouki. Essas gravações marcaram o verdadeiro início da carreira registrada do bouzouki na Grécia, uma carreira que continua ininterrupta até os dias de hoje. [10]

Outros instrumentos Editar

Os instrumentos básicos da rebetiko, de meados da década de 1930 em diante, têm sido o bouzouki, [7] [10] os baglamas e o violão. Outros instrumentos incluíam acordeão, politiki (Constantinopolitana) lyra (às vezes outra lyra era usada), clarinete, kanonaki, oud, santur, violino e címbalos de dedo. [1] Outros instrumentos ouvidos em gravações de rebetiko incluem: contrabaixo, laouto, mandola, bandolim e piano. [10] Em algumas gravações, o som de vidro tilintando pode ser ouvido. Este som é produzido desenhando contas de preocupação (komboloi) contra um copo canelado, originalmente um instrumento rítmico ad hoc e extremamente eficaz, provavelmente característico de teké e taverna milieux, e posteriormente adotado nos estúdios de gravação. [1]

Como várias outras formas musicais subculturais urbanas, como o blues, o flamenco, o fado, a bal-musette e o tango, a rebetiko surgiu de circunstâncias urbanas particulares. Freqüentemente, suas letras refletem as realidades mais duras do estilo de vida de uma subcultura marginalizada. Assim, encontram-se temas como crime, bebida, drogas, pobreza, prostituição e violência, mas também uma infinidade de temas de relevância para o povo grego de qualquer estrato social: morte, erotismo, exílio, exílio, doença, amor, casamento, casamento, a figura materna, a guerra, o trabalho e diversos outros assuntos do cotidiano, alegres e tristes. [nota 4] [13]

O útero de rebetika era a prisão e a toca de haxixe. Foi lá que os primeiros rebetes criaram suas canções. Eles cantaram em vozes baixas e roucas, sem forçar, um após o outro, cada cantor adicionando um verso que muitas vezes não tinha nenhuma relação com o verso anterior, e uma música freqüentemente durava horas. Não havia refrão e a melodia era simples e fácil. Um rebetis acompanhava a cantora com um bouzouki ou um baglamas (uma versão menor do bouzouki, muito portátil, fácil de fazer na prisão e fácil de esconder da polícia), e talvez outra, movida pela música, se levantasse e dançasse. As primeiras canções rebetika, particularmente as canções de amor, eram baseadas em canções folclóricas gregas e nas canções dos gregos de Esmirna e Constantinopla.

Manos Hatzidakis resumiu os elementos-chave em três palavras com ampla presença no vocabulário do grego moderno meraki, kefi, e Kaimos (μεράκι, κέφι, καημός: amor, alegria e tristeza). [ citação necessária ]

Um tema da rebetiko talvez superenfatizado é o prazer de usar drogas (cocaína, heroína-preza etc.), mas especialmente haxixe. [nota 5] As canções Rebetiko que enfatizam esses assuntos passaram a ser chamadas hasiklidika (χασικλίδικα), [15] [16] [17] embora musicalmente falando, eles não diferem do corpo principal das canções rebetiko de nenhuma maneira particular. [1]

Rebetiko está intimamente relacionada com o entretenimento noturno: ouzeri, taverna (taverna grega) e centros noturnos.

Rebetiko às vezes também é relacionada ao ícone de mangás (Grego: μάγκας, pronunciado [ˈMa (ŋ) ɡas]), o que significa Forte cara que "precisa de correção", um grupo social na contracultura da época da Belle Époque [18] da Grécia (especialmente dos grandes centros urbanos: Atenas, Pireu e Tessalônica).

Mangás era uma etiqueta para homens pertencentes à classe trabalhadora, que se comportavam de forma particularmente arrogante / presunçosa, e se vestiam com uma vestimenta muito típica composta por um chapéu de lã (kavouraki, καβουράκι), uma jaqueta (geralmente usavam apenas uma de suas mangas), um cinto apertado (usado como um estojo de faca), calças listradas e sapatos de bico fino. Outras características de sua aparência eram seu bigode longo, seus chapelins de contas (κομπολόγια, sing. Κομπολόι) e seu andar manco idiossincrático (κουτσό βάδισμα). Um grupo social relacionado foram os Koutsavakides (κουτσαβάκηδες, sing. Κουτσαβάκης [19]) os dois termos são ocasionalmente usados ​​indistintamente.

Inicialmente uma música associada às classes mais baixas, a rebetiko mais tarde alcançou maior aceitação geral à medida que as arestas de seu caráter subcultural aberto eram suavizadas e polidas, às vezes ao ponto de irreconhecível. Então, quando a forma original foi quase esquecida, e seus protagonistas originais morreram, ou em alguns casos quase condenados ao esquecimento, tornou-se, a partir da década de 1960, uma forma musical revivida de grande popularidade, especialmente entre os jovens da época. [ citação necessária ]

Editar origens

Rebetiko provavelmente se originou na música das maiores cidades costeiras da Ásia Menor de hoje, com grandes comunidades gregas durante a era otomana. Nessas cidades, os berços da rebetiko eram provavelmente os ouzeri, as tocas de haxixe (tekedes) com narguilés, cafés e até mesmo a prisão. Em vista da escassez de documentação anterior à era das gravações de som, é difícil afirmar mais fatos sobre o início da história dessa música. [nota 6] Há uma certa quantidade de material grego registrado das primeiras duas décadas do século 20, registrado em Constantinopla / Istambul, no Egito e na América, dos quais exemplos isolados têm alguma relação com rebetiko, como no próprio primeiro caso do uso da própria palavra em uma gravadora. [20] Mas não há gravações desse período inicial que dêem uma vaga idéia da música local do Pireu, como a que surgiu pela primeira vez em disco em 1931 (veja acima).

Editar estilo Smyrna

Estilo Smyrna rebetiko
Origens estilísticasRebetiko, Makams
Origens culturaisinício do século 20, Ásia Menor
Instrumentos típicosOud, bouzouki, toubeleki

Durante o início do século 20, o principal centro da música rebetico era o porto multinacional de Smyrna (a moderna Izmir) na Ásia Menor. Os músicos de Esmirna foram influenciados não apenas pelos sons orientais dentro do Império Otomano, mas também pela música de estilo europeu de muitas comunidades europeias da cidade, principalmente dos italianos. Smyrneiki Estudiantina era um grupo de músicos que tocava música popular para gregos em todo o mundo. Após o Grande Incêndio de Esmirna, muitos deles (Panagiotis Toundas, Spyros Peristeris, Giorgos Vidalis, Anestis Delias e outros) fugiram para a Grécia contribuindo para o desenvolvimento da música estilo rebetico na Grécia.

Edição de 1922–1932

Na esteira da catástrofe da Ásia Menor e da troca de população de 1923, um grande número de refugiados se estabeleceu em Pireu, Tessalônica, Volos e outras cidades portuárias. Eles trouxeram consigo instrumentos musicais e elementos musicais europeus e da Anatólia, incluindo a música de café otomana e, muitas vezes negligenciado nos relatos dessa música, um estilo um tanto italiano com bandolins e canto coral em terças e sextas paralelas.

Muitos desses músicos gregos da Ásia Menor eram músicos altamente competentes. Inicialmente uma "Estudiantina ateniense" foi estabelecida com Giorgos Vidalis e alguns músicos da antiga Estudiantina Smyrneiki. Outros músicos se tornaram diretores de estúdio (homens A & ampR) para as grandes companhias, por exemplo Spyros Peristeris (que tocou bandolim, violão, piano e mais tarde bouzouki), Panagiotis Toundas (principalmente um bandolinista) e o virtuoso do violino Giannis Dragatsis (Oghdhondakis). As personalidades musicais de Peristeris e Toundas em particular passaram a ter uma enorme influência no desenvolvimento posterior do rebetiko gravado. Enquanto a partir de meados da década de 1920 um número substancial de canções de estilo anatoliano foram gravadas na Grécia, exemplos de canções de rebetiko ao estilo de Pireu chegaram à goma-laca em 1931 (veja acima).

Edição dos anos 1930

Durante a década de 1930, os estilos musicais relativamente sofisticados se encontraram e se cruzaram com os estilos urbanos locais de maior impacto, exemplificados pelas primeiras gravações de Markos Vamvakaris e Batis. [GH 1] [21]

Este processo histórico levou a uma terminologia usada atualmente destinada a distinguir entre o estilo oriental claramente da Ásia Menor, freqüentemente chamado de "Smyrneïka"e o estilo baseado em bouzouki da década de 1930, freqüentemente chamado de estilo Pireu. [nota 7] Além disso, o uso de bandolim desapareceu totalmente.

No final da década de 1930, a rebetiko alcançou o que pode ser razoavelmente chamado de sua fase clássica, na qual elementos do estilo do início do Pireu, elementos do estilo da Ásia Menor, claramente elementos da música folclórica europeia e grega, se fundiram para gerar um musical genuinamente sincrético Formato. Simultaneamente, com o início da censura, um processo começou no qual as letras de rebetiko lentamente começaram a perder o que tinha sido seu caráter definidor do submundo. Esse processo se estendeu por mais de uma década. [ citação necessária ]

Censura Metaxas, novas direções Editar

Em 1936, foi estabelecido o regime de 4 de agosto sob Ioannis Metaxas e com ele, o início da censura. Alguns dos temas das canções rebetiko agora eram considerados de má reputação e inaceitáveis. Nesse período, quando a ditadura Metaxas sujeitava todas as letras das músicas à censura, os compositores as reescreviam ou praticavam a autocensura antes de submetê-las à aprovação. [22] A música em si não foi sujeita a censura, embora proclamações tenham sido feitas recomendando a "europeização" da considerada futura música da Anatólia, o que levou ao banimento de certas estações de rádio "amanedes" em 1938, ou seja, com base na música e não nas letras. Isso, entretanto, não era música bouzouki. O termo amanedes, (sing. Amanes, gr. Αμανέδες, sing. Αμανές) refere-se a uma espécie de lamento cantado improvisado, em um tempo medido, cantado em um determinado dromos / makam. o amanedes eram talvez o tipo de música oriental mais marcante no repertório grego da época. [23] [nb 8]

Metaxas fechou também todos os tekedes (antros de haxixe) no país. As referências a drogas e outras atividades criminosas ou de má reputação agora desapareceram das gravações feitas em estúdios gregos, para reaparecer brevemente nas primeiras gravações feitas na retomada da atividade de gravação em 1946. [5] Nos Estados Unidos, no entanto, uma florescente produção musical grega continuou, com as letras das músicas aparentemente não afetadas pela censura (veja abaixo), embora, estranhamente, o bouzouki tenha continuado a ser raro nas gravações americanas até depois da Segunda Guerra Mundial. [1]

É notável que a música Rebetiko também foi rejeitada pela esquerda grega por causa de seu caráter "reacionário" (de acordo com o Partido Comunista da Grécia) e subcultura e as referências às drogas.

Editar período pós-guerra

As atividades de gravação cessaram durante a ocupação do Eixo na Grécia durante a Segunda Guerra Mundial (1941-1944), e não foram retomadas até 1946 daquele ano, durante um período muito curto, um punhado de canções sem censura com referências a drogas foram gravadas, várias em várias versões com cantores diferentes. [5]

A cena logo foi popularizada por estrelas como Vassilis Tsitsanis. Sua carreira musical começou em 1936 e continuou durante a guerra, apesar da ocupação. Um gênio musical, ele foi um brilhante músico de bouzouki e um compositor prolífico, com centenas de canções em seu crédito. Após a guerra, ele continuou a desenvolver seu estilo em novas direções e, sob sua proteção, cantores como Sotiria Bellou, Ioanna Georgakopoulou, Stella Haskil e Marika Ninou fizeram sua aparição. [ citação necessária ] Tsitsanis desenvolveu a "ocidentalização" da rebetiko e a tornou mais conhecida por grandes camadas da população, estabelecendo também as bases para o futuro laiko.

Em 1948, Manos Hatzidakis abalou o estabelecimento musical ao fazer sua lendária palestra sobre rebetiko, até então com fortes conexões com o submundo e o uso de cannabis e, conseqüentemente, menosprezado. [ citação necessária ] Hatzidakis focou na economia da expressão, nas raízes tradicionais profundas e na genuinidade da emoção exibida na rembetika, e exaltou compositores como Markos Vamvakaris e Vassilis Tsitsanis. Colocando a teoria em prática, ele adaptou a rembetika clássica em sua obra para piano de 1951, Seis pinturas folclóricas (Έξι Λαϊκές Ζωγραφιές), que mais tarde também foi apresentado como um balé folclórico.

Paralela à carreira de Tsitsanis no pós-guerra, a carreira de Manolis Chiotis levou a rebetiko e a música popular grega em direções mais radicais. Chiotis desenvolveu muito mais a "europeização / ocidentalização" da rebetiko. Em 1953, ele adicionou um quarto par de cordas ao bouzouki, o que permitiu que ele fosse tocado como uma guitarra e preparou o terreno para a futura 'eletrificação' da rebetiko.

Chiotis também foi um inovador ousado, importando ritmos latinos e sul-americanos (como flamenco, rumba, mambo etc.), e se concentrando em canções em uma veia decididamente mais leve do que o ambiente característico das canções rebetiko. Talvez o mais significativo de tudo, Chiotis, ele próprio um virtuoso não só no bouzouki, mas também na guitarra, violino e oud, foi responsável por introduzir e popularizar o bouzouki de 4 cordas modificado (tetrahordho) em 1956. [5] [24] Chiotis já era um virtuose aparentemente desenvolvido no tradicional instrumento de 3 cordas por sua adolescência, mas a afinação baseada na guitarra de seu novo instrumento, em combinação com seu prazer lúdico em virtuosismo extremo , levou a novos conceitos de tocar bouzouki que vieram definir o estilo usado em laïki mousiki (laiko) e outras formas de música bouzouki, que, entretanto, não podiam mais ser chamadas de rebetiko em nenhum sentido. [ citação necessária ]

Um desenvolvimento comparável também ocorreu no lado vocal. Em 1952, um jovem cantor chamado Stelios Kazantzidis gravou algumas canções rebetika que fizeram muito sucesso. Embora ele continuasse no mesmo estilo por alguns anos, foi rapidamente percebido, por todas as partes envolvidas, que sua técnica de canto e habilidades expressivas eram boas demais para serem contidas no idioma rebetiko. Logo compositores conhecidos de rebetika - como Kaldaras, Chiotis, Klouvatos - começaram a escrever canções sob medida para a voz poderosa de Stelios e isso criou uma nova mudança na música rebetika. As novas canções tinham uma estrutura melódica mais complexa e geralmente eram de caráter mais dramático. Kazantzidis se tornou uma estrela da música laiki emergente. [ citação necessária ]

Kazantzidis, no entanto, não contribuiu apenas para o fim da rebetika clássica (do estilo Pireu). Paradoxalmente, ele também foi um dos precursores de seu renascimento. Em 1956, ele iniciou sua cooperação com Vassilis Tsitsanis que, além de escrever novas canções para Kazantzidis, também lhe deu algumas das antigas para reinterpretar. Kazantzidis, portanto, cantou e popularizou clássicos da rebetika como 'Synnefiasmeni Kyriaki' (Domingo nublado), "Bakse tsifliki" e "Ta Kavourakia". Essas canções, e muitas outras, até então desconhecidas do grande público, de repente se tornaram apreciadas e procuradas.

Mais ou menos na mesma época, muitos dos artistas dos velhos tempos - tanto cantores quanto tocadores de bouzouki - abandonaram a cena musical da Grécia. Alguns deles morreram prematuramente (Haskil, Ninou), outros emigraram para os Estados Unidos (Binis, Evgenikos, Tzouanakos, Kaplanis), enquanto alguns apenas abandonaram a vida musical por outro trabalho (Pagioumtzis, Genitsaris). Isso, é claro, criou um vazio que precisava ser preenchido com um novo "sangue". No início, os novos recrutas - como por exemplo Dalia, Gray e Kazantzidis - permaneceram dentro dos limites da rebetica clássica. Logo, no entanto, seu entusiasmo juvenil e diferentes experiências encontraram expressão em novos espaços estilísticos que eventualmente mudaram o antigo idioma.

Essa situação combinada contribuiu, durante a década de 1950, para o eclipse quase total da rebetiko por outros estilos populares. No final da década de 1950, a rebetiko declinou, ela só sobreviveu na forma de Archontorebetiko (αρχοντορεμπέτικο, "posh rebetiko" ou "burguesa rebetiko"), um estilo refinado de rebetiko que era muito mais aceito pela classe alta do que a forma tradicional do gênero.

Na verdade, de forma um tanto confusa, pelo menos desde a década de 1950, período em que as canções rebetiko não eram geralmente referidas como uma categoria musical separada, mas mais especificamente com base nas letras, o termo "laïki mousiki" (λαϊκή μουσική), ou "laïka", (λαϊκα) cobriu uma ampla gama de música popular grega, incluindo canções com o bouzouki e canções que hoje seriam sem dúvida classificadas como rebetiko. O termo, por sua vez, deriva da palavra Laos (λάος) que se traduz melhor como "o povo".

O reavivamento Editar

Pode-se dizer que a primeira fase do renascimento do rebetiko começou por volta de 1960. Naquele ano, o cantor Grigoris Bithikotsis gravou uma série de canções de Markos Vamvakaris, e o próprio Vamvakaris fez sua primeira gravação desde 1954. Durante o mesmo período, escritores como como Elias Petropoulos começou a pesquisar e publicar suas primeiras tentativas de escrever sobre rebetiko como um assunto em si. [25] O bouzouki, inquestionável como o instrumento musical básico da música rebetiko, agora começou a fazer incursões em outras áreas da música grega, principalmente devido ao virtuosismo de Manolis Chiotis. A partir de 1960, compositores gregos proeminentes como Mikis Theodorakis e Manos Hatzidakis empregaram virtuosos bouzouki como Manolis Chiotis, Giorgos Zambetas e Thanassis Polyhandriotis em suas gravações. [ citação necessária ]

Pode-se dizer que a próxima fase do renascimento do rebetiko começou no início da década de 1970, quando as reedições em LP de gravações de 78 rpm, tanto antologias quanto discos dedicados a artistas individuais, começaram a aparecer em maior número. Esta fase do renascimento foi inicialmente, e ainda é em grande medida, caracterizada por um desejo de retomar o estilo das gravações originais, enquanto a primeira fase tendia a apresentar canções antigas no idioma musical atual da música popular grega, laïki mousiki. Muitos cantores surgiram e se tornaram populares durante este período. Foi durante a década de 1970 que apareceu o primeiro trabalho que visava popularizar o rebetiko fora da esfera da língua grega [GH 2] e o primeiro trabalho acadêmico em inglês foi concluído. [11]

Durante a década de 1970, vários artistas mais antigos fizeram novas gravações do repertório mais antigo, acompanhados por tocadores de bouzouki de uma geração mais jovem. Giorgios Mouflouzelis, por exemplo, gravou vários LPs, embora nunca tivesse gravado durante sua juventude na era de 78 rpm. A contribuição mais significativa a este respeito foi talvez uma série de LPs gravados pela cantora Sotiria Bellou, que teve uma carreira de bastante sucesso a partir de 1947, inicialmente sob a proteção de Tsitsanis. Essas novas gravações foram fundamentais para levar rebetiko aos ouvidos de muitos que não estavam familiarizados com as gravações da era de 78 rpm, e ainda hoje estão disponíveis em CDs. [ citação necessária ]

Um aspecto importante do renascimento do final dos anos 1960 e início dos anos 1970 foi o elemento de protesto, resistência e revolta contra a ditadura militar dos anos da junta. Talvez isso ocorresse porque as letras da rebetiko, embora raramente fossem diretamente políticas, eram facilmente interpretadas como subversivas pela natureza de seu assunto e por sua associação na memória popular com períodos anteriores de conflito. [ citação necessária ]


Sandálias Menorquinas Originais

Sandálias Menorcan!

A Avarcas Menorquinas oferece-lhe mais de 40 modelos diferentes para que encontre as suas sandálias menorcan perfeitas para brilhar neste verão. Não inveje as celebridades, apenas vista-se como elas! Torne-se fã das Avarcas Menorquinas! Sinta a comodidade de comprá-los online em sua casa e desfrute de todas as sensações que eles podem proporcionar. Um calçado confortável, flexível e duradouro.

Só comprando online você garante a compra da autêntica alpercata feita à mão com os melhores materiais de qualidade. Avarcas Menorquinas apresenta a coleção feita para satisfazer a todos. Coleções para homens, mulheres, idosos e até os jovens mais rebeldes.


Conteúdo

O nome Ipanema deriva das palavras da língua tupi ipá (lagoa) e nem-a (fedorento). [1] Possíveis traduções para seu significado original são "água sem valor", "lago fedorento", "água turva" ou "água sem valor para consumo humano". [2] O historiador Teodoro Sampaio traduziu Ipanema como "água ruim". [3]

A área de fronteira entre Copacabana e Ipanema é conhecida localmente como "Copanema".

Ipanema hoje consiste principalmente de terras que pertenceram a José Antonio Moreira Filho, Barão de Ipanema. O nome "Ipanema" não se referia originalmente à praia, mas sim à terra natal do barão em São Paulo.

Ipanema fica ao lado das praias de Copacabana e Leblon, mas é distinta de suas vizinhas. É relativamente fácil de navegar porque as ruas estão alinhadas em uma grade. A cultura praiana de Ipanema inclui surfistas e banhistas que se reúnem diariamente na praia. Todos os domingos, a estrada mais próxima da praia é fechada para veículos motorizados, permitindo que moradores e turistas andem de bicicleta, patins, skate e caminhem à beira-mar. Ipanema é um dos bairros mais caros do Rio para se viver com investimento privado que levou à construção de restaurantes, lojas e cafés de classe mundial.

Ipanema desempenha um papel cultural no Rio de Janeiro desde o início da cidade, com universidades, galerias de arte e teatros próprios. Realiza um desfile de rua, a Banda de Ipanema, em festas de carnaval separadas das do Rio de Janeiro, atraindo até 50 mil pessoas às ruas de Ipanema.

A praia de Ipanema é conhecida por seu desenvolvimento elegante e sua vida social. Duas montanhas chamadas de Dois irmãos (Two Brothers) rise at the western end of the beach, which is divided into segments delineated by postos, or lifeguard towers. Beer is sold everywhere, along with the traditional cachaça. There are always circles of people playing football, volleyball, and footvolley, a locally invented sport that is a combination of volleyball and football.

In the winter the surf can reach three metres (nine feet). The water quality varies from clear light-blue water to a more murky green after heavy rains. Constant swells help keep the water clean, and the often treacherous beach break regularly forms surfable barrels. Just west of this colorful section, towards Leblon, Rio de Janeiro, is another popular stretch of sand known as Posto 10, referring to the #10 lifeguard station.

The beach is one of many areas that suffers from the city's poor waste treatment. In its waters, "fecal coliform bacteria sometimes spike at 16 times the Brazilian government's 'satisfactory' level." [4] Large amounts of pollutants are still dumped into the sea through the nearby marine outfall pipe, a matter of increasing concern to ecologists. [5]

Beachgoers often applaud the sunset in the summer. [6] In 2008, the Travel Channel listed Ipanema Beach as the sexiest beach in the world. [7]

Posto 9 is the section of the beach around the #9 lifeguard station, across from Joana Angelica Street. Its notoriety began around 1979 when Fernando Gabeira, now a federal deputy for the State of Rio de Janeiro, returned from political exile in France and was photographed there in a thong. [8] He had been a member of the leftist urban guerilla group MR8, which kidnapped the American ambassador, Charles Burke Elbrick, in 1969 and demanded the release of fifteen political prisoners in exchange for his life. [9] [10]

Gabeira became a political celebrity with the publication of a memoir about his experiences as a guerilla and his years in exile. In 1979, he was photographed wearing a skimpy purple swimsuit at Ipanema, and gave an interview to a gay and lesbian newspaper, inciting rumors that he was gay, which he neither confirmed nor denied. His going to the beach at Posto 9 made it famous throughout the country. [8] [11]

Posto 9 inherited its status as a gathering spot for counter-cultural types from the area near Farme de Amoedo Street, next to the dunes called Dunas do Barato and a pier that was demolished in the 1970s. It has a long history of public cannabis smoking (illegal in Brazil), police raids, and gatherings of left-wing intellectuals. It is still popular with students, artists, actors, and liberal-minded people.

A group of hippies started a Sunday market in Ipanema in 1968 and the traditional fair continues with over 700 stalls set up at the Feira Hippie de Ipanema (Ipanema Hippie Market).

Ipanema gained fame with the rise of the popular bossa nova sound, when residents Antônio Carlos Jobim and Vinicius de Moraes created their ode to the neighbourhood, "The Girl from Ipanema." The song was written in 1962, with music by Jobim and Portuguese lyrics by de Moraes English lyrics were written later by Norman Gimbel.


Colombia — History and Culture

Colombia has had a turbulent history marked by slavery and appropriation of indigenous land during the Colonial period, and political instability, civil war and drug-related violence in recent years. Despite this, the largely homogenous culture is a rich artistic blend of Spanish customs, tribal heritage and Afro-Caribbean traditions.

História

About 12,000 years ago, Indigenous hunter-gatherer people including Muisca, Tairona and Quimbava inhabited what is now Colombia. By the first millennium, farming and a pyramidal power structure had developed.

The Spanish explored the region in 1500 and began colonization of Colombia soon after with Santa Marta founded in 1525, followed by Cartagena in 1533, the New City of Granada (soon renamed Santa Fe) in 1535, and Cali in 1536. European diseases such as smallpox reduced the indigenous Caribbean population when slaves were imported from Africa.

The Spanish rule lasted from about 1525 until 1808, during which time the Royal Audience of Santa Fe de Bogota controlled the region of New Granada even though the Council of the Indies made most of the major decisions. Spanish farmers colonized the area and the remaining indigenous people were moved to specially designated reservations in Colombia. In 1713, the settlement of Palenque de San Basilio, established by escaped slaves in the 15th century, was granted legality through royal decree.

A viceroyalty of New Granada was created to control in 1717, removed temporarily, then re-established in 1739. During this time Santa Fé de Bogotá was the capital and became one of the main administrative centers for the New World, with a Colombian territory that also included some provinces of modern day Venezuela, Ecuador and Panama, and Peru.

There were several unsuccessful rebel movements throughout the Spanish period, but in 1811, Antonio Narino lead an opposition movement that led to the independence of Cartagena, ruled by two separate governments which would spawn a civil war. The United Provinces of New Granada were established in 1812, but ideological separation allowed Spain to recapture the territory and punish the perpetrators.

The retribution sparked further rebellion, resulting in independence for the region in 1819, although pro-Spanish resistance continued until 1822. The unstable Republic of Colombia, comprising what is now Ecuador, Colombia and Venezuela, was created with a constitution adopted in 1821 and Simon Boliva elected as the first president. Venezuela and Ecuador left the republic in 1829 and 1830, respectively.

The Liberal party of Colombia was formed in 1848, followed by the Conservatives in 1849, along with the first constitutional government in South America. A two-year civil war led to the establishment of the United States of Colombia in 1863, which lasted until 1886 when the Republic of Colombia was created. Dissatisfaction continued, resulting in frequent conflicts, including the Thousand Days’ civil war which continued from 1899 until 1902.

Panama became a separate nation in 1903 with assistance from the United States, but was not recognized by Colombia until 1921 after the US paid $25,000,000 in reparations.

Colombia became relatively stable after this, until tensions between the two parties erupted into violence following the April 1948 assassination of Jorge Eliécer Gaitán, the Liberal presidential candidate. National rioting ensued, killing approximately 180,000 locals. A coup to depose of the president and the subsequent military of General Gabriel Paris Gordillo saw a lessening in the violence between the two parties for a bit between 1953 and 1964. The two joined forces to create the National Front to run the country with a presidency alternating between conservatives and liberals every four years. This style of administration lasted for 16 years and had mixed success in implementing far-reaching social and economic reforms, which were hampered by interference from guerrilla groups.

The period from 1970 to 1990 saw the emergence of violent and powerful drug cartels, particularly the Medellin Cali which influenced the politics, economy and society in Colombia. At the center of this was Pablo Escobar who made a fortune in cocaine trafficking, to the extent of financing terrorist organizations to destabilize the country when the government threatened to sign an extradition treaty with the US. It culminated in the bombing of the Supreme Court, resulting in the death of several judges and the assassination of a major political leader. Escobar was eventually tracked down and killed, leaving behind warring factions, but the end of an era of violence that saw the murder of tens of thousands innocent victims.

In 1991, a new constitution was ratified which prohibited the extradition of Colombian nationals until the provision was repealed in 1996. Previously, the cartels had campaigned violently against extradition which further influenced Colombian politics. By 1996, about a third of the senate was under mafia control, a circumstance uncovered by the 8000 justice case.

Despite reforms, Colombia continues to be plagued by illegal factions and drug trade violence, which President Andre Pastrana attempted to reduce between 1999 and 2002. The administration of Alvaro Uribe, assisted by the United States, applied military pressure to illegal groups, which led to a gradual decrease in violence and growth in tourism, although the rural and jungle areas remain dangerous with reports of human rights violations.

Between 2008 and 2011, Colombia largely abandoned its long-held hostility towards Venezuela and gained a seat on the UN Security Council. In 2012, they became the fourth largest South American producer of oil, churning out around one million barrels a day.

Cultura

Colombia’s turbulent history has created a racially tolerant, proud culture made up of people with Spanish, indigenous and African heritage. While Colombians are often happy to interact with foreigners, discussions or jokes about politics, religion or drugs are only appropriate amongst close friends. Large scale Catholicism of the nation took place under Spanish rule, incorporating tribal elements into the festivals. Carnivals are the best example of this, colorful celebrations of ethnic diversity and unity, incorporating time honored traditional dance, costume, instruments and cooking, usually in honor of a Catholic saint.

Colombians are also creative people who have been producing paintings, sculptures, and jewelry for centuries, with many contemporary artists globally recognized today. The Colombians also have a strong oral folklore, written literary and filmic traditions as evidenced by events such as the massive Bogota International Book Fair and film festivals hosted by Cartagena. No discussion of Colombian culture would be complete without a mention of the national love of football (soccer), which enjoys huge popularity in the country.


4 Women In One Family Wore The Same Handmade Wedding Gown From 1932

Over the last 85 years, four women in one family have worn the same silk dress for their weddings.

It all started with Maria Teresa Moreno ― known by her relatives as “Grande” ― who made the gown herself before her own wedding in 1932.

Since then, the long-sleeved gown has been passed down through generations of women ― Grande’s granddaughter, Marta Prietto O’Hara, wore it to her wedding in 1983.

Followed by Elena Salinas, Grande’s granddaughter and Marta’s younger sister, in 1997.

And most recently, by Pilar O’Hara Kassouf, Grande’s great-granddaughter, in September 2017.

Marta, who lives in Tustin, California, told HuffPost in an interview that that fact that she and her daughter Pilar both wore a dress with such rich family history was an experience “beyond words.”

“It was such a connection to my grandmother, with whom I was very close,” Marta said of Grande, who died in 2009. “She was also my godmother and she lived around the corner from me so I saw her all the time. And she lived to be 98. So my kids grew up knowing their great-grandmother.”

Marta continued: “My grandmother would just be so thrilled to know that one of her great-grandchildren wanted to wear her dress. I think she would be very touched. It fills my heart. It makes me just so happy.”

It all started in 1932 when Grande, a talented Los Angeles seamstress who was born and raised in Mexico, fell in love with a wedding dress she saw in a department store window and decided to recreate it by hand for her nuptials to Manuel Moreno, according to the Orange County Register.

The couple went on to have four kids ― two sons and two daughters. When one of Grande’s daughters, Anita, tied the knot with Pablo Prietto in 1957, she ended up wearing a different dress that was custom-made by her mother for the occasion. Still, Anita held onto the original gown, which she kept in a small, flimsy box in her closet.

Fast-forward to 1983 when Marta, one of Anita’s seven children, was planning a wedding to her high school sweetheart Kevin O’Hara. Anita wanted her daughter to wear the same dress she had worn at her wedding back in 1957. Although the garment had been specially preserved, when Anita pulled it out of the container, she saw it had been badly damaged with a large stain across the bodice. It was unwearable.

Anita had a plan B, though. She grabbed the box holding Grande’s dress from her closet for Marta to try on.

“It wasn’t even in tissue ― it was just in the box in perfect condition,” Marta told HuffPost. “Before I even saw the style ― just the fabric alone ― I said, ‘I’m wearing this dress if it fits me.’ I tried it on that day, and knew I was going to wear it.”

Marta described the dress as a creamy gold in color with a luxurious, buttery texture.

“It’s thick, luscious silk. You just want to feel it when someone’s wearing it,” she told HuffPost.

In 1997, Elena ― Marta’s sister ― married her husband Ric in Los Angeles’ Silver Lake neighborhood and wore the elegant gown as well.

After Elena’s wedding, the dress sat idle for 20 years until Marta’s daughter Pilar got engaged to Nick Kassouf in April 2017.

“I always knew about ‘the dress’ but it was always a vague notion to me until I was actually engaged,” Pilar told HuffPost. “After I got engaged, I went over to my grandma Anita’s house to try it on. Once I did, and saw myself in the mirror, I knew. It fit like a glove and needed no alterations whatsoever. There was no way I was walking into any bridal store to look at a dress that meant nothing to me when our family dress meant everything to me. It was meant to be.”

Once Pilar decided she was wearing the dress, Anita spent a month interviewing dry cleaners before finding one she was willing to leave her prized possession with.

“My mom is superstitious,” Marta told HuffPost. “She’s like, ‘I don’t want to spend a lot of money to get it cleaned until somebody really wants to wear it in case it gets ruined.’ She’s extremely protective of this dress and the fabric and the care of it.”


Teva and Polaroid Are Bringing Back a Vintage Camera and New Sandals for the Most 'Memorable' Summer Ever

Teva and Polaroid are here to prove that the &apos90s really are cool again.

In May, the two brands announced a rather nostalgic collaboration that includes some cute sandals and the perfect instant camera.

"The collection is a celebration of creative expression designed to help people capture instant memories," the brands shared in a joint statement. The limited-edition Teva x Polaroid collection includes classic Teva sandal made from recycled materials and a custom refurbished Polaroid 600 camera, allowing fans to "capture new adventures more sustainably."

"Polaroid was a natural partner for this collaboration that demonstrates our shared belief in the power of creativity," Erika Gabrielli, senior director of global marketing at Teva, shared in a statement. "Both of our brands evoke a happy nostalgia, and we thought what better way to honor our fans than create a collection that invites expression and inspires them to make new memories."

Fans can choose from both Original Tevas in grey and the Midform Universal Tevas in red. Both are water-friendly styles and have the same rubber outsole wearers have come to know and love. Both versions also come with a custom Polaroid Color Spectrum webbing on the heel strap for added flair.

With the shoes, shoppers can also snag the Teva x Polaroid 600 instant analog camera made from original Polaroid electronics that have been professionally refurbished. It also comes with a co-branded Teva x Polaroid camera strap made with recycled yarn, making it easy to take your cool new camera everywhere.

"Polaroid has always been about inspiring creativity, anytime, anywhere. We&aposre excited to partner with a brand with a shared rich heritage to further that mission, encouraging people to find inspiration wherever their adventure takes them," Marta Martinez, chief marketing officer of Polaroid, added.

The shoes are available in extended sizing for all genders, starting at $70. The custom Teva x Polaroid 600 camera is now available for $160. But if you want one you better get one fast before this collection is history just like the &apos90s.


Apart from these, she has appeared on China: The Panda Adventure, Auto Focus, Secret Window, A History of Violence, Thank You for Smoking, World Trade Center, Flicka, Shattered, The Jane Austen Book Club, The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor, The Private Lives of Pippa Lee, The Company Men, The Yellow Handkerchief, Grown Up, Law & Order: SVU, Prime Suspect, Touch, Prisoners, Grown Ups 2, Demonic, Bravetown, Evry Day and Giant Little Ones.


Assista o vídeo: Marta Sandal (Outubro 2021).