Notícia

Contrapposto

Contrapposto

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Uma breve explicação do termo "contrapposto" comparando duas esculturas gregas antigas: o Kouros de Nova York e uma cópia Doryphoros (ou Spear Bearer) de Polykleitos.

Oradores: Dr. Steven Zucker e Dra. Beth Harris


Os antigos gregos inventaram a postura Contrapposto no início do século V AC. Surgiu como uma alternativa às esculturas gregas de Kouros, em que as figuras são vistas de frente com peso uniforme em ambas as pernas e um pé ligeiramente à frente do outro, que tinha uma qualidade rígida e rígida. Um dos primeiros exemplos da pose do Contrapposto pode ser visto na antiga escultura grega de Dosyphoros (Spear Bearer), feito por volta de 450-440 aC, o que revelou como a posição curva poderia dar à escultura uma qualidade muito mais natural e realista. Problemas de equilíbrio apresentam desafios técnicos, que muitos artistas superam adicionando acessórios para figuras em que se apoiar. Nos séculos seguintes, o estilo continuou a se tornar popular, aparecendo tanto em figuras drapeadas quanto nuas, mas se perdeu na idade das trevas.

Durante o Renascimento italiano e o período maneirista, vários artistas reviveram a pose clássica, batizando-a de Contrapposto, que avivaram na pintura e escultura com um maior conhecimento da anatomia humana. Várias representações do personagem David, primeiro por Verrocchio, depois Donatello e posteriormente por Michelangelo, revelam uma evolução do estilo Contrapposto à medida que se tornou mais elaborado, exagerado e anatomicamente preciso, culminando na icônica escultura da Alta Renascença de Michelangelo, que combina um corpo fluente em forma de S com um poderoso senso de força muscular e valor.

Essas poses também apareceram em pinturas renascentistas e maneiristas, onde figuras únicas e múltiplas receberam dinamismo e energia por meio de poses torcidas que sugeriam movimento, como visto na expressão tímida de Ticiano Vênus erguendo-se do mar, 1520 e o energizado Diana e Callisto, 1556-59, onde figuras cuidadosamente modeladas adquirem uma qualidade escultural como se se movessem pelo espaço ao seu redor.

A escultura neoclássica do século XIX viu uma onda de interesse na tendência popular do Renascimento para corpos Contrapposto, como exemplificado na obra de Antonio Canova As três graças, 1815-17. As três musas femininas de Canova criam uma sensação rítmica de movimento entre seus corpos, pois quase parecem dançar juntas em harmonia, com sua energia fluindo livremente ecoando em cortinas penduradas.


Contrapposto e Grécia Clássica

Figura ( PageIndex <2> ). Diadumenos, Museu Nacional de Arqueologia de Atenas

Nossa escultura da Grécia Antiga, por outro lado, é autônomo & mdashhe não foi feito para se encaixar na arquitetura. O artista estava obviamente muito mais preocupado com a anatomia do corpo. A figura é idealizada (nua, atlética, jovem, belas proporções). Os gregos antigos inventaram a posição em que esta escultura se encontra. A posição é chamada de contrapposto. Contrapposto significa mudança de peso, e podemos ver que a figura tem seu peso deslocado para a perna direita, enquanto a perna esquerda está dobrada.

A figura é assimétrica e diferente nos diferentes lados de seu corpo. Como resultado do contrapposto, essa figura parece que pode se mover, e parece muito mais viva! Esta escultura nos fala sobre o Humanismo Grego e sua percepção do enorme potencial da mente humana e da beleza do corpo humano.


Contrapposto

Quanto mais penso nisso, mais me parece que o desenvolvimento do contrapposto foi um dos acontecimentos mais importantes da história da arte. Já existiam alguns milhares de anos de figuras rígidas e estáticas na arte, então não era de forma alguma inevitável que as figuras esculpidas se tornassem mais naturalistas. Alguém teve que pensar bem e quebrar as algemas da tradição. Na verdade, provavelmente não foi alguém quebrando heroicamente os grilhões da tradição que uma sociedade desenvolveu que tolerou e até encorajou um novo pensamento. Este evento verdadeiramente notável aconteceu em Atenas, atingindo um pico de inventividade e refinamento no século 5 AEC, antes de tudo começar a fechar novamente.

Tive a ideia de comparar um cara em uma pose relaxada de contrapposto com uma forma mais formal e estilizada de representar o corpo humano. O Egito foi o exemplo óbvio. A arte egípcia antiga representava os ombros e o tronco frontalmente, enquanto a cabeça, as pernas e os pés eram mostrados de perfil. Depois de juntar esses dois modos diferentes, foi um pequeno passo para imaginar um antigo egípcio voltando de um feriado na Grécia. O desenho animado oferece uma explicação muito boa do contrapposto, então não vou elaborá-la. Com o tempo, o conceito de contrapposto foi levado mais longe em curvas mais tortuosas em forma de S. Se fingirmos que o Renascimento foi a extensão verdadeira e natural da arte clássica antiga (ignorando a lacuna de mais de 1.500 anos de Roma e da Idade Média, onde seguiram princípios diferentes), podemos ver quão longe e quão divertido um artista como Giambologna teve no desenvolvimento de figuras entrelaçadas e retorcidas.

Com a invenção do contrapposto, os gregos antigos estavam se rebelando contra a aparência muito rígida e formal da arte anterior, que eles consideravam realmente nerd. É difícil imaginar uma estátua grega ficando em casa em uma noite de sábado. Existem muitas esculturas de Apolo fumando um cigarro, por exemplo. Os gregos antigos não apenas pintaram suas estátuas, mas há cada vez mais evidências de que eles também as vestiam. Uma estátua de Hermes foi encontrada recentemente vestindo uma jaqueta de couro. Os especialistas ainda estão debatendo se um par de jeans encontrado em uma estátua de Hércules se deteriorou com o tempo ou se rasgou desde o início. Nenhum cinto foi encontrado, o que sugere que o jeans estava caído, revelando sua cueca. Tão legal.

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Escultura de bronze no período clássico grego

Esculturas de bronze gregas sobreviventes do período clássico inicial mostram a habilidade dos artistas gregos em representar o corpo e expressar o movimento.

Objetivos de aprendizado

Discuta as características e exemplos da escultura grega de bronze durante o início do período clássico

Principais vantagens

Pontos chave

  • Embora o bronze fosse um material popular para escultores gregos, poucos bronzes gregos existem hoje. Conhecemos a maioria dos escultores e esculturas famosos apenas por meio de cópias romanas de mármore e dos poucos bronzes que sobreviveram, muitas vezes de naufrágios.
  • Os primeiros bronzes clássicos são esculpidos no método de cera perdida de fundição. As figuras são criadas no estilo Severo com corpos naturalistas e rostos vazios e inexpressivos. A aparência leve das esculturas é devido ao seu vazio e contribui para sua energia potencial implícita e movimento.
  • O Cocheiro de Delfos, os Guerreiros de Riace e o Bronze Artemision exibem as características de escultura do estilo Severo Clássico Antigo, ao mesmo tempo que demonstram as características da escultura em bronze, incluindo a leveza do material e a vivacidade que pode ser alcançada.

Termos chave

  • strut: Uma haste de suporte.
  • contrapposto: A posição de uma figura cujos quadris e pernas estão afastados da direção da cabeça e dos ombros.
  • cera perdida: Método de fundição em que um modelo da escultura é feito de cera. O modelo é usado para fazer um molde. Quando o molde endurece, a cera derrete e é despejada, deixando o molde pronto para ser usado na moldagem da escultura.

Escultura Grega de Bronze

O bronze era um material de escultura popular para os gregos. Composto por uma liga metálica de cobre e estanho, fornece um material forte e leve para uso no mundo antigo, especialmente na criação de armas e arte. Os gregos usaram o bronze ao longo de sua história.

Como o bronze é um material valioso, ao longo da história as esculturas de bronze foram fundidas para forjar armas e munições ou para criar novas esculturas. Os bronzes gregos que hoje possuímos sobreviveram principalmente por causa de naufrágios, que impediram o reaproveitamento do material, e as esculturas foram recuperadas do mar e restauradas.

Os gregos usavam o bronze como principal meio de escultura, mas muito do nosso conhecimento da escultura grega vem de cópias romanas. Os romanos gostavam muito da arte grega, e colecionar réplicas de mármore delas era um sinal de status, riqueza e inteligência no mundo romano.

As cópias romanas trabalhadas em mármore tinham algumas diferenças em relação ao bronze original. Struts, ou suportes, foram adicionados para ajudar a apoiar o peso do mármore, bem como os membros suspensos que não precisavam de suporte quando a estátua foi originalmente feita em bronze mais leve e oco. As escoras apareceram ou como blocos retangulares que conectam um braço ao tronco ou como tocos de árvore contra a perna, que suportam o peso da escultura, como nesta cópia romana do Diadoumenos Atenas.

Diadoumenos Atenas (cópia romana): A extensão que liga o tronco da árvore à perna da figura é um exemplo de um suporte usado em cópias romanas de mármore de bronzes gregos originais.

Técnica de cera perdida

A técnica da cera perdida, também conhecida pelo nome francês, cire perdue, é o processo que os gregos antigos usavam para criar suas estátuas de bronze. A primeira etapa do processo envolve a criação de um modelo de argila em escala real da obra de arte pretendida. Esse seria o cerne do modelo.

Depois de concluído, um molde é feito do núcleo de argila e um molde de cera adicional também é criado. O molde de cera é então colocado entre o núcleo de argila e o molde de argila, criando uma bolsa, e a cera é derretida do molde, após o que a lacuna é preenchida com bronze. Uma vez resfriados, o molde de argila externo e o coreis de argila interno são cuidadosamente removidos e a estátua de bronze é terminada.

As várias peças são soldadas, as imperfeições suavizadas e quaisquer elementos adicionais, como olhos e cílios embutidos, são então adicionados. Como o molde de argila deve ser quebrado ao remover a figura, o método da cera perdida pode ser usado apenas para fazer esculturas únicas.

Charioteer de Delphi

O cocheiro de Delfos é uma escultura de bronze do início do clássico de um condutor de carruagem em tamanho real. Uma inscrição na base nos diz que as estátuas foram originalmente dedicadas por um homem, chamado Polizalo de Gela, a Apolo no Santuário de Apolo em Delfos.

Polizalo comissionou e dedicou o trabalho em comemoração à sua corrida de carruagem vitoriosa durante os Jogos Pítios. O cocheiro é a única parte restante de um grande grupo de estátuas que incluía a carruagem, cavalariços e cavalos.

Cocheiro de Delphi: Cocheiro de Delphi. Bronze. c. 475 AC. Santuário de Apolo, Delfos, Grécia.

Embora o comissário fosse um tirano da cidade colonial grega de Gela, na Sicília, acredita-se que a estátua tenha sido feita em Atenas. Foi feito pela técnica de cera perdida em várias seções e depois montado.

O cocheiro se ergue, o braço direito esticado para agarrar as rédeas, falta o braço esquerdo. Ele tem uma cintura alta, o que provavelmente parecia mais natural quando ele estava em sua carruagem. No entanto, apesar da cintura alta, a figura tem um alto grau de naturalismo, a par com os desenvolvimentos escultóricos em mármore do estilo clássico antigo. Os braços, rosto e pés são reproduzidos com alta plasticidade, e os olhos embutidos e cobre adicionado de seus lábios e cílios adicionam um grau de naturalismo.

Quando comparada às esculturas arcaicas, parece muito natural. No entanto, como uma escultura clássica primitiva, o cocheiro ainda não atingiu o estilo clássico completo. O sorriso arcaico se foi, mas o seu parece quase vazio e inexpressivo, a par de outras esculturas produzidas no chiqueiro severo do período clássico antigo.

Guerreiros Riace

Os guerreiros de Riace são um conjunto de duas esculturas de bronze nuas de guerreiros masculinos que foram recuperadas na costa de Riace, Itália. Eles são um excelente exemplo da escultura clássica primitiva e da transição entre os estilos de escultura arcaico e clássico.

As figuras estão nuas, ao contrário do cocheiro. Seus corpos são idealizados e aparecem dinâmicos, com membros liberados, um contrapposto à mudança de peso e cabeças viradas que implicam em movimento. Os músculos são modelados com alto grau de plasticidade, que o bronze amplifica por meio de reflexos naturais da luz. Elementos adicionais, como cobre para os lábios e mamilos, dentes de prata e olhos incrustados com vidro e osso, foram adicionados às figuras para aumentar seu naturalismo. Ambas as figuras originalmente seguravam um escudo e uma lança, que agora estão perdidos. O Guerreiro B usa um capacete, e parece que o Guerreiro A uma vez usou uma coroa de flores ao redor de sua cabeça.

Guerreiros Riace: Guerreiro A (direita) e Guerreiro B (esquerda). Bronze, c. 460–450 AC, Riace, Itália.

Artemision Bronze

O Artemision Bronze representa Zeus ou Poseidon. Ambos os deuses foram representados com barbas inteiras para significar maturidade. No entanto, é impossível identificar a escultura como um deus ou outro porque pode ser um relâmpago (símbolo de Zeus) ou um tridente (símbolo de Poseidon) em sua mão direita levantada.

A figura está em pé, num nude heróico, como seria de se esperar de um deus, com os braços estendidos, preparando-se para atacar. O bronze é do estilo Severo com corpo musculoso idealizado e rosto inexpressivo.

Como o cocheiro e os guerreiros Riace, o Artemision Bronze já teve vidro ou pedra incrustados em suas órbitas oculares agora vazias para aumentar sua semelhança com a vida. O calcanhar direito da figura se levanta do chão, o que antecipa o movimento que a figura está prestes a realizar.

Todo o potencial do movimento e da energia do deus & # 8217s, bem como a graça do corpo, se reflete na modelagem do bronze.

Artemision Bronze: A figura Artemision Bronze representa Zeus ou Poseidon, c. 460–450 AC, Cape Artemision, Grécia.


A Importância do Contrapposto na Arte

Qual é a aparência de uma pessoa quando está em pé? Na escultura egípcia, a resposta a esta pergunta enfatizou a simetria natural do corpo humano. A maneira “correta” de ver uma escultura egípcia era de frente, para ver o equilíbrio natural da figura humana idealizada, com ombros regulares, braço simétrico e quadris nivelados.

Essas características passaram para a escultura grega. Mesmo assim, um dos aspectos mais interessantes do desenvolvimento da escultura grega foi o início de um novo tipo de postura. Foi sutil no início, mas teve um impacto enorme no curso da arte grega - e no curso da arte ocidental que se seguiu.

Conhecido desde o Renascimento como contrapposto, essa invenção matizada, mas fundamental, ofereceu um ponto de inflexão no curso da representação naturalística.

Olhe para esta estátua de um kouros (um jovem homem nu) conhecido como o Kritian Boy. Veja como o peso do corpo repousa sobre uma perna em vez de duas. A perna esquerda fica ereta, carregando o peso da parte superior do corpo, enquanto a perna direita está mais relaxada e suavemente dobrada no joelho. Esta estátua é um dos primeiros exemplos sobreviventes de contrapposto na arte grega, feita por volta de 480 AC.

O efeito desse desequilíbrio de peso é provocar uma leve torção nos quadris da figura, de modo que, em vez de parecer estar em posição de sentido, a figura tenha uma sensação mais relaxada.

Este exemplo vem do que é conhecido como o período estilístico “Severo” da escultura grega e também aponta para o futuro. A arte que se seguiu afastou-se dessas posturas rígidas, e o contrapposto técnica foi usada como o método fundamental para liberar a sensação de figuras esculpidas.

o contrapposto a técnica pode ser vista mais facilmente nesta escultura ligeiramente posterior, atribuída ao escultor grego Policleto. A imagem mostrada abaixo é uma cópia romana de mármore feita após o original em bronze, que foi posteriormente perdido.

Esta estátua mostra um portador de lança, provavelmente um atleta olímpico ideal. A distribuição do peso, suportada por uma perna enquanto a outra está relaxada, é mais pronunciada nesta estátua: você pode ver como a assimetria das pernas instiga o movimento em todo o resto do corpo. Os quadris se inclinam, fazendo com que o tronco se contraia de um lado e se abra do outro. Desse modo, a simetria mais ampla dá lugar a uma postura mais flexível. No geral, um braço é levantado (segurando a lança perdida) enquanto o outro fica pendurado para um lado. A cabeça está virada como se estivesse olhando para longe. A escultura pode ser vista de vários ângulos - vista “ao redor” - e ainda assim produzir seu impacto total.

O desenvolvimento de contrapposto foi relacionado ao interesse do grego no corpo humano nu e nas virtudes da realização atlética e coragem nobre. O sucesso de contrapposto vem da maneira como os músculos podem ser vistos ficando tensos ou relaxados em toda a paisagem do corpo de uma forma naturalista.

Esses ideais relativos ao corpo humano foram transmitidos aos artistas romanos, que olhavam para a arte grega com profunda veneração. No entanto, após o declínio do Império Romano, o contrapposto a técnica foi mais ou menos perdida ou esquecida.

Foi apenas durante o Renascimento italiano que a pose clássica foi explicitamente reavivada. Inspirando-se nas esculturas romanas que estamos sendo desenterradas em toda a Itália na época, os escultores italianos despertaram e o método. De fato, contrapposto é uma palavra italiana que significa “contrapeso” e foi cunhada na época do Renascimento.

Talvez a escultura mais famosa que faz uso de contrapposto é a escultura de David de Michelangelo, feita por volta de 1504 e agora localizada na Galleria dell’Accademia, em Florença.

Nesta estátua, o contrapposto o estilo foi elaborado e exagerado. A perna esquerda de David está enfaticamente relaxada, adicionando mais peso à perna direita. A inclinação usual dos quadris está lá junto com ele, o braço direito pende por muito tempo, quase pesadamente, de modo que todo o tronco e a linha dos ombros se inclinam para um lado. Ao todo, o arranjo é assimétrico, mas harmonizado: a linha dos ombros contrasta com a linha dos quadris, mas o equilíbrio geral sobrevive.

O brilho da postura está no significado psicológico do trabalho. Davi, o matador do gigante Golias, fica parado pensando, com sua funda por cima do ombro. A postura relaxada - sustentada pela contrapposto movimento - combina com uma forma de S suave no corpo para dar uma sensação de coragem serena baseada na força muscular.

Meu nome é Christopher P Jones e sou historiador de arte, crítico e autor de Como ler pinturas. (Clique no link para Kindle, Apple, Kobo e outros dispositivos de e-reader).


Curva em S (arte)

Nas artes visuais, um Curva S é uma curva em forma de "S" que serve a uma ampla variedade de propósitos composicionais. O termo é geralmente aplicado à figura humana em pé, curvando-se primeiro para um lado e depois para o outro. Também pode ser aplicado de forma mais geral, por exemplo, em pintura de paisagem e fotografia.

Nas esculturas gregas e romanas antigas, a curva em S é um conceito de arte tradicional em que o corpo e a postura da figura são representados de forma sinuosa ou serpentina. Está relacionado e é uma extensão do termo artístico do contrapposto, que é quando uma figura é retratada curvada ou colocando o seu peso e, portanto, o centro de gravidade para um lado. Porém, a Curva S envolve mais o corpo do que o contrapposto, sendo, portanto, considerada um desenvolvimento técnico mais avançado. O conceito de "Curva S" foi provavelmente inventado pelo famoso escultor grego Praxiteles, filho de Kifissodotos, que viveu no século 4 aC. [1]

A pose indiana tribhanga ("três curvas") é semelhante, mas geralmente mais pronunciada, geralmente com o pescoço também curvado para um lado. Isso remonta a pelo menos 100 AC. [2] A curva em S foi revivida na arte gótica do século 14 em diante, especialmente nas esculturas da Madonna. [3] As figuras góticas em marfim, tipicamente da Madonna, já haviam adquirido um "balanço gótico" de um lado para caber na presa curva, e curvando a cabeça ou a parte superior do corpo para trás do outro deu um resultado mais satisfatório.

A figura serpentinata é uma variante ou desenvolvimento da pose. O termo é normalmente aplicado apenas à arte da Renascença em diante, e Donatello é freqüentemente considerado seu inventor. [4] Enquanto em todos esses períodos a curva em S se originou na escultura, ela também foi usada em figuras bidimensionais em vários outros meios.


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Resumo

Rompendo com a representação figurativa de objetos, resumo a arte reimagina as imagens como um estudo da relação entre forma, forma, cor e linha. A abstração ocorre em um continuum, incluindo as formas fragmentadas, embora reconhecíveis, do cubismo e a natureza totalmente não pictórica do expressionismo abstrato.

Assemblage

Esta forma ou meio artístico usa uma mistura de materiais que criam camadas tridimensionais a partir de uma base fixa. O uso de diferentes materiais torna-o semelhante à colagem, mas de forma tridimensional. Assemblage tem suas origens no cubismo e no trabalho de artistas como Man Ray e Vladimir Tatlin, que costumavam usar objetos encontrados em suas obras de arte.

Vanguarda

O termo francês vanguardase traduz literalmente como & # 8220advance guard & # 8221, mas é usado para descrever obras de arte, movimentos ou artistas que são experimentais e com visão de futuro.

Pinceladas

Pincelada refere-se à maneira como um pintor aplica tinta a uma superfície. É tipicamente caracterizado pelo tamanho, textura e precisão dos traços. Por exemplo, a pincelada pode ser descrita como & # 8220 apertada & # 8221 ou & # 8220 frouxa & # 8221 dependendo de quão visíveis são a olho nu.

Pintura a óleo sobre tela (Foto: Stock Photos da Sweet Art / Shutterstock)

Claro-escuro

Italiano para & # 8220 claro-escuro, & # 8221 claro-escuro é o uso de fortes contrastes entre luminosidade e sombra para alcançar uma sensação de volume e dimensionalidade. Esta técnica única foi desenvolvida durante o Renascimento italiano por Leonard da Vinci, o período barroco por Caravaggio e a Idade de Ouro Holandesa por Rembrandt.

Composição

o composição de uma obra de arte é a maneira como seus elementos visuais são arranjados, especialmente em relação uns aos outros.

Conceptual

Essa forma de arte do século 20 se desenvolveu na década de 1960, quando os artistas começaram a enfatizar ideias e conceitos sobre o produto acabado. Arte que é conceptual rompe com todas as regras padrão e pode assumir qualquer forma, desde escultura e pintura a acontecimentos e performances.

Contorno

Como o esboço de algo, o contorno é um dos blocos de construção do desenho. Usar diferentes linhas de contorno pode mudar drasticamente a forma como uma obra de arte aparece e é mais evidente na arte de linha. A danca de Henri Matisse é apenas um exemplo de uma obra de arte conhecida por seus contornos distintos.

Contrapposto

Na escultura, contrapposto(& ldquocounterpose & rdquo em italiano) é uma postura assimétrica em que a maior parte do peso de uma figura é distribuída sobre um pé. Isso resulta em uma postura realista, como ficou evidente na obra de Michelangelo David estátua.

Figurativo

Uma obra de arte é considerada figurativo quando seu assunto é representacional.

Primeiro plano

o primeiro plano de uma obra de arte é a parte da composição que está mais próxima do espectador. Normalmente é discernível a partir do fundo, que parece estar mais distante.

Foreshortening

Foreshortening é uma técnica em que um artista distorce a perspectiva para evocar uma ilusão de profundidade. Motivos encurtados freqüentemente parecem retroceder no plano da imagem.

Giorgione, & # 8216A Tempestade '(ca. 1506-1508) (Foto: Ismoon via domínio público do Wikimedia Commons)

Gênero

UMA gênero refere-se a um tipo de arte (normalmente pintura). Exemplos de gêneros incluem paisagem e natureza morta.

Iconografia

A iconografia se refere ao assunto, ou imagens, usadas para transmitir significado ou comunicar uma mensagem em uma obra de arte.

Impasto

Esta palavra italiana para & # 8220mistura & # 8221 refere-se a camadas grossas de tinta usadas para criar textura. Embora tenha sido usado pela primeira vez por pintores venezianos durante o Renascimento italiano, ele realmente se consolidou no século XIX. Renomado pintor paisagista J.M.W. Turner usado empastar para construir camadas de cor e drama em seu trabalho. Os pintores costumam usar facas de paleta para essa técnica, que visa enfatizar seu talento na manipulação do meio escolhido.

Médio

UMA médio é o material usado para criar arte. Exemplos de médiuns são aquarela, óleo, pastel, mármore e carvão.

(Foto: Stock Photos from Happy Person / Shutterstock)

Moderno

Como um movimento, o termo & # 8220moderno& # 8221 refere-se à arte criada entre o início do Impressionismo e a Pop Art, que deu início à arte contemporânea. Em uma escala mais geral, entretanto, & # 8220modern & # 8221 pode significar atual ou de ponta.

Motivo

Nas artes visuais, um motivo é um elemento da iconografia. Nas pinturas, um motivo pode se referir a qualquer característica pictórica da composição. Nas artes decorativas e na arquitetura, geralmente denota um símbolo reconhecível que se repete.

Narrativa

Narrativa, em termos de história da arte, é a narrativa visual que ocorre dentro de uma obra de arte. Embora nem toda obra de arte tenha uma história clara, a arte narrativa pede aos pintores e escultores que usem pistas visuais para guiar os espectadores por uma série de eventos.

Pentimento

Pentimento (& # 8220repentance & # 8221 em italiano) refere-se à presença de evidências de que um artista pintou sobre um objeto renderizado anteriormente. No O velho guitarrista por Pablo Picasso, por exemplo, o contorno vago do rosto de uma mulher fica aparente sob as pinceladas finais.

Detalhe de Picasso, & # 8216The Old Guitarist '(1903) (Foto: The Art Institute of Chicago via Wikimedia Commons Public Domain)

Perspectiva

A perspectiva é a representação da profundidade e do espaço tridimensionais em uma superfície plana. Existem dois principais tipos de perspectiva: linear e atmosférico. A perspectiva linear emprega linhas que se cruzam e pontos de fuga como um meio de fazer os objetos parecerem distantes. De acordo com Leonardo da Vinci em Um Tratado de Pintura, a perspectiva atmosférica, por outro lado, ilustra a ideia de que os & ldquocolores se tornam mais fracos em proporção à sua distância da pessoa que os está olhando & # 8221 por meio de mudanças tonais.

Escala

Escala refere-se ao tamanho de um objeto em relação a outro. Freqüentemente, como no caso de pinturas em grande escala, essa comparação é baseada no tamanho real do objeto retratado.

Sfumato

Predominantemente associado às pinturas de Leonardo da Vinci, Sfumato(derivado de fumo ou & # 8220sfumaça & # 8221 em italiano) é um método de sombreamento e mistura de cores que evoca uma névoa suave & # 8220sfumada & # 8221. Esta técnica é aparente no fundo desfocado e nas características faciais suavemente definidas do Monalisa.

Estilo

Uma obra de arte estilo é uma classificação de sua aparência visual. Freqüentemente, o estilo é caracterizado de acordo com a abordagem estética distinta de um artista individual, movimento artístico, período ou cultura.

Tom

Tom refere-se à claridade ou escuridão de uma determinada cor.

Trompe l'oeil

Em francês, trompe l'oeil significa & # 8220 enganar os olhos. & # 8221 É uma técnica que cria ilusões ópticas de tridimensionalidade, empregando imagens realistas atraentes.

Pere Borrell del Caso, & # 8216Escaping Criticism '(1874) (Foto: Coleção Banco de Espa & ntildea via Wikimedia Commons Public Domain)


Por que os espectadores são atraídos por artistas da Renascença e # 8217 Go-To Pose

Um novo estudo publicado na revista Arquivos de comportamento sexual sugere que os artistas há muito conhecem um truque simples para melhorar a atratividade dos modelos e # 8217: peça-lhes que posem com o peso colocado em um pé.

Esta postura & # 8212 chamada contrapposto& # 8212deve ser familiar para quem já viu Botticelli & # 8217s Nascimento de Vênus, a Vênus de Milo ou Michelangelo & # 8217s David. Como Artnet News& # 8217 Taylor Dafoe explica, contrapposto encontra sujeitos colocando seu peso em uma perna para criar uma ligeira curvatura entre os quadris e a cintura. (Inventada pelos gregos antigos, a pose representa um dos primeiros exemplos de artistas imbuindo em fac-símiles da figura humana um senso de movimento e emoção. & # 8221) Inclinar o torso levemente e garantir que os braços e ombros não correr paralelamente aos quadris diminui a relação cintura-quadril, ou WHR, produzindo uma forma de ampulheta curvilínea.

Para avaliar o apelo da postura & # 8217s, pesquisadores liderados por Farid Pazhoohi, psicólogo da University of British Columbia, criaram avatares 3-D de mulheres em pé ou em contraposto. A equipe mostrou esses avatares, cortados dos ombros até o joelho, a 25 alunos heterossexuais do sexo masculino e 43 do sexo feminino. No geral, Nicola Davis reporta para o Guardião, sujeitos de ambos os sexos classificaram as figuras do contrapposto como mais atraentes. Em média, os homens eram mais propensos do que as mulheres a considerar a coleção de imagens atraente.

Os dados de rastreamento ocular obtidos pelos cientistas revelaram que homens e mulheres passaram a mesma quantidade de tempo olhando o avatar em pé e os lados direito e esquerdo do # 8217s. Mas quando se tratava de avatares contrapposto, os sujeitos ficavam do lado com a ligeira curvatura & # 8212 em outras palavras, onde a distância entre os quadris e a cintura era menor.

Em conversa com Davis, Pazhoohi diz que os artistas há muito compreenderam o poder do contrapposto: & # 8220Acreditamos que os artistas & # 8230 descobriram intuitivamente que essa postura é mais atraente e a aplicaram em seus empreendimentos artísticos. & # 8221

Como Dafoe aponta, o estudo não avaliou se os homens fazendo uma pose de contrapposto seriam considerados & # 8220 visualmente agradáveis ​​& # 8221 como mulheres que o faziam. Os pesquisadores também não investigaram se a preferência pela postura é baseada em séculos de condicionamento cultural ou predisposição biológica & # 8212; alguns estudos sugerem que uma baixa RCQ se correlaciona com alta fertilidade e fecundidade, Psicologia Hoje& # 8217s Nathan Lents observa, mas & # 8220 tentativas de estabelecer essa relação [produziram] resultados obscuros. & # 8221

Pazhoohi, um importante especialista em linguagem corporal que estudou anteriormente o apelo das costas arqueadas e dedos dos pés voltados para dentro, diz a Davis, & # 8220Quando as modelos [caminham na] passarela ou dançarinas fazem dança do ventre, elas tentam frequentemente aparecer em um corpo contrapposto exagerado formulários. & # 8221

Ele acrescenta, & # 8220 Da mesma forma, quando as mulheres andam [em] saltos altos, isso ajuda a acentuar a forma contrapposto. & # 8221

Sobre Jason Daley

Jason Daley é um escritor de Madison, Wisconsin, especializado em história natural, ciência, viagens e meio ambiente. Seu trabalho apareceu em Descobrir, Ciência popular, Lado de fora, Diário Masculinoe outras revistas.


A posição de uma figura cujos quadris e pernas estão afastados da direção da cabeça e dos ombros.

Escultura no Alto Período Clássico Grego

  • Os atletas são mostrados em contrapposto posturas.
  • O Diadumenos também está em contrapposto, embora seu movimento pareça mais avançado e estável do que o dos Discophoros.
  • Os Discophoros e Diadumenos, junto com os Doryphoros, demonstram a flexibilidade de composição baseada no Cânon e a vivacidade inata produzida por contrapposto posturas.
  • Seu corpo contém um contrapposto pose, uma perna suporta seu peso, enquanto a outra está relaxada.

Escultura e arquitetura em mármore no início do período clássico grego

  • Parte dessa ilusão é criada por uma postura conhecida como contrapposto.
  • Esse contrapposto A posição anima a figura por meio da relação entre os membros tensos e relaxados.
  • Ele é mais conhecido por seu tratado sobre o nu masculino, conhecido como Cânon, que descreve o corpo estético ideal com base em proporções matemáticas e convenções clássicas, como contrapposto.
  • A figura tem um rosto de estilo severo e um contrapposto posição.
  • Esta escultura demonstra como o uso de contrapposto cria uma composição em forma de S.

Michelangelo

  • As veias saltam de sua mão direita abaixada, mas seu corpo está relaxado contrapposto pose, and he carries his sling casually thrown over his left shoulder.
  • In the Renaissance, contrapposto poses were thought of as a distinctive feature of antique sculpture.

Raphael

  • For example, Raphael's Saint Catherine of Alexandria (1507) borrows from the contrapposto pose of da Vinci's Leda and the Swans.
  • Saint Catherine of Alexandria (1507) borrows from the contrapposto pose of da Vinci's Leda.

Oil Painting

  • There is no clear theme to The Tempest, which depicts a semi-nude woman suckling a baby while a man stands in contrapposto.

Sculpture in the High Renaissance

  • The work is nude, in emulation of Greek and Roman sculptures, and the David stands in a contrapposto pose.

Mannerist Sculpture

Stelae in the Greek High Classical Period

  • He stands in a contrapposto pose with a cocked head, reaching for the flask held by the young attendant.

Bronze Sculpture in the Greek Early Classical Period

  • Their bodies are idealized and appear dynamic, with freed limbs, a contrapposto shift in weight, and turned heads that imply movement.

Imperial Sculpture in the Early Roman Empire

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Assista o vídeo: Contrapposto explained (Dezembro 2021).