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Estátua de bronze de um jovem de Ziphteh

Estátua de bronze de um jovem de Ziphteh


Ao mesmo tempo que impressiona pelas pinturas e desenhos, Auguste Rodin será sempre conhecido como escultor, antes de mais nada. Qualquer outra coisa estava na periferia de como nos lembramos de sua carreira. O grande homem é um dos poucos escultores a ter construído uma reputação que se espalhou para além desta forma de arte, sendo reconhecido como um artista famoso por seus próprios méritos. Poucos são os que podem realmente afirmar ter conseguido isso, talvez apenas Michelangelo, Donatello, Constantin Brancusi e Gian Lorenzo Bernini. Outros artistas famosos como Edgar Degas, Salvador Dali, Joan Miro e Pablo Picasso produziram esculturas notáveis, mas não na quantidade necessária para ser mencionada no mesmo fôlego que os outros listados aqui (ver também Antonio Canova).

Auguste Rodin era apaixonado, quase obsessivo pelo estudo das grandes obras da Grécia Antiga, mas, embora inspirasse grande parte de sua carreira, seu próprio estilo escultórico era contemporâneo e totalmente de acordo com a arte francesa daquele período, que continuava a inovar e a excitar com novas ideias e técnicas. Ele era conhecido por ter visitado o Museu Britânico em Londres em várias ocasiões e o classificou entre seus locais favoritos por causa de sua coleção de antiguidades. Ele lamentou não poder estudar essas belas peças de escultura e arquitetura com mais frequência. Rodin também aprendeu técnicas tradicionais de escultura desde muito cedo, além de conhecer grandes nomes dos séculos passados. Durante grande parte de sua carreira, Rodin se considerou um artesão ao invés de um artista, uma diferença sutil, mas significativa.

Ele também deu importância em obter a aceitação da própria comunidade que o treinou inicialmente, embora à medida que sua confiança aumentasse, isso se tornasse menos importante para ele. As principais instituições de arte da França não reconheceram seu trabalho tanto quanto ele gostaria, mas isso não prejudicou sua reputação internacional geral, que permanece particularmente forte até hoje. Este foi um artista que seguiu seu próprio caminho artisticamente e uma abordagem que foi amplamente considerada parte do movimento do realismo que muitos críticos de arte tradicionais rejeitaram. Com o tempo, no entanto, ele conseguiu obter apoio para seu trabalho do governo francês e também de outros elementos da comunidade artística. Logo se seguiram encomendas de prestígio e, em 1900, por volta da virada do século, Rodin seria considerado o melhor escultor francês daquele período. Esta seção do site apresenta todas as esculturas de Auguste Rodin mais famosas e oferece uma discussão detalhada de cada peça individual.

Rodin certamente era um pensador profundo, mesmo para os padrões de um artista. Ele iria a extremos para criar as melhores esculturas possíveis, muitas vezes usando os mesmos modelos por dias, senão semanas, antes que algo adequado começasse a ocorrer. Ele também se sentia muito conectado com a natureza e achava que entendê-la era essencial para qualquer escultor. Ele não gostava de pontos de vista únicos quando estudante, preferindo a oportunidade de trabalhar de ângulos diferentes ao esculpir e, portanto, esse se tornou seu meio principal. Ele convidava regularmente uma série de modelos para visitar e selecionava cuidadosamente entre eles a fim de obter a aparência certa em seu trabalho. Ele também entendia a complexidade do corpo humano e o via como uma coisa natural com infinitas variações. Rodin também acreditava que todas as direções e intensidades da luz deveriam ter sido consideradas durante a criação de cada escultura e que a intrincada série de saliências e buracos seriam capazes de lidar com qualquer coisa no ambiente ao seu redor. A mente extraordinária de Rodin impulsionou seu estilo contemporâneo e também ajudou a causar polêmicas no início de sua carreira.


Quem é Donatello?

Retrato de Donatello, c. Anos 1500 (Foto: sailko via Wikimedia Commons [CC BY-SA 3.0, CC BY 2.5])

Segundo o historiador da arte Giorgio Vasari, Donatello viajou a Roma com o colega, Brunelleschi (1377-1446). Lá, os dois artistas estudaram escultura clássica da Roma Antiga e da Grécia, e provou ser formativa na abordagem da arte de Donatello. À medida que continuou trabalhando, ele se tornou uma das principais figuras do início da Renascença a pressionar por um retorno à estética clássica, que incluía uma ênfase em realismo anatômico, tridimensionalidade, e perspectiva.

Por volta do ano de 1430 e mdash, quando Donatello estava no auge de sua fama, mdashhe encontrou um patrono em Cosimo de 'Medici (1389-1464), o chefe da família mais influente de Florença. Foi sob ele que o escultor produziu sua obra-prima, David.


Estátua de bronze de um menino aristocrático: análise formal

A estátua de bronze de um menino aristocrático é uma estátua em tamanho natural que foi encontrada na ilha mediterrânea oriental de Rodes. Durante a era augustana, Rodes foi considerada um centro educacional para famílias nobres romanas e era especialmente conhecida por suas escolas e professores de filosofia e retórica. Enquanto a autoridade romana se desenvolvia em todas as cidades gregas da ilha, a cultura grega lentamente começou a influenciar a civilização romana.1 A estátua de bronze de um menino aristocrático é uma importante peça da escultura romana que faz referência a essa riqueza, prosperidade e educação com base em suas influências gregas de habilidade, postura e vestimenta.

Enfatizada pela proporção e forma, esta estátua não só dá ao espectador uma indicação clara do status social do menino, mas também é um bom exemplo de como os romanos foram influenciados pela cultura grega. Em comparação com Doryphoros, é evidente que esta escultura foi provavelmente baseada no cânone grego de proporções. O corpo é bem equilibrado e a forma é a de um jovem bem definido.

O torso muscular indica que ele deve ter participado de atividades físicas rigorosas. É muito possível que essas atividades fossem exercícios de treinamento comuns para os meninos romanos da época. Geralmente era uma preparação para a batalha. Os rapazes foram preparados para se tornarem soldados, por isso era fundamental que estivessem em boa forma física. Os traços faciais do menino também são idealizados. Seu rosto largo e cabelo, em particular, podiam até ser comparados aos do imperador Augusto. Essas características sugerem que esse menino era filho do clã governante da região ou filho de um rico oficial romano estacionado na ilha.

A postura do menino é outro aspecto significativo da estátua, e também foi derivada do cânone grego com o uso do contrapposto. Sua pose de fala é quase idêntica à escultura de Augusto da Prima Porta. A mão direita está levantada em um discurso proferido, enquanto a outra está segurando seu himation grego (ou manto). Isso implicaria que o menino aprenderia a falar em público, uma habilidade disponível apenas para os filhos de famílias mais ricas devido ao custo de tutores. Essa educação retórica era admirada e popular entre as famílias ricas da ilha. Além disso, o fato de o menino estar usando um & # 8220Cloak & # 8221 grego e não um & # 8220Toga & # 8221 romano é outra indicação de status social e representa a combinação de culturas. É extremamente lamentável que os pés tenham sido quebrados das pernas da estátua de bronze, porque o calçado poderia sugerir ainda mais sua classe ou posição.

O bronze era um material extremamente caro e rico para ser usado em esculturas. É chocante ver que uma dessas estátuas sobreviveu por tanto tempo, considerando que a maioria das esculturas feitas em bronze foram posteriormente derretidas para uso durante os tempos de guerra. A maioria dessas estátuas, incluindo Doryphoros, foi originalmente fundida em bronze, mas foi reproduzida várias vezes em mármore ou pedra. Deve ter sido muito bem preservado e provavelmente era uma homenagem à família.

O uso de recursos como forma, postura, material e vestimenta ajudam o espectador a entender as referências feitas pelo artista em relação à época e às tradições do local em que a estátua foi criada. Os romanos admiravam muito a cultura grega. Esta estátua de bronze de um menino aristocrático da era augustana é realmente um sucesso em incorporar as influências e ideais de ambos.


28 das esculturas públicas mais fascinantes

Em algum momento durante os últimos séculos, pode-se argumentar que o conhecimento e a apreciação da arte ultrapassaram o da religião para as classes instruídas. Claro, as pessoas ainda associam e praticam as muitas formas: catolicismo, judaísmo, islamismo, para citar alguns. Mas para muitos mais, talvez, seja a arte que eles olham religiosamente. E embora as obras de arte públicas encomendadas tenham feito parte de nossa cultura por séculos, agora parecem mais onipresentes do que nunca. O significado e, portanto, o impacto de uma obra encomendada pode mudar a estrutura de uma esquina ou cidade (pense no famoso Feijão ou icônico de Nova York Arma atada) Das ruas movimentadas das principais cidades dos EUA aos cantos mais tranquilos do mundo em Howick, na África do Sul, e em Las Colinas, no Texas, Architectural Digest examina 28 das esculturas públicas mais fascinantes do mundo. Cada um responde a uma curiosidade cultural - uma pergunta feita por um grupo ou autoridades municipais e respondida pelos artistas.

Uma vez localizado em Waller Beach, no Town Lake Metropolitan Park, em Austin, estava Ai Weiwei & # x27s Bicicletas para sempre. Esta escultura 3D foi criada a partir de 1.200 bicicletas, um veículo que o artista usou ao longo de sua infância em Pequim para se mover pela cidade. Esta obra que representa a infância e a liberdade não estava destinada a ficar em Austin para sempre: ela acabou sendo retirada em maio de 2017, pois a cidade não tinha mais como financiar a amada instalação.


Estatuetas de bronze

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Estátua de Davi (1440-43) por Donatello

Sem dúvida uma das maiores esculturas da quattrocento, e uma icônica obra da escultura renascentista, a estátua de bronze de Davi, de Donatello (1386-1466), é uma das interpretações mais ousadas de um tema bíblico na história da escultura. Considerada a primeira estátua autônoma masculina nua desde a era da escultura grega, a forma elegante e o naturalismo fluente de Davi contrapposto pose, aliada ao seu comportamento equilibrado mas provocador e ao brilho sensual da superfície do bronze, combinam-se para dar vida à estátua. Essa capacidade de injetar vitalidade humana em uma imagem padrão da arte cristã foi a maior habilidade de Donatello. Com efeito, a nudez gratuita da figura a transforma numa obra viva de beleza clássica, exatamente em consonância com a estética da arte grega clássica. Para uma cidade jovem como Florença, ameaçada por cidades-estados rivais como Siena e Milão, o corajoso garoto guerreiro David era um emblema ideal, e parece provável que Donatello tenha lhe dado deliberadamente uma arrogância coquete, para refletir o senso florentino de superioridade cultural sobre seus rivais - uma superioridade que havia sido claramente demonstrada uma década antes, na Batalha de Romano. Agora no Museu Bargello, em Florença, a estátua permanece - junto com David de Michelangelo (1504) - uma obra definidora da arte renascentista de um dos escultores renascentistas mais influentes da época.

A maioria dos estudiosos da arte acredita que a escultura foi encomendada por Cosimo de 'Medici (1389-1464), que tinha uma opinião particularmente elevada de Donatello, mas não se sabe exatamente quando foi feita. A opinião da maioria parece favorecer a década de 1440, quando o novo Palácio Medici foi projetado e construído pelo arquiteto florentino Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472). De qualquer forma, na época do casamento de Lorenzo, o Magnífico, em 1469, o bronze estava no centro do pátio do palácio dos Medici, em Florença. Após a tomada do palácio Medici em 1495 e a expulsão da família Medici da cidade em 1496, o David foi colocado no pátio do Palazzo della Signoria, onde foi instalado sobre uma coluna de mármore. Ela foi vista aqui em meados do século 16 pelo biógrafo maneirista Giorgio Vasari (1511-74), que escreveu: & quotEsta figura é tão natural em sua vivacidade e suavidade que os artistas dificilmente podem acreditar que não foi moldada na forma viva . & quot Durante o século XVII foi transferido para o Palácio Pitti, de onde foi levado em 1777 para a Galeria Uffizi. Finalmente, em 1865, foi transferido para o museu Bargello, onde pode ser visto hoje.

A estátua, fundida em bronze, tem pouco mais de 5 pés de altura (159 cm). Uma ilustração da história bíblica de como o jovem lutador judeu Davi matou o gigante filisteu blindado Golias em um combate individual, armado apenas com uma funda e algumas pedras, mostra Davi com um sorriso enigmático, de pé com o pé na cabeça decepada de Golias. O jovem guerreiro está nu, exceto pelo chapéu e pelas botas, e segura a espada de Golias na mão direita. Supostamente inspirado por representações clássicas da famosa jovem e bela Antínous, um dos favoritos do imperador romano Adriano, o trabalho de Donatello foi a primeira estátua de bronze sem suporte fundida durante a Renascença, e a primeira de três Davids famosos: os outros dois sendo o bronze mais convencional (1475) por Andrea del Verrochio (1436-88), e a famosa estátua de mármore de Davi (1501-4) por Michelangelo (1475-1564). Outras versões incluem o bronze (1470) de Bartolomeo Bellano (1440-97) e o mármore (1623 e # 15024) de Bernini (1598-1680).

Donatello afastou-se de representações mais convencionais & quoteróicas & quot de David ao apresentá-lo nu, à maneira de um menino magro e pré-púbere. Essa representação confundiu os estudiosos durante séculos. É verdade que a Bíblia declara que Davi era um belo jovem e deveria ter ido para a batalha sem roupas. Mas se isso for verdade, por que ele está usando chapéu e botas? E por que ele é retratado em uma pose tão afeminada, com ênfase na parte inferior do estômago? Esses atributos são totalmente desnecessários em termos de narrativa bíblica ou convenções clássicas. Afinal, Michelangelo também retratou Davi sem roupas, mas sua figura era muito mais masculina.

Alguns historiadores da arte sugeriram que Donatello estava expressando um ponto de vista gay por meio de sua escultura, mas isso parece improvável. Na época em que a estátua foi lançada, esse vício era ilegal e cerca de 15.000 pessoas foram julgadas por isso. Ostentar tal desvio seria extremamente arriscado, tanto para o escultor quanto para o patrono. Em contraste, outros especialistas acreditam que Donatello estava sinalizando que somente com a ajuda de Deus o menino diminuto poderia ter derrotado um inimigo terrível como Golias. Ainda outros acreditam que a estátua é uma alegoria das virtudes cívicas que superam a brutalidade e a irracionalidade. A única coisa em que os críticos de arte concordam é que Donatello criou um dos nus masculinos mais revolucionários da história da arte.

Não há registro de qualquer reação contemporânea à estátua, embora o fato de não ter sido colocada no interior da prefeitura cívica, após o banimento dos Medicis, sugira que possa ter sido considerada polêmica.

Vale a pena mencionar que alguns críticos interpretaram certos elementos da estátua (pena no capacete de Golias, chapéu de Davi) como significando que a figura retratada não é Davi, mas o deus grego Hermes (o Mercúrio romano). No entanto, todas as referências do Renascimento (1400-90) identificam claramente a escultura como David.

Estátua de Davi em mármore de Donatello

Deve-se notar que em 1408-9, com 23 anos de idade, Donatello esculpiu uma escultura de Davi em mármore convencional e sem graça para a catedral de Florença. Parte de uma série de 12 estátuas de profetas, originalmente concebidas como decoração para os contrafortes, esta peça de arte religiosa de estilo gótico acabou no Palazzo della Signoria e agora está no Bargello.

Escultura de Donatello

Arte plástica de Donatello pode ser vista no local em toda a Itália - veja, por exemplo, seu bronze Estátua Equestre da Gattamelata (Condottiere Erasmo da Narni) (1444-53) na Piazza del Santo, Siena - e em vários dos melhores museus de arte do mundo, notadamente o Museu Bargello e o Museo dell'Opera del Duomo (ambos em Florença). Existem várias cópias de Donatello's David: incluindo uma réplica em gesso no Victoria & amp Albert Museum, Londres, uma cópia em mármore branco no Royal Botanic Gardens, Kew, Surrey e uma cópia em gesso no Slater Museum em Norwich, Connecticut, Estados Unidos.

Para análises de outros exemplos célebres de estátuas, por alguns dos melhores escultores do mundo, consulte os seguintes artigos:

- Vênus de Milo (c.100 aC) Mármore, Louvre, Paris.
- Laocoonte e seus filhos (c.42-20 aC) Marble, Museo Pio Clementino, Vaticano.
- David por Michelangelo (1501-4) Marble, Academy of Arts Gallery, Florence.
- Estupro das Mulheres Sabinas por Giambologna (1583) Marble, Florença.


Escultura de Auguste Moreau (França)

Esses itens foram vendidos, e a descrição, imagem e preço são apenas para referência.

Uma figura soletrada de 'Cossette' por Auguste Moreau (1855-1919), por volta de 1900, a figura portadora de água com o cabelo adornado com flores e segurando flores em seu avental, levantada em uma base integral com um par de pombas e hellip

Uma figura de bronze de Dianna após a antiguidade de Hippolyte-François Moreau (1832 - 1927), francesa do final do século 19 inscrita na base: quadril Moreau 49 cm de altura

Depois de Auguste Moreau, a figura do extermínio vitoriano, 'Faneuse'. assinatura do artista e carimbo de fundição verso. Altura 40 cm

Depois de Auguste Moreau (francês, 1834-1917) escultura em bronze de uma jovem donzela, c. 1900 sentado em toco de madeira, sobre base circular de mármore, assinado

Lâmpada de spelter francesa do final do século XIX, 'La Danse', de Auguste Louis Mathurin Moreau (1834-1917). Na forma de uma donzela vestida com túnicas clássicas, segurando uma tocha no alto. Selo e assinatura da fundição. Propriedade Lily Mathieson, altura 97 cm

Impressionante figura de bronze quase em tamanho natural de uma jovem segurando cestas, assinada por Hip Moreau por Castano 1? 9, todos em pé sobre um pedestal de pedra composta, 164 cm de altura

Uma figura spelter 'Premier Secret' de François Moreau, do final do século 19 ao início do século 20, uma donzela rústica assistida por um cupido e sustentada por uma árvore decorada com flores, tronco, em cores de bronze pintadas a frio, marca incisa de François Moreau & hellip

Estátua de bronze, clássica mãe e filho, assinada Moreau, 35 cm de altura sobre base de mármore preto

Figura do spelter francês 'La Fortune' após L e F Moreau, 40 cm de altura

Auguste Moreau França 1834-1917 Figura bronzeada 'Flore' sobre base de mármore verde com título para placa de latão, altura 27 cm

Estatueta de soletrar francês 'Reine De Pres' segundo o original de Auguste Moreau (francês, 1861-1906) 65 cm de altura e 20 cm de diâmetro

Speltre bronzeado do final do período vitoriano, a figura 'Le Bois' em homenagem a Moreau, retratando um menino de pé apoiado em seu machado ao lado do tronco de uma árvore de carvalho, erguido sobre um pé de pedestal cintado, altura de 67 cm

Uma figura de bronze de uma jovem clássica tocando flauta por Moreau Aine (1740-1806) assinou 'Moreau Aine' para a base. Altura 25,5 cm

Um par complementar de lâmpadas figurais de bronze Art Nouveau de Auguste Moreau (1834-1917), por volta de 1900, com placas de título para bases de acessórios elétricos europeus, o par de donzelas e hellip

Speltre bronzeado do final do período vitoriano, a figura 'Le Bois' em homenagem a Moreau, retratando um menino de pé apoiado em seu machado ao lado do tronco de uma árvore de carvalho, erguido sobre um pé de pedestal cintado, altura de 67 cm

Após A. Moreau lançou a figura de uma senhora e um pássaro possivelmente da Fortuna com o braço levantado e olhando para o céu, com um pássaro apoiado no braço e na base, em pé sobre uma base de mármore torneada, altura 71 cm

Atribuída figura de Auguste Moreau 'Flore', figura bronzeada, sobre base de mármore verde. Placa de latão para atributos de base trabalhar para Aug. Moreau. Altura 27 cm (total).

Uma figura de bronze do estilo Auguste Moreau de 'Cupido Alado', sobre base de mármore preto. Altura 38 cm

Figura do spelter Art Nouveau de Auguste Moreau (1834-1917), final do século 19 e hellip

Par de 'Faneuse' e 'Faucheur, do início do século 20, figuras, em homenagem a Auguste Moreau, assinatura do artista e marca de fundição nas costas, com 40 cm de altura

Crepúsculo, bronze francês c.1900 por Auguste Moreau Varejo: AUD

Figura francesa Auguste Moreau spelter 'Vendange', assinada na base, altura 31 cm

Figura de senhora francesa em estilo art nouveau, assinada Aug. Moreau e com marca de fundição, foi posteriormente pintada com tinta dourada de 40 cm de altura

Uma figura soletrada 'Livre D'or' de Auguste Moreau (1834-1917), por volta de 1900, marcas incisas de criador para figura, uma mulher Art Nouveau pintada a frio em tons de bronze, em traje esvoaçante com uma caneta na mão e papel em a esquerda dela e inferno

Depois de Mathurin Moreau (francês, 1822-1912), escultura em bronze, a nascente, representando uma jovem donzela sentada sobre uma rocha bebendo água de uma nascente com a ajuda de uma concha, assinada e numerada 12/100, sobre base de mármore, altura 52 cm e inferno

Um par de bonecos de bronze franceses, assinados por Moreau, do século 19, cada um erguido sobre uma base circular de mármore, com 39 cm de altura

Uma figura de bronze de estilo Art Nouveau de donzela alada, após Moreau de bronze fundido do início a meados do século 20 com base de mármore torneada assinada marca ilegível na altura do molde de 48 cm

Uma estátua clássica francesa de bronze de uma jovem segurando a mão de um cupido, sobre uma base de mármore verde. Assinado Auguste Moreau na frente da base. Altura 78 cm.

Grande figura de cupido em bronze grande e antiga, assinada 'Auguste Moreau' e datada de 1907, com marcas de fundição e selo separados, 92 cm de altura aprox.

Uma lâmpada figural de spelter, fundida a partir de um modelo de Auguste Moreau, sobre base de mármore com cortina de vidro original, com a inscrição Aug. Moreau, a placa na base diz "Tocha Enfant por Aug. Moreau", feita em Paris, França, altura 94 cm

Depois de Mathurin Moreau (francês, 1822-1912), escultura em metal dourado fundido de Vênus e Cupido, assinada, sobre base de mármore redondo, altura de 93 cm

Uma estatueta de bronze de um trompetista Angel, depois de Moreau, a figura alada do elenco de pé sobre uma formação de nuvens tocando uma trombeta, erguida sobre uma base de mármore preto graduado, assinatura de fac-símile. Altura 28 cm

Antiga figura clássica de bronze de uma donzela, assinada por Paul DuBon, após Moreau, com aproximadamente 44 cm de altura

A tigela multifacetada de bronze assinava um Moreau com cinco faces serenas para o exterior. Proveniência 'The Interior Worlds of Yuge & David Bromley' Lote 40, 24.07.16. Bom estado, menor desgaste da base. Altura 15,5 cm

Águia francesa Art Déco empoleirada em um toco de madeira simulado, sentada sobre uma base de mármore, com um grande relógio de bolso pendurado em seu bico, (relógio marcado regulador) águia marcada ao lado L. F Moreau, 20 cm de altura

Uma base de lâmpada em forma de spelter francês 'Genie de la Musique', segundo o original de matt (Mathurin) Moreau, retratando uma figura clássica alada em uma pose de serpentina com uma cortina esvoaçante segurando uma tocha no alto, com uma placa com o nome na base de mármore falso. Altura 60 e hellip

Uma figura de bronze proeminente grupo de uma jovem segurando uma coroa de flores com querubim alado assinado H. Moreau, em pé sobre um alto pedestal afilado circular de junco de nogueira. 214 cm de altura total

Estátua de Spelter da flora, segundo Moreau. Altura 26 cm

Figura francesa pintada a frio de um menino intitulada 'Bonne Regette', com selo e assinado após L & J Moreau, 36 cm de altura aprox.

Uma figura masculina soletrada de 'Le Triomphe' por Moreau, Louis Auguste (1855-1919), a figura masculina heróica em uma postura clássica com drapeado cintado ondulante, sua mão esquerda segurando um par de guirlandas de louro douradas e em sua direita e hellip

Um busto de bronze de uma mulher, depois de Moreau, o busto de pedestal retratando uma jovem elegante em um top de colarinho e um chapéu de plumas vistoso inscreveu a assinatura de Moreau na base ampla. Altura 39,5 cm

Moreau, Auguste (1834-1917), carregador de água, um spelter em tons de bronze de um jovem menino jovial lutando sob o peso de uma jarra de água quebrada que derrama seu conteúdo com a inscrição Aug Moreau na base. Altura 30 cm

Figura do soletrador francês 'Faucher' carimbada e assinada por trás de Aug Moreau, 40 cm de altura aprox.

Um par de figuras de soletrar, após Auguste Moreau, 'Le Torrent' e 'Galathee'. (2) um par de figuras de soletrar, após Auguste Moreau, 'Le Torrent' e 'Galathee'. (2)

Uma figura de metal macio do século 19 'Tarquinerie', após Auguste Moreau, em um pedestal redondo. Altura 36 cm

Moreau, a (depois), 'Consolação', em bronze, duas mulheres jovens em trajes esvoaçantes, uma segurando uma cesta de flores e erguida em uma base quadrada graduada de mármore com a assinatura inscrita na base de bronze. Altura 36 cm. Largura 13,5 cm. Profundidade 13,5 cm

Mathurin Moreau, bronze francês do século 19, Diana, a caçadora, assinada, duas peças sobre base giratória (base) 51 cm

Augustus Moreau 'Le Charme' e L'hesitation 'figuras douradas de spelter assinadas e carimbadas com' Fabricação Francesa de Paris feita na França '

Figura de spelter pintada do início do século 20 'Charmeuse' por L & F Moreau com 45 cm de altura

Uma lamparina francesa de poste de bronze, esculpida quando criança, segurando uma tocha flamejante, a lamparina de vidro moldado para simular chamas. Elevado em uma base de mármore verde com etiqueta afixada, 'Enfant Torchere', após August Moreau. Altura 93 cm

Auguste Moreau (B.1834 - D.1917) par de figuras de bronze finamente fundidas de grego clássico, homem e mulher, em pé sobre uma base escalonada de ardósia. 45 cm de altura cada

Uma figura de spelter Art Nouveau sobre base de mármore no estilo de Auguste Moreau, representando uma donzela carregando frutas. Altura 56 cm

Menino de bronze tocando flauta após Auguste Moreau, sobre base de mármore, com 70 cm de altura

Auguste Moreau, grupo figural bronzeado francês de Cupido e uma criança, segundo um modelo de Auguste Moreau (francês 1834-1917), assinado Aug Moreau 62 cm de altura

Um querubim de bronze Moreau francês. O molde de um querubim alado com a inscrição Moreau em uma base circular de mármore. 72 cm de altura

Um Moreau, bronze, intitulado Billet de Logement, 41,5 cm de altura

Moreau, Auguste (1834-1917), After, uma exótica dançarina, bronze, modelada em movimento, em mantos esvoaçantes e segurando um pandeiro acima da cabeça, em uma base integral com assinatura incisa e marca de fundição fundida, em um pedestal de pedra moldada e hellip

Figura em pé de bronze de um menino com flauta, com a assinatura 'Aug Moreau' inscrita. (Francês 1834-1917) para a base. Altura 67 cm

Antiga figura francesa em metal dourado de um músico de putto sobre base de mármore, assinada por Aug. Moreau. Com 16 cm de altura

Figura francesa em metal dourado de uma mulher clássica com o carimbo de 13750 e as gravações 'Gelot & Dit' e 'Moreau'

Uma estátua francesa de bronze do final do século 19, intitulada Le Triomphe, inscreveu a assinatura de Moreau. 87 cm.

Uma figura bronzeada Le Pafum após Augustus Moreau moldada de mulher em uma base circular. 53 cm

Uma impressionante estátua de spelter intitulada Le Triomphe France, no início do século 20, moldou a assinatura de Louis Auguste Moreau (francês de 1855 a 1919). Altura 76 cm

Auguste Moreau, (francês 1834-1917) par de urnas de bronze, com alças de putti aplicadas, impresso 'Auguste Moreau' e marca de fundição. Altura 30 cm

Um soletrador figurativo francês. Final do século 19, assinado em agosto (agosto) Moreau, a figura retrata o cupido com aljava nas costas colocado sobre uma base de mármore virada com uma placa como base 'Amour En voyage', assinada como base. Altura 47 cm.

Uma escultura francesa de bronze 'Libellule' assinada por Mathurin Moreau (francês 1822-1912), modelada como uma ninfa semi-drapeada sentada em um toco de árvore, em um soco circular, assinada e carregando a placa de bronze 'Par Malthurin Moreau Medaille D'honneur du salon' e inferno

Uma figura bronzeada segundo o elenco de Moreau de um músico querubim seminu segurando um violino e um arco em uma base de mármore. Altura 26,5 cm

Uma figura de metal francesa do século 19 moldada após Moreau de uma jovem e uma criança em uma base de mármore circular intitulada Moreau assinada. Altura 48,5 cm

Candeeiro de mesa alto figural em bronze Art Nouveau. Na forma de uma donzela alada, em homenagem a Auguste Moreau. Altura 72 cm (apenas figura)

Figura de solteira patinada, bronzeada do final do século XIX, de uma donzela montada em um pedestal de madeira com assinatura total de August Moreau. Altura 70 cm

A patinated spelter figure of cupid raised on a marble base with a copper plaque inscribed 'Vici Par Aug. Moreau', 31 cm high

Spelter figure Charmeur, after Moreau with Brig (Parisian) Foundary mark

An Edwardian 'Le Zephyr' spelter figural lamp, entitled 'Le Zephyr, Par a Moreau', the classical figure with butterfly wings, mottled glass small shade. Height 54.5 cm


Statues: Freestanding Sculptures


Spring Temple Buddha (2002)
Lushan County, Henan, China.
Depicting Vairocana Buddha, this
is the world's tallest statue.
Height of Statue: 420 ft. 128m.
Under the sculpture is a Buddhist
monastery!! For more, see:
Chinese Buddhist Sculpture.

What is a Statue? Definition and Characteristics

A statue is a freestanding sculpture which depicts a person or group of people. An equestrian statue depicts a horse and rider, while an equine statue portrays only a horse. Essentially a work of representational art, a statue is typically made full-length or close to life-size: in contrast, a bust depicts only a head, or head and shoulders while a statuette or figurine is a small-scale work that can be held by hand. Lastly, unlike relief sculpture, a statue is capable of being viewed from all sides however, precisely because it é freestanding, a statue is considerably more restricted in the range of its subject matter than a relief. In particular, its weight must be carefully balanced, thus limiting, or at least restraining, its size and shape. As a result statues tend to depict single figures and limited groups, while reliefs are free to portray more complex pictorial subjects involving crowds, battle scenes, historical events, architectural backgrounds and so on.

The best sculptors of figurative statues include: Donatello (1386-1466), Veit Stoss (c.1447-1533), Tilman Riemenschneider (c.1460-1531), Michelangelo (1475-1564), Benvenuto Cellini (1500-71), Giambologna (1529-1608), Bernini (1598-1680), Jean-Antoine Houdon (1741-1828), Antonio Canova (1757-1822), Auguste Rodin (1840-1917), Duane Hanson (1925-96) and others.


Aphrodite of Cnidus (c.350 BCE)
The first life-size female nude.
Original by Praxiteles.


Ludovisi Gaul killing himself and
his wife. National Museum of Rome.
A Roman copy of a Hellenistic
era original commissioned by
Attalus I of Pergamon after his
victory over the Gauls (220 BCE).
A wonderful example of the
Pergamene School of Hellenistic
sculpture.

Being representational, a statue should not be wholly abstract, although it may be expressionist to the point of semi-abstraction (like Boccioni's Formas únicas de continuidade no espaço) Statues may simply stand alone, or form part of an architectural structure (cathedral, altarpiece, tomb). Specific types of statue or statuette include:

Vênus: type of prehistoric statuette.
Kouros: an early greek statue of a young man.
Kore: the female counterpart of the kouros.
Column statue: figure on architectural column.
Pieta: Virgin Mary mourning the dead Christ.
Madonna e criança: the Virgin Mary holding the infant Jesus.
Equestrian Statue: a sculpture of a person on a horse.
Monumental Statue: like The Statue of Liberty ou Spring Temple Buddha.

Composition and Materials

The composition of statues varies enormously. They can be made from traditional materials like stone (Women's Titanic Memorial 1931), marble (The Marly Horse 1745), bronze (Burghers of Calais 1889), clay (Terracotta Army 208 BCE), wood (Holy Blood Altar 1504), or ivory (Homem Leão de Hohlenstein Stadel), as well as from precious metals like gold (Broighter Boat 50 BCE), silver (Kneeling Bull with Vessel 3000 BCE), copper (Statue of Liberty 1886) or chryselephantine (Athena Parthenos 445 BCE). Other materials from which statues can be sculpted include: contemporary media such as scrap metal, plastic, aluminium, concrete or "found" items, although this latter form of junk art is usually limited to abstract rather than representational works.

As a general rule of thumb, stone sculpture is most popular for monumental works located outside and open to the elements. Marble sculpture along with bronze sculpture were the two favourite materials of Greek artists, while the Romans preferred marble. Wood carving was the favourite plastic art in Germany and Austria, especially during the era of Late Gothic sculpture, while ivory carving was especially popular in Byzantine art.

Before Christianity and Christian art, freestanding statues typically depicted gods or goddesses, but also secular fertility or totemic figures of various types. However, the vast majority of statues between the coming of Christ and the Age of Enlightenment (c.1700), were ecclesiastical in nature. Paid for by the Church, or by pious aristocrats, they illustrated figures from the Old/New Testaments of the Bible, or they commemorated Popes, Archbishops or other clerics. This type of religious art was especially common during the era of Romanesque sculpture (c.1000-1200) and Gothic sculpture (1150-1300), and can be seen in all the cathedrals of the time, notably Chartres, Notre Dame de Paris and Westminster Abbey. Renaissance sculpture (c.1250-1530) was also mostly Christian - see, for instance, David by Michelangelo - although, being a classical-based idiom, it also embraced secular works (Equestrian Statue of Bartolomeo Colleoni 1495), as did Mannerism (Rape of the Sabine Women 1583), Baroque sculpture (Pluto and Proserpina 1621), Neoclassicism (Voltaire 1781), and later types.

In the Far East, most statues were inspired by Buddhism. For more about the chronological evolution of sculpture and statues in China, see: Chinese Art Timeline (c.18,000 BCE - present).

Non-Religious Statuary

As societies became wealthier, they tended to create works of art (including statues) in order to appease their gods. In addition, as they became more confident, their leaders commissioned effigies of themselves - either as "living gods" (Egyptian Pharaohs, Alexander the Great, some Roman Emperors) (Statue of Claudius as Jupiter 41-54 CE) or simply as omnipotent Emperors (Emperor Augustus c.20-17 BCE). After the Dark Ages, this duality (Christian versus secular works) continued until about 1700, after which most statues were created to represent non-religious figures or themes. Post-1700 examples of non-religious statuary include: The Bronze Horseman 1778, Equestrian Statue of Joseph the Second 1806, Burghers of Calais 1889, End of the Trail 1915, The Destroyed City 1953 and the awesome Russian statue The Motherland Calls 1967.

The nature, size, expense and - above all - impact of statues, makes them highly suitable for public display. In addition, the fact that, throughout the long history of sculpture, statues have been visible embodiments of religious and social values, means that they have always had a functional role to play, in inspiring the population at large. In short, statues are a natural form of public art, and have been for millennia. Nowadays, with mass communication taking place via television, video film, Facebook e Youtube, this situation has changed somewhat, although contemporary statues are still created for public display, notably in the Third World. A postmodernist example is Virgin Mother (2005) sculpted by Damien Hirst, which stands in the plaza of Lever House, New York City. Another example is Anjo do norte (1998) a large work erected by Antony Gormley which overlooks a main road in Northern England. However, probably the three greatest public statues are The Motherland Calls (1967, situated on the Mamayev Kurgan, the heroic blood-soaked mound of Stalingrad, now Volgagrad) The Ushiku Daibutsu, Amitabha Buddha (1995, Japan) and The Spring Temple Buddha (2002, China).

World's Tallest Statues

420 Feet (128m) - Spring Temple Buddha (2002) Copper cast, Henan, China.
381 Feet (116m) - The Laykyun Setkyar (2008) Monywa, Myanmar/Burma.
360 Feet (110m) - Ushiku Daibutsu, Amitabha Buddha (1995) Ibaraki, Japan.
354 Feet (108m) - Guan Yin of the South Sea of Sanya (2005) Hainan, China.
348 Feet (106m) - Emperors Yan and Huang (2007) Henan province, China.
328 Feet (100m) - Sendai Daikannon (1991) Sendai, Japan.
325 Feet (99m) - Guishan Guanyin of Thousand Hands & Eyes (2009) China.
305 Feet (94m) - Peter the Great Statue (1997) Moscow. By Zurab Tsereteli.
305 Feet (93m) - Statue of Liberty (inc. plinth) (1886) New York Harbour.
279 Feet (85m) - The Motherland Calls (inc. plinth) (1967) Volgagrad.

Greatest Figurative Statues

Here is a short selection of the world's most beautiful figurative statuary, in bronze, marble and stone. Please note that dates are approximate. For a longer list, see: Greatest Sculptures Ever (c.35,000 BCE-Present).

Greatest Ancient Statues/Statuettes

- Lion Man of Hohlenstein Stadel (30,000 BCE) Ivory, Ulmer Museum, Ulm.
- Thinker of Cernavoda (5000 BCE) Terracotta, National Museum of Romania.
- Kneeling Bull with Vessel (c.3000) Silver, Metropolitan Museum, NY.
- Gold Bull of Maikop (2500) Gold, Hermitage Museum, St Petersburg.
- Ram in a Thicket (c.2500) Gold leaf, copper, lapis, lazuli, British Museum.
- Dancing Girl of Mohenjo-Daro (Indus Valley Civilization) (2000 BCE) Delhi.
- Statue of Akhenaten (c.1350) Sandstone, Egyptian Museum, Cairo.
- Winged Bull & Lion (859 BCE) Nimrud, see: Assyrian art (c.1500-612 BCE).
- Terracotta Army (246-208 BCE) Emperor Qin Shi's Tomb, Shaanxi, China.
- Broighter Boat (1st century BCE) Gold, National Museum of Ireland.
- Giant Buddha (c.713-803 CE) Leshan, Sichuan province.
- Monolithic Moai of Easter Island (1200-1500 CE) Tuff.

Greatest Classical Statues

- "The Auxerre Kore" (c.630 BCE) Limestone, Louvre, Paris.
- The Farnese Heracles (5th Century) Marble, Archeological Museum, Naples.
- "The Apollo Parnopius" (450) Marble, State Museum, Kassel. By Phidias.
- Discobolus (450) Bronze originally, Museo Nazionale, Romano. By Myron.
- Athena Parthenos (c.447-5) Gold, Silver, Ivory. Parthenon. By Phidias.
- Doryphorus (440) National Museum, Naples. By Polykleitos.
- Aphrodite of Knidos (350-40) Marble, Museo Pio Clementino. By Praxiteles.
- Apollo Belvedere (330) Marble, Museo Pio Clementino. By Leochares.
- Colossus of Rhodes (280) one of the Seven Wonders of the World (280).
- Ludovisi Gaul killing himself and his wife (220 BCE) National Museum Rome.
- "The Farnese Bull" (2nd Century) Marble, Naples. By Apollonius of Tralles.
- The Three Graces (2nd Century) Marble, Louvre.
- "The Medici Venus" (150-100) Marble, Uffizi, Florence. By unknown artist.
- Venus de Milo (100) Marble, Louvre. By Andros of Antioch.
- Laocoon and His Sons (42-20 BCE) Vatican Museums, Rome.
- Emperor Augustus (20-17 BCE) Marble, Vatican Museums, Rome.
- Statue of Claudius as Jupiter (41-54 CE) Marble, Vatican Museums.
- The Tetrarchs: Diocletian, Maxentius, Chlorus, Galerius (350 CE) Porphyry.

Greatest Medieval Statues

Most statuary of the Middle Ages were produced in the form of column-statues decorating the exteriors of cathedrals (Chartres, Notre Dame de Paris, Reims, Cologne) during the Romanesque and Gothic eras.

Greatest Renaissance and Mannerist Statues

- Il Zuccone (1423㪻) Marble, Florence. By Donatello.
- David by Donatello (c.1440) Bronze, Bargello Museum, Florence.
- Equestrian Statue of the Gattamelata (1444-53) Bronze, Siena. Donatello.
- Equestrian Statue of Bartolomeo Colleoni (1480-95) Bronze, Del Verrocchio.
- Holy Blood Altar (1504) Linden-wood, Rothenburg. By Riemenschneider.
- Mary Magdalene (1500) Limewood, Louvre. By Gregor Erhart.
- David (1501-4) Marble, Galleria dell'Accademia, Florence. By Michelangelo.
- Perseus with Head of Medusa (1545-54) Florence. By Benvenuto Cellini.
- Rape of the Sabine Women (1581-3) Marble, Florence. By Giambologna.

Greatest Baroque Statues

- Pluto and Proserpina (1621-2) Marble, Galleria Borghese, Rome. By Bernini.
- Apollo and Daphne (1622-5) Marble, Galleria Borghese, Rome. By Bernini.
- The Ecstasy of St. Teresa (1645-52) Marble/bronze, Rome. By Bernini.
- Milo of Crotona (1671-82) Marble, Louvre. By Pierre Puget.
- Statue of Friedrick William The Great (1708) Berlin. By Andreas Schluter.

Greatest Neoclassical Statues

- Apollo (1715) Marble, State Art Collection, Dresden. By Balthasar Permoser.
- "The Marly Horse" (1739-45) Marble, Louvre. By Guillaume Coustou.
- "The Bronze Horseman" (1778) Bronze, St Petersburg. By Falconet.
- Apollo Crowning Himself (1781) Marble, Getty Museum. By Antonio Canova.
- Voltaire (Seated) (1781) Marble, Paris. By Jean-Antoine Houdon.
- Psyche Awakened by Eros (1787-93) Marble, Louvre. By Antonio Canova.
- Equestrian Statue of Joseph the Second (1806) Vienna. By F.A. von Zauner.

Greatest 19th-Century Statues

- Tarcisius, Christian Martyr (1868) Marble, Musee d'Orsay. By Falguiere.
- The Thinker (1881) Bronze, Paris. By Auguste Rodin.
- Statue of Liberty (1886) Copper, New York. By Frederic-Auguste Bartholdi.
- Burghers of Calais (1889) Bronze, Paris. By Rodin.
- Robert Burns (1892) Bronze, Aberdeen. By Henry Bain Smith.
- Monument to Balzac (1898) Bronze, Paris. By Rodin.

Greatest 20th Century Statues

- Standing Nude (1907) Stone, Pompidou Centre. By Andre Derain.
- Crouching Figure (1907) Museum of Modern Art, Vienna. Andre Derain.
- Kneeling Woman (1911) Museum of Modern Art, NY. By Wilhelm Lehmbruck.
- Red Stone Dancer (1913) Tate Gallery. By Henri Gaudier-Brzeska.
- Unique Forms of Continuity in Space (1913) Bronze, NYC. Umberto Boccioni.
- End of the Trail (1915) Bronze, Brookgreen Gardens. By James Earle Fraser.
- Seated Youth (1918) Stone, Frankfurt am Main. By Wilhelm Lehmbruck.
- Christ the Redeemer (1922-31) Soapstone, Rio de Janeiro. Paul Landowski.
- Women's Titanic Memorial (1931) Granite, Washington DC. By G. Whitney.
- Adam (1938) Alabaster, Harewood House, UK. By Jacob Epstein.
- Fighting Stallions (1950) Aluminium, S. Carolina. By Anna Hyatt Huntingdon.
- The Destroyed City (1953) Bronze, Rotterdam. By Ossip Zadkine.
- Walking Man (1960) Bronze, Various Museums. By Alberto Giacometti.
- The Motherland Calls (1967) Concrete, Volgagrad. By Yevgeny Vuchetich.
- Ushiku Daibutsu, Amitabha Buddha (1995) Stone/Bronze, Japan.
- The Famine (1996-7) Bronze, Custom House, Dublin. By Rowan Gillespie.
- Angel of the North (1998) Steel, Gateshead, UK. By Antony Gormley.
- Spring Temple Buddha (2002) Copper cast, Henan, China.
- Kailashnath Mahadev Statue (2004-11) Steel/Concrete, Bhaktapur, Nepal.

• For more about freestanding statuary, see: Visual Arts Encyclopedia.


It’s Raining Men! Art History’s 10 Best Alternative Male Nudes

From Ingres to Paul McCarthy, who has captured men's bodies best?

Charles Ray, Young Man (2012).

Ilse Haider, Mr. Big (2013).
Courtesy the Leopold Museum, Vienna.

Is the male body really so dull? Semana Anterior Guardião art critic Jonathan Jones published his latest in a series of listicles plundering art history for page-views, “The top 10 male nudes in art.” Aside from a couple of inspired picks—a Wolfgang Tillmans photo, Donatello’s David—it’s all very safe and predictable. Here, then, are artnet News’s 10 better male nudes.

Ilse Haider‘s Mr. Big (2013): The centerpiece of the Leopold Museum‘s controversial “Nude Men” exhibition—whose posters, featuring a Pierre & Gilles image of nude soccer players, were censored—became an improbable and irresistible photo op for visitors outside the Viennese institution.

Charles Ray, Young Man (2012).
Courtesy the artist and Matthew Marks Gallery.

Charles Ray‘s Young Man (2012): Though another of Ray’s full-scale male nudes met an ignomious end when Boy With Frog (2008) was removed from its canal-side perch in Venice, the artist has continued to develop his brand of hyperrealist statuary, most recently with a show of three solid stainless steel figures at Matthew Marks in late 2012. The most impressive of these, the nude and bearded Young Man, conjured the feeling of stumbling upon the “Hipster” display in a museum from the future.

David Altmejd, The Spiderman (2008).
Photo: j-No/Flickr.

David Altmejd‘s The Spiderman (2008): The fast-rising Canadian artist has been branching out into prismatic and fragmented mirror boxes filled with deconstructed figures and anthropomorphized objects, but his best-known works are still last decade’s exploding colossi. The partially decomposed Spiderman, with what looks like a portion of his nervous system jutting out of his torso, may be the most unsettling from that body of work.

Installation view of Paul McCarthy at SMAK, 2007.
Photo: lamazone/Flickr.

Most of Paul McCarthy‘s Work: More often than not, figures in McCarthy’s sculptures, videos, and labyrinthine installations are either nude or holding butt plugs. For his solo show at SMAK in 2007, he included two kinetic sculptures of male figures humping a tree and the floor, and in the next room both were laid out on tables, castrated.

Fernando Botero, Abu Ghraib 43 (2005).
Courtesy Marlborough Gallery.

Fernando Botero‘s Abu Ghraib Series (2005): The Columbian artist best known for his sculptures of endearingly curvy men, women, and animals tackled some uncharacteristically prickly subject matter in 2005 when he created a brutal series of paintings and drawings responding to the vile actions of US military offices at Iraq’s Abu Ghraib prison. “They may not be masterpieces, but that may not matter,” the New York Times‘s Roberta Smith wrote when Marlborough Gallery showed the works the following year. “They are among Mr. Botero’s best work, and in an art world where responses to the Iraq war have been scarce—literal or obscure—they stand out.

Nan Goldin, Joana dressing after the bath, Sag Harbor, NY (2001).
Courtesy the artist and Galería Javier López.

Nan Goldin‘s Joana dressing after the bath, Sag Harbor, NY (2001): Nudes of all genders abound in Goldin’s oeuvre, but few are as seemingly innocent and playful as this photo, which inverses the typical male-female power dynamic from art history.

Ron Mueck‘s Dead Dad (1996–97): The Australian hyperrealist sculptor knows his way around the male anatomy like few other contemporary artists, but Dead Dad may be his most provocative and moving nude.

Egon Schiele, Seated Male Nude (2010).
Via Wikimedia Commons.

Egon Schiele‘s Seated Male Nude (1910): The Austrian artist painted and sketched more than his share of skeletal male nudes, many of them self-portraits, but this work made when Schiele was just 20—8 years before his death—beautifully articulates the pain and anguish running throughout his oeuvre.

Auguste Rodin‘s A idade do bronze (1875/76): The patriarch of modern sculpture may be best-known for another, more pensive nude figure—The Thinker—but his personification of the bronze age is by far his most erotically charged portrayal of a solitary male figure.

Jean Auguste Dominique Ingres, Study of a Male Nude (1801).
Via Wikimedia Commons.

Jean Auguste Dominique Ingres’s Study of a Male Nude (1801): It may be a mere study technically, but this strategically cropped half-length portrait of a young man is a testament to the diverse anatomical expertise of an artist best-known for painting nude women with very, very long backs.


Assista o vídeo: estátuas de granito1 (Outubro 2021).