Notícia

Escultor AK-103 - História

Escultor AK-103 - História

Escultor

(AK-103: dp. 14.550, 1. 441'6 "; b. 56'11", dr. 28'4 "s. 12,5 k., Cpl. 206, a. 15", 13 ", 2 40 mm., 6 20 mm., Cl. Cratera; T. EC2-S-C1)

O escultor foi designado D. W. Harrtrington sob o contrato da Comissão Marítima (MCE Hull 1671) em 18 de maio de 1943 pela California Shipbuilding Co., Wilmington, Califórnia .; lançado em 10 de junho de 1943, patrocinado pela Sra. S. E. Joseph, adquirido pela Marinha em 22 de junho de 1943; e comissionado em 10 de agosto de 1943, o tenente Comdr. George C. Bosson no comando.

O escultor serviu no Serviço de Transporte Naval, fazendo seis viagens de São Francisco, fornecendo bases avançadas no Pacífico ocidental. Ele partiu em sua primeira viagem em 28 de agosto de 1943, rebocando um trecho do cais flutuante, ABSD-1, e o entregou junto com outras cargas no Espírito Santo em 2 de outubro. Depois de levar o material da Lend Lease para a Nova Zelândia, ela voltou a São Francisco em 23 de novembro. Em sua segunda viagem, com início em 27 de dezembro, ela rebocou uma barcaça de reparo YRDH-1 e carregou uma carga de convés de um LCT em trechos para Espiritu Santo. Depois de lá chegar em 1º de fevereiro de 1944, fez viagens entre bases avançadas até sair de Espiritu Santo em 20 de abril com destino a São Francisco, onde chegou em 12 de maio.

As viagens restantes do escultor seguiram o padrão das duas primeiras. Ela partiu de São Francisco em 3 de junho com uma seção do ABSD-2 a reboque e fez viagens de carga local no sudoeste do Pacífico entre 15 de julho e 29 de setembro, antes de retornar a São Francisco em 24 de outubro. Após a revisão, ele navegou novamente em 16 de dezembro com duas barcaças YF a reboque, as quais ela trocou em Pearl Harbor por YFD-64. Esta grande doca seca foi entregue pelos esforços combinados do Escultor e de um navio irmão na Baía de San Pedro, Leyte, P.I., em 13 de fevereiro de 1945. O escultor então carregou a carga entre as bases avançadas até 28 de abril e retornou a São Francisco em 21 de maio.

Em 15 de junho de 1945, o cargueiro deixou San Diego com dois lanchas da Guarda Costeira de 83 'no convés e uma barcaça a reboque. O reboque foi lançado em Pearl Harbor e o restante da carga foi descarregado em Saipan após a chegada em 13 de julho. O navio retornou a São Francisco em 1º de setembro e iniciou sua sexta e última viagem da Marinha no dia 29. Ela entregou carga para Saipan e Guam e partiu de Guam em 23 de dezembro para a costa leste dos Estados Unidos. O escultor chegou a Baltimore em 21 de fevereiro de 1946 e foi desativado lá em 26 de fevereiro. O navio foi devolvido à Comissão Marítima em 8 de março e retirado da lista da Marinha em 12 de março de 1946. Em 1947, foi vendido a uma empresa de navegação grega como Dimosthenis Pantaleon, nome sob cujo nome permaneceu em serviço até 1970.


Escultura Moderna: Uma Introdução à História da Arte

Aumente suas habilidades de análise visual à medida que aprende a descrever e aprender com as obras de arte de esculturas públicas da Universidade de York.

4,686 matriculado neste curso

Escultura Moderna: Uma Introdução à História da Arte

4,686 matriculado neste curso


Esculpido em metal, histórias de história e identidade tomam forma

Obras de Melvin Edwards são comemoradas em uma pesquisa realizada no City Hall Park, em Manhattan.

A escultura, feita de aço inoxidável vermelho e correntes, pedras e balanços. Os comprimentos dos elos - alguns enferrujados, outros da prata brilhante do aço galvanizado - ondulam ao vento. Perto dali, uma escultura muito diferente também assume a forma de uma corrente, desta vez representada em escala maciça, com os elos cortados e espalhados.

Essas esculturas, "Homage to Coco" (1970) e "Song of the Broken Chains" (2020), são o trabalho do artista Melvin Edwards, 84. Feitas com cinco décadas de diferença, elas estão se reunindo no City Hall Park em Manhattan, em uma exposição da escultura pública do Sr. Edwards. Chamado de “Dias mais brilhantes”, ele vai até 28 de novembro.

A exposição, cuja inauguração coincide com a feira de arte Frieze New York que começa quinta-feira em Hudson Yards, está sendo destacada como parte do tributo da feira ao Vision & amp Justice Project e sua fundadora, Sarah Elizabeth Lewis. O trabalho do Sr. Edwards toca na missão do projeto de “examinar o papel central da arte na compreensão da relação entre raça e cidadania nos Estados Unidos”.

Um passeio pela mostra de esculturas foi planejado, e a Alexander Gray Gallery está exibindo um modelo para "Song of the Broken Chains" e uma seleção da série Lynch Fragments do Sr. Edwards, bem como vários outros trabalhos, em seu Frieze Estande de Nova York.

Esta mostra de seis esculturas é a primeira exposição temática de pesquisa do trabalho de Edwards, que muitas vezes aborda questões da história e identidade negra no espaço público da cidade. Vários de seus trabalhos estão em exibição permanente em Nova York, bem como em todos os Estados Unidos, e em Cuba, Senegal e Japão.

“Seu trabalho é em parte sobre essa junção do abstrato com ícones representacionais como cadeias, de modo que muitas das obras são simultaneamente abstratas e não abstratas”, disse o curador Daniel S. Palmer do Public Art Fund, que organizou a exposição.

“Ele estava chegando nos anos 60, quando havia dúvidas sobre o papel da abstração. Como você simultaneamente tem formas abstratas, mas também símbolos que tratam de questões como raça, trabalho e diáspora africana? Mel faz um trabalho incrível juntando e unindo estes. ”

Ao longo dos anos, o Sr. Edwards trabalhou com uma variedade de materiais, incluindo arame farpado, pontas e correntes, aos quais ele voltou repetidamente com lentes diferentes. Às vezes, como em “Homage to Coco”, essas são cadeias literais, usadas como parte da própria obra em outros casos, como em “Song of the Broken Chains”, as cadeias são exploradas metaforicamente.

“Como escultor que trabalha com aço, estou trabalhando na tradição dos ferreiros e metalúrgicos”, disse Edwards em uma entrevista por telefone no final de abril. “A ideia de fazer correntes, originalmente, era fazer uma corda mais forte e flexível para conectar as coisas. Freqüentemente, quando as pessoas falam com um artista de ascendência afro-americana, elas presumem que correntes têm a ver com escravidão. Essa é uma ideia limitada das cadeias. Não digo que não esteja aí, porque está, mas não começa aí. ”

“Homenagem a Coco”, por exemplo, começava com a lembrança de uma cadeira de balanço que pertencera a sua avó, Cora Anne Nickerson, a quem ele chamava de Coco. O Sr. Edwards, que nasceu em Houston em 1937, disse que quando ele era jovem, sua avó tinha um par de cadeiras - uma de balanço e a outra não. Ao pensar sobre as ideias de movimento na escultura mais tarde na vida, a memória de brincar com a cadeira de balanço voltou à sua mente.

“É realmente a dinâmica, a dinâmica física, que me lembrei”, disse ele. “Ao pesquisar as possibilidades da escultura cinética, eu não queria fazer nada como um Calder. É simétrico quando a peça está em repouso e, conforme você a move, ela fica desequilibrada. As correntes são flexíveis, mudam a dinâmica do balanço. ” (Nesta instalação, a escultura está presa e não pode balançar, mas os elos da corrente estão frouxos e podem balançar.)

A exposição no City Hall Park, que foi atrasada quase um ano, oferece uma rara oportunidade de ver uma exposição de seis esculturas públicas de um único artista, todas menos uma produzida entre 1970 e 1996. “Song of the Broken Chains” foi encomendado em 2020 pelo Fundo de Arte Pública.

“‘ Song of the Broken Chains ’é uma corrente, como vimos em outras obras, mas cresceu a uma escala monumental”, disse Palmer. “É realmente uma peça poderosa, com temas de libertação e ruptura. Tem a perspectiva de um artista que trabalha com este motivo há anos, que pensou sobre o potencial da escultura pública monumental em grande escala para abordar questões culturais e sociais significativas. ”

Como parte da Frieze, mais de 50 galerias e salas de exibição online estão ajudando a honrar o Vision & amp Justice Project. Trabalhos de Carrie Mae Weems e Hank Willis Thomas foram encomendados e uma série de exibições, palestras e publicações estão programadas.

“O City Hall Park tem uma enorme ressonância histórica com essas obras”, disse Palmer. É ao mesmo tempo o coração administrativo da cidade e o local dos recentes protestos Occupy City Hall e Black Lives Matter. Foi um dos primeiros lugares onde a Declaração da Independência foi lida publicamente. Foi também, durante o século 18, parte do local do Cemitério Africano, o maior cemitério da era colonial para afrodescendentes, alguns livres e outros escravos.

“Acho que esse espaço realmente foi extremamente importante para nós como cidade, e é significativo para enfrentar a questão racial neste país e nesta cidade”, disse Palmer.

O parque também funciona como um tipo particular de espaço de lazer onde se pode, como disse Edwards, encontrar “um descanso da estrutura das cidades” enquanto faz uma pausa para almoçar, encontrar amigos ou talvez parar para ver arte.

“Quando eu faço um trabalho em público, não é como um semáforo, onde você faz as pessoas irem, pausarem ou pararem. Está lá e é visual, e se as circunstâncias entre a pessoa e o trabalho estiverem certas, talvez eles parem e prestem atenção. ”


Ferramentas e técnicas de escultura

As ferramentas usadas para esculpir diferem com o material a ser esculpido. A pedra é esculpida principalmente com ferramentas de aço que se assemelham a cinzéis frios. Para arrancar os cantos e ângulos de um bloco, uma ferramenta chamada jarro é cravada na superfície com um pesado martelo de ferro. O jarro é uma ferramenta grossa, semelhante a um cinzel, com uma ampla borda chanfrada que quebra em vez de cortar a pedra. A ponta pesada então faz o desbaste principal, seguido pela ponta fina, que pode ser utilizada até uma curta distância da superfície final. Essas ferramentas pontiagudas são marteladas na superfície em um ângulo que faz com que a pedra se quebre em lascas de tamanhos variados. Os cinzéis em forma de garra, que possuem bordas dentadas, podem então ser trabalhados em todas as direções sobre a superfície, removendo a pedra na forma de grânulos e, assim, refinando as formas da superfície. Os cinzéis planos são usados ​​para o acabamento do entalhe da superfície e para o corte de detalhes nítidos. Existem muitas outras ferramentas especiais, incluindo goivas de pedra, brocas, martelos dentados (conhecidos como bujardas ou bouchardes) e, muitas vezes usadas hoje, ferramentas pneumáticas motorizadas, para bater a superfície da pedra. A superfície pode ser polida com uma variedade de processos e materiais.

Como os entalhadores medievais trabalhavam principalmente com pedras mais macias e faziam grande uso de cinzéis planos, seu trabalho tende a ter uma qualidade de corte irregular e ser livre e profundamente esculpido. Em contraste, está o trabalho feito em pedras duras por pessoas que não tinham ferramentas de metal duras o suficiente para cortar a pedra. A escultura em granito egípcio, por exemplo, era produzida principalmente por abrasão, isto é, batendo na superfície e esfregando-a com materiais abrasivos. O resultado é uma escultura compacta, não profundamente escavada, com bordas suavizadas e superfícies fluidas. Geralmente tem um alto grau de apelo tátil.

Embora o processo de escultura seja fundamentalmente o mesmo para madeira ou pedra, a estrutura física da madeira exige ferramentas de um tipo diferente. Para o primeiro bloqueio de uma escultura em madeira, um escultor pode usar serras e machados, mas suas principais ferramentas são uma ampla gama de goivas de entalhador. A borda afiada e curva de uma goiva corta facilmente os feixes de fibra e, quando usada corretamente, não racha a madeira. Os cinzéis planos também são usados, especialmente para esculpir detalhes nítidos. Raspas de madeira ou limas grossas e lixas podem ser usadas para dar à superfície um acabamento liso ou, se preferir, pode ser deixada com uma aparência facetada e cinzelada. As ferramentas de entalhe em madeira têm cabos de madeira e são marcadas com macetes redondos de madeira. Os escultores de madeira africanos usam uma variedade de enxós em vez de goivas e marretas. O marfim é esculpido com uma variedade de serras, facas, limas, cinzéis, brocas e raspadores.


Sculpture Collector # 1 compra, venda, revenda, lista de corretores segura

O colecionador de esculturas aprecia e aprecia a escultura, sua beleza e mensagem, e o que ela oferece aos escultores-artistas e colecionadores do mundo. As vendas e o marketing de esculturas por meio da Compra e Venda de Esculturas Famosas é o único foco da SculptureCollector.com.

Deixe SculptureCollector.com trabalhar pessoalmente com você na compra e venda de sua Escultura / Objetos Esculturais / Arte!

A realidade ou representação verdadeira da escultura é o foco principal do SculptureCollector.com - nossas ofertas de escultura são reais, examinadas e não deturpadas.

Nosso serviço de compra e venda em SculptureCollector.com é ambos seguro, privado, pessoal e transparente para nossos compradores e vendedores.

A escultura explicou e falou sobre ...

A escultura é uma parábola em três dimensões, um símbolo de uma experiência espiritual e um meio de transmitir a verdade, concentrando sua essência em forma visível.
& # 8211 Malvina Hoffman

Escultura por dentro e por fora, de Malvina Hoffman (1885-1966) explora a escultura e seu poder de comunicação como linguagem universal. Seja olhando para o rosto sereno de um antigo deus ateniense, para a abstração elegante de Constantin Brancusi de um pássaro, para os amantes evocativos de Auguste Rodin ou para o monumental Bronco Buster de Alexander Phimister Proctor situado contra o horizonte de Denver, essas esculturas "falam" conosco ao longo de muitos séculos. tantos continentes e culturas. Subjacentes a eles estão expressões atemporais de emoções universais - a cola que nos une como seres humanos neste planeta maravilhoso que chamamos de Terra.

A história das esculturas, argumentada por muitas pessoas, é a história da humanidade. Quer as formas esculturais sejam realistas ou abstratas, não objetivas ou expressionistas, a escultura hoje, como em tempos e lugares passados, responde à vida. Não é uma imitação de vida, mas sim uma interpretação. E onde quer que a escultura seja colocada ou localizada - em um jardim ao ar livre, em um foyer ou nicho, ou em um manto ou pedestal - ela articula o espaço ao seu redor, avivando a vista. Uma grande escultura é um objeto de convivência, iluminando cada dia com uma renovada sensação de emoção. Simplesmente, ele muda o ambiente em que reside & # 8230

*Lembre-se sempre de que, seja você um comprador ou vendedor de escultura & # 8211 A escultura é um presente para todos os que desfrutaram e para todos aqueles que irão desfrutar. Afinal, a escultura resiste ao teste do tempo & # 8230


Primário

Ao longo da história, a pedra foi o principal material da escultura monumental. Existem razões práticas para isso: muitos tipos de pedras são altamente resistentes às intempéries e, portanto, adequadas para uso externo, a pedra está disponível em todas as partes do mundo e pode ser obtida em grandes blocos muitas pedras têm uma textura bastante homogênea e uma dureza uniforme que os tornam adequados para esculpir pedra tem sido o principal material usado para a arquitetura monumental à qual tantas esculturas têm sido associadas.

Pedras pertencentes a todas as três categorias principais de formação rochosa foram usadas na escultura. Rochas ígneas, que são formadas pelo resfriamento de massas fundidas de minerais à medida que se aproximam da superfície da Terra, incluem granito, diorito, basalto e obsidiana. Estas são algumas das pedras mais duras usadas para escultura. Rochas sedimentares, que incluem arenitos e calcários, são formadas a partir de depósitos acumulados de substâncias minerais e orgânicas. Os arenitos são aglomerados de partículas de pedra erodida mantidas juntas por uma substância cimentante. Os calcários são formados principalmente a partir de restos calcários de organismos. O alabastro (gesso), também uma rocha sedimentar, é um depósito químico. Muitas variedades de arenito e calcário, que variam muito em qualidade e adequação para entalhe, são usadas para escultura. Por causa de seu método de formação, muitas rochas sedimentares têm estratos pronunciados e são ricas em fósseis.

As rochas metamórficas resultam de mudanças provocadas na estrutura das rochas sedimentares e ígneas por extrema pressão ou calor. As rochas metamórficas mais conhecidas usadas na escultura são os mármores, que são calcários recristalizados. O mármore italiano de Carrara, o mais conhecido, foi usado por escultores romanos e renascentistas, especialmente Michelangelo, e ainda é muito utilizado. As variedades mais conhecidas usadas pelos escultores gregos, com os quais o mármore era mais popular do que qualquer outra pedra, são a pentélica - a partir da qual o Partenon e sua escultura são feitos - e a pariana.

Como a pedra é extremamente pesada e não tem resistência à tração, ela é facilmente fraturada se for esculpida de maneira muito fina e não estiver bem apoiada. Um tratamento massivo sem projeções vulneráveis, como na escultura egípcia e pré-colombiana de índios americanos, é, portanto, geralmente preferido. Algumas pedras, no entanto, podem ser tratadas com mais liberdade e o mármore em particular foi tratado por alguns escultores europeus com quase a mesma liberdade que o bronze, mas essas exibições de virtuosismo são alcançadas pela superação, em vez de se submeterem às propriedades do próprio material.

As cores e texturas da pedra estão entre suas propriedades mais deliciosas. Algumas pedras são de granulação fina e podem ser esculpidas com detalhes delicados e acabadas com alto polimento, outras são de granulação grossa e exigem um tratamento mais amplo. O mármore de Carrara branco puro, de qualidade translúcida, parece brilhar e responder à luz de maneira delicada e sutil. (Essas propriedades do mármore foram brilhantemente exploradas por escultores italianos do século 15, como Donatello e Desiderio da Settignano.) A coloração do granito não é uniforme, mas tem uma qualidade de sal e pimenta e pode brilhar com cristais de mica e quartzo. Pode ser predominantemente preto ou branco ou uma variedade de tons de cinza, rosa e vermelhos. Os arenitos variam em textura e geralmente são coloridos em uma variedade de tons de amarelo, rosa e vermelho. As pedras calcárias variam muito em cor, e a presença de fósseis pode aumentar o interesse de suas superfícies. Várias pedras são ricamente variadas em cores pelos veios irregulares que as atravessam.

As pedras duras, ou pedras semipreciosas, constituem um grupo especial, que inclui algumas das mais belas de todas as substâncias. O trabalho dessas pedras, junto com o trabalho de gemas mais preciosas, é geralmente considerado como parte das artes glípticas (entalhe ou gravura de gemas), ou lapidárias, mas muitos artefatos produzidos a partir delas podem ser considerados esculturas em pequena escala. Freqüentemente, são mais difíceis de trabalhar do que o aço. Entre as pedras duras usadas para escultura está o jade, que era venerado pelos antigos chineses, que o trabalhavam, junto com outras pedras, com extrema habilidade. Também foi usado esculturalmente por artistas maias e mexicanos. Outras pedras duras importantes são cristal de rocha, quartzo rosa, ametista, ágata e jaspe.

Principal material de escultura na África, Oceania e América do Norte, a madeira também foi usada por todas as grandes civilizações; foi usada extensivamente durante a Idade Média, por exemplo, especialmente na Alemanha e na Europa central. Entre os escultores modernos que usaram a madeira para obras importantes estão Ernst Barlach, Ossip Zadkine e Henry Moore.

Tanto madeiras duras quanto macias são usadas para escultura. Alguns são de grão fechado e cortam como queijo, outros são abertos e fibrosos. A estrutura fibrosa da madeira confere-lhe considerável resistência à tração, de modo que pode ser esculpida de maneira fina e com maior liberdade do que a pedra. Para composições abertas grandes ou complexas, várias peças de madeira podem ser unidas. A madeira é usada principalmente para esculturas de interiores, pois não é tão resistente ou durável quanto as mudanças de umidade e temperatura da pedra podem causar rachaduras e está sujeita ao ataque de insetos e fungos. O veio da madeira é uma das suas características mais atrativas, conferindo variedade de padrões e texturas às suas superfícies. Suas cores também são sutis e variadas. Em geral, a madeira tem um calor que a pedra não tem, mas carece da dignidade maciça e do peso da pedra.

As principais madeiras para escultura são carvalho, mogno, lenha, nogueira, olmo, pinho, cedro, buxo, pêra e ébano, mas muitas outras também são usadas. Os tamanhos de madeira disponíveis são limitados pelos tamanhos das árvores. Os índios norte-americanos, por exemplo, poderiam esculpir totens gigantescos em pinho, mas o buxo está disponível apenas em pequenos pedaços.

No século 20, a madeira foi usada por muitos escultores como meio de construção e entalhe. Madeiras laminadas, placas de aglomerado e madeira em blocos e pranchas podem ser coladas, unidas, aparafusadas ou aparafusadas e receber uma variedade de acabamentos.

Onde quer que as tecnologias de metal tenham sido desenvolvidas, os metais foram usados ​​para esculturas. A quantidade de escultura de metal que sobreviveu do mundo antigo não reflete adequadamente a extensão em que foi usada, pois grandes quantidades foram saqueadas e derretidas. Incontáveis ​​esculturas de metal antigas foram perdidas dessa maneira, assim como quase todas as peças de ouro dos índios americanos pré-colombianos.

O metal mais usado para escultura é o bronze, que é basicamente uma liga de cobre e estanho, mas ouro, prata, alumínio, cobre, latão, chumbo e ferro também têm sido amplamente usados. A maioria dos metais é extremamente forte, dura e durável, com uma resistência à tração que permite uma liberdade de design muito maior do que a possível em pedra ou madeira. Uma figura de bronze em tamanho natural que está firmemente presa a uma base não precisa de suporte além de seus próprios pés e pode até mesmo se apoiar em um pé. Uma atenuação considerável da forma também é possível sem risco de fratura.

A cor, o brilho brilhante e a refletividade das superfícies metálicas foram altamente valorizadas e amplamente utilizadas na escultura, embora, desde a Renascença, as pátinas artificiais tenham sido geralmente preferidas como acabamentos para o bronze.

Os metais podem ser trabalhados de várias maneiras para produzir esculturas. Eles podem ser fundidos - isto é, derretidos e despejados em moldes espremidos sob pressão em matrizes, como na fabricação de moedas ou trabalhados diretamente - por exemplo, martelando, dobrando, cortando, soldando e repuxando (martelado ou prensado em relevo).

Tradições importantes da escultura em bronze são grega, romana, indiana (especialmente Chola), africana (Bini e ioruba), renascimento italiano e chinês. O ouro foi usado com grande efeito em obras de pequena escala na América pré-colombiana e na Europa medieval. Uma descoberta bastante recente, o alumínio tem sido muito usado por escultores modernos. O ferro não tem sido muito usado como material de fundição, mas nos últimos anos tornou-se um material popular para o trabalho direto por meio de técnicas semelhantes às do ferreiro. A chapa metálica é um dos principais materiais usados ​​hoje em dia para a escultura de construção. O aço inoxidável em folha foi usado com eficácia pelo escultor americano David Smith.

A argila é um dos materiais mais comuns e facilmente obtidos. Usado para modelar figuras de animais e humanos muito antes de os homens descobrirem como fazer fogo em potes, tem sido um dos principais materiais do escultor desde então.

A argila tem quatro propriedades que explicam seu uso generalizado: quando úmida, é uma das substâncias mais plásticas, facilmente modelada e capaz de registrar as impressões mais detalhadas quando parcialmente seca a um estado de couro duro ou completamente seca, ela pode ser esculpido e raspado quando misturado com água suficiente, torna-se um líquido cremoso conhecido como deslizamento, que pode ser derramado em moldes e secar quando queimado em temperaturas entre 700 e 1.400 ° C (1.300 e 2.600 ° F), sofre alterações estruturais irreversíveis que o tornam permanentemente duro e extremamente durável.

Os escultores usam argila como material para desenvolver ideias para modelos preliminares que são posteriormente fundidos em materiais como gesso, metal e concreto ou esculpidos em pedra e para escultura em cerâmica.

Dependendo da natureza do próprio corpo de argila e da temperatura na qual é cozido, um produto de cerâmica acabado é dito ser uma cerâmica, que é opaca, relativamente macia e porosa, que é dura, não porosa e mais ou menos vitrificada ou porcelana, de textura fina, vitrificada e translúcida. Todos os três tipos de cerâmica são usados ​​para escultura. A escultura feita em argilas de queima baixa, principalmente argilas amareladas e vermelhas, é conhecida como terracota (terra cozida). Este termo é usado inconsistentemente, no entanto, e muitas vezes é estendido para cobrir todas as formas de escultura em cerâmica.

Os corpos de argila não vidrados podem ter textura lisa ou áspera e podem ser de cor branca, cinza, amarelo-claro, marrom, rosa ou vermelho. A escultura em cerâmica pode ser decorada com qualquer uma das técnicas inventadas pelos oleiros e revestida com uma variedade de belos esmaltes.

Escultores paleolíticos produziram relevos e trabalhos circulares em argila crua. Os antigos chineses, especialmente durante as dinastias Tang (618-907 dC) e Song (960-1279 dC), fizeram esculturas de cerâmica soberbos, incluindo figuras humanas em grande escala. As obras gregas mais conhecidas são as figuras e grupos íntimos de pequena escala de Tanagra. Os escultores-ceramistas mexicanos e maias produziram figuras vigorosas e modeladas diretamente. Durante o Renascimento, a cerâmica foi usada na Itália para grandes projetos escultóricos, incluindo as esculturas vidradas e coloridas em grande escala de Luca della Robbia e sua família, que estão entre as melhores obras do meio. Um dos usos mais populares do meio de cerâmica tem sido para a fabricação de estatuetas - em Staffordshire, Meissen e Sèvres, por exemplo.

A principal fonte de marfim são as presas de elefante, mas a morsa, o hipopótamo, o narval (um animal aquático do Ártico) e, nos tempos paleolíticos, as presas de mamute também eram usadas para esculturas. O marfim é denso, duro e difícil de trabalhar. Sua cor é o branco cremoso, que geralmente amarelece com a idade e exigirá um alto polimento. Uma presa pode ser serrada em painéis para entalhe em relevo ou em blocos para entalhar em forma redonda ou a forma da própria presa pode ser usada. As propriedades físicas do material convidam à escultura mais delicada e detalhada, e exibições de virtuosismo são comuns.

O marfim foi usado extensivamente na Antiguidade no Oriente Médio e Extremo Oriente e no Mediterrâneo. Uma tradição cristã quase ininterrupta de escultura em marfim vai de Roma e Bizâncio ao final da Idade Média. Durante todo esse tempo, o marfim foi usado principalmente em relevo, muitas vezes em conjunto com metais preciosos, esmaltes e pedras preciosas para produzir os efeitos mais esplêndidos. Alguns de seus principais usos escultóricos eram para dípticos devocionais, altares portáteis, capas de livros, retábulos (prateleiras elevadas sobre altares), caixões e crucifixos. O período barroco também é rico em marfim, especialmente na Alemanha. Uma boa tradição de escultura em marfim também existia no Benin, um antigo reino da África Ocidental.

Relacionados ao marfim, chifre e osso têm sido usados ​​desde os tempos paleolíticos para esculturas em pequena escala. Chifre de caribu e presas de morsa eram dois dos materiais mais importantes do entalhador Inupiaq e Inuit. Um dos melhores de todos os "marfins" medievais é uma escultura em osso de baleia, A Adoração dos Magos.

O gesso (sulfato de cal) é especialmente útil para a produção de moldes, moldes e modelos preliminares. Foi usado por escultores egípcios e gregos como meio de fundição e hoje é o material mais versátil na oficina do escultor.

Quando misturado com água, o gesso em pouco tempo se recristaliza, ou endurece - isto é, fica duro e inerte - e seu volume aumenta ligeiramente. Quando definido, é relativamente frágil e sem caráter e, portanto, de uso limitado para o trabalho acabado. O gesso pode ser derramado como um líquido, modelado diretamente quando tiver uma consistência adequada ou facilmente esculpido depois de endurecido. Outros materiais podem ser adicionados para afrouxar sua pega, para aumentar sua dureza ou resistência ao calor, para mudar sua cor ou para reforçá-la.

No passado, o principal uso escultural do gesso era para moldar e fundir modelos de argila como um estágio na produção de esculturas em metal fundido. Muitos escultores hoje omitem o estágio de modelagem em argila e modelam diretamente em gesso. Como material de molde na fundição de esculturas de concreto e fibra de vidro, o gesso é amplamente utilizado. Tem grande valor como material de reprodução de esculturas existentes, muitos museus, por exemplo, usam esses moldes para fins de estudo.


O que torna a Sculpture in the South uma grande organização?

• Crie um Museu Público de Escultura
• Trabalho de amor contínuo
• Enriquecendo nossa comunidade desde 1998!
• Demonstrações de escultura
• Facilitar compras
• Apresentações informativas e interativas
• Localize o Escultor / Escultura "Certo" com nosso novo Vitrine de escultura local na rede Internet.
• Visite nosso Página do Facebook

Jim Reaves
Diretor Executivo, Escultura no Sul

• Clique no botão verde • Junte-se a nossos esforços • Garanta que nossos projetos continuem


Območje južno od Kita em Vodnarja je leta 270 pr. n. št. poimenoval Arat kot Vode - področje raztresenih zvezd, od katerih izstopata le dve svetlejši zvezdi. Professor astrônomo Bradley Schaefer je domneval, da sta te dve zvezdi najverjetneje Alfa em Delta Kiparja. [1]

Astrônomo Francoski Nicolas-Louis de Lacaille je prvi opisal ozvezdje v francoščini kot l'Atelier du Sculpteur (kiparjev atelje) leta 1751–52, [2] [3] kjer je upodobil mizo s tremi nogami z izklesano glavo na vrhu ter kladivo em dve dleti na kosu marmorja ob njej. [4] De Lacaille je med svojim dvoletnim postankom na Rtu dobrega upanja opazoval in katalogiral skoraj 10.000 južnih zvezd, poimenoval pa je tudi novih štirinajst ozvezdij v neraziskanih področjih ki nebažneh zvezd, poimenoval pa je tudi novih štirinajst ozvezdij v neraziskanih področjih ki nebažneidnaesne poloble. Poimenoval je vse, razen enega v čast instrumentom, ki so simbolizirali Razsvetljenstvo. [a] [5]

Kipar je majhno ozvezdje, ki meji na severu na Vodnarja em Kita, na vzhod na Peč, na jarra na Feniksa, na jugozahod na Žerjava na zahodu na Južno ribo. Blizu je tudi svetla zvezda Fomalhaut. [6] Tričrkovna oznaka ozvezdja, ki jo je sprejela Mednarodna astronomska zveza leta 1922, je "Scl". [7] Uradne meje ozvezdja, ki jih je definiral Eugène Delporte leta 1930, [b] so definirane kot poligon 6 segmentov. V ekvatorialnem koordinatnem sistemu ležijo koordinate rektascenzije teh mej med 23 h 06,4 m em 01 h 45,5 m, medtem koordinate deklinacije ležijo med −24,80 ° em −39,37 °. [9] Celotno ozvezdje je vidno le opazovalcem, ki so južneje od širine 50 ° S. [c]

Zvezde Uredi

V Kiparju se nahaja nobena zvezda, ki bi bila svetlejša od 3. magnitude. To se da razložiti z dejstvom, da se v Kiparju nahaja južni galaktični pol, [12] kjer je gostota zvezd zelo nizka. A v ozvezdju se kljub temu nahaja 56 zvezd, ki so svetlejše ali enake navidezni magnitudi 6,5. [d]

Najsvetlejša zvezda je Alfa Kiparja, spremenljivka tipa SX Ovna s spektralnim tipom B7IIIp in navidezno magnitudo 4,3. [14] Od Zemlje je oddaljena 780 ± 30 svetlobnih let. [15]

Eta Kiparja je rdeča orjakinja s spektralnim tipom M4III, ki spreminja svojo magnitudo na intervalu 4,8 do 4,9. Para dela z več različnimi periodami, ki so 22,7, 23,5, 24,6, 47,3, 128,7 em 158,7 dni. [16] Predvideva se, da je okoli 1.082-krat svetlejša od Sonca. [17] Od Zemlje je oddaljena 460 ± 20 svetlobnih let. [18]

R Kiparja je rdeča orjakinja, ki je obdana s spiralami materiala, ki je bil izbruhan pred 1800 leti. Od Zemlje je oddaljena 1.440 ± 90 svetlobnih let. [19]

Astronomska skupnost Južne Afrike je leta 2003 poročala, da so opazovanja spremenljivk tipa Mire T, U, V in X Kiparja zelo nujne, saj so njihove svetlobne krivulje zelo nepopolne. [20]

Telesa globokega Vesolja Uredi

Ozvezdje vsebuje tudi Kiparjevo pritlikavo galaksijo, pritlikavo galaksijo, ki je članica Krajevne skupine, pa tudi Kiparjeve skupine, skupine galaksij, ki je najbližja Krajevni skupini. Kiparjeva galaksija (NGC 253) je spiralna galaksija s prečko in največja članica te skupine. Leži blizu meje med Kiparjem in Kitom. Opazna članica skupine je tudi nepravilna galaksija NGC 55.

Posebna galaksija v Kiparju je Cartwheelova galaksija. Od nas je oddaljena 500 milijonov svetlobnih let. Cartwheelova galaksija ima skorjo iz starejših, rumenih zvezd in zunanji obroč iz mlajših, modrih zvezd, kar je rezultat trčenja pred okoli 300 milijoni let. Zunanji obroč je velik 100.000 svetlobnih let. Manjša galaksija v trčenju je sedaj vključena v skorjo, odkar se je pomikala na razdalji 250.000 svetlobnih let. Valovi, ki so nastali pri trčenju, so v zunanjem obroču zagnali močno rojevanje zvezd. [21]

Sculptor (AK-103) je bila ladja Vojne mornarice ZDA razreda Crater, ki je bila poimenovana po latinski (in tudi angleški) različici imena.


7 Things You May Not Know About the Sistine Chapel

1. Michelangelo wanted nothing to do with the Sistine Chapel’s ceiling.
In 1508, 33-year-old Michelangelo was hard at work on Pope Julius II’s marble tomb, a relatively obscure piece now located in Rome’s San Pietro in Vincoli church. When Julius asked the esteemed artist to switch gears and decorate the Sistine Chapel’s ceiling, Michelangelo balked. For one thing, he considered himself a sculptor rather than a painter, and he had no experience whatsoever with frescoes. He also had his heart set on finishing the tomb, even as funding for the project dwindled. Nevertheless, Michelangelo reluctantly accepted the commission, spending four years of his life perched on scaffolding with his brush in hand. He would return intermittently to Julius’ monumental tomb over the next few decades.

The Sistine Chapel ceiling’s most famous panel, entitled “The Creation of Adam.”

2. Contrary to popular belief, Michelangelo painted the Sistine Chapel in a standing position.
When they picture Michelangelo creating his legendary frescoes, most people assume he was lying down. But in fact, the artist and his assistants used wooden scaffolds that allowed them to stand upright and reach above their heads. Michelangelo himself designed the unique system of platforms, which were attached to the walls with brackets. The impression that Michelangelo painted on his back might come from the 1965 film “The Agony and the Ecstasy,” in which Charlton Heston portrayed the genius behind the Sistine Chapel’s ceiling.

Sections of the Sistine Chapel’s ceiling.

3. Working on the Sistine Chapel was so unpleasant that Michelangelo wrote a poem about his misery.
In 1509, an increasingly uncomfortable Michelangelo described the physical strain of the Sistine Chapel project to his friend Giovanni da Pistoia. “I’ve already grown a goiter from this torture,” he wrote in a poem that was surely somewhat tongue-in-cheek. He went on to complain that his “stomach’s squashed under my chin,” that his � makes a fine floor for droppings,” that his “skin hangs loose below me” and that his “spine’s all knotted from folding myself over.” He ended with an affirmation that he shouldn’t have changed his day job: “I am not in the right place—I am not a painter.”

4. Michelangelo’s masterpiece has proven highly resilient.
The Sistine Chapel’s frescoed ceiling has held up remarkably well in the five centuries since its completion. Only one small component is missing: part of the sky in the panel depicting Noah’s escape from the great biblical flood. The section of painted plaster fell to the floor and shattered following an explosion at a nearby gunpowder depot in 1797. Despite the ceiling’s apparent hardiness, experts worry that foot traffic from the millions of people who visit the Sistine Chapel each year continues to pose a serious threat.

5. Michelangelo’s Sistine Chapel art was touched up𠅊nd stripped down—in the 1980s and 1990s.
Between 1980 and 1999, experts restored selected artwork in the Sistine Chapel, including Michelangelo’s ceiling and his famed fresco known as “The Last Judgment,” which he created in his later years. Specialists meticulously dissolved layers of grime, soot and deposits, substantially brightening the colors of the centuries-old paintings. The restoration also undid the work of Pope Pius IV, who ordered the placement of fig leaves and loincloths on Michelangelo’s nudes during the 1560s.

6. The Sistine Chapel ceiling’s most famous panel might depict a human brain.
In the section entitled “The Creation of Adam,” figures representing God and Adam reach for each other with their arms outstretched. Their almost-touching fingers are one of the world’s most recognizable and widely replicated images. Some theorists think the scene also contains the unmistakable outline of a human brain, formed by the angels and robes surrounding God. According to Frank Lynn Meshberger, a doctor who pioneered this hypothesis, Michelangelo meant to evoke God’s bestowal of intelligence on the first human.

7. New popes are elected in the Sistine Chapel.
Built in the 1470s under Pope Sixtus IV, from whom it takes its name, the Sistine Chapel is more than just Vatican City’s most popular tourist destination. In fact, it serves a crucial religious function. Beginning in 1492, the simple brick building has hosted numerous papal conclaves, during which cardinals gather to vote on a new pope. A special chimney in the roof of the chapel broadcasts the conclave’s results, with white smoke indicating the election of a pope and black smoke signaling that no candidate has yet received a two-thirds majority.


Bertel Thorvaldsen

Nossos editores irão revisar o que você enviou e determinar se o artigo deve ser revisado.

Bertel Thorvaldsen, Thorvaldsen also spelled Thorwaldsen, (born Nov. 19, 1770, or Nov. 13, 1768, Copenhagen, Den.—died March 24, 1844, Copenhagen), sculptor, prominent in the Neoclassical period, who was the first internationally acclaimed Danish artist. Prominent in Roman intellectual and artistic circles, he influenced many emerging artists from Europe and the United States.

Thorvaldsen was the son of an Icelandic wood-carver who had settled in Denmark. He studied at the Copenhagen Academy and won a traveling scholarship to Rome, where he was to live most of his life. In Italy the prevailing enthusiasm for classical sculpture fired his imagination so much that he later celebrated the date of his arrival in 1797 as his “Roman birthday.” The success of Thorvaldsen’s model for a statue of Jason (1803) attracted the attention of the Italian sculptor Antonio Canova and launched Thorvaldsen on one of the most successful careers of the 19th century. When he returned to visit Copenhagen in 1819, his progress through Europe, in Berlin, Warsaw, and Vienna, was like a triumphal procession. His return from Rome in 1838, when he eventually decided to settle in Copenhagen, was regarded as a national event in Danish history. A large portion of his fortune went to the endowment of a Neoclassical museum in Copenhagen (begun in 1839), designed to house his collection of works of art, the models for all his sculptures by his own wish, Thorvaldsen was to be buried there.

Most of Thorvaldsen’s most characteristic sculptures are reinterpretations of the figures or themes of classical antiquity. The Alexander frieze of 1812 in the Palazzo del Quirinale, Rome, modeled in only three months in anticipation of a visit by Napoleon, is an example of the feverish energy with which he could at times work. Religious sculptures include the colossal series of statues of Christ and the Twelve Apostles (1821–27) in the Vor Frue Kirke in Copenhagen. He also made numerous portrait busts of distinguished contemporaries.


Assista o vídeo: SDM AK-103 review ft. 9-Hole Reviews (Outubro 2021).