Notícia

Por que Shostakovich não lançou sua 4ª, mas lançou sua 5ª sinfonia?

Por que Shostakovich não lançou sua 4ª, mas lançou sua 5ª sinfonia?

Por que Shostakovich não lançou sua 4ª, mas lançou sua 5ª sinfonia? (O quarto foi lançado eventualmente, mas não quando foi escrito)


É explicado na página 84 de Shostakovich: A Life, de Laurel E. Fay. Stalin foi a uma apresentação de "Lady Macbeth do distrito de Mtsensk" e saiu mais cedo. Dois dias depois (28 de janeiro de 1936), um editorial apareceu no Pravda atacando a ópera, com outro editorial em 6 de fevereiro de 1936 atacando The Limpid Stream. Na época da estreia marcada para o dia 4, em 11 de dezembro de 1936, a situação era bastante difícil. Shostakovich havia terminado uma sinfonia formal mahleriana que estava em total conflito com as expectativas da liderança do Partido. Até os músicos ficavam nervosos em tocá-lo. Então, um nervoso Shostakovich, possivelmente com o envolvimento do maestro Stiedry, puxou-o. É muito difícil imaginar como deve ter sido tentar compor música no Terror de 1936-7.

Shostakovich começou a escrever o 5º, tornando-o menos complexo e mais otimista (embora mais tarde ele sustentasse que o otimismo da música estava claramente sob pressão). Ele conseguiu acertar a política e a música ao produzir, como ele descreveu, "uma resposta criativa e construtiva de um artista soviético à crítica justa", recebendo aplausos arrebatadores no final de 1937. Como ele fez isso é mais uma questão para um clássico fórum de música, não de história.


Pensamentos em um trem

Com a Sinfonia de Harrisburg tocando a Sinfonia Nº 6 de Shostakovich & # 8217s alguns dias depois que uma temporada de eleições presidenciais superaquecidas finalmente chegou ao fim, pensei que valeria a pena examinar a política por trás do mundo sinfônico de Shostakovich & # 8217s, especialmente no que diz respeito ao 5º e 6º.

(A sinfonia é apresentada esta noite, sábado, 10 de novembro às 20h e novamente amanhã, domingo, 11 de novembro às 15h no Forum no centro de Harrisburg. Timothy Dixon oferece a palestra pré-concerto uma hora antes de cada apresentação. O programa também inclui Haydn & # 8217s Symphony No. 102 e o vencedor deste ano & # 8217s Estrela em Ascensão Concurso de concerto, Julia Rosenbaum, uma violoncelista de 16 anos tocando Tchaikovsky & # 8217s & # 8220Rococo Variations. & # 8221 Você pode ler minha postagem de pré-visualização no blog da sinfonia, aqui.)

A 6ª Sinfonia sempre me pareceu um pouco estranha: um primeiro movimento muito longo, escuro e profundamente intenso que leva cerca de 17-19 minutos para ser executado, seguido por dois movimentos extrovertidos que, juntos, totalizam talvez 12-13 minutos. As proporções são uma coisa & # 8211 meu primeiro pensamento foi que talvez não houvesse tempo para escrever um final adequado para equilibrar o primeiro movimento até, é claro, você perceber que nada pode vir depois desse final. Na verdade, meu primeiro pensamento, quando ouvi isso pela primeira vez em uma transmissão de rádio à tarde na década de & # 821670s, foi que alguém tinha obtido o disco errado programado para a segunda metade e estávamos ouvindo, eu não & # 8217t conhece & # 8230 movimentos de um dos balés populistas alegres de Shostakovich & # 8217s? Mas não, descobri mais tarde, verificando uma gravação diferente que encontrei na biblioteca de música, que é a forma como foi escrita. Como & # 8230 desequilibrado? Fora de proporção? Ele estava escrevendo o primeiro movimento para algo então decidiu que não poderia ir na direção que apontava e recuou provavelmente para evitar as críticas do governo de Stalin, talvez? & # 8211 ou o quê?

Claro, Shostakovich era um compositor especialmente reservado que raramente dava dicas sobre o que se passava em sua mente quando ele compunha, não importando que atrativos pudéssemos ouvir na música. E o que podemos ouvir hoje pode ser muito diferente do que um ouvinte soviético ouviu em 1939 & # 8211 ou o que um burocrata soviético pode ter ouvido, em comparação com um amante da música que vai a concertos (a.k.a. & # 8220intelectual & # 8221).

O dia 6 está muito envolvido nas consequências da crise política em que Shostakovich se encontrou em 1936, depois que Stalin saiu de uma apresentação de sua ópera já popular, Lady Macbeth do distrito de Mtsensk e um ataque ao compositor e seu estilo apareceu no Pravda, o principal jornal do Partido Comunista da União Soviética: & # 8220Muddle em vez de música, & # 8221 foi chamado, e o resultado foi que Shostakovich descobriu que sua música estava sendo repentinamente retirada programas de concertos e encomendas de novos trabalhos estavam sendo cancelados ou começaram a secar.

Ele já havia começado a trabalhar em sua 4ª sinfonia, um vasto complexo de uma hora de três movimentos muito dissonantes, em turnos sombrios ou violentos. Ele o completou alguns meses depois que o artigo foi publicado no Pravda. Estava em ensaio no final daquele ano, mas conforme o processo se desenrolava, a gestão da orquestra persuadiu Shostakovich a retirar o trabalho e cancelar a apresentação. Nenhuma explicação foi dada e a decisão foi feita para parecer inteiramente do próprio compositor. Ele colocou a sinfonia de lado e a estreou apenas em 1961, cerca de 25 anos depois, mas nunca ajustou o número da sinfonia & # 8217s ou a revisou.

Você pode ler mais sobre os aspectos políticos e artísticos desse período na vida de Shostakovich & # 8217s em um post anterior sobre sua 5ª (e também 10ª) sinfonias.

Sendo a política o que era, enquanto Stalin tentava controlar a oposição (se não eliminá-la), parecia que até os artistas não estavam imunes ao que ficou conhecido como Stalin & # 8217s Terror & # 8211, resultando em uma série de expurgos que começaram no ano seguinte . Durante esse tempo, muitos amigos e colegas artistas de Shostakovich & # 8217s foram presos e presos. Seu cunhado, um físico, foi preso no meio da noite e enviado para o exílio com sua esposa sem aviso prévio. A sogra de Shostakovich & # 8217 também foi presa e exilada, também sem nenhuma explicação.

Tukachevsky
Um jovem que estava começando a deixar sua marca na música soviética, Dmitri Shostakovich, ainda não tinha 30 anos quando a pior de todas as críticas negativas possíveis apareceu pela primeira vez na imprensa, fez amizade com o amante da música General Tukachevsky, que mais tarde foi preso por seu suposto papel em uma conspiração para assassinar Stalin. Na primavera de 1937, Shostakovich foi então chamado e interrogado sobre sua & # 8220 relação & # 8221 com o general Tukachevsky: eram noites musicais, jantares em que Shostakovich era um dos convidados, mas o interrogador sempre se referia a essas & # 8220 reuniões & # 8221 e perguntando, por exemplo, quem mais compareceu (& # 8220apenas membros do círculo familiar & # 8221), se algum político estava presente (& # 8220 não, nenhum político & # 8221), o que eles discutiram (& # 8220music & # 8221), e , embora Shostakovich tenha jurado que política não foi discutida em sua presença, o que ele ouviu sobre a conspiração para assassinar o camarada Stalin? Como ele se recusou a responder a mais perguntas, foi instruído por seu interrogador a retornar na segunda-feira (isso, tendo ocorrido na sexta-feira) com o aviso de que talvez, com o fim de semana para pensar sobre isso, ele se lembraria de todos os detalhes que ouviu sobre o enredo de Tukachevsky & # 8217s. Convencido de que seria preso, ele fez os preparativos necessários com sua família e voltou ao prédio da KGB apenas para ser informado de que poderia ir para casa: seu interrogador, o camarada Zanchevsky, & # 8220n & # 8217t entraria, hoje, então não há ninguém para recebê-lo. & # 8221 Mais tarde, ele descobriu que seu próprio interrogador havia sido preso.

Foi assim que Dmitri Shostakovich evitou a prisão. Não que não pudesse vir em outro momento, mas ele veio tão perto para ele, já.

Nós, nos Estados Unidos, tendemos a não estar cientes de tais questões quando se trata de nossos artistas, se é que estamos conscientes delas, então menciono isso apenas como pano de fundo para entender algo sobre a 5ª Sinfonia que ele compôs em seguida e a 6ª Sinfonia que seguiu um ano depois.

A maioria dos freqüentadores de concertos pode estar ciente da natureza da 5ª sinfonia e seu subtítulo, & # 8220A Resposta dos Artistas Soviéticos à Crítica Justa & # 8221, que, aliás, não se originou com o compositor, mas com um crítico em algum lugar e Shostakovich, talvez um pouco ainda em estado de choque, não conseguia descobrir uma maneira de recusar graciosamente o apelido.

Mravinsky e Shostakovich, 1930
Basta dizer que o 5º foi um grande sucesso popular e o jovem maestro Yevgenny Mravinsky, que o estreou, segurou a trilha sonora sob os aplausos do público. Esses dois links o levarão a vídeos da obra gravada por Mravinsky primeiro em 1973 com uma orquestra não especificada (mas eu assumiria a Filarmônica de Leningrado) e novamente em 1983 com a Filarmônica de Leningrado em turnê em Minsk. Existem, talvez, gravações melhores e talvez performances ainda melhores (certamente diferentes) disponíveis no YouTube & # 8211, é um trabalho muito popular & # 8211, mas com que frequência você vê a pessoa que o trouxe ao mundo pela primeira vez?

O 5º estreou em dezembro de 1937. Ele havia começado a trabalhar nele em meados de abril, no início daquele ano. Agora, releia alguns parágrafos e leia sobre aquele interrogatório novamente: que ocorreu na primavera de 1937.

Após o sucesso da 5ª Sinfonia e sua reabilitação como Artista Soviético, Shostakovich anunciou que logo estaria trabalhando em uma grande sinfonia dedicada a Lenin. & # 8221 Relatórios indicavam que seria uma sinfonia de quatro movimentos com coro (e solistas , em algumas menções) poemas de cenário de Maiakovski e dois poetas soviéticos não russos, um do Cazaquistão e outro do Daguestão.

Em sua coleção substancial de reminiscências de primeira mão, Shostakovich: uma vida lembrada, Elizabeth Wilson inclui esta declaração de Isaak Glikman, um amigo pessoal próximo de Shostakovich & # 8217s e um conhecido crítico e historiador de teatro de Leningrado. [Meus comentários estão em itálico entre colchetes.]

A Sexta Sinfonia foi agendada para a abertura da temporada de outono de 1939 da Filarmônica de Leningrado. Foi aguardado com impaciência.

Shostakovich e Sollertinsky, 1930
Muito antes da estreia Dmitri Dmitriyevich [Shostakovich] mostrou a sinfonia para Ivan Sollertinsky e para mim [Sollertinsky era um amigo próximo e, entre outras coisas, diretor artístico da Filarmônica] Ele jogou a final duas vezes e, contra seu costume, elogiou a si mesmo: & # 8216É a primeira vez que escrevi um Final com tanto sucesso. & # 8217 [Este, após ter concluído recentemente o Quinto?!] & # 8216Acho que mesmo os críticos mais meticulosos & # 8217não terão o que criticar. & # 8217 Ele não disse nada sobre o primeiro e o segundo movimentos. Mas falamos com entusiasmo da beleza majestosa do primeiro movimento, o Largo, o brilho do Scherzo e o final avassalador e inebriante. Eu imediatamente me apaixonei por ele e, com pouca consideração pela modéstia modesta do compositor & # 8217s, expus com entusiasmo, & # 8216Se Mozart e Rossini viveram no século 20 e colaboraram na escrita do final de uma sinfonia, teria ficado assim & # 8230 & # 8217

A estreia da Sexta Sinfonia aconteceu em 5 de novembro de 1939, sob a batuta de Mravinsky & # 8217s e teve um enorme sucesso. O final foi encored & # 8211 uma ocorrência rara na estréia de uma obra sinfônica & # 8211, mas faltou a atmosfera cativante que impregnou o salão na estréia da Quinta Sinfonia. Esse concertr em particular foi um evento único, até mesmo irrepetível, pode-se dizer, se Shostakovich não tivesse escrito a Sétima, a Oitava e a Décima Quarta Sinfonias, todas com uma força semelhante de revelação inspirada.

Por motivos muito graves, Dmitri Dmitriyevich não pôde comparecer à estreia da Sexta Sinfonia em Moscou. Ele me pediu para ir em seu lugar para assistir aos ensaios e ao concerto e escrever para ele com minhas impressões. Fiz isso, permanecendo em Moscou por um longo tsay. Eu escreveria as cartas à noite e as enviaria para Leningrado com alguém viajando no trem noturno, de modo que Dmitri Dmitriyevich já as tivesse em mãos na manhã seguinte.

Naturalmente, escondi do compositor as inevitáveis ​​conversas dos músicos. Com raras exceções, isso me levou ao desespero. Alguns músicos afirmaram que o vaidoso jovem compositor, tendo ousado romper com a tradição do ciclo sinfônico, havia produzido uma peça amorfa em três movimentos. Outros insinuaram maliciosamente que Shostakovich havia se trancado em uma torre de marfim e não sabia mais o que estava acontecendo ao seu redor, o resultado foi que a abertura Largo era tão monótono e inerte a ponto de provocar um torpor entorpecido. E um terceiro grupo apenas riu de bom humor, dizendo que o final não era nada mais do que a representação de uma partida de futebol com seus sucessos e reveses da sorte. Essa opinião vulgar e trivializada infelizmente persistiu e ganhou amplo crédito.

[Lendo isso, eu me lembrei de minhas próprias reações iniciais ao ouvir a peça: talvez as gravações que ouvi foram & # 8220 maçantes e inertes & # 8221 e, no final, vulgares o suficiente para sugerir uma partida de futebol & # 8217s frenesi?]

Glikman nos últimos anos
No entanto, todas essas discussões foram deixadas de lado na estreia desta brilhante obra, quando foi tocada no Grande Salão do Conservatório. Mas, estranhamente, quando voltei para Leningrado, não consegui me livrar da memória dessas conversas por muito tempo.

Após a Sexta Sinfonia, que despertou tantas censuras, Shostakovich escreveu seu Quinteto para Piano no verão de 1940 [apenas sete meses depois], que foi recebido com grande aclamação do público e da crítica, e a opinião foi unânime. Cada apresentação dos maravilhosos Quartetos de Cordas de Glazunov e Beethoven com o compositor ao piano foi saudada como um grande acontecimento na vida musical de Leningrado e Moscou.
= = = = = = =

Na estreia do quinteto de piano, 1940
Segue-se uma anedota sobre o verdadeiro motivo do compositor & # 8217s para adicionar um piano ao que foi planejado como seu segundo Quarteto de Cordas: ele percebeu que os quartetos não poderiam tocá-lo sem ele, então ele finalmente poderia viajar novamente: & # 8220Eu & # 8217 terei a chance de ver o mundo. & # 8221 Glikman termina dizendo & # 8220 mas pela expressão em seu rosto, era impossível dizer se ele estava brincando ou não. Tivemos essa conversa no verão do ano anterior à guerra & # 8221 (1940).

A propósito, se alguém se perguntou o que aconteceu com a Grande Sinfonia dedicada a Lênin, relatos semelhantes foram feitos novamente relativos à Sétima Sinfonia que, no entanto, foi escrita durante a Segunda Guerra Mundial e o terrível cerco de Leningrado pelos nazistas. ser um trabalho bem diferente. Então, assim que a Oitava Sinfonia, outra de suas Sinfonias de Guerra, foi estreada, falou-se de uma grande sinfonia em homenagem a Stalin que, sem explicação, acabou não sendo a celebração heróica que culminaria os Anos da Guerra na Música, mas para ser um pouco leve, na verdade um trabalho bastante semelhante a Haydn que deixava as pessoas (pelo menos os burocratas) coçando a cabeça.

Em minha postagem sobre a 5ª e a 10ª sinfonias, refiro-me à visão de Shostakovich servindo como o "Santo Tolo" nacional (em russo, yurodivy) não o simplório "idiota da aldeia" em que pensamos na América, mas no sentido eslavo clássico do Louco que é tocado e, portanto, mais próximo de Deus, muitas vezes respeitado e, em certo sentido, temido pelos outros. O exemplo mais famoso disso seria o Simplório em Mussorgsky Boris Godunov onde o tolo confronta o czar e pede-lhe para assassinar as crianças que roubaram seu centavo como Boris havia assassinado o pequeno tsaryevich Dmitri, algo que teria rendido qualquer corte imediato à execução imediata. Mas nesta cena dramática (começando às 4:00), em vez disso, Boris pede ao Simplório que ore por ele. Infelizmente, o Louco responde, não pode: a Virgem não permite. Na grande Cena da Floresta que deveria ser a cena final da ópera, o Simplório dá a palavra final, lamentando o destino do povo russo (neste clipe, começando por volta das 5:40). Na literatura ocidental, que tolo mais sábio existe do que o do Rei Lear?

Talvez Shostakovich pensasse que o mundo havia se tornado completamente desequilibrado e que o final "louco" desse intenso movimento de abertura de sua nova sinfonia era como a dança do Santo Tolo. Há mais para pensar sobre isso em sua 10ª sinfonia, a primeira nova sinfonia que ele compôs após a morte de Stalin: seu uso do motivo D.SCH (o monograma de Shostakovich traduzido em tons musicais) no final parece celebrar a sobrevivência de Shostakovich tanto quanto a dança selvagem de um final pode comemorar a morte de Stalin.

Mas tudo isso, como mencionei, é realmente conjectura. Poderíamos dizer "já que Shostakovich nunca o admitiu na imprensa", mas havia muitos exemplos de artigos ou cartas assinadas por Shostakovich que haviam sido escritas por funcionários do partido e que ele assinava apenas para evitar confrontos políticos. Ele era mais cínico do que simplório? Semyon Volkov é amplamente desacreditado Testemunho, alegando ter sido entrevistas com o compositor pouco antes de sua morte e de natureza bastante confessional, pode até ser mais ficção do que qualquer coisa parecida com o fato, apesar de Volkov dizer que o compositor assinou as transcrições que ele lhe entregou, autenticando o material.

Isso, no entanto, é um assunto totalmente diferente e que aparentemente nunca será resolvido.

Mais um trecho da coleção de Elizabeth Wilson & # 8217s, este relacionado à estreia da 5ª Sinfonia. Parece que nem todos os burocratas do governo estavam convencidos de que era uma obra-prima, pois fora aclamada pelo público. São reminiscências de outro diretor da Filarmônica de Leningrado, Mikhail Chulaki que, em 1948, se juntou ao governo na condenação de Shostakovich por sua estética & # 8220formalista & # 8221 ao escrever obras sinfônicas segundo o modelo alemão.

= = = = = = =
Em outras palavras [a Quinta Sinfonia] era acessível a ouvintes profissionais sem fazer concessões às pretensões do público em geral & # 8211 aquele mesmo público em geral que tão bombasticamente se autodenominou & # 8216o Povo & # 8217 (ou se encarregou de falar em nome de & # 8216 the People & # 8217) & # 8230

Mas havia outra categoria de pessoas que tinham uma fidelidade particular à arte e ao estrato burocrático. Eles formularam os julgamentos das autoridades por meio da redação de relatórios oficiais nos quais tentavam adivinhar quais seriam as opiniões dos chefes sobre o assunto. E pelo amor de Deus [escolha interessante de expressão, dada a sociedade comunista ímpia, aqui], se você errar, isso pode custar sua posição.Sua ansiedade de serem & # 8216mais católicos do que o Papa & # 8217 foi motivada pelo desejo de garantir sua própria segurança. Eles, portanto, avaliaram a composição pela quantidade de dissonâncias e seus desvios dos padrões & # 8216norms & # 8217 de folk e música clássica & # 8230

[Dados os relatos da estreia da Quinta Sinfonia & # 8217s,] este & # 8230 provocou extremo desagrado nos círculos oficiais, visto que foi visto como um comentário explícito em relação às críticas expressas nas páginas da imprensa do Partido [sobre os perigos do & # 8220 sucesso excessivo & # 8221]. Certamente, o compositor não poderia ter & # 8216reestruturado & # 8217 sua visão e criado uma sinfonia 100% soviética em um período de tempo tão curto? E mais, nenhuma opinião oficial sobre a sinfonia ainda havia sido formulada. Então, o que isso significa & # 8211 uma demonstração?

Imediatamente, dois altos funcionários do comitê responsável pelas artes, V. N. Surin e B.M. Yarustovsky, foram enviados para Leningrado. Eles estiveram presentes em uma das próximas apresentações da sinfonia. Sua missão era descobrir como os organizadores do show conseguiram inspirar um sucesso tão alto e demonstrativo. Yarustovsky & # 8230 tendo testemunhado pessoalmente o triunfo inédito de Shostakovich & # 8217, fez um fluxo constante de comentários sarcásticos, gritando para se fazer ouvir acima do barulho no corredor. & # 8220Apenas olhe, todos os frequentadores do show foram escolhidos a dedo um por um. Estes não são frequentadores normais de concertos. O sucesso da sinfonia & # 8217s foi fabricado da forma mais escandalosa & # 8221 e assim por diante. Em vão eu, como diretor da Filarmônica, tentei convencer o oficial raivoso de que o público que comparecia ao show havia comprado ingressos na bilheteria da maneira normal. Yarustovsky, apoiado pelo silencioso Surin, permaneceu implacável & # 8230.

[Eventualmente] o Comitê do Partido do Distrito de Leningrado & # 8230 [arranjou] uma apresentação especial da sinfonia para os [burocratas]. Na minha qualidade de diretor da Filarmônica, fui chamado pelo comitê local responsável pelas artes para ver uma certa Rabinovich, uma senhora muito decidida e carnuda [essa é uma citação exata, a propósito] Posso reproduzir o seguinte diálogo com exatidão, pois está impresso em minha memória, palavra por palavra.
= = = = = = =

No entanto, no interesse do que passa por espaço, devo resumir: o programa sugerido de Chulaki & # 8217s incluía a abertura e algumas árias de Glinka & # 8217s Ruslan e Lyudmilla, Tchaikovsky & # 8217s Overture, & # 8220Francesca da Rimini & # 8221 e, após o intervalo, Shostakovich & # 8217s 5th Symphony. Rabinovich, infelizmente, não gostou e sugeriu que havia muitas & # 8220sinfonias & # 8221 dizendo & # 8216Precisamos de algo para o povo & # 8211 e, além disso, o que & # 8217s isso & # 8220Franchyoska & # 8221? & # 8217 Quando ele explicou que era uma abertura de fantasia não muito longa, o camarada Rabinovich disse a ele que eles poderiam fazer & # 8220 ambas as sinfonias & # 8221 na primeira metade e então concluir com uma apresentação do Red Army Ensemble. Infelizmente, os últimos estavam em turnê e indisponíveis, então ela sugeriu os Dançarinos de Moisseyev e sua orquestra de instrumentos folclóricos, sugerindo primeiro que, uma vez que eles já tinham uma orquestra no palco, por que não usar a Filarmônica em vez da orquestra popular de balalaikas e pastor & # Flautas 8217s? A questão do espaço no palco para os dançarinos com uma orquestra de 105 não fazia sentido para ela: & # 8220 bem, coloque sua orquestra no fosso! & # 8221

Eventualmente, o concerto foi dado: abertura de Tchaikovsky & # 8217s e a nova 5ª Sinfonia de Shostakovich foram dadas na longa primeira metade e os Dançarinos de Moisseyev preencheram a segunda metade, dançando com sua própria orquestra afinal.

Para retomar a reminiscência do Chulaki & # 8217s:

= = = = = = =
Muitos anos depois, como quis o destino, Shostakovich e eu estávamos sendo tratados na mesma clínica [médica]. Lembramos aquele show gigantesco feito para & # 8216the People & # 8217 pela senhora oficial, Rabinovich. Shostakovich me contou como ele andou para cima e para baixo em um estado de agitação no chamado foyer & # 8216blue & # 8217 fora do corredor. Lá você podia ouvir tudo perfeitamente. Francesca da Rimini estava chegando ao fim e sua hora de agonia se aproximava. [Ele obviamente tinha motivos para estar nervoso: e se os burocratas decidissem que sua sinfonia não era uma resposta adequada às suas críticas?] Assim que começaram as palmas, após o final do chamado & # 8216Franchyoska, & # 8217 o escritor X [assim identificado na carta de Chulaki & # 8217s], o mais simpático e gentil dos homens, e um dos escritores mais amados e lidos do país, entrou correndo no foyer. Jogando-se no pescoço de Shostakovich com lágrimas de gratidão nos olhos, ele exclamou: & # 8216Mitya [o apelido de Dmitri], Eu sempre soube que você era capaz de escrever músicas lindas e melódicas! & # 8221 Shostakovich ficou tão comovido com essa demonstração de amizade e lealdade que, como ele me disse rindo, & # 8220Eu não tive coragem de dizer a ele que foi [por] Tchaikovsky. & # 8221
= = = = = = =

E essas são as pessoas que determinaram que Shostakovich era um péssimo compositor que precisava ser disciplinado e quase o levou ao suicídio & # 8230

= = = = = = =
As reminiscências de Glikman e Chulaki, citadas de cartas, ensaios e entrevistas, são encontradas no livro de Elizabeth Wilson Shostakovich: uma vida lembrada, Faber & amp Faber (Londres 1994), 2ª edição, brochura, lançado nos Estados Unidos pela Princeton University Press em 2006 a tempo do Ano do Centenário de Shostakovich.


Quinta sinfonia de Beethoven com estreia mundial em Viena

Se as resenhas iniciais falharam em reconhecê-la como uma das maiores peças musicais já escritas, é preciso entender as condições adversas sob as quais a obra foi ouvida pela primeira vez. O local do concerto estava muito frio. Demorou mais de duas horas em um gigantesco programa de quatro horas antes que a peça começasse e a orquestra tocou mal o suficiente naquele dia para forçar o quase surdo compositor & # x2014 também atuando como maestro e pianista & # x2014 para interromper o conjunto no meio do caminho em uma passagem e comece novamente desde o início. Foi, em suma, um começo nada auspicioso para o que logo se tornaria a peça mais reconhecível da música clássica do mundo: Ludwig van Beethoven e # x2019s Sinfonia nº 5 em dó menor, Op. 67 & # x2014the & # x201CFifth Symphony & # x201D & # x2014, que teve sua estreia mundial em 22 de dezembro de 1808.

Também estreando naquele dia no Theatre an der Wien em Viena foram Beethoven & # x2019s Concerto para piano nº 4 em sol maior, Op. 58, e o Sinfonia nº 6 em Fá maior, Op. 68 & # x2014the & # x201CPastoral Symphony. & # X201D Mas foi a Quinta Sinfonia que, apesar de sua estréia instável, acabaria sendo reconhecida como a maior conquista de Beethoven & # x2019 até aquele ponto em sua carreira. Escrevendo em 1810, o crítico E.T.A. Hoffman elogiou Beethoven por ter superado os grandes Haydn e Mozart com uma peça que & # x201Abre o reino do colossal e incomensurável para nós & # x2026evoca terror, medo, horror e dor e desperta aquele anseio sem fim que é a essência do Romantismo. & # x201D

Essa avaliação resistiria ao teste do tempo, e a Quinta Sinfonia rapidamente se tornaria uma peça central do repertório clássico para orquestras de todo o mundo. Mas além de suas qualidades revolucionárias como uma composição séria, a Quinta Sinfonia também provou ser uma obra com enorme poder de permanência cultural pop, principalmente graças ao seu poderoso motivo de abertura de quatro notas & # x2014 três solos curtos seguidos por um mi bemol longo. Usado na Grã-Bretanha da Segunda Guerra Mundial para abrir transmissões da BBC porque imitava o código Morse & # x201CV & # x201D para & # x201CVictory, & # x201D e usado nos Estados Unidos da era disco por Walter Murphy como base para seu improvável hit pop # 1 & # x201CA Fifth of Beethoven & # x201D as notas de abertura de Beethoven & # x2019s Fifth Symphony tornaram-se uma espécie de taquigrafia musical instantaneamente reconhecível desde que foram ouvidas pelo público pela primeira vez. & # xA0


Tudo menos a música

Há alguns anos, alguns amigos e eu criamos um torneio de chaves no estilo NCAA para determinar o maior compositor de todos os tempos por meio de uma série rigorosa de discussões. A esmagadora maioria dos humanos provavelmente declararia que discutir sobre quem era melhor / mais importante entre Ravel e Schoenberg é uma perda de tempo inútil. Só porque eles estão corretos, não significa que ainda não haja benefícios em falar sobre música, não importa o quão incomum seja, está longe de ser inútil.

É com esse mesmo espírito geral em mente que convido você a entrar em meu mundo de coisas classificadas aleatoriamente, como as melhores sinfonias, com base apenas em seu número. Provavelmente parece uma ideia ridícula, e é, mas ainda faz você pensar sobre boa música e, no final das contas, ela é boa. Leia e pense sobre isso. Melhor ainda, ouça a música e avalie você mesmo. Pense em mim como um líder de culto e a música clássica como o Kool-Aid de cianeto. Faça isso agora.

Menção honrosa: Sinfonia no. 5 1/2 por Don Gillis

Originalmente planejado para ser sua Sexta Sinfonia, Gillis acabou indo na metade por causa da natureza alegre do trabalho. Ele até satirizou a forma sinfônica nos títulos dos movimentos & # 8217: Emoção perpétua, Espiritual ?, Esquerzofrenia e Conclusão! Isso é tão sério quanto a música pode parecer, mas PDQ Bach não é. Gillis tem aquele som estereotipado & # 8220americano & # 8221 transformado em ciência, e seu talento para o ritmo está em plena exibição. Não consigo descobrir por que esta peça é executada tão nunca. É como o mingau do Baby Bear & # 8217s & # 8230 apenas a quantidade certa de quase tudo.

10) Sinfonia no. 5 & ​​# 8216Reformation & # 8217 por Felix Mendelssohn

Esta foi na verdade a segunda sinfonia que Mendelssohn escreveu, mas não foi publicada até um ano após a morte de seu compositor, então foi numerada por último. Mendelssohn, neto de um dos mais notáveis ​​filósofos judeus de todos os tempos, era ele mesmo um devoto luterano e, portanto, o aniversário de 300 anos da Confissão de Augsburg provou ser um motivo valioso para compor uma sinfonia em homenagem a Martinho Lutero (que , como quase todo mundo na época, era um anti-semita & # 8230você não pode & # 8217não inventar essas coisas). Fique ligado no caminho para a lista dos meus dez artigos de fé favoritos da Augustana & # 8230

A própria sinfonia é uma obra-prima expressiva. Dos acordes de & # 8220Dresden Amen & # 8221 no primeiro movimento à orquestra completa esmagando o próprio coral de Luther & # 8217 & # 8220A Mighty Fortress Is Our God & # 8221 no final, a peça percorre uma gama de emoções. E é uma peça que parece encapsular o espírito do Romantismo como um todo: um judeu convertido escrevendo música programática em louvor a uma figura histórica triunfando sobre a luta? Onde eu já ouvi isso centenas de vezes antes?

9) Sinfonia no. 5 por Ralph Vaughan Williams

Vaughan Williams & # 8217 Fifth Symphony compartilha algumas coisas interessantes em comum com a Quinta Sinfonia de Dmitri Shostakovich, uma peça que (SPOILER ALERT.) Nós & # 8217 veremos nesta lista mais tarde. Ambos soam muito diferentes das sinfonias que os precederam imediatamente. Ambos agora estão associados ao que pensamos que seus compositores & # 8217 & # 8220sounds & # 8221 são. O núcleo emocional de ambos está nos movimentos lentos. É basicamente isso, mas literalmente acabei de pensar nisso. Lide com isso.

Grande parte da música nesta sinfonia está ligada a Vaughn Williams e a ópera # 8217 The Pilgrim & # 8217s Progress, que estreou quase uma década depois. Há muitas coisas para gostar nesta sinfonia: um lindo movimento lento, uma espécie de Surpresa-Vibe Symphony-on-crack para o scherzo, e a sempre agradável forma de passacaglia. Além disso, há & # 8217s um & # 8220Dresden Amen & # 8221 no primeiro movimento! Eu prometo que o Amen de Dresden não aparecerá novamente, a menos que seja renomeado Parsifal & # 8220Symphony no. 5 e # 8221 enquanto eu digitava isso.

8) Sinfonia no. 5 por Franz Schubert

Aparentemente, o número oito seguido por um parêntese significa sorridente usando óculos escuros. Obrigado, internet. Continuando & # 8230

Schubert deve uma grande gorjeta do chapéu ou um abraço ou algo assim a Haydn e Mozart (e ainda quando tento abraçá-los, acusações são lançadas de repente) para estabelecer os modelos para esta sinfonia. Não há nada de errado em pegar franquias de sucesso e atualizá-las para seus próprios fins. Pense em Schubert 5 como os novos filmes do Batman sem Christian Bale e o sotaque completamente insano do Batman, mas ainda com as piadas de Michael Caine.

Gosto particularmente do segundo movimento, que parece tanto com Haydn que Haydn deveria atualizar sua proteção contra roubo de identidade para Code Blue. Este Andante tem um arco maravilhoso, completo com as modulações que caracterizariam os trabalhos tardios de Schubert & # 8217 (embora ele tenha morrido aos 31 anos, tão tarde é um termo bastante relativo). Da mesma forma, ambos os movimentos externos têm a energia rítmica que floresceria com força total no Schubert & # 8217s 9ª sinfonia, o que é muito bom.

Gravação recomendada: Não é nenhum mistério aqui que eu tenho um preconceito sujo em relação a Otmar Suitner, mas você realmente deve a si mesmo ouvir o Schubert dele, porque é foda pra caralho. Este disco junto com o Inacabado provavelmente não vale os $ 80 que aparentemente custa novo, mas existem cópias usadas e são razoáveis.

7) Sinfonia no. 5 por Sergei Prokofiev

Prokofiev escreveu o seu 5ª sinfonia em cerca de um mês durante o verão de 1944, que acredito foi uma época muito pacífica na Rússia Soviética. Na verdade, era tão seguro quanto poderia ser para Prokofiev, que havia retornado à Rússia uma década antes, depois de morar no exterior. Como tudo o mais durante esse tempo, estava sujeito às leis de censura impostas pelo regime de Stalin, e lendo as próprias palavras de Prokofiev na sinfonia, que pretendia ser

um hino ao Homem livre e feliz, aos seus poderes poderosos, ao seu espírito puro e nobre & # 8230. Não posso dizer que escolhi deliberadamente este tema. Ele nasceu em mim e clamava por expressão. A música amadureceu dentro de mim. Isso encheu minha alma.

definitivamente emite aquela vibração forçada assustadora que o cara branco neste vídeo Ride the Train tem ou que os atores masculinos têm quando eles têm uma cena de amassos com Seabisc & # 8230 quero dizer Julia Roberts. Eu poderia simplesmente estar vendo esses comentários com meus óculos Shostakovich, mas eles não parecem forçados?

Não importa. Uma coisa que Prokofiev e Shostakovich têm em comum é que a música fala por si só. Prokofiev & # 8217s 5th reflete essa nobreza e triunfo de uma maneira tipicamente inventiva de Prokofiev. A marca registrada da peça para mim é o final, com ironia ao estilo de Morrisette que é tão sarcástica quanto qualquer coisa que Mahler já escreveu, especialmente após a energia frenética que o precede. Mas não durma no movimento lento, que tem um dos clímaxes mais angustiantes do repertório sinfônico.

Gravação recomendada: Normalmente eu recomendaria um maestro e orquestra russos, e também gosto de Rozhdestvensky aqui, mas algo sobre essa gravação da Orquestra George Szell / Cleveland sempre me agradou. O Concerto para Orquestra que acompanha provavelmente faz parte disso.

6) Sinfonia no. 5 por Jean Sibelius

Você sabe que é um campo lotado quando Sibelius 5 chega em número seis. Sibelius recebe o primeiro prêmio Everything But The Music & # 8220I Don & # 8217t Give a Shit & # 8221 por contribuições para olhar para a paisagem musical que o cerca e ser tipo & # 8220foda-se & # 8221 e fazer o que achar melhor para você. Ainda não tenho um troféu feito, mas tenho certeza de que eles o exibirão na Finlândia. Com o surgimento do dodecafonismo, do neoclassicismo e de todos os outros estilos do início do século 20, Sibelius passou por uma pequena crise de identidade, especialmente na esteira do mal recebido Sinfonia nº 4. A 5ª, entretanto, depois que ele terminou de revisá-la, é indiscutivelmente sua obra mais popular e uma das grandes sinfonias, ponto final.

Esta sinfonia tem muitos recursos característicos, incluindo a obsessão bizarra de Sibelius e # 8217 em compactar a sinfonia. Esta compressão ainda estava em evolução, e o tempo na 5ª forma, essencialmente, um arco gigante com pouca semelhança com a estrutura de andamento sinfônica tradicional. Mas muitos dos detalhes da peça são típicos de Sibelius, e se o lindo tema & # 8220swan & # 8221 no finale não tirar seu fôlego, você não merece respirar e deveria ter seu fôlego tirado por outro medidas. Estou ouvindo enquanto digito e estou começando a ver estrelas e não consigo mais sentir meus olhos. Além disso, o final é LOUCO.

Gravação recomendada: Todo mundo vai tentar dizer Barbirolli, e sua gravação com o Halle é realmente ótima, mas não procure além do mais subestimado intérprete de Sibelius por aí, Alexander Gibson, e a Royal Scottish National Orchestra. Na verdade, apenas pegue a caixa se você puder encontrar, porque Gibson é uma fera em Sibelius.

5) Sinfonia no. 5 por Pyotr Ilyich Tschaikovsky

A primeira de nossa 5ª sinfonias & # 8220fate & # 8221 e a maior de Tschaikovsky & # 8217s (pare de olhar para mim Patética!) A sinfonia apresenta um tema lema recorrente que aparece em todos os quatro movimentos e a transformação do tema da tristeza em triunfo é uma trajetória tão fácil de ouvir quanto há na música, o que faz parte de seu apelo. O próprio Tschaikovsky realmente achou a sinfonia um fracasso, e os críticos tendem a apontar para o final como o ponto fraco da sinfonia, mas francamente, isso não é diferente de qualquer outra sinfonia de Tschaikovsky (ROAST!).

Esta sinfonia tem uma música de tirar o fôlego, no entanto. Considere o coral de cordas curtas após o grande aumento na orquestra & # 8230; este é um momento musical tão profundo quanto qualquer coisa já escrita. Pegue o segundo movimento & # 8217s segundo tema & # 8230 todo mundo enlouquece com o solo de trompa ao estilo de John Denver, que é adorável, mas aquele segundo tema nos instrumentos de sopro é uma melodia perfeitamente construída e pontuada com perfeição. E quaisquer que sejam os defeitos do finale, e por mais insincero que o final possa ser percebido, ainda é uma conclusão emocionante e dramática (meu amigo James diz que parece música de formatura, e ele está certo. Da próxima vez que você ouvir, diga os nomes dos seus amigos e # 8217 em voz alta e descubra a magia). Resumindo, tem falhas, mas quando acerta, acerta de verdade, REALMENTE.

Gravação recomendada: A maioria das gravações que gosto desta peça são transmissões.Houve uma performance incrível de meu filho Walter Weller e da Orquestra Nacional da BBC de Gales, e uma performance maravilhosa de quando com George Szell regendo a Filarmônica de Nova York. Mas para as gravações disponíveis, há uma interpretação muito boa com Antal Dorati liderando a London Symphony, com uma bela Eugene Onegin Polonaise incluída como enchimento também.

4) Sinfonia no. 5 por Anton Bruckner

(Insira algo sobre a música de Bruckner & # 8217 sendo construída e soando como uma catedral). Sério, todo mundo diz que Bruckner & # 8217s é o & # 8220 mestre construtor de catedrais no som. & # 8221 Essa analogia faz sentido no sentido de que Bruckner passou tanto tempo em uma catedral quanto eu passei em casinos crescendo (nenhum de nós realmente passou bem com as mulheres, seja & # 8230 agora, acho que a única diferença entre nós é que eu estou vivo e ele é um dos maiores compositores de todos os tempos), mas isso meio que implica uma falta de impulso para a frente (ou seja, & # 8220 apenas fique lá e mergulhe tudo em & # 8221), o que é completamente falso. A música de Bruckner e # 8217s se move como aquele filme Haverá sangue: pode ir devagar, mas nunca se arrasta e o ritmo acaba sendo o seu maior trunfo. Bruckner é o mestre da tensão e liberação, e o 5ª sinfonia é uma ilustração notável disso.

De acordo com a WikiPedia, esta sinfonia é ocasionalmente referida como a sinfonia & # 8220Tragic, & # 8221 & # 8220Church of Faith & # 8221 ou Pizzicato & # 8221. Já ouvi ser referido como qualquer uma daquelas vezes exatamente nunca. Mas ouvi dizer que é incrível, porque é. Basta começar a tocá-lo & # 8230 se você & # 8217está me dizendo que não está completamente dominado pelos pizzicatos estrondosos e sons de cordas sinistros que levam à explosão orquestral que se segue, você não tem alma e precisa verificar isso. Um adagio Bruckner tipicamente expansivo e lindo (com uma de suas melodias mais bonitas para arrancar), um scherzo malvado e um final massivo com o final mais pesado que existe fecham o negócio. O 5º pode viver na sombra do 4º & # 8217s em apelo popular, mas o ofusca em absoluta identidade épica e pathos.

Gravação recomendada: I & # 8217m um otário para as gravações de Takashi Asahina & # 8217s Bruckner, e esta gravação ao vivo com a Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra é a mais disponível, embora seja um download de mp3. No departamento muito mais disponível, obtenha este DVD de Gunter Wand regendo a Sinfônica da NDR. Ambos os caras sabem como transformar Bruckner em um T sem levar 4 meses para terminar uma apresentação (eu & # 8217 estou olhando para sua versão antiga do Celibidache em Munique).

3) Sinfonia no. 5 por Dmitri Shostakovich

Escrevi sobre Shostakovich 5 não muito tempo atrás, o que claramente significa que estou pensando muito nisso se estou pensando novamente. Todo mundo conhece a história por trás da música, e é fascinante ou o que quer que seja, mas apenas tire um segundo para se lembrar dessa música. É incrível. Não há uma nota fora do lugar.

O herói não celebrado do 5º é o 3º movimento. Com música de tal intensidade dramática flanqueando-o por todos os lados, é de alguma forma o movimento lento mais pacificamente inquieto ou desconfortavelmente pacífico que existe. Sempre que você conseguir fazer o clímax de seu movimento usar um xilofone estridente e punitivo, terá de fazê-lo, e Shosty o fez. Acrescente o irreverente scherzo e o & # 8220 seu negócio está regozijando & # 8221 coda e você tem o material da lenda.

Gravação recomendada: Se você vai ouvir Shostakovich, é melhor falar russo. Mravinsky, Kondrashin, Svetlanov, Rostropovich, quem quer que seja. Pessoalmente, Kondrashin é um dos meus maestros favoritos em geral, e sua leitura do 5º, embora não seja tão rouca e insana quanto o Mravinsky em Erato, ainda é bem selvagem, mas com detalhes, equilíbrio e impulso muito melhores, IMO. Ele pode estar disponível apenas no conjunto completo nos EUA, mas basta fazê-lo. Você tem os recursos.

2) Sinfonia no. 5 por Gustav Mahler

E você pensou só porque Mahler é meu Deus agora que eu teria seu Quinto em # 1, não é? Mahler 5 é um dos favoritos do público em todo o mundo agora, o que é incrível quando você considera onde estava a música de Mahler & # 8217s 70 anos atrás. o Quinto é provavelmente a mais popular de todas as sinfonias de Mahler & # 8217s, e não apenas por causa da famosa Adagietto.

Poucas obras podem corresponder a Mahler e # 8217s Quinto por pura & # 8220aproveite a jornada tanto quanto o destino & # 8221 magia. Ir de uma das marchas fúnebres mais intensamente sombrias e taciturnas para uma das caminhadas felizes mais deslumbrantes em contraponto do repertório requer muita habilidade, firmeza e três movimentos interiores. o Adagietto pode obter toda a publicidade, mas a verdadeira joia da sinfonia é o scherzo gigantesco, e não digo isso como trompista, mas como fã de boa música. Não consigo pensar em um movimento melhor em qualquer lugar quando se trata de transformar o humor e a atmosfera de uma peça. Você pode literalmente sentir a metamorfose do trabalho ocorrendo.

O final mostra Mahler no meio de sua fase de Bach, ansioso para mostrar a todos que ele também pode escrever contraponto. E ele faz. E quando ele traz de volta o coral do segundo movimento, é como se o próprio Deus estivesse aparecendo em seu jantar. Adicione uma corrida frenética à linha de chegada que quase garante uma daquelas grandes reações do público, onde cerca de 20 das 2.500 pessoas presentes soltaram um grande grito para deixar todos os outros energizados. Eu geralmente sou esse cara, pelo que vale a pena. E poucas peças o tornam mais fácil de fazer do que Mahler 5.

Gravação recomendada: Dizer que este é um campo lotado é como dizer que o cristal de metanfetamina faz mal aos dentes. Existem tantas gravações sangrentas por aí que é difícil vasculhar o atoleiro para encontrar uma realmente boa. Mas com Mahler, na dúvida, vá com Bernstein.

1) Sinfonia no. 5 por Ludwig van Beethoven

Não é realmente TÃO bom, além de ser a peça musical mais perfeita já composta e a pedra angular da música ocidental. Por onde começar? Acho que com a expressão musical mais famosa da história registrada e um primeiro movimento que é o garoto-propaganda do desenvolvimento. Ou talvez o segundo movimento bonito e alegre. Ou talvez o scherzo saltitante. Ou talvez o final triunfante e inabalável. Não importa. Escolha uma medida. Escolha uma nota. Escolha um descanso. Tudo está onde deveria estar.

Beethoven & # 8217s Quinto é uma daquelas coisas que simplesmente não pode ser negada, não importando seus sentimentos pessoais. Se eu pudesse começar um time de basquete com qualquer jogador da história, escolheria Magic Johnson. Mas ele é o melhor jogador de basquete de todos os tempos? Não, realmente não. Se eu pudesse ouvir apenas um músico pop dos anos 80 e 8217, seria Prince e não seria perto. Ele é melhor do que Michael? Provavelmente não. Assim é com Beethoven & # 8217s Quinto. Na verdade eu gosto Eroica o máximo das sinfonias, mas a 5ª é simplesmente melhor. Tudo que é ótimo sobre Eroica foi aproveitado, refinado, aerodinâmico e montado com força pulverizadora. Beethoven 5 não está apenas no topo dessa lista, ele está no topo de todas as listas.

Gravação recomendada: As pessoas vão tentar dizer a você o Kleiber, mas na verdade eu prefiro Karajan. Karajan está aparentemente disposto a tornar a seção de vento 47 vezes maior do que o indicado na partitura, e isso é muito divertido. Existem definitivamente algumas performances com proporções mais clássicas por aí que são fenomenais (incluindo duas recentes, Jarvi / Bremen e Vanska / Minnesota). Mas há algo sobre a alegria inalterada de possivelmente destruir seus alto-falantes no final que torna o Karajan o padrão ouro para mim.

Desculpas para: eu realmente não devo desculpas a ninguém, honestamente. Talvez Dvorak, cujo 5º lugar é certamente subestimado, mas quando Mendelssohn Reforma vem em 10, é um osso duro de roer. Eu provavelmente poderia pedir desculpas a Bax e Glazunov também, e talvez a Nielsen. Penderecki & # 8217s 5ª sinfonia tem o subtítulo & # 8216Coreano & # 8217, o que é legal. Talvez George Rochberg? Esqueça o que eu disse. Eu não devo desculpas. Você pode contestar o pedido se quiser, mas não acho que você possa contestar o conteúdo. Então aí.


Como não ter medo de Shostakovich

Então, meu laptop está fazendo barulhos como uma serra circular porque o ventilador interno não está funcionando bem, está superaquecendo rapidamente e eu decidi, e quoti sabe o que mais? Vou escrever outro ensaio sobre Shostakovich, & quot porque esse é o estado em que as coisas estão agora. Então, sem mais delongas, vamos & # x27s entrar no assunto.

Comecei esta série na outra semana com um post sobre Mahler. Essencialmente, estou examinando alguns compositores cuja música parece intimidante para novos ouvintes e fornecendo alguns insights para tentar fazer com que essa música pareça menos intimidante. Pode haver uma variedade de razões pelas quais a música de um compositor & # x27s pode dissuadir novos ouvintes - talvez as peças sejam extremamente longas, como com Mahler, ou haja um certo estigma em torno do próprio compositor, ou talvez a obra completa do compositor & # x27s também seja frequentemente generalizado por um punhado de peças. Este último ponto é freqüentemente verdadeiro com Shostakovich, e como um ouvinte frequente de suas obras, posso ver por quê.

Muitas pessoas me disseram que não gostam de Shostakovich - ele é muito barulhento e impetuoso ou muito enfadonho. O uso frequente de percussão e metais em suas obras orquestrais pode ser desanimador para aqueles (inclusive eu) que preferem cordas maiores ou seções de sopro de madeira. Seu uso frequente de citar certas passagens ou motivos pode ser visto como uma fórmula, e não muito revolucionário em comparação com alguns dos compositores ocidentais mais vanguardistas de sua época. Mas, sob a superfície de longas sinfonias e marchas que parecem militantes, encontra-se uma gama complexa e diversa de estilos de trabalho de câmara, incluindo quartetos, quintetos, sonatas, obras para piano solo. Houve também óperas, balés, concertos e muito mais. Shostakovich era um verdadeiro poliestilista, um camaleão musical que podia facilmente mudar de um estilo de música para outro. Embora existam muitos elementos-chave que parecem exclusivamente & quotShostakovian & quot que aparecem em muitas de suas obras, ele também foi capaz de criar melodias e ideias musicais únicas. E há definitivamente uma razão histórica para isso.

Como Shostakovich é provavelmente o compositor com a qual estou mais familiarizado, tentarei ser conciso, mas quero fornecer informações suficientes para permitir alguma apreciação. Portanto, tentarei repassar as informações mais importantes para este post, mas recomendo fortemente que você faça algumas pesquisas por conta própria - você ficará surpreso com o quanto há para aprender.

Shostakovich nasceu em 1906 em São Petersburgo, Rússia. Um prodígio do piano, ele se matriculou no conservatório aos treze anos por recomendação de Glazunov (sim, ESSE Glazunov), e rapidamente se tornou um compositor consagrado por seus próprios méritos. A década de 1920 foi uma época de muito sucesso musical para ele. Ele escreveu algumas peças pró-revolucionárias e ficou feliz em apoiar Lênin, que encorajou o avanço das artes para que a Rússia avançasse em direção - se não ultrapassasse - o Ocidente, não apenas na industrialização, mas também na produção criativa. Até cerca de 1936, as obras de Shostakovich & # x27s eram frequentemente de vanguarda por natureza, repletas de novas ideias e sátiras espirituosas. No entanto, tudo isso mudou em 28 de janeiro de 1936.

Dois dias antes, Stalin - agora no poder - foi ver a ópera Shostakovich & # x27s, & quotLady MacBeth do distrito de Mtsensk. a vida ao contrário na Rússia czarista havia sido. No entanto, quando Stalin foi ver a ópera, ele saiu no meio do caminho, enojado. O jornal estatal, Pravda, logo publicou um artigo chamado & quotMuddle em vez de música & quot, que ridicularizou a música na ópera (em oposição ao libreto ou atuação) como sendo & quotformalista & quot, que neste contexto histórico, em curto prazo, também significava não conforme para o gosto do Estado & # x27s. Shostakovich ficou humilhado. Pior ainda, este ano marcou os ataques a sua família e colegas durante os Grandes Expurgos (final de 1935-1938), onde qualquer artista ou intelectual considerado muito subversivo corria o risco de ser banido, preso ou executado. Muitas pessoas próximas a Shostakovich foram alvejadas, e ele estava extremamente nervoso, dormindo do lado de fora de seu apartamento com uma mala feita na eventualidade de ser levado embora. Se isso acontecesse, ele não queria que sua família visse algo assim. Felizmente, isso nunca aconteceu, provavelmente por causa de seu status como uma celebridade internacional, mas ele ainda precisava moldar seu ato, para não encontrar o destino de tantas pessoas com quem se associava. Naquele mesmo ano, ele desistiu de sua quarta sinfonia de ser muito "formalista" após um ensaio.

Em 1937, ele lançou sua quinta sinfonia, que foi popular tanto com o governo quanto com o povo. Isso o restaurou de volta ao favor, mas pelo resto de sua vida, ele lutaria por uma espécie de ato de equilíbrio, criando peças que eram recompensadas ou ridicularizadas. Algumas de suas peças foram censuradas ou banidas, e outras ainda receberam prêmios de prestígio. Isso levou algumas pessoas no Ocidente a acreditar que ele era um fantoche do Estado, curvando-se a tudo o que queriam que ele escrevesse, ou um dissidente secreto que nutria um ódio amargo por sua terra natal. Uma & quotutobiografia & quot foi publicada após sua morte em 1975, chamada & quotTestimony & quot, que parecia confirmar o segundo, embora a maioria das pessoas que o conheciam acreditasse que era uma falsificação, deixando-nos ainda com mais dúvidas sobre quem esse homem realmente era.

Musicólogos e entusiastas da música adoram discutir sobre quais eram as verdadeiras intenções de Shostakovich & # x27, mas suas sinfonias não podem ser facilmente interpretadas. Mas um lado muito mais complicado dele emerge quando sua câmara e obras vocais são examinadas. Aqui, vemos uma série de coisas interessantes que resolvem algumas questões e levantam ainda mais - sua cantata satírica, o & quotAntiformalista Rayok & quot, parece confirmar sua aversão por Stalin e alguns outros oficiais do Partido, mas está escrita no estilo & quotRealismo socialista & quot que tantos artistas foram instruídos a imitar - possivelmente para que a peça fosse esquecida?

Também vemos um uso frequente de temas judaicos em suas peças. Embora o próprio Shostakovich não fosse judeu, ele tinha muitos amigos e associados que eram - por exemplo, seu aluno favorito, Veniaman Flieschmann, que havia iniciado uma ópera chamada & quotRothschild & # x27s Violin & quot at Shostakovich & # x27s por sugestão, morreu na Segunda Guerra Mundial e Shostakovich completou a ópera em sua memória. Havia também um de seus amigos mais próximos, o compositor Mieczyslaw Weinberg (nota lateral - sua música definitivamente vale a pena ser ouvida também), que fugiu da Polônia ocupada pelos nazistas e influenciou grande parte do trabalho de Shostakovich & # x27. O segundo trio de piano de Shostakovich & # x27, escrito após a morte de seu melhor amigo, Ivan Sollertinsky, em 1944, inclui uma seção baseada em temas judaicos. Também vale a pena notar que Sollertinsky havia apresentado Shostakovich às obras de Gustav Mahler, o que também poderia ter aumentado seu fascínio pela música judaica. Também vemos esses temas em "Canções da Poesia Popular Judaica" e em sua décima terceira sinfonia, que comemorava as vítimas do massacre de Babi Yar.

Nenhuma discussão sobre as obras de Shostakovich & # x27s pode ser completa sem a menção de seu Oitavo Quarteto de Cordas. O movimento mais famoso, o allegro molto, inclui alguns temas que você pode reconhecer do link acima, bem como o motivo DSCH (as notas Ré, Mi bemol, Dó e Si), repetido várias vezes ao longo da peça. Isso foi escrito durante um período sombrio na vida de Shostakovich & # x27s - de acordo com seu amigo, Isaak Glikman, ele foi forçado a se filiar ao Partido Comunista em 1960, pois recebeu uma oferta de um alto cargo na União de Compositores & # x27 que o teria oferecido estabilidade, embora ele tenha resistido a se filiar ao Partido por tanto tempo porque não tolerava a violência. A peça inteira contém muitas referências às suas composições anteriores, como uma espécie de reflexão sobre sua vida.

Em termos de obras sinfônicas, sua 5ª Sinfonia, mencionada anteriormente, é uma das suas peças mais debatidas. É o cumprimento do regime? Uma mensagem secreta de dissidência? Quem sabe? Aqui está o final, que algumas pessoas afirmam dar uma sensação de "alegria forçada". Ninguém sabe ao certo o que Shostakovich pretendia aqui, então acho que vou postá-lo aqui e deixar que você decida o que significa para si mesmo.

A Canção das Florestas é uma espécie de elefante na sala quando se trata de Shostakovich. Todos nós meio que sabemos que essa cantata existe, mas devido àquela parte em que elogia Stalin como "o Grande Jardineiro", ninguém gosta de falar sobre ela, por razões óbvias. Mesmo assim, esta peça existe e vale a pena mencioná-la. Foi escrito em 1949, um ano após o Decreto de Zhdanov, quando Shostakovich e muitos outros compositores - incluindo Khachaturian e Prokofiev - foram acusados ​​de formalismo. Esta peça está de acordo com as diretrizes do Partido, tanto em matéria quanto musicalmente, e é um exemplo de produto sob a pressão que Shostakovich estava sob o desejo de agradar ao Estado. Os elementos pró-Stalin nesta peça são frequentemente censurados em performances modernas, embora eu acredite que não devamos ignorar o que Shostakovich teve que passar como um famoso compositor soviético, que foi usado como propaganda política tanto na URSS quanto no Ocidente. Embora eu entenda por que seria censurado, também não acho que devemos esquecer seu lugar na história.

Finalmente, gostaria de encerrar isso com algo edificante e positivo. Aqui está o andante de seu segundo concerto para piano, tocado pelo próprio Shostakovich. Escrita em 1957, esta peça foi composta para seu filho Maxim & # x27s 19º aniversário. (nota lateral: Maxim se tornou um maestro e ainda está vivo, pelo que eu sei.) Esta é uma peça muito especial - este movimento não contém fortissimi alto da orquestra, ou marchas estrondosas, ou coisas que esperamos Sinfonias de Shostakovich & # x27s. É tranquilo, íntimo e bonito, porque é uma peça íntima. Não se trata de agradar a um governo para que ele não seja denunciado ou coisa pior. Não se trata de medo e paranóia. Para mim, é sobre um pai e seu filho, e tudo estando certo no mundo pela primeira vez.É agridoce e calmante, e sempre fico emocionado sempre que pratico, porque aqui, eu sinto, é onde vemos Shostakovich por quem ele é e pelo que muito de minha pesquisa - todas as cartas que li, o entrevistas com sua família sobrevivente e amigos - me diz - que aqui não é um dissidente amargo que se tornou cínico e desesperançado com o mundo, ou um boneco complacente acenando alegremente de uma jaula musical. Para mim, essa é a música de um homem - apenas um homem, com uma família que ele ama intensamente. Um homem que foi muito abalado pelo passado - e continuará a ser terrivelmente abalado no futuro - que não quer nada menos do que ser deixado sozinho para viver uma vida tranquila, longe do espetáculo e da especulação. Um homem que nem sempre acerta, mas que droga, ele tenta o seu melhor.

Você não precisa gostar de Shostakovich. Mas se você chegou ao final deste post, espero que esteja ciente agora de como o trabalho dele realmente é multifacetado e complexo. Existem tantos compositores em que você ouve uma obra e tem uma boa ideia de como é o resto de sua obra. Mas não ele. Esta é a música do jovem espirituoso que escreveu uma ópera em 1928 sobre alguém que acorda e encontra seu nariz andando por São Petersburgo. Esta é a música do pai de duas crianças que escreveram uma homenagem solene à cidade da qual foi forçado a fugir porque ela estava sitiada em 1941. É a música escrita na mão trêmula e mal funcionante de um velho em 1975 , que daria seu último suspiro naquele ano em 9 de agosto. É uma música que foi riscada, escondida em gavetas secretas e tocada anos depois, ou aceita com elogios de boas-vindas.

Certamente, não é para todos. Mesmo assim, vale a pena entender.


Shostakovich tinha um dom para um som brincalhão e brincalhão que ele consegue em seus concertos e em vários momentos nas 6ª, 9ª e 15ª sinfonias. O homem era um gênio, mesmo que sua música às vezes seja muito pesada. Às vezes, isso é uma coisa boa: o primeiro e o quarto são exemplos variados de seu som antes das críticas que ele teve de suportar nas mãos de políticos idiotas.

No final do quinto, Shostakovich escreveu:

& quotQue exultação poderia haver? Acho que é claro para todos o que acontece na Quinta. A alegria é forçada, criada sob ameaça. É como se alguém estivesse batendo em você com uma vara e dizendo: 'Seu negócio está alegre, seu negócio está alegre', e você se levanta, trêmulo, e sai marchando, murmurando: 'Nosso negócio está alegre, nosso negócio está alegre.' Que tipo de apoteose é essa? & Quot

"A resposta de um artista soviético às críticas" foi como Shostakovich cobrou o lançamento da sinfonia. ha! O governo estava pronto para mandá-lo para a Sibéria, então ele teve que mudar o tom de sua música ou definhar em um acampamento. O que ele conseguiu fazer foi deixar o Partido feliz enquanto ria deles. Você pode ouvir isso na música.

O final ainda transmite uma espécie de triunfo conquistado a duras penas, ainda mais quando o ouvimos hoje. Foram circunstâncias difíceis para criar arte e música - sempre um ditador para agradar.


Shostakovich, Dmitry (Dmitryevich)

Shostakovich, Dmitry (Dmitryevich) (b São Petersburgo, 1906 d Moscou, 1975). Russ. compositor e pianista. Teve pf. lições de sua mãe aos 9 anos e mais tarde na Glasser Sch. de Mus. 1916 e # x201318. Entrou em Petrogrado Cons. 1919, incentivado e ajudado por Glazunov, e estudou pf. com Nikolayev e comp. com M. Steinberg. Concluído pf. curso em 4 anos e fez várias apresentações em concertos. Recebeu & # x2018 menção honrosa & # x2019 em Int. Chopin Comp., Varsóvia, 1927. Seu trabalho de diploma, o 1º Sim., Foi perf. em Leningrado e Moscou em 1926 e ganhou fama mundial como compositor aos 20 anos. Como um crente convicto de Russ. socialismo, ele buscou formas em que sua mus. poderia servir ao estado. Solicitado pelo cond. Malko, ele escreveu para o teatro e filmes, na década seguinte produzindo sua ópera The Nose, os balés The Age of Gold e The Bolt, e várias trilhas sonoras de cinema. Essas obras, particularmente The Nose, refletem a influência então permitida do Western vanguarda música, mas The Nose foi considerado um sinal da & # x2018 decadência burguesa & # x2019 e retirado do palco. Sua ópera Lady Macbeth do distrito de Mtsensk e o balé Bright Stream foram ambos espetados com sucesso. quando, em 28 de janeiro de 1936, a ópera foi violentamente atacada no jornal oficial soviético Pravda por & # x2018 distorção esquerda & # x2019, & # x2018 sensacionalismo bourguês & # x2019 e & # x2018formalismo & # x2019 em um artigo intitulado & # x2018Chaos em vez de Música & # x2019 (Sumbur vmesto muzyki). Diz-se que este artigo foi escrito (ou pelo menos inspirado) pelo próprio Stalin, que odiava ópera. Outro artigo atacando o balé Bright Stream apareceu no Pravda 10 dias depois. Quase parecia que a carreira de Shostakovich estava no fim, e ele retirou seu 4º Sym. após os ensaios iniciais. Sua resposta foi seu 5º Sym. (1937), descrito por um comentarista não identificado como & # x2018A resposta criativa prática de um artista soviético apenas à crítica & # x2019, uma obra que se tornou e continua sendo uma das mais populares. Significativamente, ele evitou o palco por muitos anos e entre 1938 e 1953 escreveu mais 5 simpósios. e 4 str. qts. Ele ensinou comp. em Leningrad Cons. 1937 & # x201341 e foi bombeiro durante a Alemanha. cerco de Leningrado em 1941. Dessas experiências veio seu 7º Sym. (Leningrado), que teve um tremendo sucesso durante a guerra, não apenas na URSS, mas também no Eng. e EUA, embora agora seja sugerido que a bárbara marcha no primeiro movimento. retrata a brutalidade stalinista em vez de Ger. avanço do exército. Seu pf. quinteto (1940) ganhou o Prêmio Stalin. Em 1943 ele se estabeleceu em Moscou, tornando-se prof. de comp. no Cons. Em 1948, com outro líder Russ. compositores, ele caiu novamente em desgraça após o notório decreto de Zhdanov contra o & # x2018formalismo & # x2019 e & # x2018 arte antipessoal & # x2019. Ele foi destituído de seu cargo de professor em Moscou e não reassumiu o cargo até 1960. Ele fez uma retratação oficial, mas suas obras publicadas de 1948 a 1953 (quando Stalin morreu) eram principalmente músicas para filmes e cantatas patrióticas, com exceções 24 Prelúdios e Fugas para pf. O primeiro Vn. Conc. (1947 & # x20138, rev. 1955), a 4ª seqüência. qt., e o ciclo de canções From Jewish Folk Poetry foram proibidos de ser executados até depois da morte de Stalin e da chegada, sob Khruschev, de um clima político e cultural relativamente e temporariamente mais liberal.

Em 1953, o 10º Sym. apareceu, uma obra-prima que é uma das várias obras altamente pessoais usando o motivo DSCH (baseado nas iniciais do seu nome em notação alemã). Este sym. inaugura o grande período final de sua carreira, 22 anos em que comp. alguns de seus melhores mus. & # x2014 do 10º ao 15º Syms., do 6º ao 15º str. qts., 2 vc. concs., A Execução de Stepan Razin a um texto do poeta Yevtushenko, 2ª vn. conc., o vn. e va. sonatas, e a Suite em Versos de Michelangelo. Ele visitou a Inglaterra em 1958 e 1974, tornando-se amigo íntimo e admirador de Britten. Ele teve ataques cardíacos em 1969 e 1971 e sua saúde estava frágil depois disso.

Muitos consideram que Shostakovich é o maior vigésimo centavo. compositor. Em seus 15 syms., 15 qts., E em outros trabalhos ele demonstrou domínio das formas maiores e mais desafiadoras com mus. de grande poder emocional e invenção técnica. Quase todas as características significativas de seu mus. estão presentes no 1º Sim: estruturas seccionadas, com temas construídos em mosaico, e uso frequente de instr. em seus registros mais altos e mais baixos. Todas as suas obras são marcadas por extremos emocionais e intensidade trágica, humor grotesco e bizarro, humor, paródia e sarcasmo selvagem (o Scherzo do 10º Sym. é considerado um retrato de Stalin). Ele freqüentemente usa citações, de si mesmo e de outros. Após sua doença, seu mus. parecia preocupado com a morte, e as grandes obras finais têm uma força e uma tensão extraordinárias e alarmantes. Sua admiração e conhecimento de Mahler são evidentes em suas obras sinfônicas, e ele segue o precedente mahleriano de justapor o banal e o sublime. Seus dias de estudante na década que se seguiu à Revolução foram um período de liberalismo comparativo em Leningrado e isso é evidente a partir de seu primeiro Sym. que ele tinha estudado o Western vanguarda da época (Berg, Hindemith e Krenek). A influência de Wozzeck de Berg, perf. em Leningrado, 1927, pode ser discernida na ópera Lady Macbeth. É evidente agora que Shostakovich logo se desiludiu com o sistema soviético e que a escuridão e a amargura de seu trabalho refletem uma miséria espiritual ligada a eventos externos (suas memórias atribuídas, publicadas no Ocidente em 1979, dão uma prova convincente de sua atitude) . As tensões dentro dele produziram uma sucessão de obras-primas. Prin. obras: OPERAS: The Nose (Nos), Op.15 (1927 & # x20138) Lady Macbeth do distrito de Mtsensk (Ledi Makbet Mtsenskovo uyezda), Op.29 (1930 & # x20132) rev. 1955 & # x201363 como Katerina Izmaylova, Op.29 / 114 Moskva, Cheryomushki, comédia musical (ov. E 39 nos.), Op.105 (1958) The Gamblers (Igroki), Op.63 inacabado (performance de concerto em 1941. Leningrado 1978 conclusão por K. Meyer perf. Wuppertal 1983) .BALLETS: The Age of Gold (Zolotoy vek), Op.22 (1927 & # x201330) The Bolt (Bolt), Op.27 (1930 & # x20131) Bright Stream (Svetytoly ruchey) , Op.39 (1934 & # x20135) The Dreamers, mus. extraído principalmente de The Age of Gold and The Bolt, com algum material novo (1975) .SYMS .: No.1 em Fá menor, Op.10 (1924 & # x20135), f.p. Leningrado, cond. Malko, 1926 No.2 em Si maior (outubro) com ch. (texto de A. Bezymensky), Op.14 (1927), f.p. Leningrado, cond. Malko, 1927 No.3 em E & # x266D (Primeiro de maio) com ch. (texto de S. Kirsanov), Op.20 (1929), f.p. Leningrado, cond. A. Gauk, 1930 No.4 em C menor, Op.43 (1935 & # x20136) (retirado durante o ensaio), f.p. Moscou, cond. Kondrashin, 1961 No.5 em Ré menor (Resposta criativa prática de um artista soviético à crítica justa), Op.47 (1937), f.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1937 No.6 em Si menor, Op.54 (1939), f.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1939 No. 7 em Dó maior (Leningrado), Op.60 (1941), f.p. Kuibyshev, cond. S. Samosud, 1942 No. 8 em C menor, Op.65 (1943), f.p. Moscou, cond. Mravinsky, 1943 No.9 em E & # x266D, Op.70 (1945), f.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1945 No. 10 em Mi menor, Op.93 (1953), f.p. Leningrado, cond. Mravinsky, 1953 No.11 em Sol menor (The Year 1905), Op.103 (1957), f.p. Moscou, cond. N. Rachlin, 1957 No. 12 em Ré menor (1917), Op.112 (1961), f.p. Moscou, cond. Kondrashin, 1961 No.13 em B & # x266D menor (Babi-Yar), Op.113, baixo, baixo ch., Orqu. (poemas de Y. Yevtushenko) (1962), f.p. Moscou, V. Gromadsky (baixo), reg. Kondrashin, 1962 No.14, sop., Bass, str., Perc., Op.135 (11 poemas de Lorca, Apollinaire, K & # xFCchelbecker e Rilke) (1969), f.p. Leningrado, G. Vishnevskaya (sop.), M. Reshetin (baixo), reg. Barshay, 1969 No.15 em Lá maior, Op.141 (1971), f.p. Moscou, cond. M. Shostakovich, 1972.CONCS .: pf .: No.1 em C menor, pf., Tpt., Str., Op.35 (1933), No.2 em F, Op.102 (1957) vn .: Nº 1 em Lá menor, Op.77 (1947 & # x20138, fp 1955 e publicação original como Op.99), Nº 2 em C & # x266F menor, Op.129 (1967) vc .: Nº 1 em E & # x266D, Op.107 (1959), No.2 em G, Op.126 (1966) .ORCH. (exceto para syms. e concs., listados acima): Scherzo em F & # x266F menor, Op.1 (1919) Theme with Variations, Op.3 (1921 & # x20132) Scherzo em E & # x266D, Op.7 (1924) Prelude and Scherzo, str. octeto ou str. orqu., Op.11 (1924 & # x20135) Tahiti Trot (Tea for Two), Op.16 (1928) 2 Scarlatti Pieces, transcr. para vento, Op.17 (1928) Suite, Age of Gold, Op.22a (1929 & # x201332) Suite, The Bolt (Ballet Suite No.5), Op.27a (1931) Suite, Golden Mountains, Op.30a ( 1931) Hamlet, suite de 13 movts., Pequena orqu., Op.32a (1932) Suite para Jazz Orch. , No.1 (1934), No.2 (1938) 5 Fragments, small orch., Op.42 (1935) Fragments from Maxim Film-Trilogy (montado por L. Atovmyan), Op.50a (1938, 1961) Suite de Pirogov (assistido por Atovmyan), Op.76a (1947) Suite de Young Guards (assistido por Atovmyan), Op.75a (1947 & # x20138, 1951) Suite de Meeting on the Elba, Op.80a (c.1948) Ballet Suite No.1 (1949), No.2 (1951), No.3 (1952), No.4 (1953) Fragments from The Memorable Year 1919 (assistido por Atovmyan), Op.89a (1951, ? 1955) Abertura do Festival, Op.96 (1954) Fragments from The Gadfly (assistido por Atovmyan), Op.97a (1955) Suite em 5 cenas de Katerina Izmaylova (1956) Novorossiysk Chimes (1960) Suite from 5 Days, 5 Nights (assistido por Atovmyan), Op.111a (1961) Abertura em Russian and Kirghiz Folk Themes, Op.115 (1963) Suite from Hamlet (film mus.) (assistido por Atovmyan), Op.116a (1964) Chamber Symphony (arr . of 8th Str. Qt. for str. by Barshay) Symphony for Strings (arr. of 10th Str. Qt.) Funeral-Triumphal Prelude, Op.130 (1967) Outubro, poema simbólico, Op.131 (1967) .CHORUS & amp ORCH. (excl. syms.): Poema da Pátria, cantata, Op.74, mez., dez., 2 compassos., solistas de baixo (1947) The Song of the Forests, oratorio, Op.81, ten., solistas de baixo , crianças ch. (1949) O Sol brilha sobre nossa pátria, cantata, Op.90, com o capítulo das crianças. (1952) Fragments from the 1st Echelon, Op.99a (1956) The Execution of Stepan Razin (Kazn & # x2019 Stepana Razina), cantata, Op.119, contrabaixo solista (1964) .UNACC. REFRÃO: 10 Poemas sobre Textos de Poetas Revolucionários, SATB, Op.88 (1951) 2 Russian Folksong Adaptations, SATB, Op.104 (1957) Loyalty, 8 baladas para masculino ch., Op.136 (1970) .SOLO VOICE ( S) & amp ORCH .: 2 Fábulas de Krylov, Op.4, mez. (também com pf., 1922) Suite, The Nose, Op.15a, dez., compasso. (1927 & # x20138) 6 Romances on Words by Japanese Poets, Op.21, ten. (1928 & # x201332) 8 English and American Folksongs, low v. (1944) From Jewish Folk-Poetry, Op.79, sop., Cont., Ten. (1963, com pf. 1948) 7 Romances on Poems of Alexander Blok, Op.127, suite, sop., Pf. trio (1967) 6 Romances on Verses of English Poets, Op.140, baixo (1971, com pf., Op.62, 1942) 6 Poems of Marina Tsvetayeva, Op.143a, cont. (1973, com pf., Op.143, 1973) Suite on Verses of Michelangelo Buonarroti, Op.145a, baixo (1974, com pf., Op.145, 1974). VOICE & amp PIANO: 2 Fables of Krilov, Op. 4, mez. (1922) 4 Romances on Verses of Pushkin, Op.46, baixo (1936) 6 Romances on Verses of English Poets, Op.62, bass (1942) Vow of the People's Commissar, baixo, cap. (1942) 2 Songs (textos de Svetlov), Op.72 (1945) Homesickness (1948, arr. Do compositor 1956) From Jewish Folk-Poetry, Op.79, sop., Cont., Dez. (1948) 2 Romances on Verses de Lermontov, Op.84, masculino v. (1950) 4 Songs to words de Dolmatovsky, Op.86 (1951) 4 Monologues on Verses of Pushkin, Op.91, baixo (1952) 5 Romances (Canções dos nossos dias), Op.98, baixo (1954) 6 Canções espanholas, Op.100, sop. (1956) Satires (Pictures of the Past), 5 Romances, Op.109, sop. (1960) 5 Romances sobre textos da Revista Krokodil, Op.121, baixo (1965) Prefácio à coleção completa de minhas obras e Breves reflexões & # xE0 propõe este Prefácio, Op.123, baixo (1966) Primavera, Primavera ( Pushkin), Op.128, baixo (1967) 6 Poems of Marina Tsvetayeva, Op.143, cont. (1973) Suite on Verses of Michelangelo Buonarroti, Op.145, baixo (1974) 4 Verses of Capitan Lebyadkin, Op.146, baixo (textos de Dostoievski) (1974). MÚSICA DE CÂMARA: str. qts: No.1 em C, Op.49 (1938), No.2 em A, Op.68 (1944), No.3 in F, Op.73 (1946), No.4 em D, Op. 83 (1949. também arr. Para 2 pf. Pelo compositor), Nº 5 em B & # x266D, Op.92 (1953), Nº 6 em G, Op.101 (1956), Nº 7 em F & # x266F menor, Op.108 (1960), No.8 em Dó menor, Op.110 (1960, arr. para str. orch. por Barshay as Chamber Symphony), No.9 em E & # x266D, Op.117 (1964) , No.10 em A & # x266D, Op.118 (1964, arr. Para str. Orch. Por Barshay as Symphony for Strings), No.11 em Fá menor, Op.122 (1966), No.12 em D & # x266D, Op.133 (1968), No.13 em B & # x266D menor, Op.138 (1970), No.14 em F & # x266F maior, Op.142 (1972 & # x20133), No.15 em E & # x266D menor, Op.144 (1974) pf. trio No.1, Op.8 (1923), No.2 em Mi menor, Op.67 (1944) 2 Pieces (Prelude and Scherzo) para str. octeto, Op.11 (1924 & # x20135) pf. quinteto em Sol menor, Op.57 (1940) .PIANO: sonatas: No.1, Op.12 (1926), No.2 em Si menor, Op.61 (1942) 8 Preludes, Op.2 (1919 & # x201320 ) 5 Prelúdios (1920 & # x20131) 3 Danças Fantásticas, Op.5 (1922) 10 Aforismos, Op.13 (1927) Polka (Age of Gold) (1935, arr. Para 4 mãos 1962) 24 Preludes, Op.34 ( 1932 & # x20133) (No.14, orch. Stokowski) Children's Notebook, Op.69 (1944 & # x20135) 24 Preludes and Fugues, Op.87 (1950 & # x20131) 7 Dances of the Dolls (1952 & # x201362) .2 PIANOS : Suite em F & # x266F menor, Op.6 (1922) Polka (Age of Gold) (1962) Prelude and Fugue No.15 de Op.87 (? 1963) Concertino, Op.94 (1953) Tarantella de The Gadfly ( ? 1963). MÚSICA INCIDENTAL PARA JOGOS: The Flea (Klop) (Mayakovsky), Op.19 (1929) Rule, Britannia! (Pyotrovsky), Op.28 (1931) Conditionally Killed, Op.31 (1931) Hamlet (Shakespeare), Op.32 (1931 & # x20132) The Human Comedy (Sukotkin, após Balzac), Op.37 (1933 & # x20134) Salute to Spain (Apinogenov), Op.44 (1936) King Lear (Shakespeare), Op.58a (1940) Native Country, Op.63 (1942) Russian River, Op.66 (1944) Victorious Spring, Op.72 ( 1945) .FILM MUSIC: New Babylon, Op.18 (1928, pontuação ausente: suíte reconstruída por Rozhdestvensky, 1976) Alone, Op.26 (1930 & # x20131) Golden Mountains, Op.30 (1931, perdido, nova versão 1936) Encounter, Op.33 (1932) Love and Hate, Op.38 (1934) Maxim's Youth (The Bolshevik), Op.41 (i) (1934 & # x20135) Girl Companions, Op.41 (ii) (1934 & # x20135) The Tale of the Priest and your worker Balda, Op.36 (1936, não lançado) Maxim's Return, Op.45 (1936 & # x20137) Volochayev Days, Op.48 (1936 & # x20137) Vyborg District, Op.50 (1938) Amigos, Op.51 (1938) O Grande Cidadão (Parte I), Op.52 (1938) Man at Arms, Op.53 (1938) O Grande Cidadão (Parte II), Op.55 (19 39) Zoya, Op.64 (1944) Simple Folk, Op.71 (1945) Pirogov, Op.76 (1947) Young Guards, Op.75 (1947 & # x20138) Michurin, Op.78 (1948) Meeting on the Elba , Op.80 (1948) The Fall of Berlin, Op.82 (1949) Belinsky, Op.85 (1950) The Memorable Year 1919, Op.89 (1951) Song of a Great River, Op.95 (1954) O Gadfly, Op.97 (1955) The 1st Echelon, Op.99 (1956) Five Days & # x2014Five Nights, Op.111 (1960) Cheryomushki (1962) Hamlet, Op.116 (Shakespeare, trad. Pasternak, 1963 & # x20134) A Year Like a Life, Op.120 (1965) Sofya Perovoskaya, Op.132 (1967) King Lear, Op.137 (1970) .ARRS. OF OTHER COMPOSERS: Scarlatti: 2 Scarlatti Pieces for wind orch., Op.17 (1928) Mussorgsky: Boris Godunov, re-orch., Op.58 (1939 & # x201340, f.p. 1959) Khovanshchina, ed. e orqu., Op.106, (1959, para a versão cinematográfica, f. palco p. 1960) Songs and Dances of Death (orqu. 1962) Davidenko (1899 & # x20131934): 2 Coros, arr. para ch.e orch., Op.124 (1962) Schumann: vc. conc., re-orqu. (1963) Youmans: Tea for Two, orch. como Tahiti Trot, Op.16 (1928).

Cite este artigo
Escolha um estilo abaixo e copie o texto para sua bibliografia.


Por que Shostakovich não lançou sua 4ª sinfonia, mas lançou sua 5ª sinfonia? - História

    • Índice mensal
    • Gravações do ano
    • Índice de etiqueta
    • Índice de obra-prima
    • Índice de série
    • Motores de busca
    • Páginas do compositor
    • Pesquisa Mahler de Tony Duggan
    • Discografias Nacionais
    • Guia de Mark Morris para Compositores do Século XX
    • Pesquisas de Ralph Moore
    • Livros online
    • Pesquisa sobre trio de piano
    • Pot Pourri - Early MusicWeb
    • Gerard Hoffnung
    • Colunas de Arthur Butterworth
    • Coleção de música light britânica de Philip Scowcroft
    • Notas do programa
    • MusicWeb Listening Studio
    • Falando sobre livros
    • Outro material
    • Sobre Musicweb
    • Entre em contato com a Musicweb
    • O que eles falam sobre nós
    • Estatísticas de visitantes

    100º aniversário de Mieczyslaw Weinberg em 8 de dezembro de 2019.
    Renate Eggbrecht gravou todas as 3 Sonatas para violino


    Mozart Brahms
    Quintetos para clarinete


    Clique para ver os novos lançamentos
    Ganhe 10% de desconto usando o código musicweb10

    Alpha Classics
    um novo anunciante ->

    Conselho Editorial
    MusicWeb International
    Editor Fundador
    Rob Barnett
    Editor chefe
    John Quinn
    Visto e ouvido
    Editor Emérito
    Bill Kenny
    MusicWeb Webmaster
    David Barker
    Postmaster
    Jonathan Woolf
    MusicWeb Founder
    Len Mullenger

    Os discos para revisão podem ser enviados para:
    Jonathan Woolf
    76 Lushes Road
    Loughton
    Essex IG10 3QB
    Reino Unido
    Ph. 020 8418 0616
    [email protected]

    Jonathan Leshnoff: Uma Entrevista e Retrato da América & # 8217s próximo grande compositor
    Por Lee Denham

    Os compositores clássicos do século XXI são uma raça rara & # 8211 e ainda mais raros são aqueles que receberam tanto aclamação popular quanto Jonathan Leshnoff, um jovem relativamente, nascido em 1973, cujas obras já foram retomadas por muitas orquestras em sua terra natal EUA com muito sucesso & # 8211 o New York Times o chamou & # 8220 um líder no lirismo americano contemporâneo & # 8221 cuja música foi descrita pelo American Record Guide como & # 8220lírico, virtuoso, terno e apaixonado ao mesmo tempo & # 8221. Para coincidir com o novo lançamento em Reference Recordings de seu Concerto para Piano estreado no ano passado, juntamente com sua Terceira Sinfonia, estreada em 2016, Jonathan Leshnoff falou à MusicWeb International sobre os desafios particulares de ser um compositor clássico no século XXI.

    Introdução
    Nossas conversas estavam de acordo com os tempos modernos & # 8211 via Zoom, com Jonathan em sua casa em Baltimore, ao norte de Washington DC, nos EUA, e eu em minha casa no norte de Londres, no Reino Unido. Da mesma forma, no texto abaixo estão links para canais de gravadoras no YouTube, que espero que permitam a você, leitor, ouvir, como e quando forem mencionados na narrativa, algumas das obras de Jonathan Leshnoff & # 8217s que já foram gravadas .

    Comecei perguntando sobre o início da vida de Jonathan e # 8217. Ele nasceu em New Brunswick, New Jersey, sua mãe era uma artista e seu pai um engenheiro. Quais foram os eventos que despertaram seu interesse pela música séria e o levaram a se tornar um compositor?

    JL: Bem, eu gosto de dizer que a música me encontrou, não que eu encontrei a música! Quando eu era jovem, era muito artístico e criativo, então acho que sempre fui nessa direção, mas uma das minhas primeiras memórias, provavelmente quando eu não tinha mais de 3 anos, foi assistir meu pai interpretar uma de suas LPs em seu toca-discos. Lembro-me de ouvir a agulha atingindo o vinil e o estalo que parecia acompanhar o início de cada disco naquela época, até que a música começou & # 8211 foi a abertura da Quinta Sinfonia de Beethoven & # 8217s e lembro-me de estar hipnotizado e também apavorado ao mesmo tempo. Foi uma reação visceral & # 8211 Eu senti as ondas sonoras subirem pelas minhas pernas! Essa experiência foi quase profética, já que agora vejo Beethoven como meu maior professor, o maior mestre de seu ofício & # 8211, na minha opinião. Quer dizer, ele poderia fazer qualquer coisa! A abertura de sua 5ª sinfonia é apenas uma terceira maior e ainda assim soa cataclísmica! Sua arte de usar esse intervalo para construir a sinfonia é surpreendente. Ele era tão voltado para o futuro & # 8211 considere o Gro e Fuge, por exemplo, que Igor Stravinsky descreveu como & quot uma peça musical absolutamente contemporânea que será contemporânea para sempre & quot, então suponho que o incidente inicial semeou as sementes. À medida que fui crescendo, estudei violino e pretendia entrar no conservatório para estudá-lo mais, mas estava sempre improvisando, mesmo quando tocava as melhores músicas como as Bach Partitas, acrescentando notas que não estavam lá. Mas o ponto chave foi quando eu era adolescente, quando eu estava no programa da Juventude de Tanglewood como parte dos meus estudos, fui ver a Sinfônica de Boston e consegui uma cadeira bem perto da orquestra, que tocava a Quarta Sinfonia de Schumann & # 8217s naquela noite . Foi algo sobre estar tão próximo da orquestra que me fez perceber que compor era o que eu queria fazer & # 8211 para estar conectado a essa expressão, essa proximidade com as artes e foi aí que decidi que iria & # 8216 aposentar-se & # 8217 do violino e entrar na faculdade para estudar composição.

    LD: Então, quem você diria que são seus compositores favoritos e algum em particular influenciou suas próprias composições?

    JL: Bem, mencionamos Beethoven, mas definitivamente Stravinsky também, especialmente O Pássaro de Fogo e Petrushka.

    LD: Sim, pessoalmente, eu definitivamente ouço muito da Feira do Entrudo, em sua música Jonathan.

    JL: Sim, está lá & # 8217 e Bartok, bem como Copland.

    LD: Principalmente no século vinte?

    JL: Sim, absolutamente & # 8211 fora da Segunda Escola Vienense, embora eu goste de Berg, especialmente do compositor de Wozzeck.

    LD: Então, como você compõe?

    JL: Quando começo, tento visualizar em minha mente e ouvido a peça inteira que quero escrever. Então, por exemplo, se vai ser um trabalho de vinte minutos, eu decidirei que quero que a peça chegue ao clímax no décimo sétimo minuto & # 8211 e então terei que traçar um plano, como: eu quero um declínio lento até o fim ou algo mais edificante? Ou quero que a preparação para esse clímax termine cinco minutos antes, ou será uma construção lenta até esse ponto desde o primeiro compasso? Preciso ser capaz de obter uma noção conceitual de todo o trabalho, a fim de responder à pergunta de & # 8217 que acorde eu quero para o clímax de dezessete minutos? & # 8217 Depois de saber para onde estou indo, posso então descobrir as melodias e harmonias, etc. Eu acredito que é chamado de & # 8216 método de dedução & # 8217, de trabalhar para trás para encontrar as respostas. Também ajuda que minhas ideias sejam orquestradas. Então, conforme a composição toma forma, posso olhar para trás e revisar e ajustar algumas delas. Posso olhar para um clímax e pensar que não seria bom ter as trombetas tocando aqui, ou se as cordas deveriam apoiá-lo, mas só começa a realmente se encaixar quando eu obtenho uma imagem de tudo na minha cabeça .

    LD: Você afirmou que escrever uma sinfonia é como um & # 8220rito de passagem para um compositor & # 8221 & # 8211 você poderia expandir isso?

    JD: Acho que uma sinfonia (e também um quarteto de cordas) é onde um compositor é mais honesto, porque não há nada se interpondo entre seus pensamentos artísticos e a música, como um solista ou uma forma (como um trio ou um minueto), ou uma instrução para torná-lo & # 8220 um abridor de oito minutos & # 8221, ou & # 8220 torná-lo otimista para comemorar isso & # 8221. Com uma sinfonia, o compositor pode dizer o que tem a dizer na forma mais pura e não filtrada. Sempre que componho uma sinfonia, vejo-a como um ato sagrado no sentido de que sei que sou capaz de dizer algo de tal maneira que ninguém vai me incomodar de maneira direta. Eu sinto isso com a grande maioria dos compositores, mesmo os maiores, com exceção de Shostakovich, Brahms & # 8211, embora ele tenha demorado muitos anos! & # 8211 e possivelmente Prokofiev e Walton, suas primeiras sinfonias são realmente uma primeira tentativa na forma e não seu trabalho mais elaborado e sinto o mesmo sobre minha própria primeira sinfonia, no sentido de que foi minha primeira vez trabalhando com a forma sinfônica.

    As sinfonias
    A primeira das quatro sinfonias de Jonathan & # 8217s dura 21 minutos e é em cinco movimentos tocados sem interrupção. Estreado em 2004 e com o subtítulo & # 8220Cantos e refrões esquecidos & # 8221, ele incorpora ao seu tecido musical Canto Gregoriano, além de citações da música cristã e judaica dos séculos XV e XVII. Sua orquestração - uma orquestra sinfônica padrão, aumentada por harpa, piano, vibrafone, sinos de mão, sinos de trenó e sinos tubulares - adiciona uma experiência que a torna tão diferente de qualquer outro compositor & # 8217s primeira sinfonia quanto você puder fazer (e está disponível no Naxos: 8.559670), mas suas páginas serenas de fechamento também são muito gratificantes (Youtube).

    LD: Sua primeira sinfonia estreou como a primeira metade de um concerto concluindo com Beethoven & # 8217s Ninth & # 8211 você acha & # 8217s uma boa ideia para um jovem compositor ter sua primeira tentativa nesta forma emparelhada com uma obra tão icônica?

    JD: Bem, tem sido uma bênção contínua, bem como uma maldição para mim, pois embora o Beethoven seja sempre um bom desenho para o público no programa de concertos, parece que sempre estou emparelhado com ele .

    Tanto meu segundo concerto para violino quanto meu Concerto duplo para clarinete e fagote - (gravado no ano passado por Manfred Honeck e a Pittsburgh Symphony on Reference Recordings) - foram a primeira metade do programa que foi seguido por Beethoven & # 8217s Ninth. Dito isso, pela primeira vez como um jovem compositor, enfrentando Beethoven, fiquei apavorado, mas voltando para a primeira sinfonia de um compositor & # 8217, eu tinha apenas cerca de trinta anos quando escrevi a minha e agora posso ver que há coisas nas músicas que são um pouco extravagantes, como as minhas harmonias (que eram um pouco mais ousadas do que agora), assim como no estilo de acompanhamento bem decorativo. Aprendi a aumentar meu controle com a harmonia e a melodia desde então, então agora posso expor minhas ideias em termos mais concisos.

    LD: Foi estreada pelo maestro Michael Stern, um grande amigo e colaborador seu & # 8211 deve ser tão importante para um jovem compositor, como você era então, ter um amigo assim.

    JL: Oh absolutamente! Deixe-me contar sobre quando nos conhecemos. Já faz um tempo, quando eu tinha vinte e poucos anos, apenas começando, recebi uma comissão do Twentieth Century Consort [agora Twenty-First Century Consort], um conjunto baseado em Washington DC especializado em música contemporânea . Muitos dos membros do ensemble naquela época eram membros da Sinfonia Nacional, mas eu fiz minha missão de pedir a tantos deles quanto eu ousasse se eu poderia compor algo para eles e eventualmente acabei escrevendo um trio para violino, violoncelo e piano. Agora, o violinista Charles Ifbee, um músico muito ilustre, ficou bastante impressionado com a minha música e, como Concertmaster da Columbus Symphony, perguntou se eu poderia compor uma pequena peça para violino solo e cordas para eles, o que fiz e foi realmente Nós vamos. Acontece que este mestre de concertos foi para Curtis com Michael Stern e quando Michael veio para Columbus para reger a orquestra sinfônica, eles se encontraram e Michael ouviu um CD de uma de minhas peças & # 8211 Charles acabou de colocá-lo no O CD player do carro e Michael foram forçados a ouvi-lo - e, aparentemente, Michael realmente gostou, então a próxima coisa que eu sei é que Michael estava em Baltimore para reger a Sinfônica e nós combinamos um horário para nos encontrarmos para um café. No final da reunião, Michael pediu-me que lhe enviasse alguns trabalhos para realizar. Achei que ele estava apenas sendo educado, então é claro que não, mas recebi uma ligação de seu escritório basicamente dizendo: “O Sr. Stern está esperando pelo material. & # 8221 - e esse foi o início de uma amizade muito especial, assim como de uma colaboração artística.

    LD: Há uma mensagem aí também, para todos os aspirantes a compositor, não é?

    JL: Com certeza! Há muitos empecilhos neste jogo & # 8211. Eu poderia contar a vocês muitas ocasiões em que viajei por horas apenas para apertar a mão de alguém & # 8217s e isso foi tudo o que aconteceu - a possível oportunidade nunca se materializou. Mas, como Abraham Lincoln disse: & # x0027A melhor maneira de prever o futuro é criá-lo, & # x0027 Você, como um jovem compositor, precisa ir para tudo & # 8211, mas seja realista, porque nem tudo vai funcionar sempre.

    Se a Primeira Sinfonia foi um começo audacioso para um jovem compositor, a Segunda Sinfonia, com o subtítulo & # 8216Innerspace & # 8217, foi ainda mais ousada, até terminar com 83 segundos de silêncio inscritos na partitura. Esta sinfonia foi encomendada e estreada por outro dos campeões de Jonathan Leshnoff & # 8217s, o distinto maestro Robert Spano, que encontrou pela primeira vez a música do compositor & # 8217s em 2011 quando o maestro da Orquestra da Filadélfia adoeceu e o Maestro Spano foi chamado na décima primeira hora para estrear o Concerto para Flauta de Leshnoff & # 8217s, ele teve que aprender a composição inteira na viagem de avião, antes de ensaiar a orquestra na manhã seguinte e, em seguida, reger a peça em concerto à tarde (para grande espanto do compositor & # 8217s). A Segunda Sinfonia foi posteriormente encomendada pela Orquestra Sinfônica de Atlanta e seu maestro principal, Robert Spano, e foi estreada por eles em 2014, uma apresentação que foi gravada e lançada pela orquestra e pela própria gravadora do # 8217 (ASO 1008). & # 8216Innerspace & # 8217 explora o fascínio de Jonathan & # 8217 pelo misticismo judaico, uma fonte comum de inspiração para ele, então perguntei a ele, na qualidade de professor de música na Towson University, em Maryland, o que ele pensava sobre por que os compositores eram tão inspirados pela religião, mesmo aqueles (como Beethoven e Verdi) que não eram crentes, ou Mahler que, como compositor judeu, foi capaz de escrever uma música tão vibrante sobre a Ressurreição.

    JL: Pessoalmente, acho que existe uma estreita relação entre música e espiritualidade & # 8211, afinal, a música costuma fazer parte das cerimônias religiosas. Mas nenhum dos dois tem qualquer tipo de tangibilidade. Sim, existe o ato físico de tocar um instrumento, assim como existe o ato físico dos rituais religiosos, mas o que nos move é o som que não podemos ver e esse som nos afeta da maneira mais profunda. Assim como acontece com a religião e a espiritualidade & # 8211, não podemos ver nosso Deus ou o céu, mas o pensamento também tem o potencial de nos comover profundamente. Portanto, a meu ver, existe um parentesco natural entre os dois, razão pela qual os compositores sempre se inspiraram nisso.

    Se a Segunda Sinfonia tem ambições ousadas de descrever um Deus benevolente e onipresente, seus gestos musicais me parecem estar firmemente enraizados no cânone sinfônico americano. As fanfarras de abertura aparentemente prestam homenagem a Copland, Bernstein e Hanson, enquanto o movimentado perpetuum mobile do segundo e quarto movimentos faz um aceno definitivo para John Adams. Se o movimento final do silêncio também parece ter sido influenciado por John Cage & # 8217s 4 & # 821733 & # 8217 & # 8217, o compositor evita a carga frequentemente levantada contra Cage, por ouvintes mais cinicamente inclinados, das novas roupas do imperador & # 8217s, por a sinceridade da música que leva a esse momento é como se o compositor dissesse que a mera música já não basta para descrever um Deus que está em todo o lado e que só na contemplação silenciosa o ouvimos verdadeiramente falar (Youtube) .

    Com todas essas influências aparentes, perguntei a Jonathan se ele achava que sua sinfonia era especialmente & # 8216Americana & # 8217.

    JL: Não foi um esforço consciente ser assim, devo dizer ... mas posso ouvir agora. Certamente, a extensão e ousadia das partituras do Copland & # 8217s, por exemplo, acabou na minha sinfonia. Olhando para trás, acho que é minha sinfonia mais longa e certamente é a mais difícil de tocar & # 8211 Não tenho piedade dos jogadores - mas então, eu não tinha escrito uma sinfonia por dez anos e ela estava se formando dentro de mim por muito tempo - e então de repente eu tinha à minha disposição / misericórdia uma grande orquestra e maestro e olha o que aconteceu! No entanto, acho que com minha segunda sinfonia, eu também estava começando a encontrar meu & # 8216groove & # 8217, visto que em vez de me sentir como se fosse parte de uma longa linha de compositores [americanos] e sendo inspirado por essa tradição, eu estava sendo movido a compor pelas idéias dentro do misticismo judaico, que por sua vez reflete minha própria herança. O & # 8216Innerspace & # 8217 do título dessa sinfonia & # 8217s, por exemplo, refere-se ao conceito místico judaico de saber como e por que você está neste estágio de sua jornada de vida & # 8217s. Por exemplo, a maioria das pessoas lendo isso estaria sentada em um prédio. Em um ponto anterior no tempo, alguém deve ter construído o edifício, ao passo que antes disso haveria um arquiteto projetando-o, um urbanista encomendando-o e, em última análise, a vontade do urbanista de ter um prédio em primeiro lugar. Esta introspecção regressiva que leva a humanidade ao seu Criador é a motivação musical por trás do & # 8216Innerspace & # 8217 e porque, ao refazer nossos passos, eventualmente acabamos no começo absoluto onde não há nada & # 8211 considere as primeiras linhas da Bíblia: & # 8216No princípio, Deus criou os céus e a terra. Agora a terra estava sem forma e vazia & # 8230. & # 8217 Ela estava vazia & # 8211 nem mesmo o conceito de & # 8220 espaço & # 8221 estava lá ainda. Minha segunda sinfonia termina em silêncio & # 8211 a & # 8216nada & # 8217, porque é essa & # 8220nada & # 8221 que é a base de toda a existência. Claro, meu quinto movimento & # 8220silent & # 8221 foi influenciado por John Cage, mas enquanto ele estava dizendo em 4 & # 821733 & # 8217 & # 8217 que se você ouvir, a música está em toda parte, em vez disso, eu & # 8217 estou dizendo que no início havia absolutamente nada (isto é, silêncio na música) e que chegamos a este ponto particular de nossas vidas apenas porque Deus, em algum ponto anterior em um passado muito distante, assim o desejou.

    A Quarta Sinfonia continua com o tema do misticismo judaico, tendo como subtítulo & # 8220Heichalos & # 8221, que se refere a um texto antigo que explora questões espirituais e éticas sobre ser judeu. No entanto, sua gênese foi o resultado de algo indiscutivelmente muito mais universal: uma encomenda da Orquestra Sinfônica de Nashville, que abordou o compositor para escrever algo em homenagem aos & # 8216Violins of Hope & # 8217. Seu site explica:

    & # 8220 [The] Violins of Hope é um projeto de concertos baseado em uma coleção particular de violinos, violas e violoncelos, todos coletados desde o final da 2ª Guerra Mundial. Todos os instrumentos pertenciam a judeus antes e durante a guerra. Muitos foram doados ou comprados de sobreviventes, alguns chegaram por meio de familiares e muitos simplesmente carregam Estrelas de Davi como uma decoração e uma etiqueta de identidade declarando: & # 8216nós fomos interpretados por orgulhosos klezmorim. Todos os instrumentos têm um denominador comum: eles têm a ver com a guerra. Para ser mais específico, eles tinham a ver com o holocausto - morte ou sobrevivência. E esperança.

    Muitos dos instrumentos eram geralmente baratos ou em más condições, mas todos foram remodelados por um mestre construtor de instrumentos e fazem parte de uma coleção, cada um com sua própria história individual. Existem mais de 60 instrumentos agora e quando 32 foram exibidos em Nashville em março de 2018, como parte da lembrança daquela cidade das atrocidades da 2ª Guerra Mundial, eles também se juntaram à Orquestra Sinfônica de Nashville em sua apresentação ao vivo da estreia de Leshnoff & # 8217s Fourth Symphony, que foi gravada e lançada pela Naxos Classics (Naxos 8.559809). Esta sinfonia de dois movimentos tensa e poderosa pode durar meros 22 minutos, mas tal é sua profundidade de enunciação e mensagem poderosa, que tem um impacto emocional adequado a um trabalho consideravelmente mais longo. Apesar do subtítulo, as circunstâncias de sua criação tornam um pouco difícil separá-lo dos horrores que os instrumentos dos Violinos da Esperança devem ter testemunhado. O terror e o desespero de seus acordes iniciais levam a um primeiro movimento de ansiedade pulsante, antes que o segundo movimento, um adágio mahleriano, comece na memória aparentemente melancólica dos perdidos, antes de gradualmente chegar a um clímax de nobre contenção e grandeza, até o tudo termina em um perdão gentil, como o sorriso de Maher em meio às lágrimas. Como qualquer grande obra, ela transcende seu tempo e fala com igual relevância ainda hoje, quando o mundo inteiro está sofrendo e se recuperando do horror de uma doença que leva a morte e a miséria em seu rastro, da qual somente agora há & # 8217s começando a seja um vislumbre de esperança & # 8230. & # 8221

    A gravação da estreia, executada pela Sinfonia de Nashville claramente inspirada na ocasião sob o seu maestro Giancarlo Guerrero, é extremamente boa e não me dá nenhum prazer informar que quatro outras apresentações da peça tiveram de ser canceladas durante o ano de 2020 / 21 temporada devido à pandemia de Covid. Espero sinceramente que sejam reprogramadas, pois, como disse a Jonathan, esta é, na minha opinião, uma das melhores sinfonias já escritas em muitas décadas (Youtube).

    JL: Obrigada. Acho que com minha quarta sinfonia eu realmente acertei meu ritmo, tanto espiritualmente quanto no conteúdo de minha arte como compositor, no sentido de que sinto que sou capaz de dizer o que quero dizer. Por exemplo, os acordes de abertura estrondosos, que são tudo de que preciso para expressar o que quero transmitir ao ouvinte, são tão rígidos e esparsos quanto possível, enquanto no longo Adagio do movimento final, sou capaz de girar uma melodia que se sustenta sozinha sem excessos. A nota mais longa no movimento final é na verdade uma oitava nota inteira (colcheia de semibreve) e eu sinto que é preciso muita coragem por parte de um compositor para apresentar notas longas ao ouvinte e esperar que eles entendam exatamente o que está subjacente a mensagem que está sendo transmitida é. Compare isso com a versão florida de mim mesmo na primeira sinfonia (lembre-se, ela continha não apenas ideias místicas judaicas, mas também cristãs e islâmicas, então eu estava espiritualmente confuso também!), Mas agora sinto que estou começando para controlar as coisas, para se tornar mais confiante e sucinto & # 8211 ou, como meus alunos gostam de dizer, Lesh é mais!

    A Terceira Sinfonia é a exceção (até agora) por não ser diretamente influenciada pelo misticismo judaico e foi composta em memória de outra guerra, desta vez a Primeira Guerra Mundial (Youtube). Encomendado pela Orquestra Sinfônica de Kansas City e seu maestro principal, Michael Stern, teve sua estreia em 16 de abril de 2016, noventa e nove anos após os EUA entrarem naquela guerra & # 8211 e o único museu desse conflito nos Estados Unidos apenas acontece de ser em Kansas City. Uma semana depois, uma gravação foi feita pela Reference Recordings (FR-739), que foi lançada no ano passado com grande aclamação. Esta obra em três movimentos começa com um lamento, a música intensa e ansiosa, como se in memoriam pela perda sem sentido de vidas naquele conflito, antes que o violento movimento central exploda em vida, retratando a brutalidade das batalhas. Quando ouvi este trabalho pela primeira vez, estava um pouco errado no início do terceiro e último movimento, que apresenta um solo de barítono, talvez eu estivesse pensando em algo semelhante aos finais de outras sinfonias de guerra, como Vaughan Williams & # 8217 Sixth ou Honegger & # 8217s Terceiro, um terminando em aniquilação aparente, o outro com uma breve coda de esperança com o canto dos pássaros emergindo das ruínas fumegantes. Em vez disso, Jonathan põe a música para casa de duas cartas de homens na linha de frente, uma para sua mãe refletindo sobre como de repente sua vida mudou por estar estacionado no exterior em conflito, a outra de um homem mais velho escrevendo uma carta de amor para sua esposa.

    LD: Essas cartas estão guardadas no Museu Nacional da Primeira Guerra Mundial em Kansas & # 8211. Como foi ler aquelas cartas pessoais de muitos anos atrás e por que você escolheu duas que foram notáveis ​​por não mencionar diretamente guerra ou conflito?

    JL: foi um enorme privilégio, além de intensamente comovente & # 8211 um pouco como ler as cartas de Mozart e Beethoven, você fica a par de um lado da vida das pessoas que você nunca veria ou conheceria. No entanto, também me lembro de ter lido um grupo de cartas doadas ao museu por uma família, onde um soldado escrevia para seus pais, contando-lhes sobre as dificuldades e privações que estava passando, bem como os horrores de várias batalhas. Lembro-me de terminar a penúltima carta e virar a página esperando ler a última explicando que ele deveria voltar para casa e, em vez disso, ser confrontado por um do Governo dos EUA, o Gabinete do Exército, declarando em branco: & # 8216Caro Sr. e Sra. X, lamentamos informá-lo sobre o falecimento de seu filho & # 8230. & # 8217. Ele tinha apenas 19 anos. Naquela época, eu sabia, tanto como filho quanto como pai, que isso era algo que eu possivelmente não poderia colocar em música. Em vez disso, sinto que quando alcanço o movimento final de minha terceira sinfonia, toda a dor e o horror da guerra já foram declarados nos movimentos anteriores, tudo com a orquestra sozinha & # 8211, de modo que no movimento final com o solo barítono, eu poderia escrever sobre pessoas comuns, envolvidas em eventos extraordinários, apenas escrevendo para casa sobre coisas comuns & # 8230

    No entanto, foi bastante extraordinário descobrir, após a conclusão da obra, que uma das letras que escolhi para minha sinfonia foi a de um tenente Hockaday, que não apenas sobreviveu à guerra, mas também compareceu regularmente a concertos da Orquestra de Kansas City quem estreou a obra e quem tem um descendente que faz parte da orquestra até hoje (Irvine O Hockaday)! Para ser franco, havia muitas outras letras que eu poderia ter usado, mas & # 8230


    Aberturas e obras mais curtas
    Como muitos compositores antes dele, Jonathan também se deleita com as formas menores: a abertura do concerto ou poema sinfônico, se preferir. Rush (2008) e Starburst (2010) são exemplos disso, sendo o último realmente seu trabalho mais executado. Pedi a Jonathan para nos contar um pouco sobre a peça:

    JL: Ah, esta é a minha abertura mais conhecida e foi estreada por Marin Alsop e a Baltimore Symphony, além de co-comissionada por Michael Stern e a Kansas City Symphony e Jesus Amigo e a Orquesta de Extremadura na Espanha. Quando eu estava compondo, meus filhos me disseram: & # 8221Parece estrelas! & # 8221 E suponho que soa como eu & # 8217d imagino que o vórtice cósmico de nuvens e matéria soaria & # 8211 e então se tornou & # 8220Starburst & # 8221. Isso me serviu muito bem.

    LD: Você diria que foi a sua peça & # 8220breakout & # 8221, Jonathan?

    JL: Sim, isso e o primeiro concerto para violino. Eu estava muito orgulhoso daquele trabalho na época e, olhando para trás, sinto que você pode ouvir minha voz madura pela primeira vez. Ajudou o fato de Naxos ter gravado meu primeiro concerto para violino e vendeu muito bem para eles também, além de ajudar a tornar meu nome mais conhecido, o que, por sua vez, resultou em ligações e alguns pedidos também.

    Escrevendo após a apresentação da peça em Arts Knoxville, Alan Sherrod escreveu:
    & # 8220 & # 8230 a obra tem momentos de pontuação, momentos de ritmo fluido e momentos de surpresa sonora que inevitavelmente forçam o ouvinte a um estado de euforia otimista. & # 8221 Em minha opinião, foram dez minutos bem gastos investigando a obra (Youtube).

    Quartetos de Cordas
    Jonathan certa vez disse que é mais difícil escrever obras mais curtas do que composições de forma mais longa, o que dá ao compositor & # 8220 mais tempo para desenvolver, ampliar e apresentar contraste & # 8221. Perguntei-lhe então sobre os desafios particulares de escrever um quarteto de cordas. Mencionei o exemplo de Shostakovich, cujos quartetos talvez mostrassem sua & # 8216face privada & # 8217 em oposição à & # 8216pública & # 8217 de suas sinfonias e me perguntei se era sempre assim para um compositor, ele mesmo incluído?

    JL: Sim, bem, Shostakovich às vezes não conseguia dizer o que queria dizer em sua música, caso fosse parar na Sibéria, o que não é um problema tão grande para mim! Pelo contrário, sinto que nos quartetos de cordas, como nas sinfonias, nada atrapalha o que o compositor quer dizer. Com isso, quero dizer que não estou constantemente preocupado com o fato de que a orquestra irá constantemente abafar um solista. Por exemplo, pegue meu Concerto para Guitarra & # 8211 ao longo de todo o processo de composição, eu precisava estar constantemente ciente de que a orquestra não pode tocar acima de um certo nível dinâmico, mas com um quarteto de cordas, por outro lado, isso não é um problema . Ocasionalmente, sou solicitado a compor uma peça para indivíduos específicos, por exemplo, meu Terceiro Quarteto de Cordas foi encomendado por Harris Miller e sua esposa, Deborah Kahn, daí seu apelido, & # 8216Miller-Kahn & # 8217, que explora seu maravilhoso relacionamento juntos . É claro que o assunto determina minha narrativa na música aqui, mas a maneira como posso expressá-la, por meio de um quarteto, significa que sinto como se estivesse me comunicando diretamente com o ouvinte.

    LD: Você já escreveu cinco quartetos?

    JL: Quatro, mas o quinto está aqui (apontando para a cabeça). Um dia pode ser o momento certo de colocá-lo no papel & # 8230

    Os concertos
    LD: Você mencionou o desafio de escrever concertos para instrumentos específicos, mas escreveu muitos.
    JL: Sim, treze ou quatorze, eu acho.

    O Concerto é o gênero no qual Jonathan Leshnoff foi o mais prolífico & # 8211 ele escreveu concertos para praticamente todos os instrumentos da orquestra. Na verdade, é mais fácil para mim dizer que ele não escreveu (até agora) um para oboé, contrabaixo, trompete e trompa e para você supor que ele escreveu um para todo o resto.

    LD: deve ser quase um risco ocupacional passar por orquestras hoje em dia, caso você seja agarrado e convidado a escrever outro concerto.

    JL: (rindo) Sim, com certeza & # 8230

    LD: Alguma chance de um Concerto Triplo para Trompete, Trompa e Contrabaixo para tentar a casa cheia?

    JL: Acho que vai custar muito dinheiro a alguém e eu precisaria de muito para ser convencido. Veja, o truque para escrever um concerto é considerar o que a orquestra faz. Deixe-me explicar: se a função do concerto é fazer do solista a estrela, então o que o compositor faz com a orquestra & # 8211 o grandioso e consagrado conjunto de mais de 80 pessoas & # 8211 além de apenas fazer um poucas corridas banais? Portanto, para fazer um concerto envolvente, o desafio é fazer a orquestra subir, confrontar e desafiar o solista e fazer com que todos os instrumentos da orquestra se sintam engajados e sintam que também estão fazendo algo importante na narrativa musical.

    LD: Existem instrumentos específicos que são mais desafiadores a esse respeito do que outros?

    JL: Bem, com certeza, meu concerto para violão se mostrou especialmente desafiador nesse aspecto.

    O Concerto para Guitarra de Jonathan Leshnoff & # 8217s de 2013 foi gravado por Naxos (8.559809) e tem todas as marcas de seu estilo posterior, ou seja, cores orquestrais coloridas e espirituosas, bem como melodias maravilhosas (Youtube). Para este escritor, se havia um cheiro inegável de Espanha nos movimentos externos (talvez inevitável com este instrumento), o fresco e belo movimento central está o mais longe possível das planícies escaldadas pelo sol da Península Ibérica.

    LD: Então, quais foram os desafios específicos apresentados por uma guitarra?

    JL: Bem, foi uma surpresa e um desafio. Veja, eu não toco guitarra e é notoriamente difícil escrever para o instrumento a menos que você o toque & # 8211, então tive que estudar muito antes de me sentir pronto para aceitar este desafio. Na verdade, tive que consultar vários guitarristas, incluindo o
    solistas, sobre se certas passagens eram possíveis. Os dedilhados na guitarra são quase impossíveis de descobrir, a menos que você toque o instrumento. Além disso, tive que lutar muito para manter o equilíbrio, para que a orquestra não afogasse o violão, o que poderia acontecer facilmente. Você vê, cada instrumento tem algumas zonas de blackout onde não será ouvido com uma orquestra tocando ao lado, mas com a guitarra você tem que ser extremamente cuidadoso em toda a extensão. Minha solução para isso foi deixar a orquestra ser mais subordinada do que o normal, para agir como uma & # 8216 piscina refletora & # 8217, ouvindo o que o violão está fazendo e refletindo de volta.

    LD: Qual foi a inspiração por trás desse movimento central de uma beleza fria?

    JL: Este movimento tem o subtítulo & # 8216Hod & # 8217, que é um conceito judaico que significa humildade, a consciência da pequenez do único no universo e o apreço pelos outros. A música é talvez & # 8216fria & # 8217 & # 8211 para usar sua palavra & # 8211 reflexiva e tentei conseguir isso reduzindo a orquestração apenas para violinos, harpa e percussão.

    LD: É uma passagem musical muito bonita. Percebi com o seu Concerto para clarinete de 2016 que ele também é muito & # 8216refletivo & # 8217 com seus três movimentos de Adagio-Scherzo-Adagio & # 8230

    O Concerto para Clarinete foi uma co-comissão entre as Orquestras Sinfônicas da Filadélfia e Santa Bárbara e foi estreado em 2016 pela Orquestra da Filadélfia dirigida por Yannick Ne & # 769zet-Se & # 769guin, com seu clarinetista principal Ricardo Morales como solista & # 8211 em sua apresentação em a estréia, assustadoramente bela nos movimentos externos, ocupada e bem-humorada no scherzo central, foi excelente e só podemos lamentar que a oportunidade não tenha sido aproveitada para gravá-la, pois é certamente uma obra que merece o mais amplo público.

    JL: Sim, gosto de me desafiar com minhas composições & # 8211 lembre-se, eu disse que era mais difícil compor músicas lentas, porque há poucos detalhes incidentais ocupados de música mais rápida para distrair o ouvinte. Acho que ser desafiado, ou ter um problema para resolver, me inspira a produzir minha melhor música. Por exemplo, no segundo movimento central & # 8216busy & # 8217 do meu Concerto para clarinete, há muito movimento e outras coisas acontecendo, principalmente com o clarinete solo & # 8211, então a orquestra precisa acompanhá-lo, para lançar ideias , bem como apresentar texturas que o clarinete pudesse, por sua vez, brilhar e refletir. Eu não queria escrever algo onde a orquestra simplesmente fosse & # 8221oom pah-pah, oom pah-pah & # 8221 & # 8211 para mim, precisa ser muito mais interessante para o ouvinte do que isso.
    LD: Não consegui ouvir muito & # 8216oom pah-pah & # 8217 em seu Concerto para Piano de 2019, Jonathan.

    JL: Eu também espero que não! Meu objetivo no meu Concerto para Piano era evitar apenas deixar a orquestra ser o acompanhante, então no primeiro movimento dessa peça você pode ouvir a orquestra girando em torno do solista, bem como comentar e desafiar o piano, além de & # 8216buddying-up & # 8217 e estar com o piano em certos momentos importantes.

    LD: Devo dizer que eu, assim como meu colega John Quinn aqui no MWI, gostamos muito de seu concerto para piano, pois, espero, nossas análises da estreia ao vivo da performance no Reference Recordings deixaram claro (FR-739) & # 8211 Eu até consegui persuadir outro revisor do MWI a ouvi-lo, Ralph Moore, que é famoso por não gostar de nada moderno e ele achou que era ótimo também. Para mim, em particular, gostaria de falar sobre o último movimento em que soube instintivamente que o primeiro sujeito do primeiro movimento & # 8217s voltaria e quando o faz na coda, o impacto é avassalador por ser levado pelo orquestra completa, em vez de apenas o piano & # 8230.

    JL: Obrigado & # 8211 sim, na verdade me lembro de compor aquele momento e de pensar que isso seria muito divertido.

    LD: Joyce Yang declarou oficialmente que este seria o concerto perfeito para quatro mãos!

    JL: Sim, eu não simpatizava com os desafios técnicos que Joyce enfrentava, mas ela é sempre tão animada com tudo que acaba de descobrir, com um sorriso. Posso realmente dizer que a parte hard piano foi culpa da Joyce & # 8217s! A primeira vez que a vi tocando, foi no Terceiro Concerto para Piano de Prokofiev (uma peça extremamente difícil para o pianista) e pensei comigo mesmo & # 8220 meu Deus, parece que ela tem quatro mãos & # 8221 - então eu escrevi para ela um concerto para quatro mãos!

    LD: Notei que a partitura do Concerto para Piano indica que o trabalho deve durar cerca de 22 minutos na execução, mas a gravação real foi mais próxima dos 26 minutos & # 8211 você ficou surpreso com isso?

    JL: De forma alguma & # 8211 você vê, eu vejo meu trabalho como compositor para trazer uma nova peça musical ao mundo, para construí-la e nutri-la até que, como uma criança, ela seja então capaz de sair e seguir seu próprio caminho no mundo. E quando isso acontece, a peça ganha vida própria, independentemente de mim, e adoro quando os artistas encontram camadas e nuances na música nas quais ainda não pensei. Eu até adoro quando os críticos ouvem coisas na música que eu também não sabia que existiam.Veja, a reação de qualquer pessoa à música é exclusivamente a sua, porque todos nós somos, em última análise, almas únicas e nada me dá mais prazer do que ouvir um artista trazendo algo novo ou diferente em minhas próprias obras.

    Jonathan Leshnoff também deve ser um dos poucos compositores que escreveu não apenas um, mas dois concertos duplos (três, se você incluir o tour de force que é o Concerto para Dois Percussionistas de 2011). O primeiro para violino e viola é de 2007 e é uma peça mais melancólica e introvertida para os padrões de Jonathan & # 8217, evitando o brilho e o brilho de Starburst que é substituído por considerável mistério e sobrenaturalidade (Youtube). Na verdade, a bela abertura do terceiro movimento, com piano, harpas em cascata e celeste, me lembrou de Netuno de Holst & # 8217s Suite Planetas e no final tranquilo de toda a obra, que repete o encerramento do primeiro movimento, mas desta vez revestido da orquestração mágica do terceiro movimento, o efeito é fascinante, além de imensamente original e comovente (foi gravado em Naxos: 8.559670). Perguntei a Jonathan se ele gostava especialmente de escrever concertos para dois instrumentos ou & # 8230

    JL: Bem, é um desafio peculiar e interessante, principalmente no que diz respeito à função de uma orquestra em um concerto, pois quando você tem dois solistas, agora você complicou a parte do solo. Em outras palavras, até agora, falamos sobre a orquestra versus o solista e como tornar a orquestra relevante. No entanto, agora que existem dois instrumentos solo, você precisa descobrir o que fazer com ambos os solistas, de modo que ambos estejam & # 8220ocupados & # 8221 e & # 8220 construtivos & # 8221. Quero dizer, eles trabalham um contra o outro ou juntos? Eles estão em uníssono ou em contraponto? Eles estão em harmonia? E então, uma vez que você tenha resolvido esses problemas - o que leva tempo & # 8211, você tem que descobrir como manter a orquestra relevante não com um, mas com dois solistas. Lembre-se de que parte da função orquestral pode ser assumida pelo segundo solista, portanto, isso só complica a função da orquestra. Na minha experiência, escrever concertos duplos é muito complicado.

    LD: Acho que o seu concerto para violino e viola é uma peça soberba e gostaria de saber se deve ser a única vez que esses dois instrumentos foram usados ​​juntos em um concerto.

    JL: Acho que você se esqueceu do Concertante de Mozart, mas também há (eu acho) um casal de Bruch e talvez Britten

    LD: Acredito que você verificou os fatos, se você disser que há um de Britten, então vou acreditar na sua palavra, mas não estava familiarizado com isso - o que não é uma surpresa & # 8230, mas além disso eu & # 8217m não tenho certeza & # 8230. Eu sinto que fui fortemente influenciado por Shostakovich em meu Concerto Duplo para Violino e Viola & # 8211 Não sei se você ouviu isso?

    LD: Não era tão óbvio para mim quanto Holst, mas acho que isso diz muito sobre mim. No entanto, seu & # 8220outro & # 8221 Concerto duplo para clarinete e fagote de 2018 definitivamente deve ser o único para esse par de instrumentos.

    JL: Na verdade, Strauss escreveu um também.

    Este concerto, espirituoso, colorido, efervescente e melódico foi estreado por Manfred Honeck e os protagonistas da soberba Orquestra Sinfônica de Pittsburgh, além de ter sido gravado e lançado pela Reference Recordings como um acoplamento para o mesmo time & # 8217s Tchaikovsky Symphony No 4 Esta gravação, na verdade, passou algum tempo nas paradas de outdoor dos EUA, talvez por cortesia de seu acoplamento de alto perfil, mas ainda assim estimulando comentários muito entusiasmados em seu próprio direito (Youtube). É, na minha opinião, um trabalho maravilhoso que não é ofuscado por seu vizinho peso pesado nesta gravação.

    JL: Foi um desafio interessante, tentar combinar o clarinete, com sua agilidade e cores aparentemente ilimitadas, com a cor mais pesada do fagote, para fazer com que este último se destacasse na textura orquestral. Uma das minhas soluções para isso foi utilizar a extremidade superior do som do fagote & # 8217s, que pessoalmente acho bastante comovente e que me deu um certo mundo sonoro em torno do qual o clarinete poderia tecer. Para complementar isso, tive como objetivo criar texturas etéreas e translúcidas de dentro das orquestras, usando cordas divididas, por exemplo, como uma tapeçaria sobre a qual os dois instrumentos solo pudessem então criar sua magia. Acho que Manfred [Honeck], mais Michael [Rusinek] e Nancy [Goeres] fizeram o trabalho mais maravilhoso de perceber isso.

    Os oratórios
    A área final em que Jonathan Leshnoff tem sido extremamente ativo são os oratórios & # 8211; na verdade, ele compôs quatro deles, embora apenas o último, Zohar, tenha sido gravado, por Robert Spano e a Orquestra Sinfônica de Atlanta (ASO 1008) . Na verdade, o Maestro Spano encomendou ao compositor que escrevesse algo a ser apresentado no Carnegie Hall para um concerto em memória de Robert Shaw, que foi o mestre do coro de Toscanini & # 8217, bem como o regente da Sinfônica de Atlanta por muitos anos. Jonathan disse na época: & # 8220Tudo que me disseram foi & # 8216Nós & # 8217requiem de Brahms, você pode fazer uma peça que dê à soprano um pouco mais para fazer? & # 8221 (fonte: the Atlanta Jewish Times, abril de 2016). O resultado foi este oratório, inspirado no antigo texto espiritual conhecido como Zohar, a base da Cabala, 25 minutos de música edificante e extática destinada a complementar o conforto e consolo dos Brahms (Youtube). Para marcar a temporada final de Robert Spano & # 8217 como Diretor Musical de Atlanta, um quinto oratório, The Sacrifice of Isaac, foi encomendado e estreou em abril de 2021. Pedi a Jonathan para me contar mais sobre este novo trabalho e se houve algum desafio particular ao escrever sobre um sacrifício que não acontece de fato.

    JL: Na verdade, o maior desafio com isso era quão pouco há sobre isso na Bíblia & # 8211 apenas algumas linhas de fato & # 8230

    LD: Um pouco como Salom e a decapitação de João Batista, talvez?

    JL: Sim, exceto que eu não tinha Oscar Wilde disponível para me ajudar a expandir a história! Em vez disso, tive que pesquisar outras escrituras antigas para obter mais inspiração. Esta história é tão conhecida, especialmente como uma demonstração do que é & # 8216fé & # 8217, não apenas para o povo judeu, mas também para cristãos, muçulmanos e realmente qualquer pessoa, pelo menos essa é a minha intenção também. Minha pesquisa descobriu que os comentários rabínicos judeus, de fato, expandiram a história, que é muito concisa, conforme contada no Antigo Testamento. Por exemplo, descobri nesses comentários rabínicos que & # 8211 aparentemente depois que Deus deu a ordem, Satanás aparece e zomba de Isaque, dizendo & # 8220o seu velho & # 8221 (ou seja, Abraão) & # 8220 perdeu o enredo & # 8221. Da mesma forma, todos os anjos discutem e gritam com Deus, dizendo que ele não pode comandar uma coisa tão terrível. No final, havia muito drama & # 8211 drama bíblico - para eu trabalhar.

    LD: Pessoalmente, mal posso esperar para ouvir como você representa a palavra de Deus & # 8211 I & # 8217m pensando que talvez com um órgão, ou pelo menos a seção inteira do trombone?

    JL: Não, nem & # 8211 em meu trabalho, a palavra de Deus é um contra-tenor! Sempre que Ele fala, eu queria que a música fosse pura, tranquila e intensa para tentar criar uma espécie de experiência mística. É como com meu oratório anterior, Zohar, que a verdadeira experiência espiritual e mística só ocorre quando a música está no seu nível mais baixo e nós, os ouvintes, não estamos sendo distraídos. É baseado em uma velha ideia judaica de que Deus está sempre falando conosco, mas estamos muito ocupados (com nossos telefones celulares, etc.) para ouvi-lo. É daí que vem a ideia da meditação, quando você está se concentrando na respiração, focalizando o nada, isso leva alguém a uma nova consciência espiritual. No meu oratório, para oferecer contraste, Abraão é um barítono e Isaac é um tenor.

    LD: A pintura de Caravaggio com o mesmo nome, alojada nas proximidades do Museu de Artes da Universidade de Princeton, forneceu alguma inspiração?

    JL: Eu não sabia sobre isso até que alguém me mostrou quando eu estava terminando meu oratório. É claro que é uma pintura cheia de seu próprio drama, mas eu queria abordar a obra puramente a partir da questão religioso-espiritual. Esse drama real na pintura é o que estou buscando no meio do meu próprio trabalho com o real & # 8220sacrifice & # 8221, que representou um desafio interessante para mim como compositor porque, como você diz, isso não acontece. No entanto, posso dizer que, no momento anterior, a orquestra e o refrão estão explodindo e enlouquecendo, implorando a Abraham para não fazê-lo quando, de repente, a música para e todas as luzes se apagam, exceto por um holofote aceso Isaac, que então canta uma antiga canção de amor litúrgica judaica (ainda cantada até hoje por muitos judeus ortodoxos no sábado) entre a alma e Deus, onde a alma expressa sua proximidade com Deus, bem como expressa um desejo de retornar e ter uma comunhão mística com ele. Em outras palavras, embora Isaac esteja prestes a ser massacrado, não é uma cena horrível, mas sim muito bonita e terna para cordas, harpa e tenor. No final, eu uso algumas palavras da confissão judaica antes da morte e, a partir daí, a música e a ação fazem a transição para o anjo interrompendo o sacrifício. Se você quiser saber o que acontecerá a seguir, você precisará comprar um ingresso!
    LD: Diferente de seus oratórios anteriores, este está começando a soar quase operístico, Jonathan.

    JL: É verdade & # 8211 e essa é a coisa, pois acho que com esse tipo de música a voz tem que estar no centro das atenções. Para mim, quando as pessoas cantam, há uma mágica especial que acontece e então ser & # 8216operático & # 8217 é o caminho a seguir na música vocal - as pessoas ouvem solos, ouvem a voz, então não pode ser marginalizado. Em vez disso, deve ser melódico e dramático.

    LD: A estreia é / deveria ocorrer em abril de 2021?

    JL: Sim, mas os problemas em torno da Covid, é claro, o adiaram.

    Coda & amp Finale
    LD: A pandemia de Covid foi claramente uma experiência terrível para todos, principalmente para pessoas como você, que estão envolvidas com artes cênicas. Você acha que é o maior desafio que já enfrentou na carreira, Jonathan?

    JL: Vai ser muito difícil, pois não só vai demorar um pouco para os níveis de público voltarem ao que eram, mas vai levar algum tempo para os conjuntos reconstruírem suas finanças antes de começarem a ser ambiciosos com seus projetos também. Acho que vai demorar cerca de cinco anos para voltarmos a onde estávamos financeiramente, bem como para recuperar nossa confiança, já que estamos todos meio em estado de choque.

    LD: De qual das suas obras você mais se orgulha?

    JL: Hmm & # 8211 essa & # 8217 é uma pergunta difícil.

    LD: Será que & # 8220Qual de seus filhos você acha que ficou melhor? & # 8221 seria melhor, Jonathan?

    JL: Exatamente! Bem, eu não tenho certeza sobre um trabalho específico, mas tenho orgulho de momentos específicos dentro de trabalhos em que pessoalmente tenho um desafio, que não é articulado para ninguém. Por exemplo, mencionamos a coda do Concerto para Piano anteriormente, ou o movimento lento de minha Quarta Sinfonia e muitos outros. Basicamente, cada composição tem um & # 8216momento & # 8217 onde tenho que me esforçar propositalmente para fazer algo acontecer.

    LD: Então, agora que O sacrifício de Isaac terminou, se você tivesse a chance de compor qualquer coisa a seguir, o que seria?

    JL: Bem, recebi e estou trabalhando em algumas encomendas no momento, mas talvez sejam peças que estão muito incompletas para eu falar sobre elas ainda. Mas se fosse oferecido um cheque em branco, eu teria que dizer minha Quinta Sinfonia.

    LD: Seria em dó menor, como a Quinta Sinfonia de Beethoven e # 8217, sobre a qual falamos no início?

    JL: Pode apostar!

    Haverá muitos leitores, incluindo eu, que se alegrarão por Jonathan Leshnoff ter escolhido um caminho musical pelo qual ele aparentemente assumiu a batuta deixada por Shostakovich e William Walton, em oposição ao caminho mais atonal trilhado por Boulez, Stockhausen e outros . Para mim, ele se junta a outros compositores contemporâneos, como James Macmillan e Peteris Vasks, ao escrever música que não é apenas acessível, mas distinta e individual por si só. Aos meus ouvidos, se você gosta da música dos mencionados Walton e Shostakovich, além de Samuel Barber, Copland, Prokofiev, Vaughan Williams e outros daquela época, Leshnoff oferece um rico corpo de obras das quais você obterá muito prazer e interesse. Se você estiver inclinado a explorá-los, os melhores lugares para começar seriam o recente Concerto para Piano, a poderosa Quarta Sinfonia ou o Concerto Duplo para Violino e Viola um pouco anterior e se forem considerados agradáveis, então não há razão por que o restante das obras de Leshnoff & # 8217s não deve ser igualmente agradável. De qualquer forma, com sua música começando a ser executada por grandes orquestras americanas com seus maestros Michael Stern, Robert Spano, Marin Alsop, Manfred Honeck e Yannick N zet-S guin, parece que é apenas uma questão de tempo antes sua música começa a aparecer regularmente em salas de concerto em todo o mundo fora dos Estados Unidos & # 8211 e todos nós seremos mais ricos por isso. Talvez, da mesma forma, ele continue seu notável desenvolvimento e realmente se torne o próximo grande compositor da América.

    No final de nossa conversa de duas horas, perguntei a Jonathan como ele gostaria de ser lembrado.

    JL: Gostaria de ser lembrado como um sinfonista, mas se não, então como um compositor cuja música levava as pessoas em uma jornada. Para onde essa jornada os levou, o que escolheram ver ou ouvir, se experimentaram algo assustador ou doloroso & # 8211 que & # 8217 é sua escolha, mas é meu trabalho abrir essa porta. No entanto, se no final dessa jornada a vida deles estiver em um lugar melhor do que no início, então eu fiz meu trabalho & # 8211 e isso me deixaria muito feliz.

    Lee Denham março de 2021

    Críticas no MWI
    Starburst (2010) revisão
    Concerto para guitarra (2013) revisão
    Quatro Danças para Quarteto de Cordas (2014) revisão
    Sinfonia No. 3 (2015) revisão
    Sinfonia No. 4, & quotHeichalos & quot (2017) revisão
    Concerto duplo para clarinete e fagote (2018) revisão crítica
    Concerto para Piano (2019) revisão


    Doe e nos mantenha à tona

    Gravações do mês


    Shostakovich
    Concertos e trio para piano


    Devos: Ciclos de Canções Inglesas


    Christian Gr & oslashvlen: Eventyr


    O Consorte Bem Temperado


    A coleção Rachmaninov


    Thomas Agerfeldt OLESEN
    Concerto para violoncelo


    Honestamente, eu odeio ter que dar The Noise of Time uma crítica negativa. Por um lado, Julian Barnes é, sem dúvida, um escritor extremamente talentoso. Por outro lado, este romance tem várias questões gritantes que exigem atenção e crítica.

    The Noise of Time é dividido em três partes, cada uma enfocando um momento de definição da vida do famoso compositor russo Dmitry Shostakovich & # 8217 sob o stalinismo e após a morte de Stalin. A primeira parte ocorre em 1936, após um evento histórico adaptado & # 8211 Shostakovich & # 8217s nova ópera, & # 8220Lady Macbeth de Mtsensk & # 8221, não foi bem recebido por Stalin, que deixou a apresentação mais cedo. Stalin condenou a ópera e denunciou Shostakovich como inimigo do povo. O romance começa com uma imagem assustadora de Shostakovich parado do lado de fora de seu apartamento no meio da noite, em roupas normais e com uma pequena mala, de frente para um elevador vazio. Ele está esperando que o NKVD o leve embora, esperando que a polícia secreta venha apenas para ele e não para sua família. Mas eles nunca fazem & # 8211 em vez de ficar confinado à claustrofobia de uma pequena cela de prisão, o compositor tem que suportar algo muito pior: a claustrofobia sufocante de uma sociedade consumida pelo medo, onde qualquer um pode desaparecer por um capricho dos poderes que ser.

    A questão filosófica no cerne de o Barulho do Tempo é: como um artista segue sua visão pessoal em uma sociedade totalitária? Ao responder a esta pergunta, o livro atravessa a lacuna entre a biografia e a ficção histórica, mas nenhum gênero serve. Embora use eventos reais da vida de Shostakovich & # 8217s, não tem enredo ou ficção real o suficiente para ser classificado como & # 8220ficção histórica & # 8221. Mas tem personagens fictícios e seus pensamentos imaginários, o que significa que também não é totalmente biográfico. Em vez disso, é um ensaio histórico híbrido sobre a natureza da arte e liberdade de pensamento na URSS, usando Shostakovich como um exemplo de um grande talento pessoalmente direcionado e moldado pelo sistema. Mas isso levanta a questão de por que Barnes escolheu abordar sua Grande Questão na forma de um romance, que The Noise of Time é, sem dúvida, comercializado como.

    Apesar de apresentar numerosas defesas apaixonadas da arte, o romance em si é bastante simples. A redação em si é excelente, mas o conteúdo está & # 8220off & # 8221. Eu vi rótulos para emoção, mas não senti nada. Os personagens eram finos como papel e pareciam funcionar apenas como porta-vozes da visão do autor sobre as várias questões principais retiradas da lista. Faz The Noise of Time conseguiu dar aos leitores uma visão sobre como uma mente criativa pode funcionar sob um sistema opressor? sim. Mas, como Barnes se concentrou em uma figura histórica real como narrador, pude senti-lo atrás dessa figura o tempo todo. Sempre que Shostakovich abria a boca (ou a mente), não eram seus próprios pensamentos que se espalhavam, era a pesquisa de Barnes e sua escrita cuidadosa.

    Para ser justo, misturar fato e ficção é algo com que todos os escritores de HF lutam em algum momento. Eu, Putin lutou com esse problema em alguns lugares. Nas poucas ocasiões em que tentei ficção histórica, doeu-me deixar algumas de minhas pesquisas de fora. E, de fato, é admirável que Barnes tenha escolhido permanecer fiel aos eventos históricos reais, em vez de tomar liberdades extremas como muitos escritores costumam fazer quando lidam com a Rússia. Mas, como qualquer escritor de HF irá lhe dizer, a pesquisa serve à ficção, e não o contrário.

    Algo me diz The Noise of Time seria mais forte como uma obra de não ficção.

    O ruído do tempo: um romance por Julian Barnes. Bar. 2015 por Jonathan Cape. Capa dura, 184 pp. ISBN13: 9781910702604.


    O húngaro que manteve Beethoven vivo

    No quarto de século após a morte de Beethoven & # 8217 em 1827, apenas uma pequena parte do público teve acesso a suas obras maiores. As orquestras eram escassas e de qualidade ímpar, enquanto muitos concertos eram exclusivos, indisponíveis para os não convidados.

    Nesse esquecimento crescente, ninguém fez mais para perpetuar a música e a memória de Beethoven & # 8217 do que o pianista e compositor húngaro Franz Liszt.Percorrendo toda a Europa, da Rússia à Irlanda, do Báltico aos Bálcãs, Liszt executou, além de sua própria música, as transcrições que fez de obras que achava que deveriam ser mais amplamente conhecidas. Enquanto seu piano & # 8216reminiscências & # 8217 de sucessos da ópera italiana eram garantidos para agradar ao público, Liszt fermentou seu menu com Beethoven com o propósito de melhorar o gosto do público.

    Começando com interpretações verdadeiramente imaginativas e belas para piano solo da canção & # 8216Adelaide & # 8217 e o início do setembro, Liszt não transcreveu as sinfonias de Beethoven até passar dos 50 anos. Ele leu as provas antes da publicação enquanto estava no Vaticano, auxiliando em Missa como sacristão enquanto tenta resolver seus problemas conjugais. Beethoven era tanto um refúgio quanto fé para esse músico-sacerdote problemático e trifurcado que passava sua vida entre Weimar, Budapeste e Roma, com passeios ocasionais a Bayreuth.

    As reduções para piano de Liszt e # 8217 das sinfonias de Beethoven quase nunca são feitas hoje em dia em uma sala de concertos. Seu biógrafo Alan Walker escreve: & # 8216Eles dissipam a visão popular dele como um showman, pegando outras obras de compositores & # 8217 e transformando-as em uma exibição de fogos de artifício para sua própria glorificação. O ato de autonegação. suprimir seus próprios impulsos criativos no interesse da música de Beethoven & # 8217s, tem poucos paralelos. & # 8217

    Todas as suas transcrições sinfônicas foram gravadas. Você pode se surpreender ao ver abaixo o que as mentes musicais pousaram neles.

    1ª sinfonia

    O pianista cipriota francês Cyprien Katsaris gravou todas as nove sinfonias na década de 1980 e as teve relançadas pela Warner em 2006. Embora as apresentações sejam de alto padrão, o som é aquém do ideal e há poucos saltos de imaginação nas interpretações. As duas primeiras sinfonias dão um bom sabor de uma série decente. As performances de Idil Biret & # 8217s 1985 em Bruxelas também são marcadas por um som indistinto. A produção de 2020 para Jean-Louis Haguenauer, professor da Universidade de Indiana, em Bloomington, é de longe mais clara e brilhante e seu adágio de abertura também é o mais expressivo.

    2ª sinfonia

    Gravada na Igreja de St Martin & # 8217s, East Woodhay, em Hampshire, esta apresentação de Naxos do pianista russo-suíço Konstantin Scherbakov é maravilhosamente contemplativa, como se ele capturasse Beethoven em uma caixa de fósforos e o observasse para um deleite particular. O som é exatamente o que você espera de uma igreja do interior da Inglaterra e de uma equipe de gravação profissional. Essas normas são mantidas ao longo deste ciclo.

    3ª sinfonia, Eroica

    O veterano virtuoso francês Georges Pludermacher entra no palanque com uma interpretação que erra do lado da magniloquência napoleônica, uma abordagem que o próprio Beethoven reconsiderou. A marcha fúnebre de Pludermacher & # 8217 é maravilhosamente sombria, a melhor parte desta apresentação. Para toda a sinfonia, prefiro o lançamento de 2019 do italiano Gabriele Baldocci, parceiro ocasional de Martha Argerich. Esta é outra gravação evocativa de uma igreja country, feita em Chiese di Sant & # 8217Apollinare, Monticello di Lonigo.

    4ª sinfonia
    O francês Alain Planès, ex-solista do conjunto Pierre Boulez & # 8217s, adiciona uma espécie de modernismo pontilhista às partituras de Liszt & # 8217s, como se John Cage as tivesse repensado para um piano preparado. Ele é excepcionalmente ouvinte nos movimentos lentos. Caso contrário, Katsaris e Biret servirão.

    5ª sinfonia

    Segure seu chapéu. Este é Glenn Gould tocando a quinta sinfonia de Beethoven & # 8217 em um piano que, embora afinado, possivelmente já teve dias melhores. Você logo superará essa reserva porque esta é uma das leituras mais emocionantes da sinfonia que pode ser encontrada em qualquer lugar, seja orquestra completa ou piano solo. A recapitulação de Gould do tema de abertura por si só deve ser ensinada em todos os cursos de regência na terra.

    E se isso não surpreende o suficiente, aqui está uma das grandes mentes musicais de Viena, o especialista em piano de época Paul Badura-Skoda, dando à sinfonia o benefício de seu imenso conhecimento do timbre de Beethoven. Maravilhosamente leve no registro superior, Badura-Skoda encontra cores que ninguém mais suspeita & # 8211, embora sem criar a interpretação arredondada que Gould oferece de forma tão monumental.

    6ª sinfonia, Pastoral
    Glenn Gould novamente & # 8211 o companheiro perfeito no primeiro movimento e um terror absoluto na tempestade. Um dos grandes pastores, a uma milha do país.

    Eu também adoro a atmosfera bucólica conjurada por Ashley Wass em um piano forte original dos anos 1820 em uma casa de campo inglesa - um som distinto, perfeito para esta peça. Você pode querer experimentar o francês Michel Dalberto, um adorável contador de histórias em uma compilação muito recente da Harmonia Mundi das transcrições completas de Liszt / Beethoven.

    7ª sinfonia

    Você está prestes a ouvir o par de mãos mais fenomenal que já tive a sorte de encontrar. Ronald Smith foi um inglês com óculos de seixo que tocou as peças mais difíceis de Busoni e foi o único responsável pelo renascimento do quase impossível de tocar Alkan, o único pianista do século 19 que colocou Liszt na sombra. Ronald, que conheci por meio de seus esforços em Alkan, estava ficando cego e guardou uma grande quantidade de música na memória. O que ouvimos em seu relato da 7ª de Liszt / Beethoven é um pianista tão talentoso quanto Liszt para entender um compositor tão grande como Beethoven. Acho que não respirei durante o segundo movimento.

    Como contexto, ouça Jean-Claude Pennetier e Michel Dalberto tocar uma versão a quatro mãos, que parece conter menos notas do que Ronald Smith consegue com as duas mãos.

    8ª sinfonia
    O russo Yury Martynov, professor do conservatório Tchaikovsky em Moscou, gravou o ciclo em setembro de 2013 na Igreja Doopsgezinde Gemeente em Haarlem, na Holanda. Usando um grande concerto de meados do século 19, ele evoca mais Liszt do que Beethoven. A modesta oito sinfonia responde particularmente bem a essa abordagem mais vistosa.

    9ª sinfonia
    É irreal imaginar que o Nono pode ser reduzido ao tamanho de uma sala de estar e nenhuma das interpretações disponíveis é totalmente bem-sucedida. Sinto-me atraído por uma leitura lírica de 2009 do italiano Maurizio Baglini, às vezes tão vagarosa que quase chega ao fim. Katsaris, Biret e Scherbakov também estão bem, mas estou mais convencido nesta sinfonia pela versão a quatro mãos de 2008 tocada por Leon McCawley e Ashley Wass, dois jovens apressados.


    Assista o vídeo: Leonard Cohen u0026 Natasha Rostova - Dance me to the end of love (Dezembro 2021).