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O nascimento de Vênus por Bouguereau

O nascimento de Vênus por Bouguereau


O Nascimento de Vênus (Bouguereau)

O Nascimento de Vênus (Francês: La Naissance de Vénus) é uma das pinturas mais famosas do pintor do século 19, William-Adolphe Bouguereau. Não retrata o nascimento real de Vênus do mar, mas seu transporte em uma concha como uma mulher totalmente madura do mar para Pafos, em Chipre. Ela é considerada o epítome do ideal clássico grego e romano da forma e beleza feminina, a par com Vênus de Milo.

O Nascimento de Vênus
Francês: La Naissance de Vénus
ArtistaWilliam-Adolphe Bouguereau
Ano1879 ( 1879 )
Médioóleo sobre tela
Dimensões300 cm × 218 cm (120 pol x 86 pol.)
LocalizaçãoMusée d'Orsay

Para Bouguereau, é considerado um tour de force. A tela tem pouco mais de 300 centímetros (9 pés e 10 polegadas) de altura e 218 cm (7 pés 2 pol.) De largura. O assunto, assim como a composição, se assemelha a uma versão anterior deste assunto, Sandro Botticelli O Nascimento de Vênus, assim como o de Raphael O Triunfo de Galatea.

No centro da pintura, Vênus está nua em uma concha de vieira [1] sendo puxada por um golfinho, um de seus símbolos. Quinze putti, incluindo Cupido e sua amante Psiquê, e várias ninfas e centauros se reuniram para testemunhar a chegada de Vênus. A maioria das figuras está olhando para ela, e dois dos centauros estão soprando em conchas e conchas de Tritão, sinalizando sua chegada.

Vênus é considerada a personificação da beleza e da forma femininas, e esses traços são mostrados na pintura. [1] Sua cabeça está inclinada para um lado e sua expressão facial reflete que ela está calma e confortável com sua nudez. Ela levanta os braços, [2] arrumando os cabelos castanhos na altura das coxas, balançando elegantemente em um contrapposto a uma curva em "S", enfatizando as curvas de seu corpo. [3]

A figura de Vênus foi ampliada de uma ninfa de Bouguereau O ninfeu, concluído em 1878, um ano antes. [3] A ninfa é ligeiramente mais magra e seus seios são mais cheios e arredondados. O contrapposto de Vênus é mais intenso, e seu cabelo também é mais longo e mais claro que o da ninfa, mas ela o arruma de forma quase idêntica.

À esquerda superior da pintura, há uma sombra nas nuvens. Parece ser a silhueta do artista, com cabeça, ombro, braço e um punho erguido que parecia segurar um pincel. [1]


Conteúdo

Editar anos de formação

William-Adolphe Bouguereau nasceu em La Rochelle, França, em 30 de novembro de 1825, em uma família de comerciantes de vinho e azeite. [4] Filho de Théodore Bouguereau (nascido em 1800) e Marie Bonnin (1804), conhecido como Adeline, William foi criado como católico. Ele tinha um irmão mais velho, Alfred, e uma irmã mais nova, Marie (conhecida como Hanna), que morreu quando ela tinha sete anos. A família mudou-se para Saint-Martin-de-Ré em 1832. Outro irmão nasceu em 1834, Kitty. Aos 12 anos, Bouguereau foi para Mortagne para ficar com seu tio Eugène, um sacerdote, e desenvolveu um amor pela natureza, religião e literatura. Em 1839, ele foi enviado para estudar para o sacerdócio em um colégio católico em Pons. Aqui, ele foi ensinado a desenhar e pintar por Louis Sage, que havia estudado com Ingres. Bouguereau relutantemente deixou seus estudos para voltar para sua família, agora residindo em Bordeaux. Lá ele conheceu um artista local, Charles Marionneau, e começou na Escola Municipal de Desenho e Pintura em novembro de 1841. Bouguereau também trabalhou como assistente de loja, litografias para colorir à mão e fazendo pequenas pinturas que foram reproduzidas usando cromolitografia. Ele logo se tornou o melhor aluno de sua classe e decidiu se tornar um artista em Paris. Para financiar a mudança, ele vendeu retratos - 33 óleos em três meses. Todos não tinham assinatura e apenas um foi rastreado. Ele chegou a Paris aos 20 anos em março de 1846. [5]

Bouguereau tornou-se aluno da École des Beaux-Arts. [4] Para complementar seu treinamento formal em desenho, ele participou de dissecações anatômicas e estudou trajes históricos e arqueologia. Foi admitido no atelier de François-Édouard Picot, onde estudou pintura no estilo académico. Dante e Virgil no Inferno (1850) foi um dos primeiros exemplos de suas obras neoclássicas. A pintura acadêmica tinha o maior status em assuntos históricos e mitológicos, e Bouguereau decidiu ganhar o Prix de Rome, que lhe renderia uma residência de três anos na Villa Medici em Roma, Itália, onde além das aulas formais ele poderia estudar primeiro em mãos os artistas da Renascença e suas obras-primas, bem como as antiguidades gregas, etruscas e romanas. [7]

Villa Medici, Roma 1851–1854 Editar

O jovem artista entrou no concurso Prix de Rome em abril de 1848. Logo depois que o trabalho começou, houve tumultos em Paris e Bouguereau se inscreveu na Guarda Nacional. Depois de uma tentativa malsucedida de ganhar o prêmio, ele entrou novamente em 1849. Após 106 dias de competição, ele novamente não conseguiu vencer. Sua terceira tentativa começou sem sucesso em abril de 1850 com Dante e Virgil mas cinco meses depois, ele soube que havia ganhado um primeiro prêmio conjunto para Pastores encontram Zenobia nas margens do Araxes. [7]

Junto com outros vencedores da categoria, ele partiu para Roma em dezembro e finalmente chegou à Villa Medici em janeiro de 1851. Bouguereau explorou a cidade, fazendo esboços e aquarelas enquanto caminhava. Ele também estudou literatura clássica, o que influenciou sua escolha de assunto para o resto de sua carreira. [7] Ele caminhou até Nápoles e depois para Capri, Amalfi e Pompéia. Ainda baseado em Roma e trabalhando duro no trabalho do curso, houve mais explorações da Itália em 1852. Embora ele tivesse uma grande admiração por toda a arte tradicional, ele reverenciava particularmente a escultura grega, Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Ticiano, Rubens e Delacroix . Em abril de 1854, ele deixou Roma e voltou para La Rochelle. [5]

Altura da carreira Editar

Bouguereau, pintando dentro do estilo acadêmico tradicional, expôs nas exposições anuais do Salão de Paris durante toda a sua vida profissional. Um dos primeiros críticos afirmou: "M. Bouguereau tem um instinto natural e um conhecimento do contorno. A euritmia do corpo humano o preocupa e ao relembrar os resultados felizes aos quais, neste gênero, os antigos e os artistas do século XVI chegaram , só podemos parabenizar M. Bouguereau na tentativa de seguir seus passos. Raphael foi inspirado pelos antigos. e ninguém o acusou de não ser original. " [8]

Raphael era um dos favoritos de Bouguereau e ele considerou essa crítica um grande elogio. Ele havia cumprido um dos requisitos do Prix de Rome ao completar uma cópia do antigo mestre de Raphael O Triunfo de Galatea. Em muitas de suas obras, ele seguiu a mesma abordagem clássica para composição, forma e assunto. [9] Os graciosos retratos de mulheres de Bouguereau eram considerados muito charmosos, em parte porque ele poderia embelezar uma modelo enquanto também mantinha sua imagem.

Embora Bouguereau tenha passado a maior parte de sua vida em Paris, ele voltou a La Rochelle várias vezes ao longo de sua vida profissional. Ele era reverenciado na cidade em que nasceu e assumiu encomendas de decoração de cidadãos locais. Desde o início da década de 1870, ele e sua família passaram todos os verões em La Rochelle. Em 1882, ele decidiu que, em vez de alugar, compraria uma casa, bem como edifícios agrícolas locais. Em agosto daquele ano, a base de verão permanente da família era na rue Verdière. O artista começou várias pinturas aqui e as completou em seu estúdio em Paris. [5]

Bouguereau floresceu após sua residência na Villa Medici. Em 1854-55, ele decorou um pavilhão na grande casa de um primo em Angoulins, incluindo quatro grandes pinturas de figuras representando as estações. Ele ficou feliz em assumir outras comissões para saldar as dívidas contraídas na Itália e ajudar sua mãe sem um tostão. Ele decorou uma mansão com nove grandes pinturas de figuras alegóricas. Em 1856, o Ministério de Estado das Belas Artes o encarregou de pintar Imperador Napoleão III visitando as vítimas do dilúvio de Tarascon. Houve decoração para a capela de Santa Clotilde. Ele recebeu a Legião de Honra em 12 de julho de 1859. Nessa época, Bouguereau estava se afastando da pintura histórica e de longas encomendas para trabalhar em pinturas mais pessoais, com temas realistas e rústicos. [5]

No final da década de 1850, ele fez fortes conexões com negociantes de arte, especialmente Paul Durand-Ruel (mais tarde o campeão dos impressionistas), que ajudava clientes a comprar pinturas de artistas que expunham nos salões. [10] Graças a Durand-Ruel, Bouguereau conheceu Hugues Merle, que mais tarde foi frequentemente comparado a Bouguereau. Os salões atraíam anualmente mais de 300.000 pessoas, proporcionando uma exposição valiosa aos artistas expostos. [11] A fama de Bouguereau estendeu-se à Inglaterra na década de 1860. [12] Três pinturas foram mostradas no Salão de 1863 e familia sagrada (Agora no Museu Chimei) foi vendido a Napoleão III, que o presenteou com sua esposa, a Imperatriz Eugénie, que o pendurou em seu apartamento nas Tulherias. [5]

Banhista (1864), um nu chocante, foi apresentado a uma exposição em Ghent, Bélgica. Foi um sucesso espetacular e foi comprado pelo museu com grande custo. Nessa época, William assumiu trabalhos decorativos no Grand Théâtre de Bordeaux, que durou quatro anos. Em 1875, com assistentes, começou a trabalhar no teto de uma capela de La Rochelle, produzindo seis pinturas em cobre nos seis anos seguintes. Uma vez instalado na cidade, no verão de 1875, ele começou Pietà, uma de suas maiores pinturas religiosas e exibida no Salão de 1876, em homenagem a seu filho Georges. A pedido do rei Guilherme III da Holanda, Bouguereau foi ao Palácio Het Loo em maio de 1876. O rei admirava o artista e eles passaram momentos íntimos juntos. Em maio de 1878, a Exposição Universal de Paris foi aberta para mostrar a obra francesa. Bouguereau encontrou e emprestou doze de suas pinturas de seus proprietários, incluindo seu novo trabalho Ninfeu. [5]

Bouguereau foi um tradicionalista convicto cujas pinturas de gênero e temas mitológicos eram interpretações modernas de temas clássicos, tanto pagãos quanto cristãos, com ênfase na forma feminina nua. O mundo idealizado de suas pinturas dava vida a deusas, ninfas, banhistas, pastoras e madonas de uma forma que atraía os ricos patronos da arte da época.

Bouguereau empregou métodos tradicionais de elaboração de pinturas, incluindo estudos detalhados a lápis e esboços a óleo, e seu método cuidadoso resultou em uma representação agradável e precisa da forma humana. Sua pintura de pele, mãos e pés foi particularmente admirada. [13] Ele também usou alguns dos simbolismos religiosos e eróticos dos Velhos Mestres, como o "jarro quebrado", que conotava a inocência perdida. [14]

Bouguereau recebeu muitas encomendas para decorar casas particulares e edifícios públicos, o que, desde o início, aumentou seu prestígio e fama. Como era típico dessas encomendas, ele às vezes pintava em seu próprio estilo e, em outras ocasiões, obedecia a um estilo de grupo existente. Ele também fez reduções de suas pinturas públicas para venda aos clientes, das quais A Anunciação (1888) é um exemplo. [15] Ele também foi um pintor de retratos de sucesso e muitas de suas pinturas de clientes ricos permanecem em mãos privadas. [16]

Académie Julian Edit

A partir da década de 1860, Bouguereau esteve intimamente associado à Académie Julian, onde deu aulas e conselhos a estudantes de arte, homens e mulheres, de todo o mundo. Durante várias décadas, ele ensinou desenho e pintura a centenas, senão milhares, de alunos. Muitos deles conseguiram estabelecer carreiras artísticas em seus próprios países, ora seguindo seu estilo acadêmico, ora se rebelando contra ele, como Henri Matisse. Ele se casou com sua aluna mais famosa, Elizabeth Jane Gardner, após a morte de sua primeira esposa.

Bouguereau recebeu muitas honras da Academia: ele se tornou Membro Vitalício em 1876, recebeu a Grande Medalha de Honra em 1885 [17], foi nomeado Comandante da Legião de Honra em 1885 e foi nomeado Grande Oficial da Legião de Honra em 1905. [ 18] Ele começou a ensinar desenho na Académie Julian [19] em 1875, uma instituição mista de arte independente da École des Beaux-Arts, sem exames de admissão e taxas nominais. [20]

Esposas e filhos Editar

Em 1856, William começou a viver com uma de suas modelos, Nelly Monchablon, uma jovem de 19 anos de Lisle-en-Rigault. Vivendo juntos fora do casamento, o par manteve sua ligação em segredo. Seu primeiro filho, Henriette, nasceu em abril de 1857. Georges nasceu em janeiro de 1859. Um terceiro filho, Jeanne, nasceu em 25 de dezembro de 1861. O casal se casou discretamente (para muitos presumiram que já estivessem casados) em 24 de maio de 1866. Oito dias mais tarde, Jeanne morreu de tuberculose. De luto, o casal foi para La Rochelle, e Bouguereau fez uma pintura dela em 1868. Um quarto filho, Adolphe (conhecido como Paul), nasceu em outubro de 1868. Aos 15 anos, a saúde de Georges piorou e sua mãe o levou longe do mau ar de Paris. No entanto, ele morreu em 19 de junho de 1875. Nelly teve um quinto filho em 1876, Maurice, mas sua saúde estava piorando e os médicos suspeitaram que ela havia contraído tuberculose. Ela morreu em 3 de abril de 1877 e o bebê Maurice morreu dois meses depois. [21]

O artista planejava se casar com Elizabeth Jane Gardner, uma aluna que ele conhecia há dez anos, mas sua mãe se opôs à ideia. Logo após a morte de Nelly, ela fez Bouguereau jurar que não se casaria novamente dentro de sua vida. Após a morte de sua mãe, e após um noivado de dezenove anos, ele e Gardner se casaram em Paris em junho de 1896. [21] Sua esposa continuou a trabalhar como sua secretária particular e ajudou a organizar o pessoal doméstico. Seu filho Paul contraiu tuberculose no início de 1899 Paul, sua madrasta e Bouguereau foram para Menton, no sul. Quando a estada se prolongou, o artista encontrou um cômodo para pintar. Paul morreu na casa de seu pai em abril de 1900, aos 32 anos, Bouguereau tinha sobrevivido a quatro de seus cinco filhos, apenas Henriette sobreviveu a ele. Elizabeth, que esteve com o marido até o fim, morreu em Paris em janeiro de 1922. [5]

Editar Casas

Quando Bouguereau chegou a Paris em março de 1846, ele residia no Hotel Corneille na 5 rue Corneille. Em 1855, depois de sua estada em Roma, ele morou na rue de Fleurus 27, e no ano seguinte alugou um estúdio no quarto andar na rue Carnot 3, perto de seu apartamento. Em 1866, o ano de seu casamento com Nelly, ele comprou um vasto terreno na rue Notre-Dame-des-Champs, e um arquiteto foi contratado para projetar uma grande casa com um estúdio no último andar. A família foi instalada em 1868, junto com cinco servos e sua mãe, Adeline, visitando diariamente. Bouguereau passou o resto de sua vida aqui e em La Rochelle. [5]

Últimos anos e morte Editar

Bouguereau foi um pintor assíduo, muitas vezes completando vinte ou mais pinturas de cavalete em um único ano. Mesmo durante os anos crepusculares de sua vida, ele se levantava de madrugada para trabalhar em suas pinturas seis dias por semana e continuava pintando até o anoitecer. [5] Ao longo de sua vida, ele é conhecido por ter pintado pelo menos 822 pinturas. Muitas dessas pinturas foram perdidas. [3] Perto do fim de sua vida, ele descreveu seu amor por sua arte: "Todos os dias eu vou para o meu estúdio cheio de alegria à noite, quando sou obrigado a parar por causa da escuridão, mal posso esperar pela manhã seguinte. Se Não posso me entregar à minha querida pintura, estou miserável. " [22]

Na primavera de 1905, a casa e o estúdio de Bouguereau em Paris foram roubados. Em 19 de agosto de 1905, aos 79 anos, Bouguereau morreu em La Rochelle de doença cardíaca. Houve uma onda de pesar na cidade onde nasceu. Depois de uma missa na catedral, seu corpo foi colocado em um trem para Paris para uma segunda cerimônia. Bouguereau foi sepultado com Nelly e seus filhos no cofre da família no cemitério de Montparnasse. [5]

Soir, Noite ou Clima noturno (1882)

Psyche et L'Amour (1889)

O banhista ou Baigneuse (1879)

Les Deux Baigneuses (1884)

Em sua época, Bouguereau foi considerado um dos maiores pintores do mundo pela comunidade artística acadêmica e, ao mesmo tempo, foi insultado pela vanguarda. Ele também ganhou grande fama na Bélgica, Holanda, Portugal, Espanha, Itália, Romênia e nos Estados Unidos, e conseguiu preços elevados. [16] Suas obras geralmente eram vendidas poucos dias após a conclusão. Alguns foram vistos por colecionadores internacionais e comprados antes mesmo de o trabalho terminar. [5]

A carreira de Bouguereau foi quase uma ascensão direta, quase sem retrocesso. [23] Para muitos, ele simbolizava bom gosto e requinte, e um respeito pela tradição. Para outros, ele era um técnico competente preso ao passado. Degas e seus associados usaram o termo "Bouguereauté" de maneira depreciativa para descrever qualquer estilo artístico baseado em "superfícies lisas e artificiais", [23] também conhecido como acabamento laminado. Em uma carta de 1872, Degas escreveu que se esforçou para emular o estilo de trabalho ordenado e produtivo de Bouguereau, embora com a famosa sagacidade incisiva de Degas e as tendências estéticas dos impressionistas, seja possível que a declaração pretendesse ser irônica. [16] Paul Gauguin o odiava, classificando-o como um round zero em Racontars de Rapin e depois descrevendo em Avant et après (revistas íntimas) a única ocasião em que Bouguereau o fez sorrir ao se deparar com algumas de suas pinturas em um bordel de Arles, "onde pertenciam". [24] [25]

As obras de Bouguereau foram compradas avidamente por milionários americanos que o consideravam o mais importante artista francês da época. [16] Por exemplo, Ninfas e Sátiros foi comprado primeiro por John Wolfe, depois vendido por sua herdeira Catharine Lorillard Wolfe ao hoteleiro Edward Stokes, que o exibiu no Hoffman House Hotel de Nova York. [26] Duas pinturas de Bouguereau na mansão Nob Hill de Leland Stanford foram destruídas no terremoto e incêndio de San Francisco de 1906. [27] O magnata da corrida do ouro James Ben Ali Haggin e sua família, que normalmente evitava o nu, abriram uma exceção para Bouguereau's Ninfeu.

No entanto, mesmo durante sua vida, houve uma divergência crítica na avaliação de seu trabalho, o historiador da arte Richard Muther escreveu em 1894 que Bouguereau era um homem "destituído de sentimento artístico, mas possuindo um gosto culto [que] revela, em sua debilidade melancólica, o fatal declínio das velhas escolas da convenção. " Em 1926, o historiador de arte americano Frank Jewett Mather criticou a intenção comercial da obra de Bouguereau, escrevendo que o artista "multiplicou efígies vagas e rosa de ninfas, ocasionalmente as drapejou, quando se tornaram santos e madonas, pintadas na grande escala que domina uma exposição , e teve sua recompensa. Estou convencido de que o nu de Bouguereau foi pré-arranjado para atender aos ideais de um corretor da bolsa de Nova York da geração da noz negra. " Bouguereau confessou em 1891 que a direção de seu trabalho maduro foi em grande parte uma resposta ao mercado: "O que você espera, você tem que seguir o gosto do público, e o público só compra o que gosta. É por isso que, com o tempo, mudei o meu maneira de pintar. " [28]

Bouguereau caiu em descrédito depois de 1920, em parte devido à mudança de gostos. [7] Comparando seu trabalho com o de seus contemporâneos realistas e impressionistas, Kenneth Clark culpou a pintura de Bouguereau pela "lubricidade" e caracterizou a arte do Salon como superficial, empregando a "convenção de forma suavizada e superfície encerada". [29]

O Centro Cultural de Nova York apresentou uma mostra do trabalho de Bouguereau em 1974 - em parte como curiosidade, embora o curador Robert Isaacson estivesse de olho na reabilitação a longo prazo do legado e da reputação de Bouguereau. [30] Em 1984, a Galeria Borghi hospedou uma mostra comercial de 23 pinturas a óleo e um desenho. No mesmo ano, uma grande exposição foi organizada pelo Museu de Belas Artes de Montreal, no Canadá. A exposição foi inaugurada no Musée du Petit-Palais, em Paris, viajou para o Wadsworth Atheneum em Hartford e foi concluída em Montreal. Mais recentemente, o ressurgimento da popularidade do artista foi promovido pelo colecionador americano Fred Ross, que possui uma série de pinturas de Bouguereau e o apresenta em seu site no Art Renewal Center. [31] [32]

Em 2019, o Museu de Arte de Milwaukee reuniu mais de 40 pinturas de Bouguereau para uma grande retrospectiva de sua obra, que de acordo com o Wall Street Journal, pediu aos leitores que "vissem Bouguereau pelos olhos de uma época em que ele foi celebrizado e o impressionismo foi rejeitado como 'liberdade francesa'. "[33] A exposição mais tarde foi programada para viajar para o Memphis Brooks Museum of Art em Memphis, Tennessee, e depois para o San Diego Museum of Art. [34]

Os preços das obras de Bouguereau têm subido constantemente desde 1975, com grandes pinturas sendo vendidas a preços elevados: $ 1.500.000 em 1998 por O Despertar do Coração, $ 2.600.000 em 1999 para A pátria e Caridade em leilão em maio de 2000 por $ 3.500.000. As obras de Bouguereau estão em muitas coleções públicas.

Notre Dame des Anges ("Our Lady of the Angels") foi exibida pela última vez nos Estados Unidos na Exposição Mundial de Columbian em Chicago em 1893. Foi doada em 2002 às Filhas de Maria, Mãe de Nosso Salvador, uma ordem de freiras afiliadas ao Clarence Kelly's Sociedade Católica Tradicionalista de São Pio V. Em 2009, as freiras o venderam por US $ 450.000 a um negociante de arte, que conseguiu vendê-lo por mais de US $ 2 milhões. Kelly foi posteriormente considerada culpada por um júri em Albany, Nova York, de difamar o traficante em comentários feitos em uma entrevista para a televisão. [35]

Fontes em seu nome completo são contraditórias: às vezes é dado como William-Adolphe Bouguereau (nome composto), William Adolphe Bouguereau (nomes usuais e apenas civis de acordo com a tradição francesa), enquanto em outras ocasiões aparece como Adolphe William Bouguereau (com Adolphe como o nome usual). No entanto, ele costumava assinar suas obras simplesmente como William Bouguereau (insinuando que "William" era seu nome de batismo, qualquer que fosse a ordem), ou mais precisamente como "W.Bouguereau.date" (Alfabeto francês) e mais tarde como "W-BOVGVEREAV-date" (Alfabeto latino).

  • 1848: Segundo Prêmio de Roma, para Saint Pierre après sa délivrance de prisão, vient retrouver les fidèles chez Marie.
  • 1850: Premier Prix de Rome, para Zenobie retrouvée par les bergers sur les bords de l'Araxe.
  • 1859: Cavaleiro da Legião de Honra [18]
  • 1876: Oficial da Legião de Honra [18]
  • 1881: Cavaleiro da Ordem de Leopoldo [36]
  • 1885: Comandante da Legião de Honra [18]
  • 1885: Grande Medalha de Honra [17]
  • 1890: Membro da Academia Real de Ciências, Letras e Belas Artes da Bélgica [37]
  • 1905: Grande Oficial da Legião de Honra [18]

No O Rei de Amarelo, de Robert W. Chambers, ele é mencionado em vários contos como professor na École des Beaux-Arts.

No romance de Sir Arthur Conan Doyle O Sinal dos Quatro (1890), o personagem Sr. Sholto observa, "não pode haver a menor dúvida sobre o Bouguereau. Eu sou parcial para a escola francesa moderna." [38]


Dante e Virgílio no Inferno (1850)

O material de origem para esta pintura é Canto XXX da sequência "Inferno" do poeta medieval Dante Alighieri Divina Comédia (1308-20). Nesta seção, o poeta Dante e seu guia Virgílio descem ao oitavo círculo do inferno, onde encontram as almas atormentadas de "falsificadores" (falsificadores e fraudadores). Bouguereau provavelmente se inspirou nos seguintes versos do poema: "Quando vi duas sombras pálidas e nuas, / Quem, mordendo, corria da mesma maneira / Que faz um javali, quando do chiqueiro se soltou." Em primeiro plano, o colérico Capocchio - um amigo dos tempos de escola de Dante, que foi queimado na fogueira como alquimista - é atacado por Gianni Schicchi, outro contemporâneo de Dante, que se passou por um homem morto para roubar sua herança. Um demônio paira no fundo, enquanto outras almas malditas se contorcem na paisagem de fogo.

Bouguereau submeteu essa obra atipicamente macabra ao Salão de 1850, numa época em que estava apenas se estabelecendo como pintor acadêmico. A obra recebeu muitos elogios da crítica, inclusive do escritor Théophile Gautier, que comentou sobre a atenção de Bouguereau à musculatura e ao drama narrativo. Por meio de seus estudos na École des Beaux-Arts, Bouguereau encontrou as obras dos grandes pintores neoclássicos e absorveu uma moda contemporânea para temas sombrios da literatura medieval. Nesse ponto inicial de sua carreira, ele também se preocupava em exibir suas proezas técnicas, capturando poses nuas incomumente tensas.

Bouguereau não voltaria a Dante, logo descobrindo que - em suas próprias palavras - "o horrível, o frenético, o heróico não compensa", e que o público preferia Vênus e Cupidos. No entanto, ele manteve a habilidade requintada na pintura de figuras que fica clara neste trabalho. Composta no mesmo ano de sua pintura inovadora Zenobia encontrada por pastores nas margens do Arax (1850), que lhe rendeu o Grande Prêmio de Roma, essa pintura marca o ponto na carreira de Bouguereau quando ele se firma como um campeão do estilo acadêmico.

Pietà (1876)

Para este ambicioso trabalho religioso, Bouguereau concebeu uma interpretação em larga escala do clássico Pietà tema, mostrando a Virgem Maria em luto pelo corpo de Cristo. No centro da composição, consumida por seu véu negro, Mary embala seu filho, pedindo ao espectador que tenha piedade com seu olhar. Auréolas douradas, semelhantes aos detalhes em folha de ouro em ícones renascentistas e retábulos, circundam as cabeças das duas figuras centrais, enquanto um grupo de anjos de luto circunda a cena, ecoando as formas composicionais centrais.

Um ano antes de terminar a pintura, Bouguereau sofrera a morte traumática de seu filho adolescente, George, devido a uma doença repentina. A correspondência contemporânea revela a dor avassaladora do artista pela morte, que também parecia tê-lo movido a criar uma série de obras religiosas monumentais, sendo esta a mais comovente. A urna dourada em primeiro plano traz uma inscrição em latim tênue dedicada a Jorge, incluindo a data de sua morte. Em termos estilísticos, o historiador da arte Gerald Ackerman comparou as obras religiosas de Bouguereau aos "mestres da alta Renascença [.] [Bouguereau] constrói composições a partir do movimento de corpos fortes e bem arredondados, cuja presença autoritária enche as telas de energia. " Não é por acaso que a posição da cabeça e dos ombros de Cristo ecoam a do Vaticano de Michelangelo Pieta (1498-99) escultura. Bouguereau também prestou muita atenção aos detalhes através do uso da cor: o sangue enferrujado e seco no pano branco em primeiro plano, os olhos avermelhados da Virgem lacrimosa e os tons verdes das extremidades de Cristo em decadência, tudo realça a precisão visual.

Na França de 1870, a pintura religiosa não era mais o gênero dominante de meio século antes, e o estilo nítido e preciso do Neoclassicismo também estava sob ameaça, desde o avanço do Impressionismo, é importante notar que esta pintura foi composta quatro anos depois De Monet Impressão, Nascer do Sol (1872). No entanto, Bouguereau não era cativo da moda de vanguarda, e sua identificação pessoal com o Pietà O tema permitiu-lhe criar uma obra que transcende o sentimentalismo enjoativo pelo qual é por vezes criticado.

O Nascimento de Vênus (1879)

Na interpretação de Bouguereau de uma narrativa de origem famosa da mitologia romana, Vênus, a deusa do amor e da beleza, emerge da espuma do mar sobre uma concha, atravessando a água para chegar à terra. Um bando de ninfas, tritões e putti a cercam de admiração enquanto, em uma abordagem do clássico contrapposto postura de Vênus Anadyomene da antiguidade, a deusa acentua as curvas de seu corpo em direções alternadas, enquanto ajeita os cabelos. Cores pastel frias evocam a atmosfera orvalhada do mundo marinho.

Para esta composição, Bouguereau inspirou-se em obras-primas do Renascimento, como a de Rafael O Triunfo de Galatea (c. 1514), com seu halo de querubins ao redor, e sedutor Sandro Botticelli Nascimento de Vênus (1486), ambos os quais Bouguereau estudou na Itália durante sua bolsa no Prix de Rome. Ao contrário dos nus de Raphael e Botticelli, no entanto, a Vênus de Bouguereau é capturada com um naturalismo refinado indicando os novos gostos artísticos da década de 1870, sem por isso abrir mão do artifício neoclássico. Como tal, a obra enfrenta o desafio do pintor do Salão do final do século 19, conforme descrito por T.J. Clark: negociar a carne de uma mulher moderna no estilo naturalista enquanto se apega ao ideal acadêmico de "o corpo como um signo, formal e generalizado, destinado a um símbolo de compostura e realização". Em sua perfeição técnica, a Vênus de Bouguereau parece realista, mas ela permanece deslocada da identidade individual, confinada com segurança ao papel de um ideal.

Esta foi uma combinação bem-sucedida (e lucrativa), e Bouguereau recebeu grande aclamação por essa pintura no Salão de 1879. A tintura fortemente erótica também sugere alguns dos métodos mais pragmáticos de Bouguereau para garantir um público comprador para sua obra: enquanto a Vênus de Botticelli esconde seu seio sedutoramente, a de Bouguereau convida o espectador a inspecionar cada seção dela, sem vergonha de sua nudez e sensualidade.


Menino de ouro

Sandro tinha um irmão mais velho, que teria sido chamado de “barril” por causa de sua constituição robusta, e acredita-se que foi assim que o jovem Sandro ganhou o apelido de Botticelli. O nome ficou com ele pelo resto de sua vida e se tornou sinônimo de algumas das maiores obras de arte de Florença. (Veja também: A Capela Sistina, a obra-prima de Michelangelo.)

Os detalhes da infância do artista são poucos. Sobre a infância de Botticelli, o historiador do século 16 Giorgio Vasari escreveu: “Embora [Botticelli] achasse fácil aprender o que quisesse, mesmo assim ele estava inquieto. [e, portanto,] cansado com os caprichos do cérebro de seu filho, em desespero, seu pai o aprendeu como ourives. " Essa experiência emerge nas pinturas de Botticelli na forma de floreios meticulosos e intrincados.

Durante a juventude de Botticelli, Florença foi o centro de inovação da arte italiana. O escultor florentino Donatello usou seu amplo conhecimento de obras clássicas para levar sua arte a novos patamares. A Basílica Dominicana de Santa Maria Novella abrigou o afresco “Santíssima Trindade” de Masaccio. Concluída em 1427, acredita-se que seja a primeira obra a aplicar integralmente as leis da perspectiva linear. (Veja também: Encontrando a Obra-prima 'Perdida' de Donatello.)

Os estudiosos de Mayn acreditam que os Vespuccis, ricos conhecidos da família de Botticelli, garantiram-lhe um aprendizado com Fra Filippo Lippi, um dos maiores pintores da região. Lippi tinha uma oficina na cidade vizinha de Prato, e o adolescente Botticelli estudou com ele e pintou seus primeiros trabalhos sob a tutela de Lippi.


10 fatos que você talvez não saiba sobre a obra-prima

1. Botticelli estabeleceu um novo precedente com sua pintura "Nascimento de Vênus". Ele representou o trabalho em tela. Isso foi um afastamento das pinturas de tábuas e afrescos com que os outros mestres de sua época trabalharam. Na verdade, por ser a tela um material mais barato, muitos contemporâneos a consideraram inferior. Botticelli foi o primeiro artista da Toscana a pintar sobre tela.

2. O artista italiano também estabeleceu um novo padrão com o tamanho da pintura. "Nascimento de Vênus" mede espantosos dois por três metros. Antes dessa obra, era norma durante o Renascimento pintar obras individuais em escala menor.

3. Ao contrário de seus contemporâneos, como Leonardo da Vinci, Botticelli optou por se aprofundar no passado com o tema "Nascimento de Vênus". While da Vinci was sourcing the Christian tradition for his art, Botticelli tapped into ancient Greek mythology.

4. The artist did not achieve public acclaim until four centuries after his death. It is no surprise that more popular High Renaissance painters such as Michelangelo, who was working on high-profile frescos on the the Sistine Chapel Ceiling, claimed the contemporary imagination of the day.

5. Modern technological testing reveals some of the revisions the artist made on his way to the final artwork. The Hora, or Spring goddess, to the right of Venus once wore sandals. The hair of Venus, Zephyr to her left and the goddess in his embrace also underwent transformation.

6. Venus' hair can be seen blowing in the wind (personified by the beings surrounding her), with some locks gathering on her shoulder. Upon closer inspection, an observer can see that the hair on her right shoulder wraps into a beautiful spiral. But that is not just any spiral. It is a perfect logarithmic spiral, discovered decades later as a naturally-occurring natural spiral also known as "the marvelous spiral."

7. The title of the painting, "The Birth of Venus," is not wholly accurate. It actually depicts the mythical events following her birth. However, this title is not original to the painting. It was added in the 19th century when people began taking notice of Botticelli's work.

8. Botticelli added golden touches after the painting was finished and framed. He highlighted the wings of the wind deities, the hair of the figures, their robes, the shell and some of the landscape elements.

9. Some art experts consider the wind deities to be the shining stars of the painting. The flow of their robes and the fluidity of their embrace creates a lovely mini-tableau.

10. "Birth of Venus" was ordered as a wedding gift for the cousin of Giuliano Medici and his brother Lorenzo. Due to its intended purpose and its unconventional nudity, it did not enter the public domain until many years after its completion. Instead, it hung above the new couple's marriage bed.


The Birth of Venus (Bouguereau)

The Birth of Venus ( La Naissance de Vénus ) is the name of an oil painting by William Adolphe Bouguereau from 1879. The 3 × 2.15 meter picture shows the birth of the goddess Venus , which according to a variant in Greek mythology from the Foam before the island of Cyprus was born.

Bouguereau's The Birth of Venus was recorded at the Paris Salon of 1879 and won the Prix ​​de Rome . In the same year it was bought by the Musée du Luxembourg in Paris , where it was exhibited until 1920. It was then kept in the depot of the Musée des Beaux-Arts de Nantes before it returned to Paris in 1979 and has since been exhibited in the Musée d'Orsay .

The painting is a typical example of the academic art of its time, performed in a perfected naturalistic painting technique. Bouguereau relied on classic models, but always tried to bring the "original images" to life. During his “Birth of Venus” he increased the movements of the body and emphasized the curve of the hips a little more than was the case with the model - Aphrodite of Cyrene (Rome, thermal bath museum). The result of these small changes, which increased the erotic charisma of “Venus”, was well received by the audience. At the same time, thanks to the ancient model, he was above any moralizing criticism.


At the center of the painting, Venus stands nude on a scallop shell [3] being pulled by a dolphin, one of her symbols. Fifteen putti, including Cupid and Psyche, and several nymphs and centaurs have gathered to witness Venus' arrival. Most of the figures are gazing at her, and two of the centaurs are blowing into conch and Triton shells, signaling her arrival.

Venus is considered to be the embodiment of feminine beauty and sexuality, and these traits are shown in the painting. [3] Venus' head is tilted to one side, and her facial expression is calm, comfortable with her nudity. She raises her arms, [4] arranging her thigh-length, brilliantly red hair. She sways elegantly in an "S" curve contrapposto, emphasizing the feminine curves of her body. [5]

The model for Venus was Marie Georgine, princess of Ligne. In 1861, she was on a short holiday (séjours) in Paris with her twin flame (non-nobility). Together, they modeled for his "Abduction of Psyche" and "Flora and Zephyr". Bouguereau worked out other sketches and paintings later in life from photographs he took of the couple. Some of Bouguereau's other works, like La Nuit, are also based on her. Marie was also painted by Léon Bonnat. She has also been photographed by Antoine Samuel Adam-Salomon as madame de la Rochefoucauld. Another portrait with Marie Georgine can be seen in Chateau d'Esclimont, France.

Venus' figure was enlarged from a nymph from Bouguereau's The Nymphaeum, completed in 1878 (a year earlier). [5] The nymph is slightly thinner, and her breasts are fuller and more rounded. Venus' contrapposto is more intense, and her hair is also longer and lighter than the nymph's, but she arranges it almost identically.

To the upper-left of the painting, there is a shadow in the clouds. It appears to be the silhouette of the artist, with a head, shoulder, arm, and a raised fist that would seem to hold a paintbrush. [3]


The Birth of Venus

And there, bubbling in the shimmery blue waters of the cytheran sea, there arose a young woman, with twirling red hair and beauty unparalleled by any other. She rose through the foam as though she was a pearl emerging from a newly cracked oyster. Floating she walked gracefully toward the shore and the creatures of the sea and sky looked upon her in awe as they stood in the presence of the newly born Goddess of Love and Beauty.

The image of the birth of Venus, the Roman goddess Love and Beauty, has been renowned by artists and literary creators throughout the ages. The first telling of the birth of Aphrodite was in the Theogony, a poem by Hesiod created sometime between 730-700 b.c in Greece. Known as Aphrodite, she was a beacon of love and sexuality in Greco-Roman culture. The name Aphrodite comes from the word aphros in Greek, meaning “seafoam” or “risen from foam.” The Romans adopted her as their goddess Venus. The goddess has been depicted in multiple pieces and expressions of art, whether it be in forms of literature, sculptures, or paintings, the tales of her beauty and allure have made her the muse for various creators. Venus has been depicted in several statues such as the Aphrodite Ourania and the Venus de Milo. There have also been several painted pieces depicting the goddess, three of the most famous versions of the painted Birth of Venus come from the artists Sandro Botticelli, Alexandre Cabanel, and William Adolphe-Bouguereau. All three of the artists created compositions that have been widely appreciated since their creation, each carries their own air of grace and beauty when describing the creation of the goddess, but which offers the most impactful in modern times?

The Birth of Venus by Sandro Botticelli was commissioned during the Renaissance period between the years 1403-1485 by Pierfrancesco de’Medici, who was part of the influential Medici family. This work portrays an accurate expression of the Birth of Venus as she emerges from the foam of the sea on a shell blown to shore to one of the Horai who awaits her to cloth her. This piece is serene, full of textured detail and balance between the West Wind and the Horai on shore. By far the most influential piece and the most iconic, this painting was the staple of Renaissance creating a dreamlike sequence this painting is also one of the most accurate to the original story of Aphrodite’s birth with the Horai and surrounding scenery. The vast amount of details such as the roses and texture of the sea are appealing to many modern audiences, the color scheme which also incorporates many neutral but dashes of pastel color are as aesthetically pleasing. When asked, many recognize Botticelli’s piece to be “the most iconic” of the three. The birth of Venus by Sandro Botticelli is by far one of the most widely recognized art pieces in history and is ranked in the top ten most famous paintings in the world.

The Birth of Venus by Alexandre Cabenel is by far a softer and lower-key piece. It shows a simple depiction of a sleeping venus laying on top of the ocean while little Cherub’s celebrate around her. It was composed between 1823-1889, and unlike Botticelli’s, it is an oil on canvas piece, suggesting a thicker in-person composition and a less translucent piece. However the painting itself still keeps its dreamlike qualities with the color scheme that has heavy emphasis on Venus’s porcelain like skin and her hand daintily thrown across her face as is she has only just begun to awaken. Cabanel’s piece was bought by Napoleon III. Just like Botecelli’s, Cabanel’s work has status of influence, this specific piece being one of the staples of his era. Despite being an academic piece, Cabanel’s art steps away from the more conservative Botecelli piece and into a more erotic piece without offending the public. Despite the beauty in its composition some feel that the painting appears “washed out,” a friend of mine even said that Venus looks like a “dead body.” Cabanel’s piece incorporates many elements of his time into the piece which shows Aphrodite’s awakening and the serenity of her birth.

The final version of the Birth of Venus overlaps with the commission of Cabanel’s piece, being finished in 1879. William-Adolphe Bouguereau drew inspiration from the original birth of venus, shying away from a more “modest” piece like both Cabanel and Botticelli. Her illustrates Venus in a “sensual” and “erotic” way, putting emphasis on the ideal body type and beauty of the goddess. Bouguereau stepped away from the typical modesty of art and became of the first artists to depict women in a stylish and sensual way. The painting like those before depicts Venus in the middle as the center of attention–much like Botticelli’s piece. Venus is adored by many looking upon her except they appear to be more like Nymphs rather than actual minor gods such as the Horai and the Wind. Bouguereau plays around with placement of his characters, adding depth to the painting (which Botticelli’s lacks) and warmth to his subjects (by using various shades of peach and warm cream colors to illustrate her vivaciousness instead of emphasizing the porcelain-like quality of Aphrodite’s skin, which is what Cabanel did). Both of the foundational ideas of the paintings are expressed in Bouguereau’s piece: the display of Aphrodite’s nakedness as well as the layering effects of adding different spectators to the scene to admire Aphrodite. Despite being of the less well known pieces, this was sometimes seen as Bouguereau’s most influential piece, and modern audiences are awestruck by the angelic nature that Aphrodite posses.

Modern audiences are still heavily influenced by the works of artists past, but even with these three paintings alone, it is revealed how historical art influences later creators. Each piece holds foundational elements from their time period, and each was significant to their audience. The admiration for the Birth of Venus is one that rises and falls like the tides, but like the sea which Aphrodite was born, artists have always found a fascinating with the birth of the beautiful goddess.


Make Angel

‘And every one had four faces, and every one had four wings. And their feet were straight feet and the sole of their feet was like the sole of a calf’s foot: and they sparkled like the colour of burnished brass…. As for the likeness of their faces, they four had the face of a man, and the face of a lion, on the right side: and they four had the face of an ox on the left side they four also had the face of an eagle. Thus were their faces: and their wings were stretched upward two wings of every one were joined one to another, and two covered their bodies.’
— Ezekiel 1: 6-11

‘From as early as the second millennium B.C. humanity has created artifacts and pictures of winged creatures, messengers angels. The ferocious and capable creatures described in Ezekiel are far from commonplace in modern depictions of the angelic orders so, what are angels? Who are they? What is their enduring appeal, and why do we still appear to have a need for—representation by—them?

The project briefing will take off on Monday morning at 9.30 from Studio 3 — on the back of a winged human-headed bull (a lamassu) dating from the Neo-Assyrian Period (721-705 B.C.E.) We’ll then ‘walk a sky together’ (depois de Sweeney Reed ) where in flight training will be provided by Vanessa Bell, Trisha Brown, Paul Klee, Sheila Legge, A.R. Penck and others … landing, unscheduled, later in the morning at Nikola Tesla airport in Belgrade. Thereafter, your task is a straightforward one: learn about an object or aspect of the subject that interests you reflect on it and, make Angel.’ — from the Project Brief

What follows are pictures, and pictures of artworks I made reference to in my introductory talk pictures too above of my notes. After this there is a list of other references provided in the project brief (under the headings of writing, music, film, radio e web) and all other information (titles of work, artists names, dates, photography credits etc.) may be found in the ‘tags’ at the bottom of the post.


The Birth of Venus

The Birth of Venus (French: La Naissance de Vénus) is one of the most famous paintings by 19th-century painter William-Adolphe Bouguereau. It depicts not the actual birth of Venus from the sea, but her transportation in a shell as a fully mature woman from the sea to Paphos in Cyprus. She is considered the epitome of the Classical Greek and Roman ideal of the female form and beauty, on par with Venus de Milo.

For Bouguereau, it is considered a tour de force. The canvas stands at just over 9 ft 10 in (3.00 m) high, and 7 ft 2 in (2.18 m) wide. The subject matter, as well as the composition, resembles a previous rendition of this subject, Sandro Botticelli's The Birth of Venus, as well as Raphael's The Triumph of Galatea.

The Birth of Venus was created for the Paris Salon of 1879. It was awarded the Grand Prix de Rome,[1] and was purchased by the state for the Musée du Luxembourg.[2] The painting is now in the permanent collection of the Musée d'Orsay in Paris.

At the center of the painting, Venus stands nude on a scallop shell[3] being pulled by a dolphin, one of her symbols. Fifteen putti, including Cupid and Psyche, and several nymphs and centaurs have gathered to witness Venus' arrival. Most of the figures are gazing at her, and two of the centaurs are blowing into conch and Triton shells, signaling her arrival.

Venus is considered to be the embodiment of feminine beauty and form, and these traits are shown in the painting.[3] Her head is tilted to one side, and her facial expression reflects that she is calm and comfortable with her nudity. She raises her arms,[4] arranging her thigh-length, brown hair, swaying elegantly in an "S" curve contrapposto, emphasizing the curves of her body.[5]

The model for Venus was Marie Georgine, princess of Ligne. In 1861, she was on a short holiday in Paris with her lover. Together, they modeled for Bouguereau's "Abduction of Psyche" and "Flora and Zephyr". He worked out Venus and other sketches and paintings later from photographs he took of the couple. Some of Bouguereau's other works, like La Nuit, are also based on her. Marie was also painted by Léon Bonnat and photographed by Antoine Samuel Adam-Salomon.

Venus' figure was enlarged from a nymph from Bouguereau's The Nymphaeum, completed in 1878, a year earlier.[5] The nymph is slightly thinner, and her breasts are fuller and more rounded. Venus' contrapposto is more intense, and her hair is also longer and lighter than the nymph's, but she arranges it almost identically.

To the upper-left of the painting, there is a shadow in the clouds. It appears to be the silhouette of the artist, with a head, shoulder, arm, and a raised fist that would seem to hold a paintbrush.

The most common form of historicism that reused styles of past ages, often in eclectic combinations, was the sensual, seductive, stylish portrayal of beautiful women, the supposed subject could be taken from Christianity, or from Greek or Roman myth. Bouguereau, an academy member since 1876, was one of the foremost artists of this kind. A devout Catholic, he was out to oppose traditional ethical values to the materialism of the world about him, but all he managed was the frisson of superficial delights. There was an unbridgeable gap between his art and that of Renoir, or indeed Cézanne.
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Assista o vídeo: ANÁLISE: O nascimento de Vênus, de Sandro Botticelli. (Outubro 2021).