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Leão grego (reconstrução colorida)

Leão grego (reconstrução colorida)

Imagem 3D

Leão reclinado (reconstrução colorida), Loutraki, Grécia, 570-560 AC. Reconstrução colorida do original (https://skfb.ly/VRqQ).

O ponto de partida para a reconstrução é a descoberta de vestígios de cor nas duas estátuas de leões originais: cor vermelha na língua e lábios, bem como vestígios microscópicos de azurite azul na crina e ocre castanho-amarelado na pele. As outras cores devem permanecer uma hipótese, mas podem ser encontradas em outros leões arcaicos. Os pigmentos usados ​​correspondem aos das figuras originais.

Reconstrução do gato. não. 1 Gesso e pigmentos históricos Escultura restaurada por Peter Funder Policromia reconstruída por Ulrike Koch ~ Brinkmann e Vinzenz Brinkmann München 2003 Ny Carlsberg Glyptotek lN 1296a

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Redescobrindo as cores brilhantes e brilhantes de esculturas antigas

Em 1811, um grupo de estudiosos ingleses e alemães passou pelo Templo de Aphaia, na Ilha Egina, na Grécia. O templo datava de cerca de 500 aC e, apesar dos séculos que se passaram, na época o local ainda continha os restos de esculturas de mármore dos frontões leste e oeste do templo. Essas figuras retratavam cenas das guerras de Tróia e, embora desgastadas e parcialmente quebradas, também continham um detalhe intrigante: sinais visíveis de tinta vermelha e azul.

Em 2006, os arqueólogos alemães Vinzenz Brinkmann e Ulrike Koch-Brinkmann examinaram uma dessas figuras mais de perto, usando raking light e fotografia ultravioleta. O que eles descobriram foi que o arqueiro de Tróia do Aphaia & # 8217s, agachado, arco tenso e descalço, já foi pintado em uma variedade de cores, do boné aos pés. Padrões de diamantes, animais e ziguezagues adornavam suas roupas. Em suas mãos pintadas & # 8212 acreditava-se ser uma mistura de rose madder e ocre vermelho & # 8212 ele segurava um arco dourado. (As esculturas originais ainda estão em exibição no Museu Glyptothek em Munique, assim como no Partenon antes dele, os artefatos do Templo de Aphaia foram saqueados e vendidos).

& # 8220E & # 8217 estamos tão acostumados a ver & # 8212por causa dos museus, por causa dos moldes de gesso, por causa da maneira como a escultura chegou até nós & # 8212 [esculturas clássicas] despojadas de qualquer cor & # 8221 diz Ren & # 233e Dreyfus, curador de Arte Antiga e Interpretação nos Museus de Belas Artes de São Francisco, onde foi curadora da recente exposição Deuses em cores: Policromia no Mundo Antigo. Variações dessa exposição estão em exibição em vários museus desde 2003, e todas elas são baseadas em reconstruções vibrantes de como o mundo antigo realmente seria. Agora, há também um livro, editado por Dreyfus, Brinkmann e Koch-Brinkmann, de mesmo nome.

Reconstrução da cabeça do guerreiro Riace (A), 2013. Cortesia dos Museus de Belas Artes de São Francisco

A policromia & # 8212pintura de escultura ou arquitetura com cor & # 8212 foi muito difundida na antiguidade, e as reconstruções apresentadas na exposição e no livro apresentam uma visão muito diferente das estátuas de mármore branco que silenciosamente adornam as galerias clássicas de museus ao redor do mundo.

Como a arte clássica foi redescoberta durante o Renascimento, diz Dreyfus, nem sempre foi possível ver os vestígios de tinta. Em alguns casos, depois de serem desenterradas, as esculturas foram & # 8220scrubbed clean. & # 8221 Com a escavação dos bairros ao redor de Pompeia, no entanto, exemplos mais sólidos de policromia foram descobertos. & # 8220Tudo de Pompeia foi bem preservado porque estava coberto de cinzas, & # 8221 explica Dreyfus.

Extremidade ocidental do Erechtheion a partir do sudoeste, 1805, de Simone Pomardi.

Outros exemplos se seguiram. Em 1805, o estudioso britânico Edward Dodwell e a pintora italiana Simone Pomardi viajaram para a Grécia. Lá, eles observaram cores desbotadas no Partenon e no Erecteion. As pinturas que Dodwell e Pomari criaram mostram vestígios de tinta na escultura e na arquitetura e são realmente maravilhosas em documentar como os monumentos eram originalmente. Eles estavam vendo isso em 1805, e é surpreendente como eles tinham muito mais cor em 1805 do que hoje, & # 8221 diz Dreyfus.

No momento de sua viagem, Dodwell observou:

Além do costume de pintar estátuas, os antigos tinham vários outros métodos para enriquecer sua aparência, a maioria dos quais irreconciliáveis ​​com nossas idéias de beleza ou congruência. Alguns eram dourados, muitos deles tinham olhos compostos de pedras coloridas, pedras preciosas ou vidro.

Acima, o leão original de Loutraki, Grécia, c. 550 aC e abaixo, a reconstrução.

E ainda a ideia de tudo-a escultura clássica em mármore branco continuou a dominar. Esse equívoco pode ser rastreado até o historiador de arte do século 18, Johann Joachim Wincklemann. Embora Wincklemann reconhecesse que a cor estava em uso na antiguidade, ele diminuiu sua importância. & # 8220O que ele realmente torna poético & # 8212e as pessoas lêem seu trabalho & # 8212é a forma. E a forma parece ter assumido mais ênfase & # 8221 diz Dreyfus.

Wincklemann também reverenciou claramente a brancura da pedra, escrevendo, em 1764: & # 8220A cor contribui para a beleza, mas não é a beleza em si, embora geralmente realce a beleza e suas formas. Visto que o branco é a cor que mais reflete os raios de luz e, portanto, é mais facilmente percebido, um belo corpo será tanto mais bonito quanto mais branco for e, portanto, nu parecerá maior do que realmente é & # 8230. & # 8221 É notável aqui, como alguns críticos argumentam, que Wincklemann não apenas minimizou a importância da policromia, mas ao mesmo tempo promoveu a brancura como um ideal.

Tamanha foi a influência de Wincklemann & # 8217 que, apesar das evidências, a policromia continuou a ser debatida ao longo do século XIX. Não foi até a década de 1960 que as esculturas clássicas começaram a ser examinadas com a fotografia ultravioleta hoje, tecnologias como a luminescência de raios x & # 8220, por exemplo, fluorescência, a luz ultravioleta e infravermelha, & # 8221 diz Dreyfus pode examinar claramente os detalhes contidos em pigmentos antigos e desbotados.

E são esses detalhes precisos que informam essas reconstruções deslumbrantes. Da Acrópole, a figura de Chios Kore veste uma vestimenta de azul brilhante e vermelho com uma capa amarela, com cabelos trançados pintados de amarelo-ocre. Do mesmo local, um peitoral é reimaginado em folha de ouro, rodeado por um padrão de folhas. Mas não foram apenas mármore e pedra que foram pintados.

Reconstruções dos Guerreiros Riace (A e B), 2015-2016. Cortesia dos Museus de Belas Artes de São Francisco

Em 1972, duas estátuas de bronze foram retiradas do mar ao largo da costa da Calábria, Itália. Eles revelaram detalhes extraordinários: seus olhos foram feitos de pedras de cores diferentes, suas bocas foram moldadas de cobre e os dentes do Guerreiro A foram feitos de relevo prateado. Ao analisar os resíduos de enxofre, Brinkmann e sua equipe puderam fazer uma hipótese sobre a pele e o cabelo dos bronzes originais. Essas figuras também foram reconstruídas. & # 8220Eles usaram modelagem 3D para criar o molde e então fundi-los em bronze, & # 8221 diz Dreyfus. & # 8220 No original, eles tinham cílios de cobre, lábios de cobre, mamilos de cobre, os olhos eram incrustados com pedra & # 8230 você podia até ver as diferentes cores com que o bronze tinha sido tratado nos originais para um homem mais velho e um mais jovem. & # 8221

Essas reconstruções nos permitem vislumbrar como as ruas e edifícios da antiguidade poderiam realmente ser. E, embora Dreyfus observe que a arte e a arquitetura clássicas foram repintadas com o tempo, & # 8220 também sabemos que a ideia de escultura perfeita é aquela que reproduz melhor a realidade & # 8221, diz ela. & # 8220Então, se você olhar ao seu redor e ver o mundo em cores vivas e brilhantes, as estátuas também devem ser coloridas. & # 8221

AO tem uma seleção de imagens do livro.

Reconstrução (A1) do chamado Chios Kore da Acrópole de Atenas, 2012. Cortesia dos Museus de Belas Artes de São Francisco Reconstrução (B) de um torso com couraça da Acrópole em Atenas, 2005. Cortesia dos Museus de Belas Artes de São Francisco Reconstrução de Teseu raptando Antíope do frontão do Templo de Apolo Daphnephoros, 2005. Cortesia dos Museus de Belas Artes de São Francisco A capa de Deuses em cores: policromia no mundo antigo. Cortesia Prestel Publishing


Meu professor de arte foi um escultor clássico americano. Antonio Salemme
1892-1995. http://www.antoniosalemme.org Ainda me lembro do dia em que ele
falou-me a sua escultura em termos de cor. Agora aqui, não estamos
falando pintando a superfície de uma obra, mas sim o fato de que ele estava
perfeitamente ciente do espaço visual que sua obra habitava, da luz e
sombra que definiu. Imediatamente, percebi a natureza visual de
a obra e sua cor e a riqueza da cor. Para pintar um verdadeiro
peça clássica de escultura é pior do que dourar um lírio, como o anterior
exemplos testemunham ... isso não quer dizer que algumas peças do antigo
escultura não se destinava a ser pintada.
Uma das coisas que eu
aprendi com Antonio que ‘cor e forma são uma só’. Não é preciso
muito tempo para entender este princípio universal se você
refletir sobre isso.
Cada coisa que você vê é cor. Não é simplesmente
cor pintada na superfície da forma de realidade visual. Isto é
profundamente um com a forma. Conceito muito importante para o artista visual,
ou para quem deseja apreciar as artes visuais.

De um ponto de vista estritamente estético, o que você está argumentando faz sentido, mas -

“Pintar uma escultura verdadeiramente clássica é pior do que dourar um lírio, como os exemplos acima testemunham ... isso não quer dizer que algumas peças antigas
escultura não foi feita para ser pintada. ”

O que torna uma peça de escultura “verdadeiramente clássica”? Temo que já esteja bem estabelecido há algumas gerações, agora que a maioria das esculturas gregas e romanas antigas foram, de fato, pintadas. Somos livres para gostar ou não, conforme quisermos, mas não é bom manter que a escultura grega e romana era adorável branco virgem monocromática como Michelangelo, porque simplesmente não é assim.

Eu realmente não estou discutindo, apenas apontando a natureza da escultura do ponto de vista clássico. Clássico sendo o reconhecimento da natureza arquetípica do meio. Como Rodin disse uma vez, “a escultura é a arte do buraco e do caroço”. -

Considerando que, quando o assunto é escultura, a maioria das pessoas entende a palavra clássico (especialmente com maiúscula C) para se referir à antiguidade grega e romana, você consegue pensar em outra palavra? Certamente ajudaria a evitar mal-entendidos, especialmente em tópicos como o discutido neste artigo.

(Esse é o tipo de pergunta que faço o tempo todo quando estou editando.)

Mas não é "clássico" uma construção posterior? Os antigos gregos teriam considerado suas esculturas “clássicas” no sentido que as entendemos? Eram objetos de culto, como as estátuas que ainda se vêem em certas igrejas católicas, destinadas a ensinar e inspirar veneração, não uma contemplação estética desapegada.

Não somos realmente "livres" para gostar ou não, porque a experiência estética é intuitiva. Não é racionalmente deliberado, portanto, literalmente, não há “escolha”. Objetivamente falando, as esculturas realmente ficam melhor sem pintura, apesar das intenções de seus pintores.

Você está muito acima do meu nível. Eu não estava tentando entrar na filosofia ou neuropsicologia da experiência estética.

Eu estava simplesmente observando que ninguém pode forçar ninguém a gostar ou não gostar das esculturas pintadas, e gostar ou não gostar é independente do fato histórico de que muitas, senão a maioria, grandes esculturas na Grécia e Roma antigas foram pintadas.

“Objetivamente falando, as esculturas são realmente melhores sem pintura”

É claro que não existe “objetivamente melhor” quando se trata de uma obra de arte. (Pode não haver algo como "objetivamente melhor", mas vou deixar isso para os pós-modernistas e desconstrucionistas.)

Em qualquer caso, NESW, você pode relaxar, porque ninguém está propondo repintar as estátuas originais sobreviventes.

Eu gosto de dizer “é a descrição do trabalho do artista fazer um 'objeto' do 'sujeito ,. Tornando o objetivo, subjetivo e o subjetivo, objetivo. ” :
Para mim há obviamente, objetivamente melhor. Até o meu amigo, o conhecedor de vinhos, diz: “… um bom tinto é aquele que fica embaixo ..)

Parece que temos muitas pessoas neste tópico usando a palavra clássico para significar apenas o que eles escolheram que significasse, nem mais nem menos, como tantos Humpty Dumptys ..

”Pintar uma peça de escultura verdadeiramente clássica é pior do que dourar um lírio, como o anterior
exemplos testemunham ... isso não quer dizer que algumas peças do antigo
escultura não foi feita para ser pintada. ”

Fazer tal declaração é mostrar verdadeira ignorância. É para declarar os próprios artistas que fazem aquelas esculturas como hacks brutais, sem qualquer apreciação ou compreensão de seu trabalho. Estas esculturas FORAM pintadas. A tinta ainda está lá, mas não em quantidades e formas visíveis a olho nu. É exatamente por isso que os exemplos no artigo foram feitos: a análise científica ainda pode detectar o que foi a tinta usada, mesmo em formas relativamente intrincadas, o que nos permite fazer cópias dos originais pintados como o criador os pretendia.

Na década de 1960, o mais tardar, li que era amplamente aceito que os gregos pintassem suas esculturas. Aparentemente, pequenos resíduos de tinta ainda podem ser detectados em algumas das obras. Desde então, ocasionalmente me divertia pintar fotos deles com esquemas variados, e ouvi falar de outras pessoas que também fazem isso. Algumas pessoas conseguem reproduções de gesso mais ou menos precisas dessas obras e passam a tridimensionar. A coloração pode ser realista ou não. Eu não tinha ideia de que qualquer um de nós estava fazendo algo totalmente original. Existe dinheiro nisso, bem como uma pequena fama? Posso ter uma carreira artística lucrativa, afinal!

A Getty Villa também desempenhou um papel na disseminação do conhecimento sobre a escultura policromada: http://www.getty.edu/art/exhibitions/color_of_life/

Acredito que haja evidências suficientes para apoiar o uso de pigmentos para “realçar” a escultura clássica. No entanto, não acredito que as reconstruções atuais sejam precisas. É difícil acreditar que artistas tão talentosos como aqueles que fizeram a cultura fossem tão pobres coloristas. Parece óbvio para mim que o objetivo era trompe l'oeil tanto na forma quanto na cor. Esses exemplos demonstram um grande entusiasmo pela nova pesquisa. Abaixando vários degraus na saturação, com mais atenção aos detalhes, modulação e sombreamento provavelmente traria esses exemplos mais perto do verdadeiro talento e visão dos artistas originais.

Sim, eles foram pintados, mas não, provavelmente não foram pintados de forma incompetente.

Felizmente, o coordenador deste projeto, conforme citado no artigo, afirma: “Mas ainda estamos no começo”.

Embora as cores sejam determinadas a partir dos resíduos da tinta original, isso não significa que se pareçam com esses exemplos. A pintura tem algo como uma arte e essas imatações / simulações policromadas não são artísticas de uma forma que corresponda à habilidade das esculturas. Portanto, concordo com William que há mais para colorir do que apenas aplicar tinta.

A cor emanaria do processo de formação e a pintura responderia a isso com a sensibilidade que se vê nos melhores mosaicos e pinturas clássicos. Penso nas pinturas romanas sobreviventes em que a cor é um problema formal, em vez de uma solução para colorir. Esses exemplos não mostram qualquer coloração ou sombreamento para informar a forma esculpida abaixo e parecem mais com uma prática de livro de colorir de apenas cores planas nas linhas. Haveria mais uma abordagem de modelagem, eu especularia, que preservasse as estruturas profundas e rasas.

Os exemplos achatam a estrutura escultural. O resultado desses exemplos é um não pintor fazendo uma imitação acadêmica da pintura sem nenhuma intenção real de ser um artista. Essa é a aposta segura para evitar críticas de que eles embelezaram o design com ideias contemporâneas de pintura, mas, ao compreender isso, consideramos que o resultado pode não ter sido tão extravagante e sem sofisticação. No entanto, esse resultado conservador é uma abordagem de coloração muito pop art que é provavelmente informada de forma não intencional pela pintura moderna, então eu acho que o viés moderno foi de fato estabelecido em detrimento da precisão histórica. Eu também consideraria que a escultura clássica grega (talvez a arcaica) pode ter sido pintada para aumentar o senso de juventude que corresponde ao que sabemos, enquanto as esculturas de retratos romanos teriam sido pintadas para enfatizar o caráter distinto e a sabedoria da época. . Portanto, as duas culturas teriam compartilhado uma abordagem de escultura, mas diferiam nos resultados pintados.

Não é impossível especular que provavelmente teria havido uma graça na pintura e um senso estético de um pintor para adicionar à estética da escultura. A escultura antiga sobreviveu com grande parte de sua pintura egípcia intacta que mostra essa modelagem da cor. A escultura pintada em estilo gótico e renascentista indica uma sensibilidade à modelagem e às relações de cores não mostradas nesses exemplos ilustrados. Na verdade, eu aposto que a análise de cores não pode ser reivindicada como completa, uma vez que a única cor sobrevivente são apenas amostras muito pequenas que sobreviveram nos derramamentos da pedra e podem indicar apenas a pintura inferior em vez da sobreposição final da cor e qualquer acabamento, esmalte ou pátina aplicada por cima que não teria sobrevivido à detecção.

Timothy, acho que tudo o que você disse aqui faz muito sentido. Muito obrigado por dizer isso.

Espero que você possa ter o que disse aqui publicado como um ensaio em algum lugar - ou pelo menos que haja algum lugar onde você possa postar no site deste projeto (link no terceiro parágrafo do artigo). Os pesquisadores e curadores envolvidos podem já saber o que você está dizendo, mas acho que todos os interessados ​​neste projeto aguentariam ler.


Passeios e atividades relacionadas ao Lion Gate

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Tipos de Leões

Cerca de 10.000 anos atrás, os leões também foram encontrados na Eurásia, bem como na América. Com o tempo, algumas espécies foram extintas. Oito subespécies de leões são reconhecidas. Esses incluem:

P. l. persica (leão asiático)

Popularmente conhecido como leão indiano ou leão persa, esta espécie é amplamente encontrada no Parque Nacional da Floresta Gir, no estado de Gujarat, na Índia. É ligeiramente menor que o leão africano e tem uma juba menos desenvolvida. A espécie masculina pesa entre 160 a 190 kg, enquanto a fêmea pesa entre 110 a 120 kg. Comparado com o leão africano, possui uma variação genética menor.

P. l. leo (leão da Barbária)

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Acredita-se que seja nativo da Montanha Atlas, no norte da África, por isso também é chamado de leão do Atlas. Outrora, foi considerada uma das maiores espécies de leões. De acordo com registros e espécimes de museu empalhados, seu comprimento (da cabeça à cauda) variava entre 7 pés e 9 polegadas a 9 pés e 2 polegadas. É normalmente considerado extinto agora, uma vez que os registros mostram que alguns dos últimos leões dessas espécies foram mortos em algum lugar entre os anos 1950 e 1960.

P. l. senegalensis (leão da África Ocidental)

Também é chamado de leão do Senegal e é nativo da África Ocidental, por isso é chamado de leão da África Ocidental. Seu tamanho é um pouco semelhante ao dos leões nativos da África Central, mas é menor do que os da África Austral. Acredita-se que a população total desta espécie seja inferior a 1000 no total, e é considerada uma das espécies mais ameaçadas de extinção.

P. l. azandica (leão do nordeste do Congo)

Esta subespécie é nativa das terras de Uganda e D R Congo e também é chamada de & # 8216Uganda leão & # 8217. Pode ser encontrada no Vale Kidepo, em Uganda, e também em partes da África Central, nos Parques Nacionais de Murchison Falls. Foi encontrado em abundância na Bacia do Rio Congo, mas, após as pesquisas realizadas em 2008, nenhum leão foi encontrado lá. Esta espécie também está classificada como severamente ameaçada de extinção.

P. l. nubica (leste da África ou leão Masai)

Esta espécie da África Oriental é descrita como sendo de & # 8216Nubia & # 8217, e tem pernas mais longas e costas menos curvadas do que outras espécies. Eles geralmente têm entre 8 e 10 pés de altura e têm uma variedade de estilos de juba. Ou seja, eles têm grandes tufos de crinas, ou suas crinas parecem ter sido penteadas para trás. Felizmente, esta espécie ainda não foi classificada como ameaçada de extinção e é encontrada em partes de Uganda e Quênia e na região de Tanga.

P. l. bleyenberghi (leão do sudoeste africano ou Katanga)

Esta espécie é nativa do sudoeste da África. Pode ser encontrada no Zimbabwe, Botswana, Zâmbia, Zaire, Angola, etc. É uma das maiores subespécies de leões. O nome & # 8216Katanga & # 8217 significa um lugar chamado & # 8216Katanga & # 8217, no Zaire, de onde a espécie parece ter se originado. Os leões Katanga têm crinas mais claras do que suas contrapartes.

P. l. Krugeri (leão do Sudeste Africano ou Transvaal)

É nativo do sudeste da África e é chamado de & # 8216Transvaal lion & # 8217 devido à região & # 8216Transvaal & # 8217 da África do Sul. Tem uma juba bem desenvolvida e cheia, e também é de crina preta. Os machos pesam entre 150 a 250 kg, enquanto as fêmeas pesam entre 110 a 180 kg. Também é encontrado no Parque Nacional Kruger e na região de Kalahari.

P. l. melanochaita (leão do cabo)

Esta subespécie da família dos leões está completamente extinta. Era considerado o mais pesado de todos os leões - aparentemente, pesava cerca de 500 libras e tinha cerca de 3 metros de comprimento. Tinha uma espessa juba negra, às vezes, uma franja negra e pontas das orelhas de cor preta. Estudos de pesquisa sugerem que ele se alimentava de zebras selvagens, burros, búfalos e até gado. Os comedores de homens foram relatados como velhos e fracos.


Comportamento e estilo de vida do leão

Os leões são únicos entre os gatos, pois vivem juntos em fortes grupos sociais. Um bando é composto de 5 a 15 fêmeas aparentadas e seus filhotes, juntamente com um macho geralmente solteiro (pequenos grupos de 2 ou 3, embora não sejam incomuns). Leões masculinos patrulham um território de cerca de 100m² marcando árvores e pedras com urina e rugindo para alertar os invasores. Embora os Leões machos possam defender seu bando com grande eficácia, sua posição no bando está constantemente sob a ameaça de outros machos que tentam assumir seu cativeiro e, se forem bem-sucedidos, matarão todos os filhotes gerados pelo macho anterior. Apesar de seu enorme tamanho, os leões machos na verdade quase não caçam, pois costumam ser mais lentos e mais facilmente vistos do que as fêmeas. As Leoas no clã caçam juntas, o que significa que não apenas têm mais sucesso em suas viagens, mas também são capazes de capturar e matar animais que são mais rápidos e muito maiores do que elas.

Rugido de leão

O rugido do leão pode ser extremamente alto, atingindo cerca de 114 decibéis de volume. Seu rugido é alto o suficiente para romper o limiar de dor da audição humana! O rugido do leão é mais alto do que qualquer gato grande e pode ser ouvido a uma distância de cerca de 5 milhas (8 km). A capacidade de rugir em um volume tão alto é devido a adaptações únicas nas pregas vocais do leão. Os Leões geralmente rugem como um aviso e para defender seus territórios. Além de alertar os machos, o rugido do leão também permite que os membros do clã se encontrem, pois seu som pode viajar longas distâncias.


Quando os negros americanos obtiveram o direito de votar

Embora a história mostre que a 15ª Emenda à Constituição em 1870 deu aos negros o direito de votar, foi só em 1966 que todas as barreiras foram removidas, permitindo-lhes votar livremente.

Reconstrução e a 15ª Emenda Após o fim da Guerra Civil em 1865, a escravidão foi abolida e medidas foram tomadas para tratar todos os cidadãos igualmente perante a lei. Como o presidente Andrew Johnson acreditava que cada estado tinha o direito de governar, vários estados do sul foram capazes de introduzir códigos legais que restringiam a liberdade dos negros. Em resposta, o Congresso aprovou a 14ª Emenda à Constituição dos Estados Unidos em 1868, que fornecia proteção igual aos negros por lei. Em 1870, a 15ª Emenda foi aprovada e deu o voto a todo cidadão do sexo masculino, independentemente de sua raça ou cor.

Leis de 'Jim Crow' Embora os negros tenham conquistado o direito de voto, as legislaturas do sul contra-atacaram aprovando as chamadas leis "Jim Crow". Essas leis segregacionistas foram exploradas para limitar os direitos civis dos negros e institucionalizar a segregação. Eles foram usados ​​para privar os negros e impedi-los de votar. Os mecanismos incluíam taxas de votação que impossibilitavam os negros empobrecidos de votar, testes de alfabetização injustos e cláusulas de avô. Essas leis negavam aos negros americanos o direito de voto, principalmente nos estados do sul. Embora intimidados pela violência e ameaças, os sul-americanos negros continuaram a fazer valer seus direitos e vários legisladores e congressistas negros foram eleitos.

Promulgando a 19ª Emenda Não foram apenas os negros que enfrentaram a discriminação, pois as mulheres não tinham os mesmos direitos que os homens. Eles não tinham permissão para votar, não podiam possuir propriedades e não tinham direito legal ao dinheiro que ganhavam. Seguindo o papel significativo que as mulheres desempenharam como abolicionistas, seu apoio à 15ª Emenda e sua campanha pelo sufrágio universal, o Congresso aprovou a 19ª Emenda em 1919, que deu às mulheres o direito de voto. Isso significava que todos os negros americanos tinham, em teoria, direito a voto, apesar das restrições impostas pelas leis segregacionistas e também pelos 12 estados que não ratificaram a emenda.

Lei dos Direitos Civis de 1957 Os negros americanos continuaram a enfrentar discriminação institucionalizada. Após a Segunda Guerra Mundial, militares negros que retornaram, que enfrentaram os mesmos riscos e perigos que outros soldados, não estavam preparados para tolerar a discriminação e acrescentaram sua voz à luta pelos direitos civis.

Em 1955, uma mulher negra chamada Rosa Parks foi detida por se recusar a dar seu assento no ônibus a um homem branco em Montgomery, Alabama. Essa ação provocou indignação que levou o Dr. Martin Luther King Jr. a formar a Montgomery Improvement Association. Seguiu-se um embargo ao sistema de ônibus de Montgomery que durou até que a Suprema Corte decidiu que os assentos segregados eram inconstitucionais.

A história de contínua intimidação de eleitores e outros incidentes de direitos civis eventualmente levou o presidente Dwight D. Eisenhower a persuadir o Congresso a aprovar a Lei dos Direitos Civis de 1957. Isso previa processo federal para qualquer um que impedisse outros de votar.

Direitos Plenos de Voto 1965 Em março de 1965, uma marcha pelo direito ao voto foi brutalmente interrompida pelas tropas estaduais do Alabama. O incidente, capturado por repórteres de televisão, levou o presidente Lyndon Johnson a pedir uma legislação sobre o direito de voto. Ele detalhou as várias formas que eram usadas para negar o direito de voto aos negros e, em 1965, a Lei do Direito ao Voto foi aprovada. Este ato baniu táticas tortuosas usadas para limitar os direitos de voto. A última barreira legal remanescente, o poll tax, foi banido pela Suprema Corte em 1966. A história moderna mostra que levou quase 100 anos para que os negros americanos alcançassem direitos de voto plenos e protegidos.


As Pessoas Livres de Cor da Pré-Guerra Civil de Nova Orleans

Antes que os conceitos americanos de raça se consolidassem na recém-adquirida Louisiana, a Nova Orleans do início do século 19 tinha uma grande população de pessoas de cor livres.

Nova Orleans é única entre as cidades americanas por sua complicada história colonial e racial. A cidade era francesa e depois espanhola antes da Louisiana se tornar um território americano em 1803. Uma grande população de pessoas de cor livres, gens de couleur libres, vivia no meio de pessoas de cor escravizadas. Alguns desses gens eram muito prósperos, alguns deles próprios possuíam escravos. Havia, como escreve a geógrafa Amy R. Sumpter, uma & # 8220 estrutura racial tripartida e fluidez racial & # 8221 que se estreitou e se estreitou com a criação de um Estado (1812) e a absorção das definições americanas de raça.

Desde o início, as concepções coloniais francesa e espanhola de categorias raciais foram muito mais vagas do que as das colônias inglesas. O primeiro navio negreiro chegou à Louisiana em 1719. Os franceses, que controlaram a colônia de 1682-1763, tiveram um Code Noir que governou as relações entre africanos e europeus e regulamentou a emancipação. A distinção entre pessoas de cor livres e não livres foi escrita nesta lei, com as pessoas de cor livres legalmente equivalentes aos brancos. Os escravos, enquanto isso, podiam ganhar liberdade de várias maneiras - por exemplo, defendendo a colônia ou ensinando os filhos de um mestre.

Os espanhóis, que governaram de 1763-1800, deram continuidade à política francesa. As autoridades espanholas ampliaram as oportunidades de emancipação e aceitaram as relações mestiças. Tudo isso ajudou a gerar uma população crescente de pessoas de cor livres - em 1830, elas constituíam quase um quarto da população de Nova Orleans & # 8217. (Em uma década, esse número caiu para menos de um quinto quando a população de imigrantes brancos entrou.) Sumpter observa que os espanhóis distinguiram entre os crioulos de cor clara e escura, os nascidos em Nova Orleans, também eram de uma casta superior do que aqueles nascidos na África.

Sob os franceses e os espanhóis, pessoas com ancestrais africanos e europeus combinados desfrutavam de muitos dos privilégios que os brancos gozavam. Esses mestiços crioulos de Nova Orleans foram & # 8220fames por sua riqueza, cultura e educação até depois de 1830 & # 8221, quando o conceito americano de raça começou a reinar. Muitos trabalharam em profissões como & # 8220 carpintaria, fabricação de charutos, alvenaria, transporte marítimo, embalsamamento, cabeleireiro, enfermagem e obstetrícia. & # 8221

Sumpter está particularmente interessado em mapear a distribuição da instituição de plaçage, & # 8220a relação legalmente sancionada & # 8216 amante & # 8217 entre um homem branco e uma mulher de cor livre. & # 8221 Esta categoria legal formal, originada pelos franceses e continuada pelos espanhóis, & # 8220 assemelhava-se a um casamento legalizado na prática .” (There is some debate whether the men involved were also married in the more traditional sense.) Needless to say, there was nothing like this in the Protestant-dominated states and territories of the United States. No plaçage, men were encouraged to provide homes for the women of these “left-handed marriages” and to care for the resulting children. Offspring of such relationships could inherit their father’s wealth.

By 1840, 58% of the New Orleans population was white. The effort to contain, segregate, and disempower free people of color stemmed from numerous impulses. There was competition for jobs the fear of slave insurrections modeled by Haiti different language, mores, religion the white immigrants’ unfamiliarity with non-enslaved people of color inhabiting a middle and even upper class immigrant’s insecurity about being “white” (many were Irish, a group of northern Europeans initially left out of the white category).

Uma vez por semana

Sumpter lists the legislation used to restrict people of color and enforce segregation through the antebellum era. These included the 1806 territorial prohibition of showing disrespect for whites the state’s 1830 order for all free persons of color who arrived after 1825 to leave the state an 1835 city law mandating that separate cars be used on railroads for transporting corpses of differently colored bodies the 1840 banning of whites from the balls hosted by free people of color the 1852 emancipation law that required owners who emancipated slaves to ship them to Liberia the 1857 law that banned emancipation altogether and the 1859 law that prohibited free people of color from owning businesses that sold alcohol.

Americanization meant a strictly polarized division of black and white. By 1850, the free population of color, beset by the hostility of white supremacy, was economically diminished and residentially segregated. The Americanization of Louisiana, and in particular New Orleans, was completed before the state became the sixth to secede from the Union in 1861 in the struggle over the perpetuation of slavery.


Discobolos, Ancient Greek Statue

The best example showing freedom of movement is the Discobolos (The Discus Thrower) by Myron in the Museo Nazionale Romano, Rome. This is one of the most famous classic Greek statues from this period. The Classical age also saw the first time human anatomy was deemed worthy of being portrayed in a statue and for ever immortalised in stone and bronze. Portraying people in a static and stiff position had now been replaced with the more modern 'snap-shot' three-dimensional movements, so that people could admire the human body for its aesthetic values. It was the first time that humans could be seen as almost God-Like, which meant that the human body became the subject of study for the first time. In ancient Greece, a long intellectual evolution had reached its logical conclusion during the classical era when 'man as a living organism on this planet acquired the importance it deserved and gods became human through marble and bronze'. With the rise of democracy and philosophy it changed the face of art literally. From the Classical period all the Greek statues from this time period showed a lack of expression, whereas, the depiction of 'barbarians' show a dramatic facial expression. This was because the Greeks believed that suppression of the emotions was a noble characteristic of all civilised men, while the public display of human emotion was a sign of barbarism. Logic and reason was to dominate human expression even during the most dramatic situations. Temples and sanctuaries cried out for more and more lavish and monumental statues bringing the legends and Gods to life, such as the famous motifs from the Parthenon (unfortunately only a few fragments remain). Statues at funerals also evolved from the rigid un-human like statues of the past to new modern pieces that showed more detail and more family orientated scenes, such as the Family group on a grave marker from Athens, National Archaeological Museum. The greatest statues of this age were the Statue of Zeus at Olympia and the Statue of Athena at the Parthenon, both of which were designed by Phidias. Smaller copies of these statues still exist but the originals unfortunately were so awe-inspiring that they were stolen by the Byzantium Emperors from the Parthenon and later destroyed in what is thought to have been a fire. The sculptures of Greece more than any other art form are the pure expression of freedom, self-consciousness and self-determination. These were the values that motivated the inhabitants of Ancient Greece to defeat mighty Persia and led them to the development of a model of society that ensured the dignity of every man within it.

The Hellenistic Era (323 - 31 BC) began around the death of Alexander the Great and ended with the battle of Actium in 31 BC. The Hellenistic period saw dramatic changes compared to previous logic. The artists of the Hellenistic period did not stick to classical conventions and rules but turned to a more experimental movement and a sense of freedom that allowed the artist to explore his subjects from different unique points of view.


Assista o vídeo: Escultura grega (Janeiro 2022).