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Existem influências da sinificação nos tempos modernos?

Existem influências da sinificação nos tempos modernos?


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Sinificação é o processo de transformar uma civilização em um estilo chinês. Foi muito prevalente na civilização coreana, um pouco menos no Japão e muito pouco no Vietnã.

Ainda existem exemplos de sinificação nos tempos modernos?


O lugar que vem à mente é Cingapura. Embora seja fisicamente uma ilha na ponta sul da península malaia, quase um quarto da população é etnicamente chinesa.

Essa maioria não foi alcançada até meados de 1800, provavelmente devido aos mesmos fatores que causaram um influxo de chineses nos EUA na mesma época.


Posso pensar em vários exemplos, mas admito que todos são de uma sinificação muito branda.

  1. Califórnia do século 19 - Houve um grande influxo de imigrantes chineses, cuja cultura permeou a americana. Os vários distritos de grandes cidades chinesas em San Francisco e outras cidades (até mesmo Nova York) são um bom indicador, bem como a prevalência e popularidade da comida chinesa na cultura americana dominante.
  2. África oriental do século 21 - Existem várias nações na África oriental atualmente envolvidas em comércio sério com a China, principalmente em torno do fornecimento de matérias-primas, como mineração. Isso está sendo feito principalmente por empresas chinesas, trazendo seu próprio pessoal. Naturalmente, a cultura está sendo lentamente influenciada por todas as pessoas que a visitam, embora seja claro que é muito cedo para dizer o quão profunda será a sinificação.
  3. Malásia - houve uma enorme influência chinesa na Malásia no último século ou mais. Tanto é assim, que (entre outras coisas) levou à criação de Cingapura, já que a federação da Malásia tentou fugir dessa influência.

Isso é tudo que posso pensar no tempo disponível. Vou editar a resposta se algo mais vier à mente.


Alguns pontos de dados:

em primeiro lugarA Dinastia Song (960-1279) foi pioneira em muitos métodos modernos de finanças, comércio e economia. Após a canção, os mongóis governaram a China e grande parte da Eurásia. Ao administrar seus territórios civilizados, os mongóis usaram técnicas de administração e gestão econômica que aprenderam com os Song. Na verdade, eles empregaram engenheiros e burocratas chineses em todo o seu império. As classes de comerciantes do Sul da Ásia, Oriente Médio e Europa cresceram muito como resultado desse estilo de gestão, e as atividades comerciais (bancos, acordos corporativos, gestão comercial) cresceram como resultado.

Da mesma forma, manufaturas chinesas como chá, cerâmica, seda, etc, junto com especiarias, se espalharam pelo Oriente Médio e Europa. A realeza e os ricos dessas áreas desenvolveram o gosto por esses produtos e deram poder aos comerciantes para aumentar o comércio. (isso levou diretamente ao colonialismo)

Em segundo lugar, Matteo Ricci passou cerca de 3 décadas (1582-1610) como conselheiro dos imperadores Ming. Há muita ênfase na história sobre sua influência nas cortes Ming no que diz respeito à introdução da cultura européia ali, e sua conversão de muitos chineses ao cristianismo. Muito menos falado é o resultado de seus relatórios, e os relatórios de outros que seguiram seus passos, sobre a estrutura do estado chinês, especialmente como ele foi centralizado, e sua burocracia meritocrática e exames do serviço público, e seu legalismo "estrito" .

Os estados europeus modernos no final dos anos 1700 e 1800 estruturaram seus estados centralizadores pós-feudais de uma maneira padronizada com os métodos chineses.

O que isto significa?

Grande parte da sociedade moderna, com governos seculares centralizados governando com métodos um tanto meritocráticos, com altas prioridades no comércio e no padrão de vida, são o resultado da influência chinesa em todo o mundo nos últimos 1.000 anos.

Em resumo, o mundo inteiro está passando por uma "sinificação" neste exato momento, e você nem percebeu!

Uma observação lateral: tive dificuldade em construir uma definição não racista de "sinificação", pois a China é um lugar realmente diverso. As pessoas da etnia Han no sul da China e no norte da China são tão diferentes quanto a Escandinávia e o Egito; isso significa que a China ainda não foi sinificada? Ou significa que a única semelhança é um estado centralizado secular com organização econômica administrada? Pode ser mais fácil descartar o conceito de sinificação por completo e ver o mundo como um lugar onde as idéias fluem em todas as direções ao mesmo tempo.


Integridade ou influência? Dentro do mundo dos maçons modernos

Depois de guardar de perto seus segredos por séculos, os maçons britânicos passaram a última década tentando abrir sua organização, e alguns de seus rituais, ao escrutínio externo.

Consultores de relações públicas foram contratados, algumas portas do Freemasons ’Hall no centro de Londres foram destrancadas para o público e os documentaristas foram autorizados a entrar nas reuniões da loja. Existem até feeds do Twitter dos maçons - e uma hashtag, # ASK12B1.

A mensagem freqüentemente repetida é que a Maçonaria no século 21 não deve ser vista como um caso misterioso e clandestino. A mensagem tácita é que o público em geral não tem nada a temer.

O que é a Maçonaria?

Quando a Maçonaria começou?

A primeira grande loja, estabelecida para governar a Maçonaria na Inglaterra e no País de Gales, foi formada em 1717, durante uma reunião em um pub na cidade de Londres chamado Goose and Gridiron. Mas na Escócia, uma loja maçônica em Edimburgo tem registros que mostram que existe desde pelo menos 1599.

Por que eles são tão reservados?

A Maçonaria se baseia nas fraternidades de pedreiros medievais que usariam palavras e símbolos secretos para reconhecer a legitimidade uns dos outros. Durante alguns períodos da história, os maçons precisaram ir para a clandestinidade para sobreviver. Mas há suspeitas persistentes de que eles permanecem sigilosos a fim de esconder a maneira pela qual podem ajudar uns aos outros nos negócios.

Há alguma substância nessas alegações?

Esses rumores são muito raramente comprovados, e espera-se que os pedreiros façam um juramento de que não se envolverão em "qualquer ato que possa ter uma tendência a subverter a paz e a boa ordem da sociedade, prestando a devida obediência às leis de qualquer estado ”.

A Maçonaria é uma religião?

Não, é um movimento secular, embora se espere que os novos membros reconheçam a crença em um ser superior semelhante a Deus. Qualquer pessoa que acredite em uma única divindade pode ser admitida.

As identidades de todos os maçons são mantidas em segredo?

Não, os maçons individuais podem se declarar, se desejarem, e os nomes dos oficiais superiores da irmandade na Inglaterra e no País de Gales podem ser encontrados em um anuário maçônico. No entanto, muitos maçons não divulgam sua filiação fora da irmandade.

Então, na véspera de Ano Novo, o presidente cessante da Federação da Polícia, Steve White, lançou uma granada de mão nesta operação de gestão de reputação cuidadosamente elaborada, com uma alegação de que os maçons estavam bloqueando reformas no policiamento e impedindo o progresso de mulheres e policiais negros e comunidades étnicas minoritárias.

“As pessoas que bloquearam o progresso na Federação da Polícia eram todos pedreiros”, disse ele. "E eles eram todos um pé no saco."

Ao ler a entrevista com White, muitas pessoas que não haviam pensado nenhum momento na Maçonaria por muitos anos imediatamente se lembraram da enorme suspeita em torno da organização durante os anos 80 e 90.

Steve White alegou que os maçons estavam bloqueando reformas no policiamento. Fotografia: Teri Pengilley

Oficiais da Grande Loja Unida da Inglaterra (UGLE), o corpo governante dos maçons na Inglaterra e no País de Gales, ficaram furiosos. “A ideia de que a reforma dentro da Federação da Polícia ou em qualquer outro lugar está sendo frustrada por um corpo organizado de maçons é ridícula”, disse o executivo-chefe da UGLE, David Staples, em uma carta à imprensa. Policiais e pedreiros desfrutavam de “valores organizacionais compartilhados de integridade e serviço à comunidade”.

O problema da Maçonaria, no entanto, é que há um limite para sua transparência. Continua a ser uma sociedade secreta, ou “uma sociedade com segredos”, como prefere dizer. Sempre haverá alguns de fora, incapazes de perscrutar, que presumirão o pior - que os laços fraternos da irmandade podem encorajar uma conduta imprópria na vida pública.


1. The Lights Above the New Jersey Turnpike (2001)

Demora muito para os motoristas pararem ao lado de uma rodovia para olhar para o céu, mas em 14 de julho de 2001, os motoristas da New Jersey Turnpike fizeram exatamente isso. Por cerca de 15 minutos logo após a meia-noite, eles ficaram maravilhados com a visão de estranhas luzes laranja e amarelas em uma formação em V sobre a Arthur Kill Waterway entre Staten Island, Nova York, e Carteret, Nova Jersey. & # XA0Carteret Police Department & # x2019s O tenente Daniel Tarrant foi uma das testemunhas, bem como outros residentes da área metropolitana da ponte Throgs Neck em Long Island e Fort Lee, Nova Jersey, perto da ponte George Washington. & # XA0

Os controladores de tráfego aéreo inicialmente negaram que quaisquer aviões, jatos militares ou voos espaciais pudessem ter causado as luzes misteriosas, mas & # xA0a grupo conhecido como New York Strange Phenomena Investigators (NY-SPI) afirmou ter recebido dados de radar da FAA que corroboravam os avistamentos de OVNIs. aquela noite.

CONSULTE MAIS INFORMAÇÃO: Histórias de OVNIs

Imagem retirada de um vídeo divulgado pelo Departamento de Defesa & # x2019s Programa de Identificação Avançada de Ameaças Aeroespaciais de um encontro de 2004 perto de San Diego entre dois caças F / A-18F da Marinha e um objeto desconhecido. (Crédito: Departamento de Defesa dos EUA via The New York Times / Redux)

Departamento de Defesa dos EUA via The New York Times / Redux


Interiores modernos georgianos

Uma grande parte do design do papel de parede tende a seguir as tendências atuais dos têxteis. O período de regência não foi exceção a esse costume. Os padrões Trompe L’oeil (como acima) eram muito populares e muito bem executados. Colunas, congelamentos e pilares eram freqüentemente usados ​​na tentativa de enganar os olhos. Flores, figuras, frutas e urnas eram imagens típicas que você encontraria usadas.

Flock Print

Interpretações modernas viram os padrões de rebanho da Era da Regência voltarem nos últimos anos. Freqüentemente encontrados em duas cores ousadas, os intrincados padrões foram reutilizados em tecidos, papéis de parede e móveis macios. É difícil encontrar uma casa moderna hoje em dia que não tenha pegado o papel de parede adamascado e feito uma parede de destaque. O papel de parede damasco e impresso tem a capacidade instantânea de animar qualquer ambiente a um custo bastante baixo e baixo nível de esforço.

Móveis espelhados

Móveis espelhados se tornaram uma tendência há alguns anos e ainda são populares hoje. Quanto à peça acima, desenhada por William Yeoward e inspirada no estilo Chinoiserie, ela se encaixaria perfeitamente em qualquer esquema moderno. Móveis espelhados podem ser um pouco caros e precisam de limpeza regular para mantê-los com uma ótima aparência, mas realmente adicionam o fator de surpresa ao ambiente.

Chesterfield Sofas

Os sofás Chesterfield têm sido um exemplo clássico do design inglês popular por muitos anos. As origens da palavra & # 8216chesterfield & # 8217 são um pouco borradas, com alguns atribuindo-o ao estilo que foi feito no reinado do conde de Chesterfield. O distinto couro abotoado é o design clássico que todos nós conhecemos e amamos. As adaptações posteriores viram o design um pouco mais simplificado e outros tecidos usados. Veludos de cores ousadas são muito populares no momento e você os verá freqüentemente usados ​​em Chesterfields, como este abaixo. Eles são uma peça de investimento real e estão tão procurados agora quanto eram há mais de cem anos!

O espelho sunburst

O ressurgimento da popularidade do espelho sunburst, que se originou já em 1600 com o reinado de Luís XIV da França, que era conhecido mundialmente como o “Rei Sol”, adicionou um toque de glamour de volta aos nossos interiores. Aparentemente, o rei Luís gostava de olhar para um espelho explosivo ao acordar de manhã para poder ver os raios de sol irradiando de sua cabeça. O sunburst foi encontrado em espelhos e outras artes em todo o mundo durante o período da Renascença e até os tempos modernos.

Cortinas e enfeites elaborados ainda adornam algumas de nossas propriedades mais glamorosas. Se você tiver a sorte de ter as grandes janelas encontradas em muitas casas de estilo Regency e georgiano, certamente poderá desfrutar desses efeitos. Hoje ainda existem muitos designs de remates, para combinar com tal grandiosidade, com um toque contemporâneo para trazê-los à data.

Como designer de interiores em Bath, trabalhando na Etons of Bath, me especializei em pegar influências da história e atualizá-las em casas modernas. Para obter ajuda, ligue para 01225 639002.


Insights e arte

A dinastia Tang foi frequentemente considerada a personificação perfeita da cultura e dos valores chineses, elogiada por ser um período sofisticado e influente da história chinesa. Paradoxalmente, no entanto, a família governante Tang tinha conexões distintas com os nômades do steepe e com culturas que eram consideradas inferiores em contraste com os chineses baseados na agricultura. A dinastia Tang foi um período em que as bases da identidade chinesa foram infundidas com influências estrangeiras, mas esses valores se tornariam a base permanente da história chinesa.

Sob o Tang, a China deu passos significativos no sentido de abraçar a comercialização, à medida que o comércio com países estrangeiros se tornava cada vez mais essencial para a prosperidade econômica do império. A evolução do budismo de um dogma com raízes indianas indiscutíveis para um sistema de crenças que era inerentemente chinês também ocorreu durante a dinastia Tang. Isso solidificaria a importância e o legado da fé em todos os aspectos da China por muitos séculos depois. O Tang foi significativo porque estabeleceu o precedente para todas as dinastias chinesas posteriores: significou a transição da China medieval para o início da China moderna, onde a nação se tornou a pedra angular do mundo do Leste Asiático.

Sob a dinastia Tang, as dicotomias da identidade chinesa começaram a mudar para algo que era mais inclusivo culturalmente. Enquanto os chineses continuavam a se ver como culturalmente superiores aos seus vizinhos, as distinções entre "bárbaros" e "chineses" começaram a se confundir durante este período. As raízes nômades e turcas da família Tang significavam a infusão de crenças e práticas de base externa eram apoiadas pelo governo.

Nesse período, a mudança da China em direção à comercialização também resultou no intercâmbio cultural entre as nações, embora isso seja explorado mais tarde neste ensaio. É importante compreender que as mudanças e suas repercussões foram freqüentemente interligadas e não devem ser vistas como inerentemente separadas. Durante a primeira metade da dinastia Tang, a China começou a restabelecer conexões políticas com estados "bárbaros" à medida que fomentavam políticas de expansão. Isso incluiu casar a princesa com famílias nobres que viviam na estepe para criar a aliança sino-altaica com as nações da Ásia Central. Este progresso só foi possível devido à diplomacia, redes políticas e ideologias semelhantes entre a família governante Tang e outros aristocratas circundantes.

O Império Tang também liderou guerras de expansão em estados vizinhos como Coréia, Japão e Vietnã do Norte em uma tentativa de recuperar o território mantido pela dinastia Han. O desejo dos imperadores Tang de emular a dinastia Han é um tema recorrente ao longo de seu governo combinado com a tentativa de solidificar sua percepção como um autêntico & # 8216Chinesness. & # 8217 Isso também se reflete no apoio dos Tang ao taoísmo, um dogma inconfundivelmente chinês que recebeu o título de religião mais alta do estado em 625 e 637. Nesse estágio, o budismo ainda não havia sofrido sinificação e, portanto, o estigma de ser culturalmente estrangeiro não havia diminuído um estigma que os Tang tentavam evitar. A decisão dos Tang de mudar o nome de sua capital de Daxingcheng para Chang'an após a capital do império Han, reflete ainda mais o desejo dos Tang de se retratarem como o renascimento da nação chinesa.

O Tang foi um período de transformação, a dinastia perto do final de seu reinado era muito diferente da dinastia fundada por Li Yuan em 618. Apesar das tentativas de Tang de reconstruir um império semelhante ao Han em termos de tamanho e legado cultural, o Tang abandonou muitas políticas e instituições cujas origens podiam ser encontradas no Han. O intercâmbio cultural é uma relação que funcionou nos dois sentidos e, embora o Império Tang estivesse exportando os valores chineses para seus vizinhos, sua sociedade também estava sendo moldada por forças externas.

Algumas dessas mudanças incluíram a eliminação da prática de redistribuir periodicamente terras de propriedade do estado às famílias e, eventualmente, restringir a proeminência e o poder das famílias da elite. Geralmente, essas tendências resultaram em maior liberdade para os indivíduos, famílias e empresas, o que abriu a possibilidade de aumento do comércio internacional, que foi parcialmente responsável pelos níveis crescentes de urbanização. Em uma escala menor, andar a cavalo e a adoção do alaúde na cultura chinesa refletem a indefinição das barreiras entre os "bárbaros" e os "chineses" autênticos. Embora a família Tang tentasse esconder suas conexões alienígenas, práticas intensas como o casamento de levirato e os a matança de parentes para o trono era freqüentemente praticada, para grande choque de seus súditos chineses 'Han'. É frequentemente argumentado que as dinastias Sui e Tang foram os processadores do Yuan, além de sua herança "bárbara" entre todas as três dinastias, todos eles lideraram a China por um período de capitalismo por meio de políticas expansionistas como guerra e aumento do comércio.

Durante o Tang, a terra cultural e economicamente central da China mudou para o sul, permitindo assim que as eventuais percepções de ser 'Han' ou 'Chinês' fossem firmemente associadas à geografia sob o Rio Amarelo. Isso é parcialmente responsável pela interpretação dos valores e crenças do sul da China como a base quintessencial da identidade "Han", mesmo durante o Império Qing, quando os manchus eram a minoria governante. Parte da mudança foi devido à dinastia Sui abrindo a bacia de drenagem do rio Yangzi e depois que as terras baixas pantanosas foram drenadas, a produtividade agrícola do sul da China aumentou dramaticamente. O protótipo de uma capital distante, mas militarmente superior do norte, controlando o sul e usando sua produção agrícola para apoiar o governo e fomentar o comércio, tornou-se o padrão para muitos impérios posteriormente.

Como as estradas da "seda" que permitiam o comércio entre a Ásia Central e a Ásia Oriental foram interrompidas pela ascensão de um estado tibetano e a crescente influência do Islã nas regiões ocidentais da China, o governo Tang passou a trocar mercadorias por meio do comércio marítimo. Como muitas das cidades do sul estavam localizadas ao longo da costa, passar para o comércio marítimo era um método de comércio natural e de esforço. Esses vínculos comerciais reacendidos levam muitos estrangeiros a se estabelecerem na China e vice-versa, um passo importante para a distorção da identidade tradicional chinesa.

A urbanização e comercialização do Império Tang criaram as condições perfeitas para a China entrar em sua era mais prestigiosa e respeitada da literatura, uma vez que a produção artística se afastou da natureza estática das cortes para as cidades urbanas cada vez mais ricas. Os poemas e histórias refletiam seu lugar de origem e geralmente estavam localizados dentro de uma região metropolitana, com temas recorrentes como lazer e relaxamento encontrados em bordéis e outros estabelecimentos de lazer. Ironicamente, muitos dos maiores textos da China surgiram não durante um período de isolamento em que os valores chineses foram autorizados a penetrar na sociedade sem contaminação estrangeira, mas durante um período em que as fronteiras e distinções da sociedade foram desafiadas e alteradas.

A dinastia Tang, mais do que qualquer governo chinês antes deles, teve sucesso em espalhar as bases da cultura chinesa para as nações vizinhas. Embora o aumento do comércio internacional com países como Índia, Coréia e Japão tenham desempenhado um papel significativo para esse intercâmbio. Uma característica definidora dos Siu e Tang era sua inclusão cultural, sem dúvida em parte devido à sua linhagem não chinesa. Embora a China ainda se considere a referência para a civilização e o centro do mundo, suas atitudes condescendentes para com os bárbaros vizinhos se suavizaram. Muitos estados do Leste Asiático muitas vezes buscaram alguma forma de reconhecimento dentro do arranjo de ordem mundial da China, mesmo que isso significasse que seu país seria colocado em uma posição de submissão. Estados como Vietnã, Coréia e Japão adotaram a caligrafia tradicional chinesa como sua língua oficial escrita e prestaram homenagem ao governo Tang, mais poderoso, como vassalos. Da mesma forma, a moda e a música chinesas de elite se tornaram a norma para outras cortes asiáticas, que rapidamente vincularam seu nome à mística e à grandeza da cultura chinesa estabelecida. Princípios confucionistas, como o patriarcado e a piedade filial, são apenas alguns dos elementos remanescentes encontrados em muitos países do Leste Asiático, espalhados pelo contato com a Dinastia Tang.

Foi durante o período do governo Tang que o budismo evoluiu para um sistema de crenças embutido nas crenças tradicionais chinesas, quebrando assim o rótulo estrangeiro que o seguia desde sua concepção na Índia. Enquanto o taoísmo era a religião endossada pelo estado, o budismo era indiscutivelmente mais influente e popular e seu significado político, cultural e religioso foi cimentado durante a dinastia Tang. Ao contrário do taoísmo, o budismo estava muito entrelaçado com os plebeus e os mosteiros desempenhavam um papel notável na sociedade, às vezes agindo como um albergue, hospital ou orfanato, dependendo de seu contexto. Pode-se argumentar que o budismo prosperou nos capítulos subsequentes da história chinesa porque, ao contrário do taoísmo, parecia mais acessível e identificável para a maioria dos cidadãos chineses.

O budismo passou por dois períodos de mudança em que seus ensinamentos e filosofias foram reinterpretados até que sofreu intensa sinificação e, assim, emergiu como budismo chinês. Desde a época em que o budismo entrou na China, por volta da dinastia Han, até o ano 400, elementos específicos do budismo foram enfatizados apenas se estivessem sincronizados com as crenças chinesas existentes. De 400 a 600, o budismo na China foi reinterpretado sem preconceito cultural, os pensadores chineses buscaram entender a fé desde suas origens, o que muitas vezes significava abraçar uma perspectiva indiana ou da Ásia Central. Essa mudança de pensamento coincidiu com a Índia entrando em sua "era de ouro" sob o governo Gupta, que viu a Índia fazer avanços em muitos campos como ciência, filosofia e engenharia, permitindo que a Índia se tornasse o coração cultural e intelectual da Ásia.

No entanto, à medida que o Tang ganhou proeminência no século 6, o desequilíbrio de poder inclinou-se a favor da China, criando a situação ideal para alimentar uma interpretação chinesa do budismo que rejeitava leituras externas. Os primeiros sinais de que a Índia estava perdendo seu controle sobre o dogma budista ocorreram em 601 e 602, quando o imperador Sui Wen ordenou um grande festival para celebrar a posse dos restos mortais de Buda pela China. Essa afirmação legitimou a influência da China na natureza mutante dos ensinamentos budistas. O imperador Wen também ordenou que textos gravando o festival fossem traduzidos para o sânscrito, revertendo simbolicamente o movimento dos escritos religiosos e enraizando uma perspectiva exclusivamente chinesa no budismo.

Quando o Império Tang começou a governar a China, a Índia começou a sair de seu período áureo de descobertas e inovações e cada vez mais a Ásia Central estava experimentando a islamificação. Esse influxo de cultura estrangeira na Índia acabou resultando na conquista muçulmana no século 9, que expulsou o budismo de sua fortaleza, o Ganges. Reforçando a transferência do budismo para a China estava a crença de que no século 6 o budismo estava lentamente desaparecendo na obscuridade na Índia e no continente asiático em geral. Assim, quando o budismo foi restabelecido na China Tang, havia uma crença de que a nova era da religião exigia novos textos para espalhar uma abordagem moderna ao dogma. Como afirmado antes, há grandes diferenças entre as variantes mais tradicionais do budismo tibetano e indiano em contraste com a versão chinesa: elas incluíam um foco mais forte nas divindades e na importância das linhagens de mestre-discípulo nas últimas. A sinificação do budismo é clara, pois o significado das linhagens mestre-discípulo é um vínculo direto com os ideais confucionistas, como uma sociedade hierárquica masculina excêntrica e crenças como a piedade filial. Outros exemplos de sinificação incluem a assimilação de famosas figuras budistas indianas como o rei Manjusri, que no século 11 era amplamente aceito que ele nasceu nas regiões ocidentais da China.

Essa sinificação do budismo é um elemento-chave da dinastia Tang que teve grande repercussão nos capítulos seguintes da história chinesa. Mesmo hoje, a percepção do budismo como um sistema de crenças que se originou não da Índia, mas do Leste Asiático, ainda persiste. A quebra das rotas comerciais da China para a Ásia Central devido ao surgimento do Islã significou que a China olhou para o Oriente em busca de comércio e expansão, outro fator pelo qual o budismo chinês contém muitos conceitos heterodoxos em comparação com variantes indianas ou tibetanas.

A ascensão do budismo na China foi parcialmente responsável pela eventual adoção da crença pela Mongólia e, assim, plantou as sementes para uma relação muito complicada entre o Tibete e a China, que originalmente começou com um padre e um mestre, respectivamente. Da mesma forma que a popularidade do Daoísmo diminuiu particularmente na dinastia Yuan, o Budismo gradualmente se tornou mais entrelaçado com a política com governantes como a Imperatriz Tang Wu afirmando que ela era a reencarnação de Maitrya, uma ação que não era incomum.

A dinastia Tang foi um período de imensa mudança na cultura e identidade chinesas, por mais subjacente a essa transformação que aspectos da sociedade chinesa fossem se tornando cada vez mais distintos, principalmente na segunda metade do império. Os três elementos de mudança, budismo, comercialização e adoção de práticas nômades, discutidos neste ensaio estão altamente entrelaçados e seu impacto na sociedade deve ser reconhecido como um todo, em vez de ser analisado como fatores separados.

Sem o Tang encerrando alguns costumes, como a divisão anual de terras pertencentes ao governo ou restringindo a influência das famílias da elite, tendências como capitalismo ou urbanização não teriam acontecido. A troca de bens e produtos mais tarde levaria à disseminação da filosofia chinesa entre o Leste Asiático e argumenta-se que parte da razão pela qual o budismo apareceu pela primeira vez na China foi por causa da demanda de seda na Índia. Da mesma forma, a ascensão do Tang e a adoção da equitação e a assimilação do casamento levirato no tribunal significaram a confusão da identidade chinesa. A dinastia Tang foi e é considerada o modelo de um estado chinês perfeito, que foi econômica e militarmente bem-sucedido, embora ainda fosse fundamentalmente chinês. Ironicamente, em um exame mais atento, a Dinastia Tang também foi responsável por incorporar muitos valores culturais que foram considerados estranhos para muitos de seus súditos, mudando para sempre as dicotomias de ‘Chineses’.


Como a genética está mudando nossa compreensão de "raça"

Em 1942, a antropóloga Ashley Montagu publicou "Man’s Most Dangerous Myth: The Fallacy of Race,”Um livro influente que argumentou que a raça é um conceito social sem base genética. Um exemplo clássico frequentemente citado é a definição inconsistente de "preto". Nos Estados Unidos, historicamente, uma pessoa é “negra” se tiver qualquer ascendência da África subsaariana no Brasil, uma pessoa não é “negra” se souber de qualquer ascendência europeia. Se “preto” se refere a pessoas diferentes em contextos diferentes, como pode haver qualquer base genética para isso?

A partir de 1972, as descobertas genéticas começaram a ser incorporadas a esse argumento. Naquele ano, o geneticista Richard Lewontin publicou um importante estudo da variação dos tipos de proteínas no sangue. Ele agrupou as populações humanas que analisou em sete "raças" - eurasianos ocidentais, africanos, asiáticos do leste, sul-asiáticos, nativos americanos, oceânicos e australianos - e descobriu que cerca de 85 por cento da variação nos tipos de proteínas poderia ser explicada pela variação dentro de populações e "raças", e apenas 15 por cento por variação entre eles. Na medida em que havia variação entre os humanos, concluiu ele, a maior parte se devia a "diferenças entre os indivíduos".

Desta forma, foi estabelecido um consenso de que entre as populações humanas não existem diferenças grandes o suficiente para apoiar o conceito de “raça biológica”. Em vez disso, argumentou-se, raça é uma “construção social”, uma forma de categorizar as pessoas que muda com o tempo e entre os países.

É verdade que raça é uma construção social. Também é verdade, como escreveu o Dr. Lewontin, que as populações humanas “são notavelmente semelhantes entre si” do ponto de vista genético.

Mas, ao longo dos anos, esse consenso se transformou, aparentemente sem questionamento, em uma ortodoxia. A ortodoxia afirma que as diferenças genéticas médias entre as pessoas agrupadas de acordo com os termos raciais de hoje são tão triviais quando se trata de quaisquer características biológicas significativas que essas diferenças podem ser ignoradas.

A ortodoxia vai além, sustentando que devemos estar ansiosos com qualquer pesquisa sobre diferenças genéticas entre as populações. A preocupação é que tais pesquisas, por mais bem-intencionadas que sejam, situam-se em uma ladeira escorregadia que leva aos tipos de argumentos pseudocientíficos sobre a diferença biológica que foram usados ​​no passado para tentar justificar o tráfico de escravos, o movimento eugênico e a Assassinato de seis milhões de judeus pelos nazistas.

Tenho profunda simpatia pela preocupação de que as descobertas genéticas possam ser mal utilizadas para justificar o racismo. Mas, como geneticista, também sei que simplesmente não é mais possível ignorar as diferenças genéticas médias entre as "raças".

Avanços revolucionários na tecnologia de sequenciamento de DNA foram feitos nas últimas duas décadas. Esses avanços nos permitem medir com precisão requintada que fração da ancestralidade genética de um indivíduo remonta, digamos, à África Ocidental 500 anos atrás - antes da mistura nas Américas dos pools de genes da África Ocidental e da Europa que foram quase completamente isolados pelo último 70.000 anos. Com a ajuda dessas ferramentas, estamos aprendendo que, embora a raça possa ser uma construção social, as diferenças na ancestralidade genética que se correlacionam com muitas das construções raciais de hoje são reais.

Estudos genéticos recentes demonstraram diferenças entre as populações não apenas nos determinantes genéticos de características simples, como a cor da pele, mas também em características mais complexas, como dimensões corporais e suscetibilidade a doenças. Por exemplo, agora sabemos que fatores genéticos ajudam a explicar por que os europeus do norte são mais altos em média do que os da Europa do sul, por que a esclerose múltipla é mais comum em europeus do que em afro-americanos e por que o inverso é verdadeiro para a doença renal em estágio terminal .

Estou preocupado que pessoas bem-intencionadas que negam a possibilidade de diferenças biológicas substanciais entre as populações humanas estejam se enterrando em uma posição indefensável, que não sobreviverá ao ataque da ciência. Também estou preocupado que quaisquer descobertas feitas - e nós realmente não temos ideia ainda quais serão - serão citadas como "prova científica" de que preconceitos e agendas racistas foram corretos o tempo todo, e que essas pessoas bem-intencionadas não compreender a ciência bem o suficiente para resistir a essas afirmações.

Por isso é importante, mesmo urgente, que desenvolvamos uma forma franca e cientificamente atualizada de discutir tais diferenças, em vez de enfiar a cabeça na areia e sermos apanhados despreparados quando as encontramos.

Para ter uma ideia de como é a pesquisa genética moderna sobre as diferenças biológicas médias entre as populações, considere um exemplo do meu próprio trabalho. Começando por volta de 2003, comecei a explorar se a mistura populacional que ocorreu nas últimas centenas de anos nas Américas poderia ser aproveitada para encontrar fatores de risco para câncer de próstata, uma doença que ocorre 1,7 vezes mais frequentemente em afro-americanos autoidentificados do que em auto-identificados europeus-americanos. Essa disparidade não foi possível explicar com base nas diferenças dietéticas e ambientais, sugerindo que fatores genéticos podem desempenhar um papel.

Afro-americanos autoidentificados derivam, em média, cerca de 80% de sua ancestralidade genética de africanos escravizados trazidos para a América entre os séculos 16 e 19. Meus colegas e eu pesquisamos, em 1.597 homens afro-americanos com câncer de próstata, locais no genoma onde a fração de genes contribuídos pelos ancestrais da África Ocidental fosse maior do que em outras partes do genoma. Em 2006, encontramos exatamente o que procurávamos: uma localização no genoma com cerca de 2,8 por cento mais ancestralidade africana do que a média.

Quando olhamos com mais detalhes, descobrimos que essa região continha pelo menos sete fatores de risco independentes para câncer de próstata, todos mais comuns em africanos ocidentais. Nossas descobertas podem ser totalmente responsáveis ​​pela maior taxa de câncer de próstata em afro-americanos do que em europeus-americanos. Poderíamos concluir isso porque os afro-americanos que por acaso têm ascendência inteiramente europeia nessa pequena seção de seus genomas tinham quase o mesmo risco de câncer de próstata que os europeus aleatórios.

Essa pesquisa se baseou em termos como “afro-americano” e “europeu-americano”, que são socialmente construídos, e rotulou segmentos do genoma como sendo provavelmente de origem “oeste africana” ou “europeia”? sim. Esta pesquisa identificou fatores de risco reais para doenças que diferem em frequência entre essas populações, levando a descobertas com potencial para melhorar a saúde e salvar vidas? sim.

Embora a maioria das pessoas concorde que é importante encontrar uma explicação genética para uma taxa elevada de doença, elas costumam traçar o limite. Encontrar influências genéticas sobre a propensão para a doença é uma coisa, eles argumentam, mas procurar essas influências sobre o comportamento e a cognição é outra.

Mas, gostemos ou não, essa linha já foi cruzada. Um estudo recente conduzido pelo economista Daniel Benjamin compilou informações sobre o número de anos de educação de mais de 400.000 pessoas, quase todas de ascendência europeia. Depois de controlar as diferenças no background socioeconômico, ele e seus colegas identificaram 74 variações genéticas que são super-representadas em genes conhecidos por serem importantes no desenvolvimento neurológico, cada um dos quais é incontestavelmente mais comum em europeus com mais anos de educação do que em europeus com menos Anos de educação.

Ainda não está claro como essas variações genéticas operam. Um estudo de acompanhamento com islandeses liderado pelo geneticista Augustine Kong mostrou que essas variações genéticas também levam as pessoas que as carregam a adiar o nascimento dos filhos. Portanto, essas variações podem estar explicando tempos mais longos na escola, afetando um comportamento que não tem nada a ver com inteligência.

Este estudo foi acompanhado por outros que descobriram preditores genéticos do comportamento. Um deles, liderado pela geneticista Danielle Posthuma, estudou mais de 70.000 pessoas e encontrou variações genéticas em mais de 20 genes que eram preditivos de desempenho em testes de inteligência.

O desempenho em um teste de inteligência ou o número de anos de escola que uma pessoa frequenta é determinado pela maneira como a pessoa é criada? Claro. Mas isso mede algo tendo a ver com algum aspecto do comportamento ou cognição? Quase com certeza. E uma vez que se espera que todas as características influenciadas pela genética difiram entre as populações (porque as frequências das variações genéticas raramente são exatamente as mesmas entre as populações), as influências genéticas sobre o comportamento e a cognição também serão diferentes entre as populações.

Você às vezes ouvirá que quaisquer diferenças biológicas entre as populações provavelmente serão pequenas, porque os humanos divergiram muito recentemente dos ancestrais comuns para que diferenças substanciais tenham surgido sob a pressão da seleção natural. Isso não é verdade. Os ancestrais dos asiáticos orientais, europeus, africanos ocidentais e australianos eram, até recentemente, quase completamente isolados uns dos outros por 40.000 anos ou mais, o que é mais do que tempo suficiente para as forças da evolução funcionarem. Na verdade, o estudo liderado pelo Dr. Kong mostrou que na Islândia, houve seleção genética mensurável contra as variações genéticas que predizem mais anos de educação nessa população apenas nos últimos século.

Para entender por que é tão perigoso para geneticistas e antropólogos simplesmente repetir o antigo consenso sobre as diferenças da população humana, considere que tipos de vozes estão preenchendo o vazio que nosso silêncio está criando.Nicholas Wade, um jornalista científico de longa data do The New York Times, corretamente observa em seu livro de 2014, "A Troublesome Inheritance: Genes, Race and Human History", que a pesquisa moderna está desafiando nosso pensamento sobre a natureza das diferenças da população humana. Mas ele continua fazendo a alegação infundada e irresponsável de que essa pesquisa está sugerindo que fatores genéticos explicam os estereótipos tradicionais.

Uma das principais fontes de Wade, por exemplo, é o antropólogo Henry Harpending, que afirmou que as pessoas de ascendência africana subsaariana não têm propensão a trabalhar quando não precisam porque, afirma ele, não passaram por o tipo de seleção natural para trabalho duro nos últimos milhares de anos que alguns eurasianos fizeram. Simplesmente não há evidência científica para apoiar esta afirmação. Na verdade, como 139 geneticistas (incluindo eu) apontaram em uma carta ao The New York Times sobre o livro do Sr. Wade, não há evidência genética para apoiar qualquer um dos estereótipos racistas que ele promove.

Outro exemplo de destaque é James Watson, o cientista que em 1953 co-descobriu a estrutura do DNA e que foi forçado a se aposentar como chefe do Cold Spring Harbor Laboratories em 2007 depois de declarar em uma entrevista - sem qualquer evidência científica - essa pesquisa sugeriu que fatores genéticos contribuem para a inteligência inferior em africanos do que em europeus.

Em uma reunião, alguns anos depois, o Dr. Watson disse para mim e minha colega geneticista Beth Shapiro algo no sentido de "Quando vocês vão descobrir por que vocês, judeus, são tão mais inteligentes do que todo mundo?" Ele afirmou que os judeus eram grandes empreendedores por causa das vantagens genéticas conferidas por milhares de anos de seleção natural para serem estudiosos, e que os estudantes do Leste Asiático tendiam a ser conformistas por causa da seleção para conformidade na antiga sociedade chinesa. (Contactado recentemente, o Dr. Watson negou ter feito essas declarações, sustentando que elas não representam seus pontos de vista. O Dr. Shapiro disse que as lembranças dela correspondem às minhas.)

O que torna as declarações do Dr. Watson e do Sr. Wade tão insidiosas é que elas começam com a observação precisa de que muitos acadêmicos estão implausivelmente negando a possibilidade de diferenças genéticas médias entre as populações humanas e, em seguida, terminam com uma alegação - apoiada por nenhuma evidência - de que eles saber quais são essas diferenças e que correspondem a estereótipos racistas. Eles usam a relutância da comunidade acadêmica para discutir abertamente essas questões tensas para fornecer cobertura retórica para ideias odiosas e velhos boatos racistas.

É por isso que cientistas bem informados devem se manifestar. Se nos abstermos de estabelecer uma estrutura racional para discutir as diferenças entre as populações, corremos o risco de perder a confiança do público e contribuímos ativamente para a desconfiança da expertise que agora é tão predominante. Deixamos um vácuo que é preenchido pela pseudociência, um resultado muito pior do que qualquer coisa que poderíamos alcançar falando abertamente.

Se os cientistas podem ter certeza de alguma coisa, é que tudo o que acreditamos atualmente sobre a natureza genética das diferenças entre as populações provavelmente está errado. Por exemplo, meu laboratório descobriu em 2016, com base em nosso sequenciamento de genomas humanos antigos, que os “brancos” não são derivados de uma população que existiu desde tempos imemoriais, como algumas pessoas acreditam. Em vez disso, os “brancos” representam uma mistura de quatro populações antigas que viveram há 10.000 anos e eram tão diferentes umas das outras quanto os europeus e asiáticos são hoje.

Portanto, como devemos nos preparar para a probabilidade de que, nos próximos anos, os estudos genéticos mostrem que muitos traços são influenciados por variações genéticas e que esses traços diferem em média entre as populações humanas? Será impossível - na verdade, anticientífico, tolo e absurdo - negar essas diferenças.

Para mim, uma resposta natural ao desafio é aprender com o exemplo das diferenças biológicas que existem entre homens e mulheres. As diferenças entre os sexos são muito mais profundas do que as existentes entre as populações humanas, refletindo mais de 100 milhões de anos de evolução e adaptação. Homens e mulheres diferem por enormes extensões de material genético - um cromossomo Y que os homens têm e que as mulheres não, e um segundo cromossomo X que as mulheres têm e os homens não.

Quase todo mundo aceita que as diferenças biológicas entre homens e mulheres são profundas. Além das diferenças anatômicas, homens e mulheres apresentam diferenças médias de tamanho e força física. (Existem também diferenças médias em temperamento e comportamento, embora existam importantes questões não resolvidas sobre até que ponto essas diferenças são influenciadas por expectativas sociais e educação.)

Como podemos acomodar as diferenças biológicas entre homens e mulheres? Acho que a resposta é óbvia: nós dois devemos reconhecer que existem diferenças genéticas entre homens e mulheres e devemos conceder a cada sexo as mesmas liberdades e oportunidades, independentemente dessas diferenças.

As desigualdades que persistem entre mulheres e homens em nossa sociedade mostram que cumprir essas aspirações na prática é um desafio. No entanto, conceitualmente, é simples. E se este é o caso com homens e mulheres, então certamente é o caso com quaisquer diferenças que possamos encontrar entre as populações humanas, a grande maioria das quais serão muito menos profundas.

Um desafio permanente para a nossa civilização é tratar cada ser humano como um indivíduo e capacitar todas as pessoas, independentemente da mão que recebam no baralho da vida. Em comparação com as enormes diferenças que existem entre os indivíduos, as diferenças entre as populações são em média muitas vezes menores; portanto, deve ser apenas um desafio modesto acomodar uma realidade em que as contribuições genéticas médias para características humanas diferem.

É importante enfrentar o que quer que a ciência venha a revelar, sem prejulgar o resultado e com a confiança de que podemos ser maduros o suficiente para lidar com quaisquer descobertas. Argumentar que nenhuma diferença substancial entre as populações humanas é possível apenas atrairá o uso racista da genética que desejamos evitar.


Os uigures e o destino da China

Acredita-se que mais de 1 milhão de uigures muçulmanos em sua província nativa de Xinjiang, China, tenham sido internados em "campos de reeducação" pelas autoridades chinesas. Outros 2 milhões ainda de fora estão vivendo em um dos regimes de vigilância mais pesados ​​do mundo. Os uigures na China vivem em constante medo da detenção arbitrária e podem esperar uma rápida retribuição por qualquer expressão de identidade turca ou muçulmana - a uma extensão absurda de que dar a seu filho um nome tradicional muçulmano é ilegal.

Naturalmente, isso causou grande preocupação na comunidade internacional de agentes humanitários pelo destino dos uigures. Felizmente, parece que a política da China não é o assassinato em massa desse povo, mas certamente está tentando apagar sua identidade distinta. Os uigures podem viver, mas apenas se deixarem de ser ... Uyghur.

Já escrevi longamente em outro lugar sobre a dimensão humanitária da crise, sobre o fracasso dos países muçulmanos em implorar à China em nome de seus companheiros muçulmanos e sobre o precedente preocupante que isso cria para grupos minoritários em toda a esfera de influência em expansão da China. Mas vale a pena levar um minuto para considerar o que isso diz sobre a China e o futuro do Partido Comunista Chinês.

A política da China em Xinjiang, uma política de sinificação, é uma tentativa nua e crua de "construção da nação" em uma área onde as autoridades chinesas aparentemente acreditam que não têm autoridade moral clara para governar - muito parecido com sua abordagem no Tibete. Ao contrário do Tibete, no entanto, existe um pequeno movimento separatista uigur em Xinjiang, mas isso nunca representou qualquer ameaça realista de secessão. Ironicamente, ao elevar a retórica frouxa de uma minoria de ativistas políticos ao status de ameaça existencial à autoridade de Pequim, o Estado chinês está ampliando sua mensagem e dando-lhe o peso que nunca poderia ter tido antes.

Mas para ambos os lados, os separatistas uigures ou a linha dura de Pequim, alegar que os uigures de Xinjiang são de alguma forma incompatíveis ou uma ameaça à própria ideia da China como existe hoje é um absurdo a-histórico. O povo da moderna Xinjiang, o povo que mais tarde se cristalizaria na identidade uigur, há milênios é o guardião da China ao longo da antiga Rota da Seda. Kashgar, a grande cidade mais ocidental de Xinjiang, serviu de portão para o leste, para as terras da civilização chinesa, desde antes da era atual.

Se o Partido Comunista de Pequim sentir que precisa recorrer a esse tipo de vandalismo cultural para apagar a cultura e a história únicas de Xinjiang, por mais muçulmana que seja, a fim de manter a "harmonia social", isso é um mau presságio para a harmonia no estado chinês . Porque a história e a cultura de Xinjiang foram fundamentais para o desenvolvimento histórico da cultura chinesa "adequada" e o surgimento da China como um ‘Estado civilizador’. Na tentativa de apagar o legado cultural de Xinjiang, o Partido Comunista de Pequim está tentando apagar sua própria história. E em um país como a China, isso é impossível e também extremamente perigoso de tentar e fazer. Um Estado civilizador como a China é construído sobre uma história compartilhada e uma capacidade de absorver a diversidade cultural para produzir uma civilização maior do que a soma de suas partes.

Isso é algo que sucessivas dinastias chinesas têm feito com algum grau de sucesso por mais de 22 séculos, de acordo com os princípios confucionistas. Se esta última dinastia chinesa, o Partido Comunista, se sente incapaz de fazer o mesmo, isso não é um sinal de força. É um sinal de fraqueza alarmante.

Mas para entender por quê, é preciso também entender a mentalidade chinesa. O estado chinês, o ‘Mandato do Céu’ não é um arranjo institucional naturalmente estável. Emergiu de uma longa história de guerra destrutiva. O estado imperial emergia periodicamente de amargas guerras regionais e dinásticas, como um meio de impor a paz à terra sob uma autoridade unificada com a reivindicação do monopólio da força. Sem o imperador, ou sua versão secularizada da administração central do Estado sob o Partido Comunista, os diferentes grupos culturais, regionais, lingüísticos e étnicos da China têm historicamente tanto probabilidade de entrar em guerra entre si quanto os países da Europa. E toda vez que a terra desabou em uma guerra civil total, que acontece a cada 200-300 anos ou mais, essas guerras mataram mais pessoas do que qualquer conflito na história até aquele ponto.

A obsessão de Pequim com a harmonia social é informada por esta história e, na verdade, muito por seu dever moral. Se o Estado perder o controle da ordem social, devemos esperar que a guerra civil que se seguirá seja a maior tragédia humana na história do mundo - agora com as armas nucleares.

E é exatamente por isso que essa abordagem agressiva de Xinjiang é tão alarmante. Com sua política de sinificação forçada dos uigures, Pequim está demonstrando sua devida obsessão pela harmonia social, sim, mas também mostra que não tem confiança em sua própria autoridade para permitir qualquer grau de crítica, nem mesmo a confiança em si mesma. 'Mandato do Céu' para permitir o tipo de diversidade cultural que é inevitável em um país de 1,4 bilhão de pessoas. Ao usar os métodos de "reeducação" stalinista em oposição aos métodos de liderança cultural pelo exemplo adequado às civilizações ascendentes, Pequim está sinalizando sua crença de que está se aproximando do limite de seu poder de governar internamente.

Para piorar as coisas, essa abordagem pesada ao controle doméstico não está ajudando a conter as marés de resistência social. Pode suprimir manifestações superficiais dela, no máximo. Mas, no fundo, essas tensões fervilham, as questões sobre a autoridade moral de Pequim para governar se ampliam e, a médio e longo prazo, o Partido Comunista está agravando seus problemas internos.

Em um sentido muito real, ao buscar esmagar e destruir a cultura uigur, a China está destruindo parte de sua história e parte de sua alma como civilização. Mas, ao seguir tal política, o Partido Comunista também pode colocar em risco seu próprio futuro. Isso não é algo para ser comemorado. Não se sabe ao certo se o resto do mundo conseguirá lidar com o colapso do Estado chinês, especialmente considerando a importância que Pequim se tornou para o sistema global. É, portanto, como amigos da China, do povo da China e como parceiros bem-intencionados de Pequim, que devemos expressar nossas preocupações sobre sua abordagem a Xinjiang e os uigures, na verdade sua abordagem ao Tibete, e exortá-los a construir seu estado, e a necessária harmonia social não no exclusivismo Han-supremacismo, mas na sólida fundação do pluralismo cultural, e a força que deriva da diversidade.

O Dr. Azeem Ibrahim é diretor do Center for Global Policy em Washington DC e autor de Rohingyas: Inside Myanmar’s Genocide (Hurst: 2016)


Obrigado!

No início da década de 1920, os dois estados com a maior adesão per capita ao Klan eram Indiana e Oregon. Embora Portland, Oregon, tenha uma reputação de inclusão liberal hoje, essa foi uma das cidades onde o KKK foi mais poderoso. Um dos principais focos do ressentimento de Klan no Oregon foram as escolas paroquiais, que foram pintadas como parte do plano do Papa & # 8217 para dominar os Estados Unidos. (Os progressistas modernos também podem se surpreender ao saber que a Klan convocou um departamento federal de educação neste momento, porque eles queriam ser capazes de controlar os currículos, ressalta Gordon.)

É importante notar que, apesar da retórica anti-imigrante que atraiu os moradores do Oregon da década de 1920 para o KKK, o estado era predominantemente branco e protestante e 87% nativo no início dos anos 1920. Os poucos católicos e japoneses que viviam na área foram enquadrados como populações ameaçadoras que poderiam crescer potencialmente e assumir o controle do mercado de trabalho se sua presença não fosse contida rapidamente. & # 8220Havia muito poucos católicos em Oregon, muito poucos judeus e quase nenhum afro-americano, & # 8221 diz Gordon. & # 8220Você pode aumentar a hostilidade e o medo mesmo quando não houver evidências locais para esse medo. Meu palpite é que muitas pessoas na Klan nunca conheceram um católico. & # 8221

A Segunda Guerra Mundial mudou drasticamente a demografia de Portland, à medida que ela se tornou um importante porto comercial e centro de construção naval de defesa. Com tantos residentes dos estados & # 8217 embarcando com o Exército & # 8220, as indústrias de defesa ficaram desesperadas por mão de obra e pagaram para trazer pessoas de outras partes do país & # 8221 disse Gordon. & # 8220Isso & rsquos o que comprou os afro-americanos para o Oregon. Então, Portland tornou-se, pela primeira vez, um lugar diverso, coisa que nunca tinha sido. & # 8221

Tornou-se ainda mais diversificado e cosmopolita após a guerra, especialmente depois que o Japão se tornou um grande fabricante e começou a enviar mais de seus produtos para os EUA por meio de Portland, atraindo uma classe empresarial global.

A maior vitória da Klan & # 8217s foi seu lobby bem-sucedido por cotas de imigração, que foram transformadas em lei em 1924. O grupo conseguiu 16 membros eleitos para o Senado dos EUA, alegou ter elegido 75 membros para a Câmara dos Representantes dos EUA e pelo menos 11 governadores democratas e republicanos às casas estaduais. (Gordon observa que ninguém foi capaz de contar todos os candidatos da Klan eleitos para cargos estaduais e locais, já que muitos não-membros podem ter compartilhado alguns pontos da ideologia da Klan.) Mas seu novo ímpeto teve vida curta. Em 1925, Indiana Grand Dragon D.C. Stephenson foi condenado por sequestro, estupro e assassinato de sua secretária, e a imprensa nacional se divertiu muito com a hipocrisia de um grupo que afirmava representar uma ideologia cristã. O número de membros caiu de vários milhões no início da década de 1920 para cerca de 350.000 em 1927, e as lutas pelo poder entre os líderes levaram alguns a se separarem e formarem grupos rivais.

Após os confrontos mortais em Charlottesville, grupos de ódio no noroeste do Pacífico receberam atenção renovada, já que o Southern Poverty Law Center conta o que considera serem 21 grupos de ódio apenas no estado de Washington, concentrados especialmente na área de Seattle.

& # 8220O Klan foi flexível quanto a quem [seu ressentimento] era dirigido & # 8221 diz Gordon. & # 8220Em certo sentido, todo preconceito é uma só peça, tudo vem das mesmas fontes de medo e raiva. & # 8221


Enquanto você estiver tocando no verão, não se esqueça de lembrar a importância do que temos para oferecer.

Casa dos livres por causa dos bravos.

"A bandeira americana não voa porque o vento a move. Ela voa do último suspiro de cada soldado que morreu protegendo-a."

Atualmente, na América, temos mais de 1,4 milhão de bravos homens e mulheres ativamente alistados nas forças armadas para proteger e servir nosso país.

Atualmente, há um aumento na taxa de 2,4 milhões de aposentados das forças armadas dos EUA

Aproximadamente, houve mais de 3,4 milhões de mortes de soldados lutando em guerras.

Todos os anos, todos aguardam o fim de semana do Memorial Day, um fim de semana em que as praias ficam superlotadas, as pessoas acendem churrasqueiras para um churrasco ensolarado e divertido, simplesmente um aumento nas atividades de verão, como um "pré-jogo" antes do início do verão.

Muitos americanos se esqueceram da verdadeira definição de por que temos o privilégio de comemorar o Dia da Memória.

Em termos simples, o Memorial Day é um dia para fazer uma pausa, lembrar, refletir e honrar os caídos que morreram protegendo e servindo por tudo que somos livres para fazer hoje.

Obrigado por dar um passo à frente, quando a maioria teria dado um passo para trás.

Obrigado pelos tempos que faltaram com suas famílias, a fim de proteger a minha.

Obrigado por se envolver, sabendo que teria que confiar na fé e nas orações de outros para sua própria proteção.

Obrigado por ser tão altruísta e por colocar sua vida em risco para proteger os outros, embora não os conhecesse.

Obrigado por resistir e ser um voluntário para nos representar.

Obrigado por sua dedicação e diligência.

Sem você, não teríamos a liberdade que nos é concedida agora.

Eu rezo para que você nunca receba essa bandeira dobrada. A bandeira está dobrada para representar as treze colônias originais dos Estados Unidos. Cada dobra carrega seu próprio significado.Segundo a descrição, algumas dobras simbolizam liberdade, vida ou homenageiam mães, pais e filhos de quem serve nas Forças Armadas.

Enquanto você viver, ore continuamente por aquelas famílias que receberam essa bandeira como alguém que acabou de perder a mãe, o marido, a filha, o filho, o pai, a esposa ou um amigo. Cada pessoa significa algo para alguém.

A maioria dos americanos nunca lutou em uma guerra. Eles nunca amarraram as botas e entraram em combate. Eles não precisaram se preocupar em sobreviver até o dia seguinte, quando os tiros dispararam ao seu redor. A maioria dos americanos não sabe como é essa experiência.

No entanto, alguns americanos lutam por nosso país todos os dias. Precisamos agradecer e lembrar esses americanos porque eles lutam por nosso país enquanto o resto de nós fica seguro em casa e longe da zona de guerra.

Nunca dê como certo que você está aqui porque alguém lutou para que você estivesse aqui e nunca se esqueça das pessoas que morreram porque deram esse direito a você.

Então, enquanto você está comemorando este fim de semana, beba para aqueles que não estão conosco hoje e não se esqueça da verdadeira definição de por que celebramos o Dia da Memória todos os anos.

"... E se as palavras não podem pagar a dívida que devemos a esses homens, certamente com nossas ações devemos nos esforçar para manter a fé com eles e com a visão que os levou à batalha e ao sacrifício final."


As 100 pessoas mais importantes da história do teatro musical moderno

Recentemente, estive conversando com um amigo meu sobre os maiores letristas da história do teatro musical, sim, é sobre isso que nós, geeks do teatro, conversamos durante o café. Enquanto estávamos construindo nossa lista, o pensamento começou a me ocorrer: quem tem sido o maior contribuinte para a evolução e o sucesso do teatro musical moderno? Quem foi o maior a enfeitar o palco da Broadway? A influência de quem ainda é sentida hoje?

Já que se passaram pouco mais de 100 anos desde que os artistas de "Tin Pan Alley" começaram a construir o que conhecemos hoje como teatro musical moderno, que melhor momento para sentar e listar os artistas mais importantes da história do teatro musical moderno, que consideramos os anos 1920 e acima. Esta lista será composta por compositores, letristas, escritores de livros, intérpretes, coreógrafos, diretores e até mesmo alguns produtores. Lembre-se de que a palavra-chave aqui é "importante".

Vamos celebrar a incrível história do teatro musical destacando seu brilho.

100. Maury Yeston

Ele é conhecido por escrever músicas e letras para Nove em 1982, e Titânico em 1997, ambos ganharam o Tony Awards de melhor musical e melhor trilha sonora. Ele também ganhou um Drama Desk Award por Nine. Yeston também escreveu uma quantidade significativa da música e a maioria das letras do musical indicado ao Tony Grand Hotel em 1989, que foi indicado para melhor pontuação. Sua versão musical de O Fantasma da Ópera intitulada Fantasma (muito superior ao de Andrew Lloyd Webber) teve inúmeras produções em todo o mundo. De acordo com a revista Show Music, Yeston "escreveu algumas das músicas mais formalmente estruturadas no teatro musical recente. Mas ele também tem o dom de criar melodias arrebatadoras - assim que você ouvir 'Love Can't Happen' de Grand Hotel, ou 'Uma maneira incomum' de Nove, ou 'Casa' de Fantasma, ou qualquer outra música de Yeston, você ficará viciado. "

99. Diahann Carroll

Patina Miller, LaChanze, Audra McDonald tiveram, cada uma, carreiras incríveis e inúmeros elogios. Mas tenho certeza que se você perguntasse a cada um deles, eles dariam um aceno de respeito a Dihann Carroll. Ela foi a primeira mulher negra a ganhar o Tony de Melhor Atriz em Musical por Sem Strings. Sua vitória no Tony seria uma das múltiplas portas que ela quebraria em sua carreira. Ela fez sua estreia na Broadway em Casa das flores em 1959 e nas versões cinematográficas de Carmen Jones e Porgy & amp Bess. Em 1995, ela voltou aos musicais estrelando o elenco canadense original de Sunset Boulevard.

98. Trevor Nunn

Ao lado de Harold Prince, havia um diretor musical da Broadway maior do que Trevor Nunn? Ele dirigiu Gatos, anteriormente o musical mais antigo da história da Broadway e a primeira produção inglesa de Os Miseráveis em 1985. Nunn também dirigiu o pouco conhecido musical Webber – Rice de 1986 Grilo, no Castelo de Windsor. Outros créditos musicais incluemStarlight Express e Sunset Boulevard. Os créditos posteriores de Londres incluem My Fair Lady, Pacífico Sul e A Mulher de Branco. Nunn ganhou três prêmios Tonys, três prêmios Olivier e três prêmios Drama Desk. Em 2012, ele foi introduzido no American Theatre Hall of Fame.

97. Tom Kitt e Brian Yorkey

Em 2008, Kitt e Yorkey deram ao mundo um musical que explorava a doença mental incapacitante, o transtorno bipolar, como nenhum musical havia feito antes. Não apenas isso, Próximo ao normal abordou questões como luto por uma perda, suicídio, abuso de drogas, ética na psiquiatria moderna e o ponto fraco da vida suburbana. É um trabalho ousado e brilhante. A dupla ganhou o Tony de Melhor Trilha Sonora, com Kitt também ganhando de Melhor Orquestração. Próximo ao normal perderia o prêmio de Melhor Musical para Billy Elliot, uma das maiores afrontas da história do Tony, mas eles ganhariam o Prêmio Pulitzer. O Pulitzer Board chamou-o de "um poderoso musical de rock que luta contra a doença mental em uma família suburbana e expande o escopo do assunto para musicais." E com seu sucesso contínuo com Se então (amplamente subestimada), tenho a sensação de que sua classificação será muito mais alta na próxima vez que fizermos uma lista como esta.

96. Brian Stokes Mitchell

Quando penso nas grandes vozes masculinas da minha vida, Brian Stokes Mitchell ocupa uma posição muito alta nessa lista. Se você não acredita em mim, apenas ouça a gravação do elenco de Ragtime. Conhecido como um dos grandes barítonos que enfeitam os palcos da Broadway, Mitchell apareceu em produções de Correspondência (1988), uma revivificação totalmente negra de George e Ira Gershwin Oh, Kay! (1990), Última Jam de Jelly (1992) baseado nas obras do artista de jazz Jelly Roll Morton, Kander e Ebb's Beijo da mulher aranha (1993), Ragtime (1998) (indicação ao Tony), a revivificação de Cole Porter em 1999 Me beije kate (Prêmio Tony) e Homem de La Mancha (2002) (indicação ao Tony) e Mulheres à beira de um colapso nervoso (2012).

95. Jerry Mitchell

Se os anos 60 tiveram Gower Champion e os 80 tiveram Tommy Tune, esta geração tem Jerry Mitchell. Nenhum outro coreógrafo na Broadway está mais bem informado sobre o que o futuro da dança nos musicais traz do que Mitchell. Desde 2001, ele teve oito indicações ao Tony, com duas vitórias pela revivificação de La Cage aux Folles e Botas extravagantes. Além desses dois, ele coreografou alguns dos musicais de dança mais conhecidos dos últimos 20 anos, como The Fully Monty, Dirty Rotten Scoundrels, Gypsy, Hairspray, Catch Me If You Can e Legalmente Loira. Seu próximo projeto é Gotta Dance! que se baseia no documentário com o mesmo nome. Contará com a última música composta por Marvin Hamlisch.

94. Lea Salonga

Para asiáticos como eu, nossa lista de ícones do teatro musical começa e termina com Lea Salonga. Ela entrou em cena com Kim em Senhorita saigon pelo qual realizou a rara façanha de ganhar os prêmios Olivier, Tony, Drama Desk, Outer Critics e Theatre World. Depois de Senhorita saigon ela se tornaria indiscutivelmente a maior a desempenhar o papel de Eponine em os Miseráveis Na Broadway. Como a voz de Jasminein Disney's Aladim, dizer que sua gravação de "A Whole New World" teve um impacto em muitos futuros intérpretes pode ser um eufemismo. Entre isso e seu retorno à Broadway em Flower Drum Song , Salonga passou a maior parte de seu tempo desenvolvendo talentos musicais nas Filipinas.

Quando se trata de olhar para sua carreira na Broadway, há um grande "e se?" apegado a ela. Não por causa de qualquer coisa relacionada ao seu talento, mas por causa das atitudes raciais e tendências de elenco da Broadway. A história dos asiáticos estrelando na Broadway é uma caricatura, mas SERÁ uma coluna diferente para uma época diferente. No entanto, Salonga é um ícone e merece um lugar nesta lista.

93. Julie Taymor

Há uma discussão intensa que vejo acontecer de vez em quando em várias festas de teatro, "Julie Taymor: brilhante ou superestimada?" Desnecessário dizer que isso leva a alguns debates apaixonados. Para mim, embora eu sempre respeite seu trabalho de design em vez de sua direção real, não posso negar suas contribuições para o teatro musical criando um dos musicais de maior bilheteria de todos os tempos, O Rei Leão. Taymor tem a distinção de ser a primeira mulher a receber o prêmio Tony de Melhor Direção de Musical. Vamos ser honestos, não havia nada como O Rei Leão na Broadway antes de Taymor colocar as mãos nele. Com este único show, Taymor se tornou um visonário quando se tratava de conceito artístico para teatro musical.

E então ela fez Homem Aranha: Desligue o Escuro.

92. Len Cariou

Com todo o respeito a todos que desempenharam o papel, Len Cariou é o definitivo Sweeney Todd. Embora George Hearn possa ter tido a sorte de ter sua performance gravada para todos verem, se você ouvir Cariou na gravação original, não chega nem perto. É assustador e de tirar o fôlego de se ouvir. Aparecem também as produções originais de Aplausos e música de uma pequena noite, Cariou foi um dos maiores protagonistas do teatro musical na década de 1970. Em 2004, Cariou foi introduzido no American Theatre Hall of Fame.

91. Jerry Bock e Sheldon Harnick

Eu poderia simplesmente dizer Violinista no Telhado e seguir em frente. Mas esses dois deram ao teatro musical alguns trabalhos fantásticos durante suas carreiras. Algumas de suas outras criações incríveis foram Fiorello !, Ela me ama, a macieirae Os Rothschilds. Se você duvida do impacto de Violinista no Telhado, por favor, encontre-me um musical mais conhecido que celebre as famílias judias. Vou esperar.

90. William Shakespeare

Ok, eu sei que isso pode parecer bobo, mas me escute. Se não fosse pela escrita de William Shakespeare, não teríamos Beije-me, Kate, Os meninos de Syracuse, Dois Cavalheiros de Verona, O Rei Leão, Oh irmão! e apenas o maior musical de todos os tempos, West Side Story. Portanto, tenho que dar um apoio ao Bardo por suas contribuições indiretas para a história do teatro musical.

89. Rosie O'Donnell

Independentemente de sua opinião sobre ela, você não pode negar que a Broadway deve um grande agradecimento a Rosie O'Donnell. Ela não apenas apresentou uma série de musicais da Broadway em seu show, mas depois dos ataques de 11 de setembro, ela foi uma das vozes principais em encorajar as pessoas a voltarem para a cidade de Nova York. Talvez sua maior contribuição, porém, tenha sido basicamente salvar a transmissão do Tony Awards. Com seu envolvimento, os Tonys foram transferidos para o Radio City Music Hall e se tornaram um evento televisivo. No primeiro ano em que ela apresentou, mais de 11 milhões sintonizaram.

88. Richard Kiley

Durante a década de 1960, pode não ter havido um ator principal maior na Broadway do que Richard Kiley. Durante a década, ele ganharia dois prêmios Tony e seria indicado para um terceiro. Seu primeiro veio para Ruiva mas será mais lembrado por ter originado o papel de Miguel de Cervantes / Dom Quixote em Homem de La Mancha. Ele também estrelou em produções originais de Kismet e Sem Strings(Tony acena com a cabeça). Na sua morte, Kiley foi descrito como "um dos atores mais ilustres e versáteis do teatro" e como "um ator indispensável, o tipo de artista que poderia ser chamado para interpretar reis e plebeus e uma diversidade de personagens no meio".

87. Oliver Smith

Cenografia de Oliver Smith para "My Fair Lady"

Se você está se perguntando por que um cenógrafo estaria nesta lista, antes de tudo ele foi indicado para 25 Tony Awards, ganhando 10 deles. Em 1958 foi nomeado para seis produções diferentes. Mas se você ainda está em dúvida por que o homem é o único cenógrafo em isto lista, vou apenas listar algumas das produções originais que este homem desenhou: On the Town, Hello, Dolly !, My Fair Lady, Camelot, The Sound of Music, West Side Story, I Do! Sim !, Cândido e Tia Mame.

86. Rob Marshall

O legado de Rob Marshall é difícil de definir. Por um lado, ele coreografou algumas das melhores produções de avivamento dos últimos 20 anos ímpares (Cabaret, Damn Yankees, She Loves Me) e também é responsável por uma das melhores adaptações para filmes musicais de todos os tempos (Chicago) Mas ele também é responsável por um dos piores (Nove) e entregou um visualmente deslumbrante, mas vazio Dentro da floresta. E com a notícia do interesse dele em trazer Loucuras para a tela, não consigo decidir se devo ficar cheio de empolgação ou medo. No entanto, não posso negar as contribuições desse homem ao teatro musical moderno e às legiões de pessoas que se inspiraram em seu trabalho.

85. Betty Buckley

Betty Buckley pode ter dado apenas uma contribuição significativa para a história do teatro musical moderno, mas que contribuição foi. Sua gravação de "Memory", um dos shows mais conhecidos de todos os tempos, ainda me dá arrepios. Ninguém chegou perto de igualar (sentem os fãs de Elaine Page). Além de sua icônica Grizabella, ela também apareceu em produções originais de 1776, O Mistério de Edwin Drood, Triunfo do Amor(Tony Nod) e o infame Carrie. Em 2012, ela se tornou membro do American Theatre Hall of Fame.

84. Robert Lopez

Tenho a sensação de que, daqui a alguns anos, poderemos ver Lopez em algum lugar entre os vinte primeiros desta lista. Um dos raros vencedores do EGOT (Emmy, Grammy, Oscar, Tony) na história, Lopez não só ultrapassou os limites da comédia na Broadway, mas também deu início ao novo Renascimento de Musicais de Animação da Disney. Avenue Q foi brilhante, Livro de Mórmon(junto com Trey Parker e Matt Stone), era a prova de que Lopez não era um acaso e Congeladas será a raiz de incontáveis ​​futuros intérpretes musicais, assim como Alan Menken fez com as crianças dos anos 90.

83. Joel Gray

Joel Gray criou um dos personagens mais icônicos da história da música com sua atuação como Mestre de Cerimônias em Cabaré, um papel pelo qual ganhou o Tony e o Oscar. Um protagonista não convencional, ele também foi indicado ao prêmio de Tonys por suas atuações em George M !, Goodtime Charley e O Grande Tour. Ele era o mago original em Malvado e estrelou as produções revival de Chicago e Qualquer coisa serve.

82. Harvey Fierstein

Harvey Fierstein pode ter feito esta lista com base em suas performances ou créditos de escrita apenas, mas o fato de que ele fez as duas coisas, ele definitivamente merece estar aqui. Em 1982, sua peça Torch Song Trilogy ganhou Tonys não apenas como Melhor Peça, mas também como Melhor Ator em uma Peça. Fierstein também escreveu o livro para La Cage aux Folles, ganhando outro prêmio Tony, desta vez de Melhor Livro de Musical. Ele também escreveu livros recentemente para Botas extravagantese Newsies. Sua Edna Turnblad em Laca, ganhou um Tony Award de Melhor Ator Principal em Musical. Uma figura importante na Broadway hoje, ele foi indicado para o American Theatre Hall of Fame em 2007.

81. Robert Wise

Se essa lista fosse estritamente relacionada ao teatro em si, Wise não estaria aqui. Mas quando você dirige indiscutivelmente os dois maiores musicais de todos os tempos (Sound of Music, West Side Story), você estará nesta lista. Ambos os filmes criaram milhões de fãs de teatro musical desde seus lançamentos e ambos ganharam o Oscar de melhor filme.

80. Sutton Foster

A melhor "ameaça tripla" na Broadway desde Chita Rivera, Foster teve um início incrível para o que será uma carreira prolífica. Ela recebeu dois prêmios Tony de Melhor Performance de Atriz Principal em Musical em 2002 pelo papel de Millie Dillmount em Thoroughly Modern Millie e em 2011 por sua atuação como Reno Sweeney (pode ter sido o melhor a interpretar o papel) em Qualquer coisa serve. Seus outros créditos na Broadway incluem Mulheres Pequenas (Tony Nod), O acompanhante sonolento (Tony Nod), Jovem Frankenstein, Shrek the Musical (Tony Nod), e Tolet. Com seu novo programa de TV Mais jovem saindo em breve, não se sabe quando a veremos na rua 42, mas espero que seja mais cedo ou mais tarde, porque a Broadway é melhor quando ela está lá.

79. Jerry Herman

A opinião sobre o lugar de Jerry Herman na história do teatro musical é sempre um tópico interessante de discussão. Para alguns, seu trabalho representou uma homenagem à época de ouro dos musicais das décadas de 1930-1940, para outros, como eu, ele é superestimado. Suas composições eram elementares, suas letras eram medianas, ele não conseguia escrever para a voz masculina (mesmo em La Cage aux Folles), e seu trabalho realmente não tinha muita substância. Em uma época em que alguns queriam mais do teatro musical, Herman estava tentando voltar no tempo. No entanto, não posso negar que ele teve uma série de sucessos memoráveis ​​não apenas no palco, mas também na tela, daí seu lugar nesta lista.

78. Matthew Broderick

Matthew Broderick é um tipo de curinga quando se trata de seu lugar nesta lista. Por um lado, ele teve algumas performances maravilhosamente carismáticas que o colocaram na categoria dos mais fortes protagonistas da história do teatro musical. Por outro lado, ele também pode ser um dos atores mais rígidos no palco hoje. Quando recentemente o vi em É só uma brincadeira, Eu não conseguia acreditar que esse homem já teve carisma suficiente para dominar J. Pierrepont Finch ou Leo Bloom. Vimos um pedaço disso em Bom trabalho, se você puder mas não era nem perto do que ele era. Se Broderick puder encontrar essa personalidade novamente, cuidado.

77. Gwen Verdon

Uma das grandes ameaças triplas de sua época, Gwen Verdon era uma raça rara. Uma dançarina incrível, ela foi a musa e esposa de Bob Fosse por vários anos, aperfeiçoando seu estilo de coreografia. Embora você tenha que dar crédito a ela por fazer o papel vencedor do Tony, Lola em Malditos ianques tão icônico quanto é, alguns esquecem que ela também ganhou três outros para Can-Can, nova garota na cidade e Ruiva. Ela também originou os papéis de Roxie Hart e Charity. Gwen Verdon foi incluída no American Theatre Hall of Fame em 1981.

76. Claude-Michel Schönberg e Alain Boublil

Quando você escreve (junto com alguns outros), dois dos musicais mais icônicos de todos os tempos, não é uma decisão difícil colocá-lo nesta lista. os Miseráveis e Senhorita saigon foram dois dos musicais de sucesso que vimos dominar a Broadway nos anos 80-90.Embora seu trabalho desde então não tenha sido tão bom, o número de pessoas inspiradas a se envolver no teatro musical porque ouviram "On My Own" ou "A Última Noite do Mundo" é incontável.

75. Idina Menzel

Uma das vozes principais e mais ouvidas do teatro musical no novo século, o lugar de Menzel nesta lista está prestes a crescer dramaticamente. O trabalho dela em RENDA inspirou pessoas da minha idade a entrar no teatro musical. Com Malvado, há mulheres prestes a começar a desempenhar o papel de Elphaba que o ouviram pela primeira vez com Menzel. Mas Congeladas é onde Menzel terá o maior impacto. "Let It Go" é "Over the Rainbow" do século 21, e todos nós sabemos quantos isso inspirou a começar a cantar. Não há limite para o impacto das performances de Menzel.

74. Jason Robert Brown

Recentemente, escrevi que ninguém que trabalha hoje faz um trabalho melhor em colocar a alma humana na música do que Jason Robert Brown. Eu também questionei se ou não ele foi um investimento valioso.Mas não há dúvida de que Brown é um dos melhores compositores que a Broadway tem a oferecer. Duas vezes vencedor do Tony para Parade e The Bridges of Madison County, ele também está por trás do inspirador Músicas para um novo mundo e os últimos cinco anos, que recentemente se tornou do melhores filmes musicais de todos os tempos. Ele é um dos compositores mais ocupados da Broadway e agora está trabalhando em uma adaptação de Uma Liga Própria.

73. Ben Vereen

Do final dos anos 60 ao início dos 70, era raro ver um ator afro-americano na Broadway. Mas o talento de Ben Vereen o impedia de ser outra coisa. Como o jogador principal original, sua ainda é uma das performances mais carismáticas e versáteis documentadas. Em 2011, ele foi introduzido no American Theatre Hall of Fame.

72. Bubsy Berkeley

É estranho, mas verdade, que Busby Berkeley nunca teve aulas de dança e, nos primeiros dias, tinha muito medo de que descobrissem. Freqüentemente, ele confundia os colegas com o hábito de sentar-se à frente de um novo aparelho durante dias, pensando em maneiras de usá-lo da melhor forma.

71. Michael Kidd

A influência de Kidd na coreografia é icônica. Não só na Broadway, onde ganhou cinco Tonys, mas também no cinema. Talvez seu trabalho cinematográfico mais conhecido tenha sido em 1954 em “Sete Noivas para Sete Irmãos”, um musical da fronteira americana cujas danças foram criadas por Kidd para bailarinos que não deveriam parecer balés. Em vez disso, ele os fez executar o que ele chamou de “movimentos de trabalho”, como machados. Kidd definiu sua coreografia como "comportamento humano e modos das pessoas, estilizados em formas musicais rítmicas".

Ele acrescentou: “Eu sempre uso gestos da vida real, e a maior parte da minha dança é baseada na vida real”.

Anna Kisselgoff, a ex-crítica de dança-chefe do The New York Times, escreveu que a assinatura de Kidd era "caracterização por meio da energia, sintetizada por um clã apaixonado que vai cortejar com uma dança acrobática de desafio" em "Sete Noivas".

70. David Merrick

Outra entrada discutível, não consigo decidir se a Broadway estava melhor com ou sem Merrick. Mas a Broadway nunca viu um produtor mais experiente e cruel. Seu talento para criar sucessos da Broadway foi igualado apenas por seu gênio para atrair publicidade e fazer inimigos. Os sucessos de Merrick foram alguns dos musicais mais populares de sua época, incluindo Cigana, Olá, Dolly! e Promessas, promessas, assim como 42nd Street, seu show mais antigo e uma das produções mais longas da história da Broadway. Suas produções também deram papéis marcantes para Ethel Merman, Barbra Streisand e Carol Channing, e ele trabalhou com quase todos os grandes compositores do último apogeu do musical da Broadway: Jule Styne, Harold Arlen, Stephen Sondheim, Jerry Herman, Harold Rome, Bob Merrill e o equipes de John Kander e Fred Ebb e Harvey Schmidt e Tom Jones.

69. Charlie Smalls

Não é preciso uma longa carreira para causar um impacto gigantesco na história do teatro musical, às vezes leva apenas um show. Charlie Smalls fez exatamente isso ao compor The Wiz. Embora tenha sido ideia do produtor Ken Harper, é a música de Smalls que torna esta peça não apenas tão boa, mas também inovadora na introdução do teatro musical a novos públicos. Nunca antes e não até Nas alturas alcançaria uma demografia de alcance musical que normalmente não seria vista em um show da Broadway. Desde então, The Wiz tornou-se um dos musicais mais populares a serem executados por escolas secundárias, especialmente por escolas urbanas. Smalls é um trágico caso de "What Could Have Been", ele morreu aos 43 anos durante uma cirurgia para reparar um apêndice rompido.

68. Susan Stroman

No novo século, houve um coreógrafo mais bem-sucedido? Com cinco Tonys, acho que não. Ela está envolvida com 21 produções de palco, seus maiores sucessos foram Crazy For You, Show Boat, e Oklahoma!. Ela foi aclamada pela crítica por coreografar e dirigir duas produções inovadoras, Contato e Os produtores.Contato foi um musical que explorou novas formas de encenar teatro com pouco canto e, em vez disso, consistia em três contos contados principalmente através da dança. Com a comédia Tele produtores, Stroman ganhou o Tony Awards de Melhor Coreografia e Melhor Diretor, bem como dois Drama Desk Awards. As obras de Stroman refletem sua capacidade de ser uma verdadeira "contadora de histórias". Certa vez, ela disse que sente que seu papel é “tornar crível quando alguém começa a cantar e dançar” e “impulsionar a trama para frente”. Stroman mergulhou na arte da dança e do espetáculo e, sem dúvida, cumpriu esse legado.

67. Terrence McNally

McNally poderia facilmente estar em uma lista muito maior das pessoas mais importantes da história do teatro moderno, mas suas contribuições para o teatro musical certamente o colocaram nesta lista. Ele escreveu os livros de alguns dos melhores musicais desta geração, Beijo da mulher aranha e Ragtime pelo qual ele ganhou Tonys. Ele também esteve envolvido em alguns dos musicais mais subestimados, como O mês completo, um homem sem importância e Apanha-me Se Puderes. Embora não seja um musical, você também pode argumentar que esta é a peça dele Classe mestre é uma das melhores peças sobre música do século XX. McNally está retornando à Broadway nesta primavera com seu envolvimento na Anastasia.

66. Dick Van Dyke

Van Dyke era uma raça rara. Ele tinha as habilidades cômicas de nomes como Donald O'Connor e Danny Kaye, mas o encanto do protagonista Gene Kelly, sem mencionar algumas habilidades poderosas de dança também. Com esse tipo de habilidade, não é surpresa que suas atuações como Albert Peterson em Tchau, tchau, passarinho (pelo qual ele ganhou um Tony por) e Bert em Mary Poppins são tão icônicos. Com outro ator, eu duvido que esses personagens teriam sido tão cativantes ou memoráveis.

65. Elton John

Eu poderia simplesmente dizer que ele compôs as canções para o musical da Broadway de maior bilheteria de todos os tempos e terminar aí. Mas John também compôs Aida e Billy Elliot que também foram sucessos. Era muito raro ver uma estrela pop de seu nível tentar ou mesmo chegar à Broadway, mas John realmente deixou sua marca.

64. Lynn Ahrens e Stephen Flaherty

Na história do teatro musical, houve poucas parcerias de escrita mais consistentemente fortes do que Lynn Ahrens e Stephen Flaherty. Desde 1988 Lucky Stiff, suas contribuições para o teatro musical foram enormes. Se você não acredita em mim, deixe-me fazer algumas perguntas. Quantas vezes você já viu Ragtime realizada por empresas locais ou regionais? Quantas companhias de teatro infantil você viu fazer Suessical ? Quantas escolas secundárias você viu fazer Uma vez nesta ilha ? Exatamente.

63. Kelli O'Hara

Atualmente a protagonista da Broadway, O'Hara é uma das atrizes mais ocupadas do mundo. Ela foi indicada para seis Tonys, ganhou um e deveria ter mais dois, desculpe LaChanze e Jessie Mueller. Mas O'Hara atingiu um outro nível com sua atuação em As Pontes do Distrito de Madison exibindo alguns dos melhores vocais que já ouvi. Dada sua carreira relativamente jovem, espero que daqui a alguns anos possamos classificar O'Hara como uma das melhores vocalistas de todos os tempos.

62. John Travolta e Olivia Newton John

Por mais bobo que pareça, não posso negar a popularidade do Graxa filme na cultura popular. Deixe-me colocar desta forma, nos bailes da minha escola no final dos anos 90, tocava "Noites de Verão", todo mundo enlouquecia e cantava muito. Esta foi uma música tocada em um baile da escola. Disse o suficiente.

61. A Tribo Original de Cabelo

Nunca antes, um show e elenco mudariam o espectro do teatro musical tanto quanto Cabelo fez. O "Rock Musical" original desafiou o sistema e forçou o público a abrir suas mentes para questões maiores do mundo. Cabeloteve um efeito profundo não apenas sobre o que era aceitável na Broadway, mas como parte dos próprios movimentos sociais que ela celebrou. Cabelo foi o primeiro conceito musical da Broadway, uma forma que dominou o teatro musical dos anos setenta, incluindo shows como Company, Follies, Pacific Overtures e A Chorus Line. O New York Times observou, em 2007, que "Hair foi um dos últimos musicais da Broadway a saturar a cultura como os shows da era de ouro costumavam fazer". Passariam quase 30 anos até que outro Rock Musical pegasse essa tocha.

60. Alan Jay Lerner e Frederick Loewe

Alan Jay Lerner e Frederick Loewe se conheceram em 1942 no Lambs Club em Nova York, onde, de acordo com Loewe, ele errou o caminho para o banheiro masculino e passou pela mesa de Lerner. Tendo-o reconhecido, ele perguntou se Lerner escrevia as letras e Lerner confirmou que sim.

Lerner afirmou ser o membro mais dominante da parceria, o que é apoiado por entrevistas com seus amigos próximos, dizendo que jogaria fora as duas primeiras melodias que Loewe escreveria para qualquer música, mesmo se ambas fossem perfeitas. Ele disse que sempre soube, com um pouco de pressão, que a Loewe era capaz de um trabalho maior. Loewe também funcionou perfeitamente com Lerner, que agonizava semanas atrás de uma letra. Ao contrário de outros colaboradores com os quais Lerner trabalharia, Loewe era o mais compreensivo do tempo que Lerner precisava para suas letras e nunca o pressionaria para completar o trabalho. Sua parceria criou alguns dos teatros musicais mais produções épicas, como Camelot, Brigadoon, Gigi e claro, Minha Bela Dama.

59. Donna Murphy

Para alguém que participou de apenas oito produções da Broadway, você pode estar se perguntando por que ela está tão bem posicionada. Em primeiro lugar, ela desempenhou alguns papéis memoráveis, por exemplo, Ruth em Cidade maravilhosa e Anna em O rei e eu, sem dúvida um dos melhores para desempenhar o papel. Mas o que coloca Murphy nesta lista é o fato de que, de suas oito produções, ela foi indicada ao Tony por cinco delas, ganhando duas vezes. Ela também respirou ar raro ao interpretar um vilão da Disney em Emaranhado, cuja música "Mother Knows Best" foi a melhor de todo o filme. Mas sua maior contribuição é sua atuação como Fosca em Paixão que lhe rendeu um Tony, que na minha opinião é uma das melhores performances dramáticas em um musical que já vimos.

58. Charles Strouse e Martin Charnin

Quer goste ou odeie, você não pode negar o impacto que Annie teve na história do teatro musical. Strouse também é o compositor por trás de clássicos como Tchau, tchau, passarinho, aplausos e Trapos. Mas Annie foi um fenômeno, sem contar a última versão do filme, é claro. O show lançou as carreiras de nomes como Andrea McArdle, Sarah Jessica Parker e, mais recentemente, Lilla Crawford e "Tomorrow" é facilmente uma das músicas de show mais reconhecidas de todos os tempos. Agora vamos passar para o próximo ponto antes que fique preso na minha cabeça.

57. Jerry Orbach

Eu adoro Jerry Orbach. Não apenas por suas contribuições para a Broadway, mas também para Det. Lenny Briscoe ainda é um dos meus personagens de TV favoritos da minha vida. Mas sem Lei e ordem, Orbach ainda é um dos grandes protagonistas da história do teatro musical. Embora ele não tivesse a boa aparência convencional, ele tinha carisma saindo de seus ouvidos. Sua lista de papéis originais é icônica, de El Gallo e Paul the Puppeteer a Billy Flynn e Julian Marsh, Orbach foi um dos melhores. A maioria das pessoas da minha geração o conhecerá como a voz do Lumière da Disney's A Bela e a Fera, Não consigo pensar em ninguém que teria feito melhor esse papel.

56. Shirley Jones

Pode parecer estranho colocar alguém tão alto na lista que mal apareceu na Broadway, mas as contribuições de Shirley Jones para o teatro musical são enormes. Ela não só estrelou três dos melhores musicais de todos os tempos, Oklahoma !, Carrossel e O Homem da Música, mas o papel dela em A família perdiz inspirou inúmeras crianças a se interessarem pela música.

55. Gregory Hines

Hines pode não ter sido o showman geral que Sammy Davis Jr. foi, mas ele levou a arte do sapateado a um outro nível, influenciando uma geração inteira de artistas a seguir seus passos incríveis. Cinco vezes indicado ao Tony, Hines ganharia um por sua atuação em Última Jam de Jelly. Em uma entrevista para o The New York Times em 1988, Hines disse que tudo o que ele fez foi influenciado por sua dança - "meu canto, minha atuação, meu amor, meu ser pai."

54. Harvey Schmidt e Tom Jones

Possivelmente a melhor equipe de redatores que nunca ganhou um Tony. O compositor Harvey Schmidt e o letrista Tom Jones são mais conhecidos por seu sucesso de 1960, The Fantasticks. O show, que recebeu o Tony Honors for Excellence in Theatre em 1991, é o musical mais antigo da história, encerrando infelizmente este ano. Em 1963 eles escreveram 110 na sombra, que rendeu à dupla uma indicação ao Tony. Eu faço! Eu faço!, seu musical da Broadway de dois personagens, seguido em 1967, também rendendo a eles um aceno de Tony. Em 1998, a dupla foi introduzida no American Theatre Hall of Fame. Eles também escreveram uma das minhas canções favoritas de todos os tempos, "Orphan in the Storm".

53. Kristin Chenoweth

Existe uma voz mais versátil na Broadway agora? Já houve uma voz mais versátil? Ouça a performance dela de "The Girl in 14G" e me diga. Uma das poucas artistas da Broadway a que você pode simplesmente se referir apenas pelo primeiro nome, seu lugar na história do teatro musical ainda é indeterminado, mas apenas escalando. Se criar padrões de audição como "My New Philospphy" ou "Taylor the Latte Boy" não fosse suficiente, ela Malvado sob seu cinto. Enquanto Idina é dona da gravação do elenco, Chenoweth destrói o papel de todos que a sucederam.

52. Tommy Tune

Alguém exala mais a Broadway do que Tommy Tune? Vencedor do Tony por nove vezes, Tune é um ícone da coreografia sem nenhum estilo particular de marca registrada. Mas ele tem alguns créditos incríveis em seu currículo, que incluem Grand Hotel e Nove. Aos 6'6, Tune certamente teve uma carreira incrível, inspirando uma legião de dançarinos. Mas não me fale The Will Rogers Follies cuja vitória no Tony é um dos maiores erros do American Theatre Wing. Isso é um discurso para outro dia.

51. Mickey Rooney

Não consigo nem imaginar o que os jovens aspirantes a intérprete pensaram quando viram Rooney como Andy Hardy e disseram: "É isso que eu quero fazer". Babes in Arms ainda é um dos maiores musicais de todos os tempos. , Nancy Jo Sales contou na Vanity Fair que "Ele sabia cantar, ele sabia atuar, ele sabia dançar. Ele aprendeu a tocar banjo - assustadoramente bem - em um dia. Ele tocava bateria como um profissional. Ele era um jogador de golfe experiente, um jogador campeão de pingue-pongue. Ele compôs uma sinfonia, Melodante, que tocou ao piano na festa de gala de inauguração de Franklin Roosevelt em 1941. Mickey era uma espécie de monstro lindo e talentoso. "

50. Stanley Donen

Embora seus filmes mais famosos sejam Cantando na chuva e Na cidade, ambos co-dirigidos com o ator e dançarino Gene Kelly. Seus outros filmes notáveis ​​incluem Casamento Real, Sete Noivas para Sete Irmãos, Cara Engraçada e Malditos Yankees!. Ele recebeu um Prêmio da Academia Honorário em 1998, um dos maiores discursos de aceitação de todos os tempos. Ele foi saudado pelo crítico de cinema David Quinlan como "o Rei dos musicais de Hollywood".

49. Ethel Merman

Uma das vozes mais reconhecidas da história musical, Merman foi toda personalidade em suas performances. Ela tornou mais de um papel icônico, por incrível que pareça ser uma das únicas atrizes a não ganhar um Tony por interpretar Rose em cigano. Merman era conhecida por sua poderosa voz mezzo-soprano, enunciação e tom precisos. Como cantores de palco se apresentavam sem microfones quando Merman começou a cantar profissionalmente, ela teve uma grande vantagem, apesar de nunca ter tido aulas de canto. Na verdade, a tradição da Broadway afirma que George Gershwin a aconselhou a nunca ter uma aula de canto depois que estreou em seu Garota louca.

48. Robert Preston

Um dos artistas mais carismáticos da história do teatro musical, foi o charme de Preston que tornou suas performances tão icônicas. No que me diz respeito, o retrato perfeito de Harold Hill começou e terminou com Preston. Ele também apareceria em produções de Mack & amp Mabel, sim! Eu faço! e Benjamin Franklin em Paris. Sem falar nas versões de filmes de Mame e Victor / Victoria.

Curiosamente, possivelmente seu trabalho mais influente não estava no palco. Em 1961, Preston foi convidado a fazer uma gravação como parte de um programa do Presidente do Conselho de Aptidão Física para fazer com que os alunos fizessem mais exercícios diários. A canção, "Chicken Fat", que foi escrita e composta por Meredith Wilson e tocada por Preston com acompanhamento orquestral completo, foi distribuída em escolas de todo o país e tocada para alunos em ginástica todas as manhãs. A música mais tarde se tornou um hit surpresa e parte das memórias de infância de muitos baby-boomers.

47. Lorenz Hart

Um dos maiores letristas de todos os tempos, Hart, junto com Richard Rodgers, criou algumas das músicas mais icônicas do século XX. Seus quatro grandes incluídos Babes in Arms, The Boys From Syracuse, Pal Joey, e Na ponta dos pés. Algumas de suas canções clássicas, que foram cantadas por incontáveis ​​artistas, de Billie Holiday a Frank Sinatra, são "Blue Moon", "Mountain Greenery", "The Lady Is a Tramp", "Manhattan", "Where or When" "Bewitched, Bothered and Bewildered," "Falling in Love with Love", "My Funny Valentine", "I Could Write a Book", "This Can Be Love", "With a Song in My Heart", " Nunca entrou em minha mente "e" Não é romântico? "

46. ​​Barbara Cook

Se você nunca viu Barbara Cook cantando ao vivo, você realmente perdeu. Ela chegou pela primeira vez na década de 1950, depois de estrelar nos musicais originais da Broadway Simples e extravagante, Cândido e O homem da música entre outros, ganhando um prêmio Tony para o último. Uma voz ágil para dizer o mínimo, Cook é amplamente conhecido como um dos melhores intérpretes de canções de teatro musical. Um revisor do New York Times escreveu que Cook é "uma artista que espalha o evangelho da simplicidade, autoconfiança e verdade" que "nunca é loquaz" e invoca adjetivos como "surpreendente" e "transcendente", concluindo que ela canta com "um ternura e honestidade que poderiam quebrar seu coração e consertar tudo de uma vez. "

45. James Lapine

James Lapine não apenas dirigiu algumas das melhores produções dos últimos 40 anos, mas também escreveu muitas delas. Mas o que eu realmente sempre respeitei em Lapine foi sua capacidade de assumir trabalhos ousados ​​e fazer escolhas ousadas. Seus créditos são uma linha de assassinos de pesos pesados, como Marcha dos Falsettos, Into the Woods, Domingo no Parque com George, Paixão e 25º Concurso Anual de Ortografia do Condado de Putnam apenas para citar alguns. Se Lapine não tivesse ultrapassado os limites tanto quanto fez, a Broadway seria um lugar muito "mais seguro" do que é hoje.

44. Debbie Allen

Antes que houvesse Alegria houve Fama. E Fama era Debbie Allen. Mais do que isso, Allen é figura central na coreografia desde a década de 1980. Ela teve sua estreia na Broadway no refrão de Purlie. Allen também criou o papel de Beneatha no musical vencedor do Tony Award Raisin. Ela começou a receber atenção da crítica em 1980 por sua atuação no papel de Anita no revival da Broadway de West Side Story que lhe rendeu uma indicação ao Tony Award e um Drama Desk Award, ela receberia uma segunda indicação ao Tony em 1986 por sua atuação no papel-título em Doce caridade. Mas era Fama onde Allen teve o maior impacto. Sua linha de abertura de, "Você tem grandes sonhos? Quer fama? Bem, a fama custa. E é aqui que você começa a pagar. Em suor." é um mantra pelo qual todos os performers vivem.

43. George Sidney

George Sidney foi um dos primeiros grandes cineastas de musicais. Sua lista inclui Âncoras Pesadas, Ziegfeld Follies, Annie Pegue Sua Arma, Kiss Me Kate, Show Boat, Pal Joey, Bye Bye Birdie e Half A Sixpence. Fato interessante, Sidney se tornou um bom amigo dos diretores de animação da MGM, William Hanna e Joseph Barbera. Jerry Mouse de Hanna e Barbera apareceu ao lado de Gene Kelly no filme de Sidney Âncoras Pesadas. Depois que a MGM fechou seu estúdio de animação em 1957, Sidney ajudou Hanna e Barbera a fechar um acordo com a Screen Gems, a divisão de televisão da Columbia Pictures, para formar o bem-sucedido estúdio de animação para televisão Hanna-Barbera Productions, e foi acionista da empresa. Sidney mais tarde apresentou Fred Flintstone de Hanna-Barbera, Huckleberry Hound e Yogi Bear em Bye Bye Birdie.

42. Abe pede emprestado

Burrows escreveu, alterou ou dirigiu programas como Faça um desejo, Dois no corredor, Três desejos para Jamie, Say, Darling, Caras e bonecos, Como ter sucesso nos negócios sem realmente tentar, Flor de cacto, Quatro em um jardim, Can-Can, Meias de seda, Café da manhã na Tiffany's, Boas notícias (Reavivamento de 1974) e muitos outros. Com seu colaborador Frank Loesser, Burrows ganhou o Prêmio Pulitzer por Como Ter Sucesso nos Negócios Sem Realmente Tentar. Burrows creditou seu sucesso no teatro ao seu trabalho com a lenda do teatro George S. Kaufman. Na biografia de Kaufman de Howard Teichmann, Burrows é citado como tendo dito que o que ele disse (como diretor, para seu elenco), foi o que ouviu Kaufman dizer em sua colaboração em Rapazes e bonecos. Burrows também se tornou um famoso roteirista, o suficiente para receber o apelo desesperado de um produtor: "Traga-me Abe Burrows!"

41. Cyd Charisse

Pergunte-me quem é a maior dançarina feminina da história do cinema? Vou responder muito rapidamente com Cyd Charisse. A mulher era uma maravilha de se assistir. Seus duetos com Gene Kelly não são apenas bonitos, mas também atemporais. Se o Broadway Melody Ballet de Cantando na chuva não te move, você não é humano. Ela também apareceu em números lendários em Meias de seda e The Band Wagon. A mulher teve pernas durante dias e, por incrível que pareça, se recuperou da poliomielite quando criança. Em 1992, ela fez sua tão esperada estreia na Broadway em Grand Hotel.

40. Cameron Mackintosh

Outra figura discutível na história do teatro musical. Mas não importa o que você sinta sobre Mackintosh, você não pode negar sua importância quando se trata de remodelar o papel do produtor. Ele revitalizou facilmente a 42nd St nos anos 1980 e no início dos anos 90 com uma série de sucessos graças a Andrew Lloyd Webber e Claude-Michel Schönberg. Vou argumentar que sem Mackintosh, Os miseráveis, Srta. Saigon e Gatos fechar dentro de um ano.

39. Carol Channing

Já houve um embaixador melhor e mais positivo para o teatro musical? Enquanto ela é certamente conhecida por aquele sorriso e popularização da Broadway ao longo da segunda metade do século 20, as pessoas parecem esquecer o quão boa ela era. Channing foi indicada para seu primeiro prêmio Tony em 1956 por The Vamp. Sua segunda indicação veio em 1961 para Show Girl. Em 1964, ela originou o papel de Dolly Gallagher Levi em Olá, Dolly!, ganhando o prêmio Tony de Melhor Atriz em Musical. Ela recebeu sua quarta indicação ao Tony pelo musical Lorelei em 1974. Lorelei foi uma reimaginação de Cavalheiros preferem loiras, um musical de 1949 que também estrelou Channing no papel principal de Lorelei Lee, o que a tornou uma estrela. Ela também foi indicada ao Oscar por Millie totalmente moderno. Ela também foi a primeira mulher a se apresentar no show do intervalo do Super Bowl. Todas essas conquistas com sua voz inconfundível, definitivamente valeram sua indução ao American Theatre Hall of Fame em 1981, e um prêmio Tony pelo conjunto de sua obra em 1995.

38. William Finn

Um dos compositores mais subestimados de nosso tempo, as canções de William Finn são pessoais, relacionáveis ​​e íntimas. Há algo mais profundo em ação ao ver um musical de William Finn. Falsettos é um trabalho brilhante que rendeu a Finn seu único Tony Award de Melhor Trilha Sonora, reconhecidamente deveria ter vencido Louco por você para o prêmio principal. Um novo brian está repleto de canções sobre reflexão pessoal, arrependimento e esperança. Parcialmente baseado em suas próprias experiências, é de longe o melhor trabalho de Finn com melodias incríveis e letras inteligentes.

Com 25º Concurso Anual de Ortografia do Condado de Putnam, Finn criou uma peça que é divertida, hilária e, em última análise, comovente. Melhor ainda, é um espetáculo que qualquer teatro, do colégio ao profissional, pode produzir. Quando você cria teatro para todos, isso o coloca em outro nível de importância.

37. Nathan Lane

A carreira de Nathan Lane sempre será motivo de uma discussão interessante. Ele é um ícone do teatro musical? sim. Ele ganhou 4 indicações ao Tony com 2 vitórias? sim. Ele é uma das estrelas da Broadway mais reconhecidas de nossa geração? Absolutamente. Ele é um dos raros intérpretes que consegue realizar uma peça e um musical? Curiosamente, sim. Ele fez tanto trabalho com metade dele sendo tão menos do que estelar que enfraquece um pouco sua carreira? Eu não posso argumentar contra isso. Mas ele criou alguns dos personagens mais memoráveis ​​de sua carreira.

36. Jerome Kern

Um dos mais importantes compositores de teatro americano do início do século 20, ele escreveu mais de 700 canções, usadas em mais de 100 peças de teatro, incluindo clássicos como "Ol 'Man River", "Can't Help Lovin' Dat Man", "A Fine Romance", "Smoke Gets in Your Eyes", "All the Things You Are", "The Way You Look Tonight", "Long Ago (and Far Away)" and "Who?" Ele colaborou com muitos dos principais libretistas e letristas de sua época, incluindo George Grossmith Jr., Guy Bolton, P. G. Wodehouse, Otto Harbach, Oscar Hammerstein II, Dorothy Fields, Johnny Mercer, Ira Gershwin e E. Y. Harburg.

Embora a maioria dos musicais de Kern tenha sido amplamente esquecida, exceto por suas canções, Show Boat continua bem lembrado e freqüentemente visto. É um produto básico das produções de estoque e foi revivido inúmeras vezes na Broadway e em Londres. Um revival de 1946 integrou a coreografia ao show, na forma de uma produção de Rodgers e Hammerstein, assim como o revival de Harold Prince-Susan Stroman de 1994, que foi indicado para 10 prêmios Tony, ganhando cinco.

35. Vincente Minnelli

Ele é o maior diretor musical de todos os tempos? Não. Ele é o segundo melhor? Com certeza. Minnelli trouxe algumas peças icônicas de arte musical para a tela de cinema, como Gigi e Um americano em Paris. Seus filmes também elevaram até mesmo alguns dos materiais mais comuns que parecem fantásticos, como Encontre-me em St. Louis e Kismet.

34. Chita Rivera

As melhores ameaças triplas de nosso tempo, Rivera não podia errar, ela ainda não pode errar. Se isso originou alguns dos maiores papéis da história musical de Anita em West Side Story para Rosie em Tchau tchau passarinho para Velma Kelly em Chicago. 8 Tony Nominations com 2 vitórias, a carreira de Rivera terminou quase abruptamente. Em 1986, enquanto se apresentava no musical de Jerry Herman, "Jerry's Girls", Rivera sofreu um grave acidente quando seu carro colidiu com um táxi na West 86th Street em Manhattan. As lesões sofridas incluíram a fratura da perna esquerda em doze lugares, exigindo dezoito parafusos e dois aparelhos para consertar. Após a reabilitação, Rivera continuou a se apresentar no palco. Agora ela está de volta à Broadway em A visita que abre esta semana oficialmente.

33. Zero Mostel

Mostel foi um dos maiores artistas de todos os tempos. Mas sempre penso em "e se?" com ele. E se ele não foi colocado na lista negra durante a maior parte dos anos 1950? Que papéis ele poderia ter desempenhado? Muito de seu sucesso icônico veio mais tarde em sua vida, como Violinista no telhado, uma coisa engraçada. e claro, Os produtores.

32. Michael Bennett

Mesmo sem A Chorus Line, Bennett ainda apareceria em algum lugar desta lista. De longe um dos melhores coreógrafos e diretores dos anos 1970-80, Bennett foi indicado para 17 prêmios Tony, ganhando 7. Ele foi coreografado ou dirigiu produções de Follies, Dreamgirls, Coco, Seasaw, Promises Promises e Empresa.

Mas sua maior contribuição foi Uma linha de coro, na minha opinião, o 2º maior musical de todos os tempos atrás West Side Story. Pela primeira vez, Bennett nos levou para dentro da mente da dançarina do coro e mostrou a beleza e a luta de suas vidas. O musical foi formado a partir de centenas de horas de sessões gravadas com dançarinos da Broadway. Bennett foi convidado para as sessões originalmente como observador, mas logo assumiu o comando. Com a ajuda de Ed Kleban e Marvin Hamlisch, Uma linha de coro incluiu algumas das canções mais icônicas da história do teatro musical. Nunca um amigo de Hollywood, Bennett realmente deixou a adaptação para o cinema de Uma linha de coro devido a diferenças criativas. Infelizmente, Bennett morreria de AIDS aos 44 anos.

31. Lin Manuel Miranda

Os maiores da Broadway não serão apenas aqueles que elevam o padrão em termos de qualidade, mas aqueles que quebram barreiras e levam o teatro musical a novos públicos, que por sua vez, inspirarão toda uma geração de artistas. Se você não acha que isso descreve o trabalho de Lin-Manuel Miranda, está se enganando. Em 2008, Lin-Manuel Miranda lançou In The Heights sobre nós. Desde RENT não havia um retrato tão brutalmente honesto da socioeconomia e da luta de um demográfico na Broadway. Mas as conquistas da produção da Broadway de Nas alturas pálido em comparação com o impacto causado longe da 42nd Street. Tornou-se um dos musicais mais executados pelas escolas de ensino médio desde que os direitos foram disponibilizados.

Com Hamilton, Miranda fez algo ainda melhor. Hamilton é o marco do teatro musical de sua época. Público que não distinguiria Alexander Hamilton por sua foto ou nome. Mas mostrar a eles um musical com infusão de hip hop sobre um homem que foi morto a tiros pelo vice-presidente dos Estados Unidos? Agora você está no caminho certo. Agora, se ele pudesse escrever um programa sobre matemática e ciências, eu diria que lhe daria o prêmio Nobel.

30. Patti Lupone

Uma das melhores atrizes da história do teatro musical, sempre se pode sentir uma apresentação de Patti Lupone. Ela pode não ter a voz mais bonita ou poderosa, mas ela a traz sempre e seu melhor trabalho está entre os melhores que já embelezaram o palco de Nova York. Sua atuação como Eva Peron parte seu coração ao ouvi-la, ela é a melhor representação de Fantine em Os miseráveis ​​e nem me fale como ela era boa emcigano. Ainda continuando a abrir novos caminhos e tentar novos papéis, Patti Lupone continua sendo uma das performers mais destemidas da história do teatro musical.

29. Irving Berlin

Considerado um dos maiores compositores da história americana, sua música constitui uma grande parte do Great American Songbook. Ele escreveu centenas de canções, muitas delas se tornando grandes sucessos, o que o tornou "uma lenda" antes de completar trinta anos. Durante sua carreira de 60 anos, ele escreveu cerca de 1.500 canções, incluindo as trilhas sonoras de 19 shows da Broadway e 18 filmes de Hollywood, com suas canções indicadas oito vezes ao Oscar. Muitas canções se tornaram temas e hinos populares, incluindo "Easter Parade", "White Christmas", "Happy Holiday". Depois que Jerome Kern, que foi o compositor de "Annie Get Your Gun", morreu repentinamente de hemorragia cerebral. Os produtores Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II persuadiram Berlin a assumir a composição da trilha sonora. Seria a maior contribuição de Berlim para o teatro musical. Repleto de canções icônicas de "Anything You Can Do" e "There No Business Like Show Business".

28. Mandy Patinkin

Com apenas cinco musicais em seu currículo, Mandy Patinkin se tornou o ator de teatro musical mais icônico de todos os tempos. Sua estreia como Che em Evita é uma das grandes performances individuais dos últimos 50 anos. Seu trabalho em Domingo no Parque com George é uma obra-prima de assistir. O fato de ele não ter ganho o Tony por isso foi um dos muitos crimes do Tony Awards de 1984. A voz de Patinkin tem uma convicção e sentimento incomparáveis. Há uma qualidade de cada homem nisso. Se você ainda não ouviu seu álbum de 1995, Oscar e Steve então você está perdendo.

27. Frank Sinatra

Nenhum homem jamais fez um trabalho melhor na popularização do teatro musical para as massas do que Frank. Ícone americano, tanto como cantor e, posteriormente, como ator de cinema, Sinatra nunca se apresentou na Broadway, mas estrelou adaptações para o cinema de Hollywood de quatro clássicos musicais: Guys and Dolls, On the Town, Pal Joey e Can-Can. Ele também apareceu em muitos musicais não pertencentes à Broadway, incluindo Ankles Aweigh, Reveille With Beverly and Robin and the Seven Hoods.

As duas canções características de Sinatra têm raízes na Broadway: "My Way" originou-se como parte da trilha sonora do veículo da Broadway de Steve Lawrence What Makes Sammy Run? seu sucesso de fim de carreira "New York, New York" foi escrito para um filme de mesmo nome pela equipe Chicago and Cabaret de John Kander e Fred Ebb. Mesmo depois que o rock tirou as músicas do Top 40, Sinatra continuou a gravá-las, gravando faixas de "I Won't Send Roses" de Jerry Herman e "Send in the Clowns", "Good Thing Going" e "Old Friend" de Stephen Sondheim "nas décadas de 1970 e 80.

26. Cy Coleman

Ele foi uma criança prodígio que deu recitais de piano no Steinway Hall, Town Hall e Carnegie Hall entre as idades de seis e nove. Antes de iniciar sua lendária carreira na Broadway, ele liderou o Cy Coleman Trio, que fez muitas gravações e era uma atração de clubes muito procurada. Vencedor do Tony por cinco vezes, Coleman foi o homem por trás de sucessos como Sweet Charity, On The Twentieth Century, Little Me e Barnum. Ele foi eleito para o American Theatre Hall of Fame.

Para 25-1, escolhi passagens escritas por pessoas que os reverenciavam ou os conheciam melhor.

25. Liza Minnelli

Liza Minnelli não é uma pessoa que já foi, ela é uma que sempre foi. Ela começou como um anacronismo, permaneceu assim por toda a carreira e continua assim mesmo aos 60, com saúde incerta e, como os tablóides não concluíram injustificadamente, louca com um Z.

E não há melhor prova disso do que a gravação ressuscitada de um concerto de uma mulher que Minnelli deu no Lyceum Theatre em 1972. O filme meticulosamente restaurado e remasterizado de 16 milímetros de "Liza com um 'Z'", que vai ser exibido no Showtime amanhã pela primeira vez em 30 anos, sem dúvida irá deliciar seus fãs. Também serve como prova A de como Liza Minnelli era fascinante e medonha, mesmo no auge de sua carreira.

Para aqueles que nunca entenderam sua posição na cultura pop - ou na iconografia gay - e estão alarmados com seus infortúnios no Page Six (e sua recente entrevista sem amarras com Larry King na CNN), o filme de uma hora de duração fornece algumas pistas. Há apenas um punhado de performers do sexo feminino de sua geração que têm aquela presença de palco exagerada e de tirar o fôlego, mas a filha de Judy Garland não era cantora tão talentosa quanto Barbra Streisand, nem tão malandramente autoconsciente quanto Bette Midler. O estrelato de Minnelli é baseado em uma confluência única de talento e biografia, persistência e colapso. E, claro, sorte: ela canta um medley de "Cabaret", o musical que deu a Minnelli um Oscar e seu maior e único papel plausível no cinema como protagonista romântica de cada heroína que interpretou depois disso foi, na melhor das hipóteses, uma distorção aguada de Sally Bowles.

"Liza com um 'Z'" mostra por que ela realmente não se encaixa na conta como um flashback de qualquer maneira, ela sempre operou fora do tempo.

24. Tim Rice

Inicialmente, planejava contar a história do ponto de vista do cabeleireiro de Eva. Mas tive um momento de luz quando descobri que Che Guevara era da Argentina e estava lá quando os Peróns estavam operando. Pensei: “Espera aí - Che seria muito mais interessante do que um cabeleireiro desconhecido. Assim, consigo dois ícones pelo preço de um. ”

Posso dizer - sem modéstia - que o fato de Eva Perón ser hoje tão conhecida é 90% devido ao musical. Em 1974, ela foi enterrada em uma sepultura não identificada em Milão. Agora ela está no túmulo da família Duarte em Buenos Aires, com uma placa que tem "Não chore por mim, Argentina" gravada em espanhol. A última vez que estive lá, uma mulher estava em frente ao túmulo cantando a música. Eu pensei: “Isso é estranho. Devo dizer a ela que escrevi? ” Eu não fiz. Talvez eu devesse.

23. Bernadette Peters

Para os amantes do teatro, não pode haver maior prazer atual do que testemunhar Bernadette Peters executar o número de assinatura do show, "Send In the Clowns", com uma transparência emocional e delicadeza musical que transforma esta célebre canção em uma ocasião de transporte artístico. Não tenho certeza se já experimentei com tanta força palpável - ou arrepios proeminentes - a sensação de estar presente em um momento indelével na história do teatro musical.

Charles Isherwood sobre sua atuação em A Little Night Music.

22. Leonard Bernstein

"É inquestionável que algumas dessas canções e pequenas peças perfeitas nos parecem icônicas, delimitam um território que reconhecemos como importante para nossas vidas interiores. Algumas dessas coisas lentas maiores-menores em sequências de dança em“ On the Town ”ou“ Fancy Free ”uma música como“ Some Other Time ”ou“ There a Place for Us ”. É a música que nos assombra a todos. Fale sobre a construção de grandes estruturas - ela está entrelaçada na estrutura de toda a sua vida. ”

“Ele criou o molde, o modelo do maestro socialmente responsável, inclusivo, generoso, em oposição ao remoto, preocupado, professoral - embora Deus saiba que ele poderia ser professoral. Ele não era o tipo de maestro sumo sacerdote, ou maestro professor, ou maestro-inspetor geral, ou maestro de reinado de terror. Ele estava tipo, ‘Ei, estamos todos juntos nisso, vamos explorar juntos’. É algo que as pessoas ainda entendem e aspiram ”.

21. Audra McDonald

Nenhuma dúvida sobre Audra Ann McDonald, uma das duas estrelas nascidas aqui. Sua Carrie é exuberantemente cantada e atuada astutamente, uma garota presunçosa capaz de zombar de si mesma, e ela é um contraponto brilhante para o bufão Enoch Snow de Eddie Korbich.

A crítica de Jeremy Gerard sobre sua estreia na Broadway em Carousel, pela qual ela ganharia o primeiro de seus seis Tonys.

20. Stephen Schwartz

"Meu estilo de escrever foi influenciado por uma espécie de catação das peças musicais que ouvi, e será apenas um momento" que ele pode usar como inspiração, diz ele.

Quando se senta para escrever, Schwartz geralmente começa com o título de uma música. Depois vem o scaffolding (acordes), a melodia e por último a letra, que ele diz que deve se agarrar à silhueta da música. Schwartz cita dezenas de artistas que o influenciaram ao longo dos anos - de Beethoven a Sting.

Talvez essa mistura de influências explique o que as pessoas passaram a identificar como o "estilo Schwartz". O melhor de sua música carrega um poder emocional universal, ecos de acordes e melodias que as pessoas amam há gerações e continuam a ressoar.

19. Angela Lansbury

"O apartamento em que estamos agora foi comprado após a morte de seu marido, Peter Shaw, em 2003, cujo rosto sorridente aparece em um porta-retratos próximo. Decorado com uma estética minimalista, com móveis em cores suaves e uma televisão de tela plana , o apartamento é agradável, contemporâneo e funcional. Quase sem ostentação ou brilhante com teatralidade - não há nada que indique que ele pertence a uma matriarca do showbusiness lendária. Para uma mulher que ganhou cinco Tony Awards, 19 prêmios Emmy e recebeu três indicações ao Oscar, há uma notável ausência de memorabilia. Ou talvez não seja o tipo de lugar que se esperaria que Miss Marple vivesse. Parte do que enraizou Lansbury na psique de um público de várias gerações é sua capacidade de desaparecer nos papéis que desempenha .

Houve muitas surpresas na vida de Lansbury, mas talvez a maior de todas é que ela permaneceu atual. “Surpreende-me não ter ficado para trás”, diz ela. “Eu sempre consegui acompanhar. No processo de me manter ocupado, sempre me mantive relevante. E isso é uma surpresa para mim.

“Porque eles ainda me permitem ir lá - principalmente no teatro - é uma ilusão total. Se você conseguir vender que tem 50 anos, o público vai acreditar em você. ”

18. Andrew Lloyd Webber

Os artistas deveriam estar falidos, o que ele manifestamente não está. Artistas são colecionados que ele coleciona, com a obsessão de um garotinho que adorava trens. Ele é uma figura curiosa e interessante: mergulhado na música séria, mas apaixonado pelo teatro musical, rico o suficiente para não se preocupar com política, mas de qualquer maneira estranhamente encantado por ter ganhado um prêmio no show de Newbury no fim de semana passado por suas ervilhas orgânicas e ansioso o suficiente para correr sair para a rua na chuva para me dar o nome de um cavalo seu que ele acha que vai ganhar em Ascot amanhã. Crystal Music. Esse é o cavalo, não um comentário sobre o programa, apenas no caso de meu amigo odioso de Lloyd Webber estar preocupado.

17. Gower Champion

“Quando fiz o teste para 'Bye Bye Birdie' na Broadway, Gower Champion disse: 'Você conseguiu o trabalho!' Eu disse: 'Sr. Champion, não sei dançar'. Ele disse: 'Vamos lhe ensinar o que você precisa saber'.

16. Jonathan Larson

Como chefe do painel do Richard Rodgers Studio Production Award, Sondheim ajudou "Rent" a receber uma bolsa no ano passado.

A última vez que ele falou com o Sr. Larson foi há alguns meses: "Ele ligou com um problema - não um problema artístico, um problema de produção. Dei a ele meu conselho usual de cinco centavos: teatro é colaboração, você tem para ceder para ganhar terreno. Se você não quiser colaborar, seja Wagner e peça a um rei da Baviera para apoiá-lo para que você mesmo possa fazer isso. "

A dívida de Larson para com seu mentor pode ser vista em suas letras verbalmente habilidosas, em um exemplo, quase literalmente, quando o bando de abandonados e sonhadores canta um brinde irônico para:

Emoção, devoção, para causar uma comoção,

Criação, férias, mucho masturbação,

Compaixão, moda, paixão quando é novo,

Para Sontag, para Sondheim, para qualquer tabu.

Na última noite de sua vida, o Sr. Larson falou sobre algo que aprendeu com um amigo com AIDS: "Não é quantos anos você vive, mas como você cumpre o tempo que passa aqui. Esse é o objetivo do programa . " - Anthony Tommasini

15. Hal Prince

A maioria dos programas passa por certas mudanças. Em ["A Little Night Music"] substituímos uma atriz porque queríamos ter uma música no segundo ato ["The Miller's Son"], então tivemos que substituí-la para conseguir uma atriz que pudesse cantar essa música. Eu gosto de fazer tudo o que você pode fazer antes de entrar no ensaio, porque assim que estivermos no ensaio ou no palco haverá um problema que eu não previ. É muito bom pensar que temos tudo acertado - é claro que você nunca acertou tudo.

14. Judy Garland

Talvez a coisa mais notável sobre a carreira de Judy Garland foi que ela foi capaz de continuar por tanto tempo - muito depois que sua voz falhou e muito depois de suas reservas físicas terem sido gastas em várias doenças que poderiam ter deixado uma mulher menos tenaz um inválido.

Ela era o tipo de personalidade do cinema cuja vida privada definia muito de sua resposta pública. Sempre que ela pisava em um palco nos últimos anos, ela trazia com ela, quer fosse bem-vinda ou não, todos os fantasmas bem divulgados de seu colapso emocional, sua carreira colapsos e retornos. As pressões de se apresentar começaram para ela em uma idade precoce. Quando ela tinha 18 anos e era a favorita de Louis B. Mayer no Metro-Goldwyn-Mayer Studios ganhando US $ 150.000 por filme, ela já estava vendo um psiquiatra.

Ela escreveu sobre a experiência anos depois: "Não é de admirar que eu fosse estranha. Imagine pular da cama, correr até o consultório médico, deitar em um sofá de couro rasgado, contando meus problemas a um velho que não conseguia ouvir, que respondeu com um sotaque que eu não consegui entender, e então correu para o Metro para fazer amor no cinema com Mickey Rooney. "

Seu obituário do New York Times.

13. Jerome Robbins

"Jerry havia declarado naquele primeiro dia que o palco era um campo de batalha. Você nunca teve permissão para entrar naquele palco, exceto a seu pedido, ele era um ditador absoluto.

Ele trouxe essa técnica de atuação do Método para o show, onde deliberadamente tentou fomentar a animosidade, o antagonismo, entre as duas gangues opostas, tanto no palco quanto fora dele. Eles não podiam comer juntos. Eles não deveriam se socializar. "

12. Alan Menken e Howard Ashman

"O momento que eu nunca vou superar é quando estávamos trabalhando em Something There para BEAUTY AND THE BEAST. Disseram-nos que Human Again não funcionaria para o filme, pelo menos não na forma em que o escrevemos. estavam voltando à prancheta para escrever algo mais contido e simples. Howard queria gravar a música que eu escrevi em seu piano. Ele tinha um Walkman Pro com um pequeno microfone conectado que não estava funcionando direito. Aparentemente fora de em lugar nenhum, ele pegou este gravador / reprodutor portátil MUITO caro e jogou-o pela sala. Ele se espatifou contra a parede. Quando me recuperei do choque, fui buscá-lo. Howard gritou: "Não toque nele!"

Com o peso de lidar com a perda do controle da AIDS corporal, não conseguir controlar também o seu processo criativo era demais.

Quando Howard trabalhava, era um compromisso total. E cada fibra de seu ser foi exercida. "

11. Barbra Streisand

“Lembro-me de quando tinha 5 anos e morava na Pulaski Street no Brooklyn, o corredor do nosso prédio tinha um corrimão de latão e um ótimo som, um ótimo sistema de eco. Eu costumava cantar no corredor. Eu era conhecida como a garota da rua com a voz boa. Não pai, boa voz. Essa era a minha identidade. ”

10. Betty Comden e Adolph Green

Eles não afirmam ser escritores muito "pessoais", mas seu trabalho está impregnado de sua afeição pelo show business e por sua amada cidade de Nova York. Suas histórias foram sempre brilhantes e inventivas, seus diálogos espirituosos e sofisticados, seu mundo, inocentes e irreais, ainda assim cintilantes de humanidade. "

9. Julie Andrews

Existem poucos filmes que inspiram hordas de pessoas a se fantasiar e cantar junto em um cinema público. The Sound of Music faz exatamente isso, tendo se tornado um verdadeiro clássico desde seu lançamento em 1965. Muito disso se deve à virada de Andrews como Maria, a jovem freira que deixa um convento para se tornar governanta. Com performances vocais como "My Favorite Things" e o título "The Sound of Music", Andrews traz sua famosa voz para o papel, imbuindo-a com a leveza e a gravidade que um filme sobre a fuga de nazistas exige. E sempre que alguém gira em uma colina, é a voz dela tocando em sua cabeça. Andrews 'Maria tornou-se um dos personagens mais amados de todos os tempos, nomeado um dos maiores heróis do cinema da AFI e inspirando uma geração de aspirantes a atrizes da Broadway. Mary Poppins pode ser sua maior conquista, mas Maria von Trapp será considerada o papel mais icônico de Julie Andrews de todos os tempos. - Melissa Hugel

8. Gene Kelly

"Por que você quer este trabalho?" Gene Kelly pergunta a Taina Elg depois que ela fez o teste para sua atuação em "Les Girls" (1957). “Porque eu vi você dançar”, ela diz. A resposta faz todo o sentido que sua dança é irresistível. Quem já viu Kelly dançar não pode deixar de compartilhar seu entusiasmo. As imagens em movimento se movem, e poucos artistas na tela tornaram o movimento tão maravilhoso.

Você tem a mesma sensação uma década depois, em “The Young Girls of Rochefort” (1967). Aqui estão todas essas crianças francesas cantando e dançando e, de certa forma, fazendo sua própria versão de "Summer Stock" - embora uma cidade portuária francesa seja muito mais divertida do que um celeiro no país - e Kelly está feliz por estar perto deles. Ele é um estadista mais velho do musical, sim, é por isso que Jacques Demy o escolheu. Mas ele também faz parte da ação (e mesmo aos 55 anos é um dançarino melhor do que qualquer outra pessoa no filme). Ele pertence. E quando Françoise Dorleac esbarra nele e deixa cair seus papéis, e ele começa a ajudá-la a pegá-los, ela dá uma olhada e está perdida. É o clichê mais antigo (e assustador) do cinema: uma bela jovem se apaixona por um homem muito mais velho. Exceto que, desta vez, nenhum de nós na platéia acha que é um clichê. Como poderíamos? Estamos apaixonados por ele também.

7. George e Ira Gershwin

A música de George Gershwin é a marca registrada de um compositor nativo americano que misturou o cenário orquestral tradicional com o meio verdadeiramente americano - o jazz. As marcas musicais de Gershwin, como Rapsódia em Azul, An Americano em Paris e Concerto em Fá são apenas as mais comuns de suas obras orquestrais. Depois, há suas canções, muitas das quais foram escritas por outro Gershwin - Ira. As contribuições de Ira para o mundo como letrista costumam ser esquecidas por causa da grandeza do estilo musical de seu irmão. No entanto, as letras de Ira são essenciais demais para serem negligenciadas.

6. Mary Martin

Mais do que qualquer um de seus pares, ela era o que tocava e encarnava as canções que cantava. A senhorita Martin era "uma otimista estúpida" e também a eterna criança imaginada por James M. Barrie. Quase aos 70, ela ainda dizia: "Não consigo deixar de pensar que tenho 19 anos." No palco, pelo menos figurativamente, ela nunca parou de voar.

Sua voz nunca foi o instrumento mais forte. Ela não era bonita (embora pudesse ser radiante). Através de determinação, coragem, charme, humor zombeteiro e um profundo senso de identidade, tudo convergiu para criar um artista de teatro emocionante.

Há alguns anos, ela participou de um tributo de aniversário a Richard Rodgers no Imperial Theatre, onde, décadas antes, fizera sua estreia na Broadway em "Leave It to Me". Por dias, ela se preocupou com o que diria. Quando chegou a hora, de maneira característica, ela improvisou. Ela subiu no palco e disse o mais alto que pôde: "Gostaria de renovar minha assinatura". Quando ela escreveu sobre esse momento em sua autobiografia, ela comentou: "Isso é o que eu gostaria de dizer, agora e para sempre, a todos os públicos em todos os lugares." A renovação vitalícia de Mary Martin foi aceita com gratidão. - Mel Gussow

5. Cole Porter

O Sr. Porter escreveu a letra e a música de suas canções, e para ambos trouxe uma individualidade de estilo tão grande que um gênero conhecido como "a canção de Cole Porter" se tornou conhecido.

As marcas de uma canção típica de Porter eram letras urbanas ou espirituosas e uma melodia com uma qualidade sinuosa e taciturna. Algumas de suas canções mais conhecidas nessa linha foram "What Is This Thing Called Love", "Night and Day", "Love for Sale" e "Begin the Beguine".

Mas uma canção de Porter igualmente típica e reconhecível teria uma melodia simples e animada e uma letra baseada em uma longa e divertida lista de semelhanças, opostas ou contrastes. "Let's Do It" marcou os hábitos amorosos de pássaros, flores, crustáceos, peixes, insetos, animais e vários tipos de humanos, enquanto "You're the Top" foi um exercício de criação de superlativos que incluíam itens como "o passo ágil dos pés de Fred Astaire", "Salário de Garbo" e "Mickey Mouse".

Ainda um terceiro tipo de canção de Porter era exclamativa tanto na letra quanto na melodia. "Just One of That Things", "From This Moment On" e "It's All Right With Me" foram exemplos.

4. John Kander e Fred Ebb

Com presença na Broadway por quase 40 anos e por meio de uma dúzia de musicais diferentes, Kander e Ebb tiveram uma das colaborações mais antigas da história do teatro musical americano. De sua estreia na Broadway em 1965, com "Flora, the Red Menace", estrelado por uma adolescente Liza Minnelli, até o atual revival de longa data de "Chicago", Kander e Ebb eram conhecidos por seus atos às vezes atrevidos, às vezes sinceros o assunto, suas conotações políticas freqüentemente pontiagudas e, mais do que qualquer coisa, sua habilidade fantástica de fundir letras nítidas e melodias cativantes em um teatro musical digno de ser citado.

Grande parte da sensibilidade cômica da equipe veio de Ebb, cuja expressão obstinada e modos pessoais inexpressivos desmentiam uma paixão efusiva por uma frase bem feita. Típico foi "Don't Tell Mama" de "Cabaret", em que um coro de mulheres caídas, liderado por Sally Bowles, implora - mais ou menos - por um pouco de discrição:

Mamãe acha que estou em uma turnê pela Europa,

Com alguns dos meus colegas de escola e uma acompanhante.

Mama nem tem a menor ideia,

Que os deixei todos em Antuérpia e estou em turnê por conta própria.

3. Richard Rodgers e Oscar Hammerstein

"A visão de vida de Oscar Hammerstein era mais positiva, mais otimista. Ele tinha uma família maravilhosa. Ele era um marceneiro, um líder, um homem disposto a lutar por todas as causas em que acreditava ... Ele era um artesão tão meticuloso quanto Larry, e ele era extremamente versátil. Como parceiro, ele era totalmente confiável.

"No que diz respeito ao seu trabalho comigo, Oscar sempre escreveu sobre as coisas que o afetaram profundamente. O que foi realmente notável foi sua capacidade infinita de encontrar novas maneiras de revelar como ele se sentia sobre três temas inter-relacionados - natureza, música e amor.

"Em 'Oh, What a Beautiful Mornin'," a primeira música que escrevemos juntos para 'Oklahoma!', Oscar descreveu um idílico dia de verão em uma fazenda quando 'todos os sons da terra são como música'.

“Em 'É uma Grande Noite para Cantar', ele revelou que as coisas mais prováveis ​​de induzir as pessoas a cantar são uma noite quente estrelada ao luar e a primeira emoção de se apaixonar.

“Em 'You Are Never Away', ele comparou uma garota com 'a música que canto', 'o arco-íris que persigo', 'uma manhã de primavera' e 'a estrela na renda de um salgueiro selvagem'.

2. Bob Fosse

Aqui está um teste divertido, peça a um de seus amigos que não são do teatro para fazer uma impressão de como eles acham que a dança da Broadway é, provavelmente farão "mãos de jazz", adivinhe quem as popularizou?

Um dos diretores-coreógrafos mais bem-sucedidos de todos os tempos, Fosse foi um dos poucos indivíduos a ganhar os três principais prêmios do show business: o Oscar por sua direção de "Cabaret", sete Tonys pela direção ou coreografia no palco mostra "Pajama Game", "Redhead", "Damn Yankees", "Sweet Charity", "Pippin", "Dancin" e "Little Me" e três prêmios Emmy por dirigir o especial de televisão "Liza With a Z. "

"Mas os prêmios não eram o mais importante", disse Viator."O importante era o próprio homem - o gênio e a dedicação à excelência que ele trazia para tudo o que fazia. A maneira como ele fazia você querer fazer do jeito dele."

1. Stephen Sondheim

A primeira vez que encontrei Stephen Sondheim foi como todo mundo: por meio de trechos de canções antigas que as pessoas cantavam na escola de teatro, por meio de Send in the Clowns, que todos conheciam. Eu não sabia na época que ele era a redatora por trás de West Side Story e Gypsy. Muitas vezes é esquecido, porque as pessoas pensam em Sondheim puramente em termos de fazer música difícil e intelectual - o que ele fez. Mas como letrista, ele também trabalhou em alguns dos musicais mais populares de todos os tempos.

Acho que o próprio Stephen concordaria, de certa forma, que ele tem sido uma alma torturada durante grande parte de sua vida e acha difícil estar em busca da felicidade. Muitos artistas brilhantes estão em conflito da mesma forma e isso influencia seu trabalho. Não é uma ironia que ele trabalhe em musicais - é ignorante acreditar que a forma só funciona em um nível superficial e alegre. Sondheim nunca escreveu musicais típicos - o tipo que ficou famoso nos Estados Unidos nas décadas de 1940 e 1950 - ele escreve sobre a condição humana, com camadas e mais camadas de profundidade. Seu teatro é musical - como peças de música - não comédia musical, e há uma grande diferença. É também por isso que seu legado é tão importante: Stephen Sondheim mudou a face do meio.

A paixão, que será revivida no Donmar ainda este ano, é um exemplo disso. É complexo e sombrio e não é o tipo de coisa que você esperaria ouvir musicalmente. Eu atuei no West End para sua estreia no Reino Unido e trabalhei em estreita colaboração com Sondheim. Ele gentilmente escreveu, ou melhor, deu mais detalhes à música 'Ei, Sr. Produtor' (uma homenagem a Cameron Mackintosh) para mim, porque não havia uma grande música de 11 horas para meu personagem Giorgio. Entramos em uma pequena sala e ele me deu uma aula de masterclass de uma hora, falando comigo e me ensinando através dela. Não consigo explicar por quê, mas foi a sessão mais extraordinária. Claro, eu mantive contato.

Como pessoa, Stephen Sondheim é um homem muito engraçado, muito seco e muito tímido. Eu nunca testemunhei nenhum momento de diva, ele sempre parece tão emocionado que as pessoas estão fazendo seu trabalho. O curioso é que ele e Andrew Lloyd Webber nasceram no mesmo dia, com quase duas décadas de diferença. Sempre deve ter havido uma rivalidade intensa entre os dois, diz-se que Sondheim teria adorado o sucesso comercial de Lloyd Webber e, da mesma forma, Lloyd Webber daria sua perna esquerda por uma parte da aclamação da crítica de Sondheim. Se ainda estaremos encenando Sondheim em 500 anos, como Shakespeare, é outra questão. Ele ficaria chocado se eu tivesse feito a comparação, ele é um homem muito modesto. Mas sim, ele é um inovador e se manteve relevante ao longo de sua carreira.

Sua obra-prima continua sendo Sweeney Todd. Sempre será meu favorito. Também posso revelar que finalmente estarei me apresentando no próximo verão em Chichester, com os dedos cruzados com Imelda Staunton como a Sra. Lovett. É o trabalho que levou a forma de arte a um novo nível. Se você ouvir as orquestrações, as letras, as rimas espirituosas, os aspectos sombrios explorando os caprichos sinistros da mente das pessoas - é incrivelmente poderoso e original. Você pode ver por que Tim Burton ficou tão atraído por ele.

Como artista, uma vez que você tenha entendido o gênero do teatro musical, você pode se cansar muito rapidamente das coisas bidimensionais. Com Sondheim, é sempre um desafio. É difícil e estimulante e ele é muito bom nas complexidades dos relacionamentos e nas coisas que dão errado. Quando a música é tocada da maneira certa, ela só pode aumentar essa emoção e tornar o trabalho muito mais poderoso. É por isso que Sondheim é para adultos e porque seu trabalho costuma ser tão profundo.


Assista o vídeo: KOŃ, Który Potrafił Liczyć (Junho 2022).


Comentários:

  1. Malam

    Eu parabenizo, você foi visitado com uma ideia notável

  2. Lowell

    Está distante

  3. Faubei

    Que frase necessária... A ideia fenomenal, admirável

  4. Bronson

    Eu me junto a todos os itens acima. Vamos tentar discutir o assunto. Aqui, ou à tarde.

  5. Xalbador

    Devemos dar uma olhada!!!

  6. Naalyehe Ya Sidahi

    Eu não conheço os outros, mas gostei.



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