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Qual é a origem do Rap?

Qual é a origem do Rap?

Eu quero saber a origem deRap.

Sua origem realmente remonta aos poetas árabes? Ou o Rapping também pode ser rastreado até suas raízes africanas?


Pelo que pude pesquisar, inúmeras fontes como esta e esta remetem aos griots da África ocidental pré-colonial. Griots eram essencialmente poetas e bardos que comunicavam história e mensagens políticas por meio da música. De acordo com o artigo "Política da diáspora: poetas sahwari e transformações pós-coloniais de um gênero trans-saariano no noroeste da África" por Tara Flynn Deubel no The Journal of North African Studies, ela conecta a poesia árabe hassani às tradições musicais das culturas subsaarianas. Basicamente, o rap pode ser rastreado até a combinação de poetas árabes E tradição musical da África subsaariana.


sim, teve origens do mundo árabe era como se 2 poetas se desafiassem liricamente, o que é o mesmo da batalha de rap de hoje e al khalil ibn ahmed el farahety teve uma ideia quando ouviu o som do sowrds se batendo ele disse por que não colocar palavras o beats then rap foi para a África por meio de conexões comerciais e quando os EUA levaram os escravos africanos com eles para nós, os africanos começaram a fazer raps lá e os EUA disseram que há.


Rap (n.)

início de 14c., rappe, & quota quick, light blow um golpe retumbante, & quot also & quota fart & quot (late 15c.), nativo ou emprestado de uma fonte escandinava (compare rap dinamarquês, rapp sueco & quotlight blow & quot) de qualquer maneira, provavelmente de origem imitativa (compare bofetada, bofetada).

A gíria que significa & cota de repreensão, a culpa, responsabilidade & quot é de 1777, o significado específico de & quot acusação criminal & quot (como na ficha criminal, 1960) é de 1903 a vencer o rap é de 1927. O significado de & quotmúsica com palavras improvisadas & quot estava na gíria de Nova York em 1979 (ver rap (v.2)).

meados de 14c., rappen, & quotto golpe, golpe, golpe & quot de rap (n.). Relacionado: Rap em rap. Bater (alguém & # x27s) com os dedos & quotdar forte punição & quot é de 1749 (bater (alguém & # x27s) com os dedos no mesmo sentido é por volta de 1670.). Relacionado: Rap em rap.

intransitivo, & quottalk informal, chat de uma maneira fácil, & quot 1929, de acordo com OED, popularizado c. 1965 no vernáculo afro-americano, possivelmente primeiro em inglês caribenho e da gíria britânica rap (v.) & Quotto dizer, proferir & quot (por volta de 1879), originalmente & quotto proferir nitidamente, falar abertamente & quot (anos 1540), em última análise, um ramo do rap (v .1).

Como um substantivo neste sentido desde 1898. O significado & quot para executar música rap & quot foi gravado em 1979. Relacionado: Rapped rap.


Rap “Feel Good”

Como mencionado, o estágio inicial do rap e do hip-hop ainda não cobriu nenhum assunto político & # 8211, em vez disso, sempre manteve um ritmo otimista e um assunto leve para manter a festa. Este gênero se tornou a escolha principal do DJ na seleção de músicas para suas festas, onde ganhou popularidade de massa, mas não atingiu as paradas de sucesso até quase sete anos depois que sua técnica foi inspirada pelo DJ Herc. O rap e o hip-hop jovens, ainda não tendo recebido atenção do mainstream, permaneceram como um gênero crescente de música de festa até 1979, quando "King Tim III (Personality Jock)" da The Fatback Band foi lançado comercialmente e se tornou um hit top 30 no gráficos do gênero. Após o sucesso dessa música, em clubes e outdoors, o rap e o hip-hop começaram a criar um lugar para si entre os gêneros de maior sucesso da América e abriram caminho para uma posteridade de ouvintes de música. Algumas das canções de sucesso comercial dessa era no Rap e Hip Hop são fornecidas abaixo.

“King Tim III” e # 8211 The Fatback Band

Rapper’s Delight e # 8211 The Sugar Hill Gang

Então você quer ser uma estrela & # 8211 Mtume

Behind The Groove & # 8211 Tenna Marie

More Bounce To The Ounce & # 8211 Zapp & amp Roger


A História da Música Rap e Hip Hop

A origem do hip-hop pode ser rastreada até as antigas tribos da África. O rap foi comparado aos cantos, batidas de tambor e tribos africanas pisoteando os pés, executados antes das guerras, do nascimento de bebês e da morte de reis e anciãos. Os historiadores chegaram mais longe do que as origens aceitas do hip-hop. Ele nasceu como o conhecemos hoje no Bronx, embalado e nutrido por jovens nas áreas de baixa renda da cidade de Nova York.

Avanço rápido das tribos da África para os guetos de Kingston, Jamaica no final dos anos sessenta. Os empobrecidos de Kingston se reuniram em grupos para formar conglomerados de DJs. Eles criaram raízes e registros culturais e se comunicaram com o público por meio da música. Na época, os comentários do DJ & # 8217s não eram tão importantes quanto a qualidade do sistema de som e sua capacidade de fazer a multidão se mexer. Kool Herc cresceu nesta comunidade antes de se mudar para o Bronx.

Durante o final dos anos 60, o reggae não era popular entre os nova-iorquinos. Como DJ, Kool Herc tocou discos de rhythm and blues para agradar o público da festa. Mas, ele teve que adicionar seu toque pessoal. Durante os intervalos, Herc começou a falar ao público como havia aprendido a fazer na Jamaica. Ele gritou, o público respondeu e então ele aumentou o volume do disco. Esta técnica de chamada e resposta não era nada nova para esta comunidade que havia sido criada em igrejas Batistas e Metodistas onde chamada e resposta era uma técnica usada pelos palestrantes para envolver a congregação. Os historiadores comparam-no ao chamado e à resposta dos músicos de jazz e fez parte da cultura da música jazz durante o renascimento no Harlem.

O estilo DJ de Herc & # 8217 se popularizou. Seu partido & # 8217s cresceu em popularidade. Ele começou a comprar várias cópias dos mesmos álbuns. Quando desempenhava suas funções como DJ, estendia os intervalos usando várias cópias dos mesmos discos. Ele conversou, como é chamado no salão de dança, com seu público por períodos cada vez mais longos.

Outros copiaram o estilo Herc & # 8217s. Logo uma batalha amigável aconteceu entre DJs de Nova York. Todos aprenderam a técnica de usar break beats. Herc intensificou o jogo dando gritos para as pessoas que estavam presentes nas festas e sugerindo sua chamada e resposta. Outros DJs responderam rimando com suas palavras quando falavam para o público. Cada vez mais DJs usavam rimas e anedotas de duas ou quatro linhas para envolver o público e promovê-las nessas festas.

Um dia, Herc passou o microfone para dois de seus amigos. Ele cuidou da mesa giratória e permitiu que seus amigos mantivessem a multidão animada com cantos, rimas e anedotas enquanto ele estendia os intervalos de diferentes canções indefinidamente. Este foi o nascimento do rap como o conhecemos.

O hip-hop evoluiu desde os dias dos confrontos no porão para um grande negócio na indústria da música. Nas décadas de setenta e oitenta, o pioneiro e inovador do disco de rap foi o DJ. Ele foi o cara que usou seu toca-discos para criar sons novos com discos antigos. Então, ele se tornou o cara que misturou essas pausas familiares com sintetizadores para produzir batidas completamente novas. Não mudou muito nesse aspecto do hip-hop. O cara que cria a batida ainda é o coração da pista. Agora, nós o chamamos de produtor. Embora alguns DJs trabalhem como produtores, bem como DJs (alguns começam como DJs antes de se tornarem produtores), o título de hoje & # 8217s & # 8220DJ & # 8221 não & # 8217t carrega o mesmo significado conotativo que tinha nos anos oitenta. O produtor de hip-hop dos anos 80 realiza as mesmas tarefas que o DJ dos anos oitenta.

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Para os pais, o rock 'n' roll era perigoso. Para os adolescentes, era o futuro da música.

Arquivos de Michael Ochs / imagem Getty

Star Power
Elvis Presley toca para fãs gritando em sua cidade natal no Mississippi.

O ano era 1955. A maioria dos adultos tinha acabado de descobrir o rock 'n' roll. E eles ficaram horrorizados.

Um filme chamado Blackboard Jungle foi lançado em março. No filme, adolescentes ocupam uma escola secundária da cidade. Membros de gangue lutam com facas. Os alunos jogam bolas de beisebol nos professores.

A música dos adolescentes é a primeira coisa que o público do cinema ouve. Tudo começa com uma batida de tambor. Em seguida, vem a música “Rock Around the Clock”. Há um saxofone estridente e um solo de guitarra rápido. E tudo é reproduzido no volume máximo.

Adultos nunca tinham ouvido nada parecido com rock 'n' roll. E para muitos deles, parecia uma má influência. Transformava crianças em criminosos, eles disseram. E estava se espalhando como uma doença.

Mas não importava o que os adultos pensassem. Em pouco tempo, o rock 'n' roll estava aqui para ficar.

O ano era 1955. A maioria dos adultos tinha acabado de ouvir rock 'n' roll. E eles não gostaram.

Um filme chamado Blackboard Jungle foi lançado naquele ano. No filme, os adolescentes assumem uma escola secundária. Membros de gangue lutam. Os alunos jogam bolas de beisebol nos professores.

A música dos adolescentes é a primeira coisa que o público do cinema ouve. Tudo começa com uma batida de tambor. Em seguida, vem a música “Rock Around the Clock”. Há um saxofone alto. Há um solo de guitarra. E tudo é reproduzido no volume máximo.

Adultos nunca tinham ouvido nada parecido com rock 'n' roll. Muitos pensaram que era uma má influência. Transformava crianças em criminosos, eles disseram.

Mas não importava o que os adultos pensassem. O rock 'n' roll veio para ficar.

O ano era 1955. A maioria dos adultos tinha acabado de descobrir o rock 'n' roll - e eles ficaram horrorizados.

Um filme chamado Blackboard Jungle foi lançado em março. No filme, adolescentes tomam conta de uma escola secundária da cidade: membros de gangue lutam com facas e alunos jogam bolas de beisebol nos professores.

A música dos adolescentes é a primeira coisa que o público do cinema ouve. Tudo começa com uma batida de tambor. Em seguida, vem a música “Rock Around the Clock”. Há um saxofone estridente e um solo de guitarra acelerado - e tudo é tocado no volume máximo.

Os adultos nunca tinham ouvido nada parecido com rock 'n' roll, e muitos deles consideravam a música uma má influência. Transformava crianças decentes em criminosos, afirmaram - e estava se espalhando como uma doença.

Mas não fazia diferença o que os adultos pensavam: em pouco tempo, o rock 'n' roll estava aqui para ficar.

O rock 'n' roll - ou algo parecido - já existia há algum tempo. Era chamado de rhythm and blues, ou R & ampB, para abreviar. E era tocado por músicos negros. R & ampB veio da música blues e da música gospel das igrejas do sul.

Mas essa música não era para o culto de domingo de manhã. Músicos de R & ampB tocavam guitarras elétricas - bem alto. A bateria carregava uma batida pesada. E as músicas deram vontade de dançar.

No início, as gravadoras não achavam que os ouvintes brancos estivessem interessados ​​em R & ampB. Na época, muitas partes do país eram segregadas. Crianças negras e crianças brancas foram para escolas diferentes. Eles não podiam ir aos mesmos shows.

Mas no início dos anos 1950, as estações de rádio começaram a tocar mais R & ampB. A maioria dos programas passava tarde da noite. Os disc jockeys pareciam legais. Eles tinham apelidos como Hound Dog e Jumpin ’George.

Adolescentes em todos os lugares descobriram o novo som. Eles ficaram acordados até tarde para ouvir artistas de R & ampB como Fats Domino e Wynonie Harris. Eles usaram fones de ouvido para que seus pais não pudessem ouvir.

Logo, crianças brancas estavam viajando para bairros negros para comprar discos. Então músicos brancos se envolveram. Eles gravaram suas próprias versões de canções R & ampB. Às vezes, eles adicionavam um toque country-western. E o rock 'n' roll nasceu.

O rock 'n' roll - ou algo parecido - já existia há algum tempo. Era chamado de rhythm and blues, ou R & ampB, para abreviar. Foi tocado por músicos negros. R & ampB veio da música blues e da música gospel das igrejas do sul.

Mas essa música não era para o culto de domingo de manhã. Músicos de R&B tocavam guitarras elétricas. A música deu vontade de dançar.

As gravadoras não achavam que os adolescentes brancos gostavam de R & ampB. Na época, muitas partes do país eram segregadas. Crianças negras e crianças brancas foram para escolas diferentes. Eles não podiam ir aos mesmos shows.

Mas no início dos anos 1950, as estações de rádio começaram a tocar mais R & ampB. Eles jogaram à noite. Os adolescentes gostaram do novo som. Eles ficaram acordados até tarde para ouvir artistas de R&B como Fats Domino. Eles usaram fones de ouvido para que seus pais não pudessem ouvir.

Logo, crianças brancas estavam indo para bairros negros para comprar discos. Então músicos brancos se envolveram. Eles gravaram suas próprias versões de canções R & ampB. Alguns adicionaram um toque country-western. E o rock 'n' roll nasceu.

O rock 'n' roll - ou algo semelhante - já existia há algum tempo. Era chamado de rhythm and blues, ou R & ampB, para abreviar, e era tocado por músicos negros. O R & ampB evoluiu da música blues e da música gospel das igrejas do sul.

Mas esta música não foi feita para a adoração de domingo de manhã. Músicos de R & ampB tocavam guitarras elétricas - bem alto. A bateria carregava uma batida pesada e as canções davam aos ouvintes o desejo de dançar.

Inicialmente, as gravadoras não achavam que os ouvintes brancos estivessem interessados ​​em R & ampB. Na época, muitas regiões do país eram segregadas. Crianças negras e crianças brancas frequentavam escolas diferentes e não podiam ir aos mesmos shows. O racismo era um problema em todo o país.

Mas no início dos anos 1950, as estações de rádio começaram a tocar mais R & ampB. A maioria dos programas passava tarde da noite. Os disc jockeys pareciam legais e tinham apelidos como Hound Dog e Jumpin ’George.

Adolescentes em todos os lugares descobriram o novo som. Eles ficaram acordados até tarde para ouvir artistas de R & ampB como Fats Domino e Wynonie Harris, usando fones de ouvido para que seus pais não pudessem ouvir.

Em pouco tempo, crianças brancas estavam viajando para bairros negros para comprar discos. Então músicos brancos entraram em ação, gravando suas próprias versões de canções R & ampB. Às vezes, eles adicionavam um toque country-western. E o rock 'n' roll nasceu.


Conteúdo

As palavras "hip" e "hop" têm uma longa história por trás das duas palavras usadas juntas. Na década de 1950, os mais velhos se referiam às festas de adolescentes em casa como "saltos hippies". [19] A criação do termo hip hop é frequentemente creditado a Keith Cowboy, rapper com Grandmaster Flash and the Furious Five. [20] No entanto, Lovebug Starski, Keith Cowboy e DJ Hollywood usaram o termo quando a música ainda era conhecida como rap disco. [21] Acredita-se que Cowboy criou o termo enquanto provocava um amigo que acabava de ingressar no Exército dos EUA, cantando as palavras "hip / hop / hip / hop" de uma forma que imitava a cadência rítmica dos soldados marchando. [20] Cowboy mais tarde trabalhou a cadência do "hip hop" em uma parte de sua performance no palco. Por exemplo, ele diria algo como "Eu disse um hip-hop, um hibbit, hibby-dibby, hip-hip-hop e você não para." [19] que foi rapidamente usado por outros artistas como The Sugarhill Gang em "Rapper's Delight". [20] Afrika Bambaataa, fundador da Universal Zulu Nation, também conhecido como "O Poderoso Chefão", é o primeiro a usar o termo para descrever a subcultura à qual a música pertencia, embora também seja sugerido que era um termo depreciativo para descrever o tipo de música . [22] O termo foi usado pela primeira vez na impressão para se referir à música pelo repórter Robert Flipping, Jr. em um artigo de fevereiro de 1979 no The New Pittsburgh Courier, [23] [24] e para se referir à cultura em uma entrevista de janeiro de 1982 de Afrika Bambaataa por Michael Holman no East Village Eye. [25] O termo ganhou ainda mais uso em setembro daquele ano em outra entrevista do Bambaataa em The Village Voice, [26] por Steven Hager, mais tarde autor de uma história do hip hop em 1984. [27]

Existem divergências sobre se os termos "hip hop" e "rap" podem ser usados ​​alternadamente. Isso acontece até mesmo entre os escritores, performers e ouvintes mais experientes do hip-hop. [6] A visão mais comum que é vista é que o hip-hop é um movimento cultural que surgiu no South Bronx em Nova York durante a década de 1970, com MCing (ou rap) sendo um dos quatro elementos principais. [6] Os outros três elementos essenciais do hip hop são a arte do graffiti (ou arte aerossol), break dancing e DJing. A música rap se tornou, de longe, a expressão mais celebrada da cultura hip hop, em grande parte por ser a mais fácil de comercializar para um público de massa. [6]

Elementos musicais que antecipam a música hip hop foram identificados em gravações de blues, jazz e rhythm and blues dos anos 1950 e anteriores, incluindo vários registros de Bo Diddley. [ citação necessária ] Álbum de palavras faladas de Muhammad Ali de 1963 Eu sou o melhor é considerado por alguns escritores como um dos primeiros exemplos de hip hop. [28] [29] [ melhor fonte necessária O single de 1968 do Pigmeat Markham, "Here Comes the Judge", é uma das várias canções consideradas o primeiro disco de hip hop. [30] Levando ao hip hop, houve artistas falados como os Last Poets, que lançaram seu álbum de estreia em 1970, e Gil Scott-Heron, que ganhou um amplo público com sua faixa de 1971 "The Revolution Will Not Be Television " Esses artistas combinaram palavra falada e música para criar uma espécie de vibração de "proto-rap". [31]

Origens

O hip hop como música e cultura se formou durante a década de 1970 na cidade de Nova York a partir do intercâmbio multicultural entre jovens afro-americanos dos Estados Unidos e jovens imigrantes e filhos de imigrantes de países do Caribe. [32] A música hip hop em sua infância foi descrita como uma saída e uma voz para os jovens marginalizados de origens marginalizadas e áreas de baixa renda, já que a cultura hip hop refletia as realidades sociais, econômicas e políticas de suas vidas. [33] [34] Muitas das pessoas que ajudaram a estabelecer a cultura hip hop, incluindo DJ Kool Herc, DJ Disco Wiz, Grandmaster Flash e Afrika Bambaataa eram de origem latino-americana ou caribenha.

É difícil identificar as influências musicais exatas que mais afetaram o som e a cultura do hip hop inicial devido à natureza multicultural da cidade de Nova York. Os primeiros pioneiros do hip hop foram influenciados por uma mistura de música de suas culturas e as culturas às quais foram expostos como resultado da diversidade dos EUA.cidades. [35] A cidade de Nova York experimentou uma forte influência do hip hop jamaicano durante a década de 1990. Essa influência foi provocada por mudanças culturais, principalmente por causa do aumento da imigração de jamaicanos para a cidade de Nova York e dos jovens jamaicanos nascidos nos Estados Unidos que estavam amadurecendo durante a década de 1990.

Na década de 1970, as festas do bairro eram cada vez mais populares na cidade de Nova York, principalmente entre os jovens afro-americanos, caribenhos e latinos que moravam no Bronx. As festas do bairro incorporavam DJs, que tocavam gêneros populares de música, especialmente funk e soul. Devido à recepção positiva, os DJs começaram a isolar os intervalos percussivos de canções populares. Essa técnica era comum na música dub jamaicana, [37] e foi amplamente introduzida em Nova York por imigrantes do Caribe, incluindo DJ Kool Herc, um dos pioneiros do hip hop. [38] [39]

Como os intervalos percussivos nos discos de funk, soul e disco eram geralmente curtos, Herc e outros DJs começaram a usar dois toca-discos para estender os intervalos. Herc criou o projeto para a música e a cultura hip hop, construindo sobre a tradição jamaicana de brindes improvisados, um tipo falado de poesia e discurso orgulhoso sobre a música. [40] Em 11 de agosto de 1973, DJ Kool Herc foi o DJ na festa de volta às aulas de sua irmã. Ele estendeu a batida de um disco usando dois toca-discos, isolando os "intervalos" de percussão usando um mixer para alternar entre os dois discos. Os experimentos de Herc em fazer música com toca-discos se tornaram o que hoje conhecemos como quebrar ou "arranhar". [41]

Um segundo elemento musical importante na música hip hop é o MC (também chamado de MCing ou rap). Emceeing é a entrega rítmica falada de rimas e jogos de palavras, entregues primeiro sem acompanhamento e depois feitos ao longo de uma batida. Esse estilo falado foi influenciado pelo estilo afro-americano de "capping", uma performance em que os homens tentavam superar uns aos outros na originalidade de sua língua e tentar ganhar o favor dos ouvintes. [42] Os elementos básicos do hip hop - ostentando raps, rivais "posses" (grupos), "rebatidas" da parte alta da cidade e comentários políticos e sociais - estavam todos presentes na música afro-americana. Os artistas de MC e rap se moviam para frente e para trás entre a predominância de canções "brindadas" embaladas com uma mistura de ostentação, 'negligência' e insinuações sexuais e um estilo mais tópico, político e socialmente consciente. O papel do MC originalmente era como um Mestre de Cerimônias para um evento de dança de DJ. O MC apresentaria o DJ e tentaria animar o público. O MC falou entre as canções do DJ, pedindo a todos que se levantassem e dançassem. Os MCs também contavam piadas e usavam sua linguagem enérgica e entusiasmo para animar a multidão. Por fim, esse papel introdutório desenvolveu-se em sessões mais longas de jogo de palavras rítmico falado e rima, que se tornou rap.

Em 1979, a música hip hop havia se tornado um gênero popular. Ele se espalhou pelo mundo na década de 1990 com o polêmico rap "gangsta". [43] Herc também se desenvolveu a partir de deejaying break-beat, [44] onde os intervalos das canções funk - a parte mais adequada para dançar, geralmente baseada na percussão - eram isolados e repetidos para fins de festas dançantes que duravam a noite toda. Essa forma de reprodução de música, usando hard funk e rock, formou a base da música hip hop. Os anúncios e exortações de Campbell aos dançarinos levariam ao acompanhamento falado sincopado e rimado agora conhecido como rap. Ele apelidou seus dançarinos de "break-boys" e "break-girls", ou simplesmente b-boys e b-girls. De acordo com Herc, "quebrar" também era uma gíria de rua para "ficar animado" e "agir com energia". [45]

DJs como Grand Wizzard Theodore, Grandmaster Flash e Jazzy Jay refinaram e desenvolveram o uso de breakbeats, incluindo cortes e arranhões. [47] À medida que a manipulação da mesa giratória continuou a evoluir, uma nova técnica que veio dela foi o uso de agulha. O lançamento de agulha foi criado por Grandmaster Flash, é uma pausa prolongada de bateria curta tocando duas cópias de um disco simultaneamente e movendo a agulha em uma plataforma giratória de volta para o início do intervalo enquanto a outra tocava. [48] ​​A abordagem usada por Herc logo foi amplamente copiada e, no final da década de 1970, os DJs estavam lançando discos de 12 polegadas onde faziam rap com a batida. Músicas populares incluem "The Breaks", de Kurtis Blow, e "Rapper's Delight", de The Sugarhill Gang. [49] Herc e outros DJs conectavam seus equipamentos a linhas de energia e se apresentavam em locais como quadras de basquete públicas e na Avenida Sedgwick 1520, Bronx, Nova York, agora oficialmente um edifício histórico. [50] O equipamento consistia em vários alto-falantes, toca-discos e um ou mais microfones. [51] Usando esta técnica, os DJs podem criar uma variedade de músicas, mas de acordo com Rap Attack por David Toop "Na pior das hipóteses, a técnica pode transformar a noite em uma canção interminável e inevitavelmente chata". [52] KC The Prince of Soul, um rapper-letrista com Pete DJ Jones, costuma ser considerado o primeiro letrista de rap a se autodenominar um "MC". [53]

As gangues de rua prevaleciam na pobreza do South Bronx, e muitos dos grafites, rap e b-boying nessas festas eram todas variações artísticas da competição e da ascensão das gangues de rua. Sentindo que os impulsos frequentemente violentos dos membros de gangue poderiam ser transformados em criativos, Afrika Bambaataa fundou a Zulu Nation, uma confederação independente de equipes de dança de rua, grafiteiros e músicos de rap. No final dos anos 1970, a cultura ganhou a atenção da mídia, com Painel publicitário revista publicando artigo intitulado "B Beats Bombarding Bronx", comentando sobre o fenômeno local e mencionando personalidades influentes como Kool Herc. [54] O blecaute da cidade de Nova York em 1977 viu saques generalizados, incêndios criminosos e outras desordens em toda a cidade, especialmente no Bronx [55], onde vários saqueadores roubaram equipamentos de DJ de lojas de eletrônicos. Como resultado, o gênero hip hop, pouco conhecido fora do Bronx na época, cresceu a uma taxa surpreendente de 1977 em diante. [56]

As festas da casa do DJ Kool Herc ganharam popularidade e mais tarde mudaram-se para locais ao ar livre para acomodar mais pessoas. Organizadas em parques, essas festas ao ar livre tornaram-se um meio de expressão e uma válvula de escape para os adolescentes, onde "em vez de se meterem em problemas nas ruas, os adolescentes agora tinham um lugar para gastar sua energia reprimida". [57] Tony Tone, um membro do Cold Crush Brothers, afirmou que "o hip hop salvou muitas vidas". [57] Para os jovens do centro da cidade, participar da cultura hip hop tornou-se uma forma de lidar com as adversidades da vida como minorias na América e uma saída para lidar com o risco de violência e a ascensão da cultura de gangues. MC Kid Lucky menciona que "as pessoas costumavam dançar break umas contra as outras em vez de brigar". [58] [59] Inspirado pelo DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa criou uma organização de rua chamada Universal Zulu Nation, centrada no hip hop, como um meio de tirar os adolescentes da vida de gangue, drogas e violência. [57]

O conteúdo lírico de muitos dos primeiros grupos de rap focava em questões sociais, mais notavelmente na faixa seminal "The Message" de Grandmaster Flash and the Furious Five, que discutia as realidades da vida nos conjuntos habitacionais. [60] "Jovens negros americanos vindos do movimento pelos direitos civis usaram a cultura hip hop nas décadas de 1980 e 1990 para mostrar as limitações do Movimento Hip Hop." [61] O hip hop deu aos jovens afro-americanos uma voz para permitir que seus problemas fossem ouvidos "Como o rock-and-roll, o hip hop é vigorosamente combatido pelos conservadores porque romantiza a violência, a violação da lei e as gangues". [61] Também deu às pessoas uma chance de ganho financeiro, "reduzindo o resto do mundo aos consumidores de suas preocupações sociais". [61]

No final de 1979, Debbie Harry do Blondie levou Nile Rodgers do Chic para tal evento, já que a faixa de apoio principal usada foi a pausa de "Good Times" do Chic. [49] O novo estilo influenciou Harry, e o single de sucesso mais tarde do Blondie em 1981 "Rapture" se tornou o primeiro single contendo elementos do hip hop a atingir o número um nos EUA. Painel publicitário Hot 100 - a música em si é geralmente considerada new wave e funde elementos da música pop pesada, mas há um rap prolongado de Harry perto do fim.

O boxeador Muhammad Ali, como uma influente celebridade afro-americana, teve ampla cobertura na mídia. Ali influenciou vários elementos da música hip hop. Tanto no ringue de boxe quanto em entrevistas na mídia, Ali se tornou conhecido nos anos 1960 por ser um "malandro das rimas" nos anos 1960. Ali usava uma "entrega funky" para seus comentários, que incluía "gabar-se, conversa fiada cômica [e] as frases intermináveis ​​de quotabl [e]". [62] De acordo com Pedra rolando, suas "habilidades de estilo livre" (uma referência a um tipo de improvisação vocal em que as letras são recitadas sem assunto ou estrutura particular) e suas "rimas, fluidez e fanfarronice" iriam "um dia se tornar típicas de MCs da velha escola", como Run –DMC e LL Cool J, [63] o último citando Ali como uma influência. [62] A música hip hop em sua infância foi descrita como uma válvula de escape e uma "voz" para a juventude marginalizada de áreas econômicas marginalizadas e de baixa renda, [33] já que a cultura hip hop refletia as realidades sociais, econômicas e políticas de a vida deles. [34]

Tecnologia

A evolução inicial do hip hop ocorreu na época em que a tecnologia de samples e baterias eletrônicas se tornaram amplamente disponíveis ao público em geral a um custo acessível ao consumidor médio - não apenas aos estúdios profissionais. Baterias eletrônicas e samplers foram combinados em máquinas que vieram a ser conhecidas como MPC ou 'Centros de Produção Musical', cujos primeiros exemplos incluiriam o Linn 9000. O primeiro sampler amplamente adotado para criar este novo tipo de música foi o Mellotron usado em combinação com a bateria eletrônica TR-808. Mellotrons e Linn's foram sucedidos pelo AKAI, no final dos anos 1980. [64]

Técnicas de turntablist - como "scratching" rítmico (empurrando um disco para frente e para trás enquanto a agulha está na ranhura para criar novos sons e efeitos sonoros, uma abordagem atribuída a Grand Wizzard Theodore [65] [66]), mixagem de batidas e / ou beatmatching e beat juggling - eventualmente desenvolvidos junto com os intervalos de percussão, criando um acompanhamento musical ou base que poderia ser tocada de maneira semelhante ao significado. Da mesma forma, a arte de brindar jamaicana, um estilo de falar ou cantar em um microfone, geralmente em um estilo arrogante, enquanto as batidas tocam em um sistema de som, foi uma influência importante no desenvolvimento da música hip hop. Brindar é outra influência encontrada na música dub jamaicana. [37] [67]

Introdução de rap

Rapping, também conhecido como MCing ou emceeing, é um estilo vocal em que o artista fala liricamente e ritmicamente, em rima e verso, geralmente em uma batida instrumental ou sintetizada. As batidas, quase sempre na fórmula de compasso 4/4, podem ser criadas por amostragem e / ou sequenciamento de porções de outras canções por um produtor. [68] Eles também incorporam sintetizadores, baterias eletrônicas e bandas ao vivo. Os rappers podem escrever, memorizar ou improvisar suas letras e executar suas obras a cappella ou no ritmo. A música hip hop é anterior à introdução do rap na cultura hip hop, e os vocais de rap estão ausentes em muitas faixas de hip hop, como "Hip Hop, Be Bop (Don't Stop)" de Man Parrish "Chinese Arithmetic" de Eric B. & amp Rakim "Al-Naafiysh (The Soul)" e "Nós estamos balançando o planeta" de Hashim e "Destination Earth" de Newcleus. No entanto, a maioria do gênero foi acompanhada por vocais de rap, como o grupo de electro hip hop Warp 9. [69] -Rock, membro do Funky Four Plus One, creditado por ser a primeira MC feminina [70] e The Sequence, um trio de hip hop assinado com a Sugar Hill Records, o primeiro grupo feminino a lançar um disco de rap, Funk You Up. [ citação necessária ]

As raízes do rap são encontradas na música afro-americana e, em última instância, na música africana, particularmente a dos griots [71] da cultura da África Ocidental. [72] As tradições afro-americanas de significar, as dezenas e a poesia jazz influenciam a música hip hop, bem como os padrões de chamada e resposta das cerimônias religiosas africanas e afro-americanas. Os primeiros disc-jóqueis de rádio populares do período do rádio Black-appeal começaram a anunciar usando essas técnicas sob o jive falar sobre a era do swing pós-Segunda Guerra Mundial no final dos anos 1940 e nos anos 1950. [73] DJ Nat D. foi o M.C. em um dos lugares mais impiedosos para qualquer aspirante a músico tentando entrar no show business, a Noite Amadora no teatro Palace na Beale Street em Memphis, Tennessee. Lá ele foi mestre de cerimônias de 1935 a 1947 junto com seu sideman, D.J.Rufus Thomas. Foi lá que ele aperfeiçoou as dezenas, significando e a personalidade jock jive patter que se tornaria seu schtick quando ele se tornou o primeiro locutor de rádio negro no ar ao sul da linha Mason-Dixon. [74] Jive popularizou o rádio de apelo negro, era a linguagem da juventude negra, os duplos sentidos e os jogos de palavras ligeiramente obscenos eram uma dádiva de Deus para o rádio, revigorando as avaliações em canais que estavam perdendo audiência e mudando para o novo formato de R & ampB com locutores pretos. Os 10% dos afro-americanos que ouviram suas transmissões descobriram que a música que ele promoveu no rádio em 1949 também estava nas jukeboxes do norte das cidades. Eles também estavam encontrando outros D.Js como Al Benson de Chicago no WJJD, Doctor Hep Cat de Austin no KVET e Jockey Jack de Atlanta no WERD falando o mesmo estilo de rap carregado de cadência e rima. [75] Assim que as estações de propriedade de brancos perceberam que os novos iniciantes estavam conquistando sua fatia do mercado negro e que a Big Band e o swing jazz não eram mais "modernos", alguns DJs brancos imitaram o "mushmouth" do sul e o jive talk, deixando seu público acho que eles também eram afro-americanos, tocando blues e Be-Bop. [76] John R Richbourg tinha um sotaque sulista de que os ouvintes da programação noturna de R & ampB do WLAC de Nashville [77] nunca foram informados de que não pertenciam a um D.J. preto, como outros D.Js brancos na estação. As rimas do Dr. Hep Cat foram publicadas em um dicionário de jive talk, Os Jives do Dr. Hepcat, em 1953. Jockey jack é o famoso Jack o Rapper do Assunto de família fama, depois de sua convenção de rádio que era obrigatória para todos os artistas de rap nas décadas de 1980 e 1990 [78]. Esses rappers falantes do formato de rádio black appeal dos anos 1950 foram a fonte e inspiração do cantor de Soul James Brown e da 'comédia' musical artistas como Rudy Ray Moore, Pigmeat Markham e Blowfly, que costumam ser considerados "padrinhos" da música hip hop. [79] Na cidade de Nova York, apresentações de poesia falada e música de artistas como The Last Poets, Gil Scott-Heron [80] e Jalal Mansur Nuriddin tiveram um impacto significativo na cultura da era pós-direitos civis da década de 1960 e 1970 e, portanto, o ambiente social em que a música hip hop foi criada.

Origens jamaicanas dos sistemas de som ao ar livre

O rádio AM em muitas estações era limitado pelo 'dia de transmissão', pois licenças especiais eram necessárias para transmitir à noite. Aqueles que tinham tais licenças foram ouvidos em alto mar e no Caribe, onde Jocko Henderson e Jockey Jack eram DJs americanos que eram ouvidos à noite em transmissores localizados em Miami, Flórida. Jocko passou a ter uma influência descomunal nos Emcees jamaicanos durante os anos 50, já que a música R & ampB tocada nas estações de Miami era diferente da tocada na JBC, que retransmitia a BBC e os estilos musicais locais. Na Jamaica, DJs montavam grandes sistemas de som à beira de estradas em cidades e vilas, tocando música em reuniões informais, principalmente pessoas que desciam das colinas do interior em busca de emoção no final da semana. Lá os DJs permitiam 'Toasts' de um Emcee, que copiava o estilo dos DJs americanos ouvidos em rádios transistores AM. Foi por este método que Jive talk, rap e rimando foram transpostos para a ilha e localmente o estilo foi transformado pelo 'lirismo jamaicano', ou o dialeto local.

O hip hop como música e cultura se formou durante a década de 1970 na cidade de Nova York a partir do intercâmbio multicultural entre jovens afro-americanos dos Estados Unidos e jovens imigrantes e filhos de imigrantes de países do Caribe. [32] O que mais tarde seria descrito como "festas do bairro" nos Estados Unidos era uma realidade desde os anos 1950 em toda a Jamaica, já que os MCs (chamados de DJs na Jamaica) falavam e faziam rap sobre discos em festas de "aparelhagens" desde pelo menos 1949 . [81] Alguns foram influenciados pelo estilo vocal dos primeiros MCs de rádio afro-americanos (incluindo o de Jocko Henderson Show de foguetes da década de 1950, que rimava e era influenciado pelo canto scatter), que podia ser ouvido nas rádios da Jamaica.

Os primeiros discos de DJs jamaicanos, incluindo Sir Lord Comic (O Grande Wuga Wuga, 1967) surgiu como parte da cultura local de dança de salão, que apresentava 'especiais', mixagens exclusivas ou 'versões' gravadas em soft discs ou discos de acetato e rappers (chamados de DJs) como King Stitt, Count Machuki, U-Roy , I-Roy, Big Youth e muitos outros. Gravações de talk-over, que é um estilo diferente do estilo DJ do dancehall, também foram feitas por artistas jamaicanos como Prince Buster e Lee "Scratch" Perry (Juiz Dread) já em 1967, de alguma forma enraizado na tradição do "blues falante". O primeiro disco de DJ jamaicano foi um dueto sobre o tema Rastafari pelos moradores do gueto de Kingston, U-Roy e Peter Tosh chamado Governante Justo (produzido por Lee "Scratch" Perry em 1969). O primeiro disco de sucesso do DJ foi Esquina do fogo pelo DJ de sistema de som Downbeat de Coxsone, King Stitt naquele mesmo ano de 1970 viu uma infinidade de discos de sucesso de DJ na esteira dos primeiros sucessos massivos de U-Roy, os mais famosos Acorde a cidade e muitos outros. À medida que a tradição do remix (que também começou na Jamaica, onde era chamada de 'versão' e 'dub') se desenvolveu, jovens DJ / rappers jamaicanos desse período, que já trabalhavam com sistemas de som há anos, foram repentinamente gravados e teve muitos discos de sucesso locais, contribuindo amplamente para a mania do reggae desencadeada pelo impacto de Bob Marley na década de 1970. Os principais DJs jamaicanos do início dos anos 1970 foram King Stitt, Samuel o Primeiro, Count Machuki, Johnny Lover (que "versionou" canções de Bob Marley and the Wailers já em 1971), Dave Barker, Scotty, Lloyd Young, Charlie Ace e outros, bem como as futuras estrelas do reggae U-Roy , Dennis Alcapone, I-Roy, Prince Jazzbo, Prince Far I, Big Youth e Dillinger. Dillinger marcou o primeiro recorde internacional de rap de sucesso com Cocaína no meu cérebro em 1976 (com base no Faça do jeito que quiser ritmo por People's Choice regravado por Sly e Robbie), onde até usou um sotaque nova-iorquino, visando conscientemente o novo mercado de rap de Nova York. A música dançante do DJ jamaicano estava profundamente enraizada na tradição do sistema de som que tornava a música disponível para pessoas pobres em um país muito pobre onde a música ao vivo só era tocada em clubes e hotéis frequentados pelas classes média e alta. Em 1973, o DJ Kool Herc, entusiasta de sistemas de som jamaicano, mudou-se para o Bronx, levando consigo a cultura de sistemas de som da Jamaica, e se juntou a outro jamaicano, Coke La Rock, no microfone. Embora outras influências, principalmente o sequenciador musical Grandmaster Flowers of Brooklyn e Grandwizard Theodore of the Bronx tenham contribuído para o nascimento do hip hop em Nova York, e embora tenha sido minimizado na maioria dos livros americanos sobre hip hop, a principal raiz dessa cultura de sistema de som era jamaicano. As raízes do rap na Jamaica são explicadas em detalhes no livro de Bruno Blum, 'Le Rap'. [82]

DJ Kool Herc e Coke La Rock forneceram uma influência no estilo vocal de rap, entregando versos de poesia simples sobre os intervalos de música funk, depois que os frequentadores da festa mostraram pouco interesse em suas tentativas anteriores de integrar brindes com reggae em sets musicais. [37] [83] DJs e MCs costumavam adicionar cantos de chamada e resposta, muitas vezes consistindo em um refrão básico, para permitir que o artista reunisse seus pensamentos (por exemplo, "um, dois, três, vocês, com a batida") . Mais tarde, os MCs se tornaram mais variados em sua entrega vocal e rítmica, incorporando rimas breves, muitas vezes com um tema sexual ou escatológico, em um esforço para se diferenciar e entreter o público. Esses primeiros raps incorporaram as dezenas, um produto da cultura afro-americana. Kool Herc & amp the Herculoids foram o primeiro grupo de hip hop a ganhar reconhecimento em Nova York, [83] mas o número de equipes MC aumentou com o tempo.

Freqüentemente, eram colaborações entre ex-gangues, como a Nação Universal Zulu da Afrikaa Bambaataa - agora uma organização internacional. Melle Mel, uma rapper do The Furious Five, costuma ser considerada o primeiro letrista de rap a se autodenominar "MC". [84] Durante o início dos anos 1970, o B-boying surgiu durante as festas de bairro, quando b-boys e b-girls se colocaram na frente do público para dançar em um estilo distinto e frenético. O estilo foi documentado para lançamento para um público mundial pela primeira vez em documentários e filmes como Guerras de Estilo, Estilo selvagem, e Beat Street. O termo "B-boy" foi cunhado pelo DJ Kool Herc para descrever as pessoas que esperariam pelo intervalo da música, ficando na frente do público para dançar em um estilo distinto e frenético. [85]

Embora tenha havido alguns primeiros MCs que gravaram projetos solo importantes, como DJ Hollywood, Kurtis Blow e Spoonie Gee, a frequência de artistas solo não aumentou até mais tarde com o surgimento de solistas com presença de palco e drama, como LL Cool J. A maioria dos primeiros hip hop foi dominada por grupos onde a colaboração entre os membros era parte integrante do show. [86] Um exemplo seria o primeiro grupo de hip hop Funky Four Plus One, que se apresentou de tal maneira no Saturday Night Live em 1981. [87]

Transição para a gravação

A música hip hop mais antiga foi tocada ao vivo, em festas em casas e eventos de festa do quarteirão, e não foi gravada. Antes de 1979, a música hip hop gravada consistia principalmente em gravações de soundboard do sistema PA de shows de festas ao vivo e mixtapes de hip hop de DJs. O DJ porto-riquenho Disco Wiz é creditado como o primeiro DJ de hip hop a criar um "prato misto", ou gravação de dub misto, quando, em 1977, combinou sound bites, efeitos especiais e batidas pausadas para produzir tecnicamente uma gravação de som. [88] O primeiro disco de hip hop é amplamente considerado "Rapper's Delight" do The Sugarhill Gang, de 1979. Foi o primeiro disco de hip hop a ganhar grande popularidade no mainstream e foi de onde a música hip hop tirou seu nome (de a barra de abertura). [89] No entanto, muita controvérsia envolve essa afirmação, já que alguns consideram o single "King Tim III (Personality Jock)" de março de 1979, da The Fatback Band, como um disco de rap. [90] Existem vários outros pretendentes ao título de primeiro disco de hip hop.

No início da década de 1980, todos os principais elementos e técnicas do gênero hip hop já existiam e, em 1982, o som eletrônico (eletro) havia se tornado uma tendência nas ruas e nas danceterias. A estação de rádio WKTU de Nova York apresentou "Nunk" da Warp 9, em um comercial para promover o som característico da estação do hip hop emergente [91] Embora ainda não fosse popular, o hip hop havia começado a permear a cena musical fora da cidade de Nova York, poderia ser encontrado em cidades tão diversas como Los Angeles, Atlanta, Chicago, Washington, DC, Baltimore, Dallas, Kansas City, San Antonio, Miami, Seattle, St. Louis, Nova Orleans, Houston e Toronto. De fato, "Funk You Up" (1979), o primeiro disco de hip hop lançado por um grupo feminino, e o segundo single lançado pela Sugar Hill Records, foi tocado por The Sequence, um grupo de Columbia, Carolina do Sul que contou com Angie Stone. Apesar da popularidade crescente do gênero, Filadélfia foi, por muitos anos, a única cidade cujas contribuições puderam ser comparadas às de Nova York. A música hip hop tornou-se popular na Filadélfia no final dos anos 1970. O primeiro disco lançado foi intitulado "Rhythm Talk", de Jocko Henderson.

O jornal New York Times apelidou Filadélfia de "Capital Mundial do Graffiti" em 1971. O DJ Lady B, nativo da Filadélfia, gravou "To the Beat Y'All" em 1979 e se tornou a primeira artista solo de hip hop a gravar música. [93] Schoolly D, começando em 1984 e também da Filadélfia, começou a criar um estilo que mais tarde seria conhecido como gangsta rap.

Influência da discoteca

A música hip hop foi influenciada pela música disco, já que a discoteca também enfatizava o papel fundamental do DJ na criação de faixas e mixagens para dançarinos, e o hip hop da velha escola costumava usar faixas disco como batidas. Ao mesmo tempo, no entanto, a música hip hop também foi uma reação contra certos subgêneros do disco do final dos anos 1970. Enquanto o disco inicial era música underground criada por afro-americanos e ítalo-americanos, desenvolvida por DJs e produtores para a subcultura de discotecas, no final dos anos 1970, as ondas de rádio eram dominadas pelo mainstream, canções disco produzidas pela indústria musical gravadas de forma cara. De acordo com Kurtis Blow, os primeiros dias do hip hop foram caracterizados por divisões entre fãs e detratores da música disco. O hip hop emergiu amplamente como "uma resposta direta à música disco diluída e europeizada que permeava as ondas do ar". [94] [95] O primeiro hip hop era principalmente baseado em hard funk loops originados de discos vintage de funk. No entanto, em 1979, os loops / faixas instrumentais disco se tornaram a base de grande parte da música hip hop. Esse gênero foi denominado "disco rap". Ironicamente, a ascensão da música hip hop também desempenhou um papel no eventual declínio da popularidade do disco.

O som disco teve uma forte influência no início da música hip hop. A maioria das primeiras canções de rap / hip-hop foram criadas isolando as linhas de baixo do baixo-baixo disco existentes e copiando-as com rimas MC. O Sugarhill Gang usou "Good Times" do Chic como base para seu hit de 1979 "Rapper's Delight", geralmente considerada a canção que primeiro popularizou a música rap nos Estados Unidos e em todo o mundo. Em 1982, Afrika Bambaataa lançou o single "Planet Rock", que incorporou elementos eletrônicos de "Trans-Europe Express" e "Numbers" do Kraftwerk, bem como "Riot in Lagos" do YMO. O som do Planet Rock também gerou uma tendência de dança eletrônica hip-hop, música eletro, que incluía canções como "Play at Your Own Risk" do Planet Patrol (1982), "One More Shot" do C Bank (1982), "Club Underworld" de Cerrone "(1984)," Let the Music Play "de Shannon (1983)," IOU "de Freeez (1983), "Freak-a-Zoid" de Midnight Star (1983), "I Feel For You" de Chaka Khan (1984).

DJ Pete Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood e Love Bug Starski foram DJs de hip hop influenciados pelo disco. Seus estilos diferiam de outros músicos de hip hop que se concentravam em rimas rápidas e esquemas rítmicos mais complexos. Afrika Bambaataa, Paul Winley, Grandmaster Flash e Bobby Robinson eram todos membros do terceiro grupo. Em Washington, D.C. o go-go surgiu como uma reação contra o disco e acabou incorporando características do hip hop durante o início dos anos 1980. O gênero de música eletrônica baseado em DJs se comportou de forma semelhante, eventualmente evoluindo para estilos underground conhecidos como house music em Chicago e techno em Detroit.

Diversificação de estilos

A década de 1980 marcou a diversificação do hip hop à medida que o gênero desenvolveu estilos mais complexos. [96] A cidade de Nova York se tornou um verdadeiro laboratório para a criação de novos sons de hip hop. Os primeiros exemplos do processo de diversificação podem ser ouvidos em faixas como "As Aventuras de Grandmaster Flash nas rodas de aço" do Grandmaster Flash (1981), um single consistindo inteiramente de faixas amostradas [97], bem como "Planet Rock" do Afrika Bambaataa (1982), e "Nunk" do Warp 9, (1982) [98] que significou a fusão da música hip hop com o electro. Além disso, "Beat Bop" (1983) de Rammellzee & amp K-Rob foi um 'slow jam' que teve uma influência dub com o uso de reverb e eco como textura e efeitos sonoros divertidos. "Light Years Away", de Warp 9 (1983), (produzido e escrito por Lotti Golden e Richard Scher) descrito como uma "pedra angular do afrofuturismo do beatbox do início dos anos 80", pelo jornal do Reino Unido, O guardião, [69] introduziu o comentário social de uma perspectiva de ficção científica. Na década de 1970, a música hip hop costumava usar samples do funk e, mais tarde, do disco. A metade da década de 1980 marcou uma mudança de paradigma no desenvolvimento do hip hop, com a introdução de samples da música rock, conforme demonstrado nos álbuns Rei do rock e Licenciado para Ill. O hip hop anterior a essa mudança é caracterizado como hip hop da velha escola.

Em 1980, a Roland Corporation lançou o TR-808 Rhythm Composer. Foi uma das primeiras baterias eletrônicas programáveis, com a qual os usuários podiam criar seus próprios ritmos em vez de ter que usar padrões predefinidos. Embora tenha sido um fracasso comercial, ao longo da década de 808 atraiu um culto de seguidores entre os músicos underground por sua acessibilidade no mercado de usados, [99] facilidade de uso [100] e sons idiossincráticos, particularmente seu deep ", booming " bumbo. [101] Tornou-se a pedra angular dos gêneros emergentes de música eletrônica, dança e hip hop, popularizada por sucessos iniciais como Afrika Bambaataa e "Planet Rock" do Soulsonic Force. [102] A 808 acabou sendo usada em mais discos de sucesso do que qualquer outra drum machine [103]. Sua popularidade com o hip hop em particular a tornou uma das invenções mais influentes na música popular, comparável à influência da Fender Stratocaster no rock. [104] [105]

Com o tempo, a tecnologia de amostragem tornou-se mais avançada. No entanto, produtores anteriores, como Marley Marl, usaram baterias eletrônicas para construir suas batidas a partir de pequenos trechos de outras batidas em sincronização, no caso dele, disparando três unidades de retardo de amostragem Korg por meio de um Roland 808. Mais tarde, samplers como o E-mu SP -1200 permitiu não apenas mais memória, mas mais flexibilidade para produção criativa. Isso permitiu a filtração e a estratificação de diferentes batidas, e com a possibilidade de sequenciamento em uma única peça. Com o surgimento de uma nova geração de samplers como o AKAI S900 no final dos anos 1980, os produtores não precisaram criar loops de fita complexos e demorados. O primeiro álbum do Public Enemy foi criado com a ajuda de grandes loops de fita. O processo de loop de um break em um breakbeat agora se tornou mais comumente feito com um sampler, agora fazendo o trabalho que até então era feito manualmente pelos DJs usando toca-discos. Em 1989, o DJ Mark James, sob o apelido de "45 King", lançou "The 900 Number", uma faixa breakbeat criada pela sincronização de samplers e discos de vinil. [86]

O conteúdo lírico e outros acompanhamentos instrumentais do hip hop também se desenvolveram. Os primeiros estilos líricos na década de 1970, que tendiam a ser cânticos clichês e ostentações, foram substituídos por letras metafóricas explorando uma gama mais ampla de assuntos. Da mesma forma, as letras foram tocadas em um acompanhamento instrumental mais complexo e com várias camadas. Artistas como Melle Mel, Rakim, Chuck D, KRS-One e Warp 9 revolucionaram o hip hop ao transformá-lo em uma forma de arte mais madura, com arranjos sofisticados, muitas vezes apresentando "texturas lindas e camadas múltiplas" [106] O single influente " The Message "(1982), de Grandmaster Flash e os Furious Five, é amplamente considerada a força pioneira do rap consciente.

Gravadoras independentes como Tommy Boy, Prism Records e Profile Records fizeram sucesso no início dos anos 1980, lançando discos em um ritmo furioso em resposta à demanda gerada por estações de rádio locais e DJs de clubes. A música eletro e o rap do início dos anos 1980 foram os catalisadores do movimento hip hop, liderados por artistas como Cybotron, Hashim, Afrika Bambaataa, Planet Patrol, Newcleus e Warp 9. Na cena musical de Nova York, artistas colaboraram com produtores / escritores como como Arthur Baker, John Robie, Lotti Golden e Richard Scher, trocando ideias que contribuíram para o desenvolvimento do hip hop. [107] Alguns rappers eventualmente se tornaram artistas pop mainstream. A aparição de Kurtis Blow em um comercial de refrigerante Sprite [108] marcou o primeiro músico de hip hop a fazer um comercial para um produto importante. As canções de 1981 "Rapture" do Blondie e "Christmas Wrapping" da banda new wave The Waitresses estavam entre as primeiras canções pop a usar rap. Em 1982, Afrika Bambaataa apresentou o hip hop a um público internacional com "Planet Rock".

Antes da década de 1980, a música hip hop estava em grande parte confinada ao contexto dos Estados Unidos. No entanto, durante a década de 1980, começou a se espalhar e passou a fazer parte do cenário musical em dezenas de países. Greg Wilson foi o primeiro DJ a apresentar o electro hip hop ao público de clubes do Reino Unido no início dos anos 1980, optando pelas versões dub ou instrumental de Nunk da Warp 9, Extra T's "ET Boogie", Hip Hop, Be Bop (Don't Stop ) por Man Parrish, Planet Rock e Dirty Talk. [109]

No início da década, o B-boying se tornou o primeiro aspecto da cultura hip hop a chegar ao Japão, Austrália e África do Sul. Na África do Sul, a equipe de breakdance Black Noise estabeleceu a prática antes de começar a fazer rap no final da década. O músico e apresentador Sidney se tornou o primeiro apresentador de TV negra da França com seu programa QUADRIL. SALTAR. [110] que foi exibido no TF1 durante 1984, a primeira vez para o gênero em todo o mundo. Sidney é considerado o pai do hip hop francês. A Radio Nova ajudou a lançar outras estrelas do hip hop francês, incluindo Dee Nasty, cujo álbum de 1984 Paname City Rappin ' junto com as compilações Rapattitude 1 e 2 contribuíram para uma consciência geral do hip hop na França.

O hip hop sempre manteve uma relação muito próxima com a comunidade latina de Nova York. DJ Disco Wiz e Rock Steady Crew estavam entre os primeiros inovadores de Porto Rico, combinando inglês e espanhol em suas letras. The Mean Machine gravou sua primeira música sob o rótulo "Disco Dreams" em 1981, enquanto Kid Frost de Los Angeles começou sua carreira em 1982. Cypress Hill foi formada em 1988 no subúrbio de South Gate nos arredores de Los Angeles quando Senen Reyes (nascido em Havana) e seu irmão mais novo Ulpiano Sergio (Mellow Man Ace) se mudaram de Cuba para South Gate com sua família em 1971. Eles se uniram a DVX do Queens (Nova York), Lawrence Muggerud (DJ Muggs) e Louis Freese (B-Real ), um nativo mexicano / cubano-americano de Los Angeles. Após a saída de "Ace" para iniciar sua carreira solo, o grupo adotou o nome de Cypress Hill em homenagem a uma rua que passava por um bairro próximo ao sul de Los Angeles.

O hip hop japonês começou quando Hiroshi Fujiwara voltou ao Japão e começou a tocar discos de hip hop no início dos anos 1980. [111] O hip hop japonês geralmente tende a ser mais diretamente influenciado pelo hip hop da velha escola, pegando as batidas cativantes da era, a cultura da dança e a diversão geral e a natureza despreocupada e incorporando-os em sua música. O hip hop se tornou um dos gêneros musicais convencionais mais viáveis ​​comercialmente no Japão, e a linha entre ele e a música pop é freqüentemente confusa.

A nova escola de hip hop foi a segunda onda da música hip hop, originada em 1983-84 com os primeiros registros do Run-D.M.C. e LL Cool J. Assim como o hip hop que o precedeu (que posteriormente ficou conhecido como hip hop da velha escola), a nova escola veio predominantemente da cidade de Nova York. A nova escola foi inicialmente caracterizada em forma pelo minimalismo liderado por bateria eletrônica, com influências da música rock, um hip hop "música metal dos anos 80 - um trance feio / bonito de ponta tão desesperado e estimulante quanto a própria Nova York." [112] Foi notável por insultos e gabar-se de rap e comentários sociopolíticos, ambos feitos em um estilo agressivo e auto-afirmativo. Tanto na imagem quanto na música, seus artistas projetaram uma atitude de b-boy de rua duro e legal.

Esses elementos contrastavam fortemente com muitos dos grupos anteriores de hip hop influenciados pelo funk e disco, cuja música era frequentemente caracterizada por novos sucessos, bandas ao vivo, sintetizadores e "rimas de festa" (nem todos os artistas antes de 1983-84 tinham esses estilos ) Os artistas da nova escola fizeram canções mais curtas que poderiam ganhar mais facilmente o toque de rádio, e eles produziram álbuns de LP mais coesos do que seus colegas da velha escola. Em 1986, seus lançamentos começaram a estabelecer o álbum de hip-hop como um acessório da música mainstream. A música hip hop tornou-se um sucesso comercial, como exemplificado pelo álbum dos Beastie Boys de 1986 Licenciado para Ill, que foi o primeiro álbum de rap a atingir o número 1 no Painel publicitário gráficos. [113]

A "era de ouro" do hip hop (ou "era de ouro") é um nome dado a um período do hip hop mainstream, produzido entre meados da década de 1980 e meados da década de 1990, [114] [115] [116] que é caracterizado por sua diversidade, qualidade, inovação e influência. [117] [118] Havia temas fortes de afrocentrismo e militância política nas letras de hip hop da era de ouro. A música era experimental e a amostragem baseou-se em fontes ecléticas. [119] Muitas vezes havia uma forte influência do jazz na música. Os artistas e grupos mais frequentemente associados a esta fase são Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & amp Rakim, De La Soul, A Tribe Called Quest, Gang Starr, Big Daddy Kane e os Jungle Brothers. [120]

A idade de ouro é conhecida por sua inovação - uma época "em que parecia que cada novo reinventava o gênero" [121] de acordo com Pedra rolando. Referindo-se ao "hip-hop em sua era de ouro", [122] Rodar A editora-chefe Sia Michel diz, "havia tantos álbuns importantes e inovadores saindo bem naquela época", [122] e Sway Calloway da MTV acrescenta: "O que tornou aquela era tão boa é que nada foi artificial. Tudo ainda estava sendo descoberto e tudo ainda era inovador e novo ". [123] O escritor William Jelani Cobb diz "o que tornou a era que eles inauguraram digna do termo dourada foi o grande número de inovações estilísticas que surgiram. Nestes anos dourados, uma massa crítica de prodígios do microfone estava literalmente criando a si mesmos e sua arte formulário ao mesmo tempo ". [124]

A idade de ouro se estende "de aproximadamente 1986 a 1997", de acordo com Carl Stoffers da New York Daily News. [114] Em seu artigo "Em Busca do Som Hip-Hop da Idade de Ouro", os teóricos da música Ben Duinker e Denis Martin de Resenha de musicologia empírica usar "os 11 anos entre e incluindo 1986 e 1996 como limites cronológicos" para definir a idade de ouro, começando com os lançamentos de Run-DMC's Raising Hell e os Beastie Boys ' Licenciado para Ill, e terminando com as mortes de Tupac Shakur e do Notório B.I.G .. [116] The Boombox o escritor Todd "Stereo" Williams também cita o lançamento de maio de 1986 de Raising Hell (que vendeu mais de três milhões de cópias) como o início do período e observa que, no ano seguinte, outros álbuns importantes foram lançados com sucesso, incluindo Licenciado para Ill, Boogie Down Productions ' Criminal Minded (1987), Public Enemy's Ei! Bum Rush the Show (1987), e Eric B. & amp Rakim's Pago integralmente (1987). Williams vê esse desenvolvimento como o início da "era do álbum" do hip hop do final dos anos 1980 ao final dos anos 1990, durante a qual os álbuns de hip hop ganharam um reconhecimento da crítica sem precedentes e "seriam a medida pela qual a maioria dos grandes nomes do gênero seriam julgado ". [125]

Gangsta rap e hip hop da costa oeste

Gangsta rap é um subgênero do hip hop que reflete o estilo de vida violento dos jovens negros americanos do centro das cidades. [127] Gangsta é uma pronúncia não rótica da palavra gangster. O gênero foi lançado em meados da década de 1980 por rappers como Schoolly D e Ice-T, e foi popularizado no final da década de 1980 por grupos como N.W.A. Em 1985, Schoolly D lançou "PSK What Does It Sign?", Que muitas vezes é considerada a primeira música gangsta rap, seguida por Ice-T "6 in the Mornin '" em 1986. Após a atenção nacional e polêmica que Ice -T e NWA criados no final dos anos 1980 e no início dos anos 1990, assim como a disseminação do G-funk em meados dos anos 1990, o gangsta rap se tornou o subgênero mais lucrativo comercialmente do hip hop. Alguns gangsta rappers eram conhecidos por misturar o comentário político e social do rap político com os elementos criminais e histórias de crime encontrados no gangsta rap. [128]

N.W.A é o grupo mais frequentemente associado à fundação do gangsta rap. Suas letras eram mais violentas, abertamente confrontadoras e chocantes do que aquelas de raps consagrados, apresentando profanação incessante e, de forma controversa, o uso da palavra "mano". Essas letras foram colocadas sobre batidas ásperas de guitarra de rock, contribuindo para a sensação de contundência da música. O primeiro álbum de gangsta rap blockbuster foi o de N.W.A Straight Outta Compton, lançado em 1988. Straight Outta Compton iria estabelecer o hip hop da Costa Oeste como um gênero vital e estabelecer Los Angeles como um rival legítimo para a capital de longa data do hip hop, Nova York. Straight Outta Compton gerou a primeira grande controvérsia em relação às letras de hip hop quando sua canção "Fuck tha Police" recebeu uma carta do Diretor Assistente do FBI, Milt Ahlerich, expressando fortemente o ressentimento da polícia em relação à canção. [129] [130]

Polêmica cercou o álbum de Ice-T Contagem de corpos, em particular sobre sua música "Cop Killer". A música tinha o objetivo de falar do ponto de vista de um criminoso se vingando de policiais racistas e brutais. A canção de rock de Ice-T enfureceu funcionários do governo, a National Rifle Association e vários grupos de defesa da polícia. [131] Consequentemente, a Time Warner Music se recusou a lançar o próximo álbum do Ice-T Invasão de domicílio por causa da polêmica em torno de "Cop Killer". Ice-T sugeriu que o furor sobre a música foi uma reação exagerada, dizendo ao jornalista Chuck Philips ". Eles fizeram filmes sobre assassinos de enfermeiras, assassinos de professores e assassinos de estudantes. [O ator] Arnold Schwarzenegger surpreendeu dezenas de policiais como o Exterminador do Futuro. Mas Não ouço ninguém reclamando disso. " Na mesma entrevista, Ice-T sugeriu à Philips que o mal-entendido de Assassino policial e as tentativas de censurá-la tiveram implicações raciais: "A Suprema Corte diz que não há problema em um homem branco queimar uma cruz em público. Mas ninguém quer que um negro escreva um registro sobre um assassino de policiais". [131]

O assunto inerente ao gangsta rap em geral causou polêmica. As administrações da Casa Branca de George H.W. Bush e Bill Clinton criticaram o gênero. [126] "A razão pela qual o rap está sob ataque é porque ele expõe todas as contradições da cultura americana. O que começou como uma forma de arte underground se tornou um veículo para expor uma série de questões críticas que geralmente não são discutidas na política americana. O problema aqui é que a Casa Branca e desejos como Bill Clinton representam um sistema político que nunca pretende lidar com o caos urbano dentro da cidade ", disse a irmã Souljah Os tempos. [126] Devido à influência de Ice-T e N.W.A, o gangsta rap é frequentemente visto como um fenômeno principalmente da Costa Oeste, apesar das contribuições de artistas da Costa Leste como Schoolly D e Boogie Down Productions na formação do gênero.

Revolução mainstream

Em 1990, Public Enemy's Medo de um planeta negro foi um sucesso significativo com críticos musicais e consumidores. [132] O álbum desempenhou um papel fundamental no surgimento do hip hop mainstream em 1990, dublado por Painel publicitário o editor Paul Grein como "o ano em que o rap explodiu". [132] Em um artigo de 1990 sobre seu avanço comercial, Janice C. Thompson de Tempo escreveu que o hip hop "se tornou o desenvolvimento mais empolgante da música pop americana em mais de uma década". [133] Thompson observou o impacto do single "Fight the Power" do Public Enemy de 1989, o single do rapper Tone Lōc Wild Thing sendo o single mais vendido de 1989, e que, na época de seu artigo, quase um terço das canções no Painel publicitário Hot 100 eram canções de hip hop. [133] Em um artigo semelhante de 1990, Robert Hilburn do Los Angeles Times coloque o surgimento comercial da música hip hop em perspectiva:

Faz 10 anos que "Rapper's Delight" do Sugarhill Gang se tornou o primeiro single de rap a entrar no Top 20 nacional. Quem imaginou então que a música estaria por aí em 1990, muito menos produzir atrações que chamariam a mesma atenção pop como inimigo público e NWA? "Rapper's Delight" foi um disco inovador que foi considerado por grande parte da comunidade pop simplesmente como um desdobramento leve do disco - e essa imagem permaneceu por anos. Gravações ocasionais - incluindo "The Message" de Grandmaster Flash em 1982 e "It's Like That" de Run-DMC em 1984 - ganharam a aprovação crítica, mas o rap, principalmente, foi descartado como uma fantasia passageira - repetitivo demais, unidimensional demais. No entanto, o rap não foi embora, e uma explosão de energia e imaginação no final dos anos 1980 faz do rap hoje, sem dúvida, o novo som orientado para a rua mais vital no pop desde o nascimento do rock nos anos 1950. [134]

Em 1990, enquanto trabalhava com o grupo moderno Snap !, Ronald "Bee-Stinger" Savage, um ex-membro da Nação Zulu Universal, é creditado por esculpir o termo "Seis Elementos do Movimento Hip Hop" por ser inspirado pelo Público As gravações do inimigo. Os "Seis Elementos do Movimento Hip Hop" são: Conscientização da Consciência, Conscientização dos Direitos Civis, Conscientização do Ativismo, Justiça, Consciência Política e Conscientização da Comunidade na música Savage é conhecido como o Filho do Movimento Hip Hop. [135] [136] [137]

MC Hammer alcançou sucesso mainstream com o álbum multi-platina Por favor, martele, não os machuque. O álbum alcançou o primeiro lugar e o primeiro single, "U Can't Touch This", ficou entre os dez primeiros do Painel publicitário Hot 100. MC Hammer se tornou um dos rappers de maior sucesso do início dos anos 90 e um dos primeiros nomes conhecidos do gênero. O álbum elevou a música rap a um novo nível de popularidade. Foi o primeiro álbum de hip-hop certificado como diamante pela RIAA, com vendas de mais de dez milhões. [138] Ele continua sendo um dos álbuns mais vendidos de todos os tempos do gênero. [139] Até o momento, o álbum vendeu até 18 milhões de unidades. [140] [141] [142] [143] Lançado em 1990, "Ice Ice Baby" por Vanilla Ice foi o primeiro single de hip hop a superar o Painel publicitário paradas nos EUA. Ele também alcançou o número um no Reino Unido, Austrália, entre outros, e foi creditado por ajudar a diversificar o hip hop ao apresentá-lo ao público mainstream. [144] Em 1992, o Dr. Dre lançou O crônico. Além de ajudar a estabelecer o gangsta rap da Costa Oeste como mais comercialmente viável do que o hip hop da Costa Leste, [145] este álbum fundou um estilo chamado G Funk, que logo passou a dominar o hip hop da Costa Oeste. O estilo foi desenvolvido e popularizado pelo álbum de 1993 de Snoop Dogg Doggystyle. No entanto, o hip hop ainda encontrou resistência do rádio negro, incluindo estações de rádio contemporâneas urbanas. Russell Simmons disse em 1990: "As estações de rádio negras odiavam o rap desde o início e ainda há muita resistência a ele". [134]

Apesar da falta de apoio de algumas estações de rádio negras, o hip hop se tornou um gênero musical mais vendido em meados da década de 1990 e o gênero musical mais vendido em 1999, com 81 milhões de CDs vendidos. [146] [147] [148] No final dos anos 1990, o hip hop era artisticamente dominado pelo Wu-Tang Clan, Diddy e os Fugees. [145] Os Beastie Boys continuaram seu sucesso ao longo da década cruzando as linhas de cores e ganhando o respeito de muitos artistas diferentes. As gravadoras sediadas em Atlanta, St. Louis e Nova Orleans também ganharam fama por suas cenas locais. A cena do rap do meio-oeste também foi notável, com os estilos vocais rápidos de artistas como Bone Thugs-n-Harmony, Tech N9ne e Twista. No final da década, o hip hop era parte integrante da música popular e muitas canções pop americanas tinham componentes de hip hop.

Rivalidade Leste x Oeste

A rivalidade do hip hop da Costa Leste com a Costa Oeste foi uma rivalidade de 1991 a 1997 entre artistas e fãs do hip hop da Costa Leste e das cenas de hip hop da Costa Oeste nos Estados Unidos, especialmente de 1994 a 1997. Os pontos focais da rivalidade eram o Leste O rapper baseado na costa, The Notorious BIG (e seu selo de Nova York, Bad Boy Records) e o rapper da Costa Oeste Tupac Shakur (e seu selo de Los Angeles), Death Row Records). Essa rivalidade começou antes dos próprios rappers entrarem em cena. Como Nova York é o berço do hip-hop, os artistas da Costa Oeste se sentiam como se não estivessem recebendo a mesma cobertura da mídia e atenção do público que a Costa Leste. [149] Com o passar do tempo, os dois rappers começaram a crescer em fama e à medida que os dois se tornaram mais conhecidos, as tensões continuaram a surgir. Eventualmente, ambos os artistas foram mortos a tiros após tiroteios por assaltantes desconhecidos em 1997 e 1996, respectivamente.

Hip hop da costa leste

No início de 1990, o hip hop da Costa Leste era dominado pelo grupo Native Tongues, que era vagamente composto de De La Soul com o produtor Prince Paul, A Tribe Called Quest, os Jungle Brothers, bem como seus afiliados 3rd Bass, Main Source, e os menos bem-sucedidos Black Sheep e KMD. Embora originalmente uma concepção da "era das margaridas" enfatizando os aspectos positivos da vida, materiais mais sombrios (como o instigante "Millie puxou uma pistola no Papai Noel" de De La Soul) logo se infiltraram. Artistas como Masta Ace (especialmente para SlaughtaHouse), Brand Nubian, Public Enemy, Organized Konfusion e Tragedy Khadafi tinham uma pose mais abertamente militante, tanto no som quanto na maneira. Em 1993, o Wu-Tang Clan's Entrar no Wu-Tang (36 câmaras) revitalizou a cena hip hop de Nova York ao ser o pioneiro de um rap hardcore da Costa Leste equivalente em intensidade ao que estava sendo produzido na Costa Oeste. [150] De acordo com Allmusic, a produção de dois álbuns Mobb Deep, Os infames (1995) e Inferno na Terra (1996), estão "em dívida" com a produção inicial de RZA com o Wu-Tang Clan. [151] [152]

O sucesso de álbuns como o de Nas Illmatic e Notorious B.I.G. Pronto para morrer em 1994 consolidou o status da Costa Leste durante uma época de domínio da Costa Oeste. Em uma edição de março de 2002 da The Source Magazine, Nas se referiu a 1994 como "um renascimento do Hip-Hop de Nova York". [153] As produções de RZA, particularmente para o Wu-Tang Clan, se tornaram influentes com artistas como Mobb Deep devido à combinação de loops instrumentais um tanto distantes, bateria altamente compactada e processada e conteúdo lírico gangsta. Álbuns solo de Wu-Tang, como Raekwon the Chef's Apenas 4 Linx Cubano Construído, Ghostface Killah's Homem de Ferroe GZA's Espadas Líquidas agora são vistos como clássicos junto com o material "básico" do Wu-Tang. A base do clã se estendeu para outros grupos chamados "afiliados de Wu". Produtores como DJ Premier (principalmente para Gang Starr, mas também para outros artistas afiliados, como Jeru the Damaja), Pete Rock (com CL Smooth e fornecendo batidas para muitos outros), Buckwild, Large Professor, Diamond D e Q- A ponta fornece batidas para vários MCs ao mesmo tempo, independentemente da localização. Álbuns como o de Nas Illmatic, O.C.'s Palavra. Vida (1994), e Jay-Z's Dúvida razoável (1996) são formados por batidas desse pool de produtores.

A rivalidade entre os rappers da Costa Leste e da Costa Oeste acabou se tornando pessoal. [154] Mais tarde na década, a perspicácia comercial da Bad Boy Records testou-se contra Jay-Z e sua Roc-A-Fella Records e, na costa oeste, Death Row Records. De meados ao final da década de 1990, surgiu uma geração de rappers, como os membros do D.I.T.C. como o falecido Big L e Big Pun. Na Costa Leste, embora o segmento "grande negócio" do mercado tenha dominado as questões comercialmente, do final dos anos 1990 ao início dos anos 2000 viu uma série de selos indie relativamente bem-sucedidos da Costa Leste, como Rawkus Records (com quem Mos Def e Talib Kweli obtiveram sucesso) e mais tarde Def Jux. A história das duas gravadoras está entrelaçada, a última tendo sido iniciada pela EL-P da Company Flow em reação à primeira, e ofereceu uma saída para artistas mais undergrounds como Mike Ladd, Aesop Rock, Mr Lif, RJD2, Cage e Cannibal Ox. Outros atos, como os incendiários hispânicos e o poeta slam que se tornou MC Saul Williams, tiveram diferentes graus de sucesso.

Hip hop da costa oeste

Depois de N.W.A. separou-se, o ex-membro Dr. Dre foi liberado O crônico em 1992, que alcançou a posição nº 1 na parada de R & ampB / hip hop, [155] nº 3 na parada pop, e gerou um single pop nº 2 com "Nuthin 'but a' G 'Thang". O crônico levou o rap da Costa Oeste em uma nova direção, [156] fortemente influenciado por artistas do funk P, combinando batidas funk suaves e fáceis com letras lentas. Isso veio a ser conhecido como G-funk e dominou o hip hop mainstream no início de meados dos anos 1990 por meio de uma lista de artistas da Death Row Records de Suge Knight, incluindo Tupac Shakur, cujo álbum duplo All Eyez on Me foi um grande sucesso com as canções de sucesso "Ambitionz az a Ridah" ​​e "2 of Amerikaz Most Wanted" [ citação necessária ] e Snoop Doggy Dogg, cujo Doggystyle incluiu os dez maiores sucessos "Qual é o meu nome?" e "Gin and Juice". [157] À medida que Death Row, com sede em Los Angeles, construiu um império em torno de Dre, Snoop e Tupac, também entrou em uma rivalidade com a Bad Boy Records de Nova York, liderada por Puff Daddy e The Notorious B.I.G ..

Separados dessa cena estavam outros artistas como Freestyle Fellowship e The Pharcyde, bem como artistas mais underground como o coletivo Solesides (DJ Shadow e Blackalicious entre outros), Jurassic 5, Patinho Feio, People Under The Stairs, Tha Alkaholiks e anteriormente Souls of Mischief, que representou um retorno às raízes do hip hop de samples e esquemas de rimas bem planejados.

Maior diversificação

Na década de 1990, o hip hop começou a se diversificar com outros estilos regionais surgindo no cenário nacional. O rap sulista tornou-se popular no início dos anos 1990. [158] Os primeiros rappers sulistas a ganhar atenção nacional foram os Geto Boys, de Houston, Texas. [159] As raízes do rap sulista podem ser atribuídas ao sucesso de Geto Boy's Grip It! Nesse outro nível em 1989, o Rick Rubin produziu The Geto Boys em 1990, e Não podemos ser parados em 1991. [160] A área de Houston também produziu outros artistas que foram os pioneiros no som do rap sulista, como UGK e a carreira solo de Scarface.

Os artistas de hip hop de Atlanta foram fundamentais para expandir ainda mais a música rap e trazer o hip hop do sul para o mainstream. Lançamentos como Arrested Development's 3 anos, 5 meses e 2 dias na vida de. em 1992, Goodie Mob's Alimento da alma em 1995 e OutKast's ATLiens em 1996 foram todos aclamados pela crítica. Outros sons regionais distintos de St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit e outros começaram a ganhar popularidade.

Durante a idade de ouro, elementos do hip hop continuaram a ser assimilados em outros gêneros da música popular. As primeiras ondas de rap rock, rapcore e rap metal - respectivas fusões de hip hop e rock, punk hardcore e heavy metal [162] - tornaram-se populares entre o público mainstream nesta época Run-DMC, Beastie Boys e Rage Against The Machine estavam entre as bandas mais conhecidas nesses campos. No Havaí, bandas como Sudden Rush combinaram elementos de hip hop com o idioma local e questões políticas para formar um estilo chamado na mele paleoleo. [163]

Comercialização e novos rumos

Durante o final da década de 1990, na esteira das mortes de Tupac Shakur e The Notorious BIG, um novo som comercial surgiu na cena do hip hop, às vezes referido como a "era bling" [165] (derivado de "Bling Bling de Lil Wayne "), [166]" era jiggy "[167] [168] (derivado de" Gettin 'Jiggy wit It "de Will Smith) ou" era do terno brilhante "(derivado de ternos metálicos usados ​​por alguns rappers em videoclipes no tempo, como em "Mo Money Mo Problems", de The Notorious BIG, Puff Daddy e Mase). [169] Antes do final da década de 1990, o gangsta rap, embora um gênero de grande venda, tinha sido considerado bem fora do mainstream pop, comprometido em representar a experiência do centro da cidade e não "vender" para as paradas pop. No entanto, a ascensão da Bad Boy Records de Sean "Puff Daddy" Combs, impulsionada pelo grande sucesso cruzado do álbum de conjunto de Combs de 1997 Sem Saída, sinalizou uma grande mudança estilística no gangsta rap (e no hip hop mainstream em geral), à medida que se tornaria ainda mais bem-sucedido comercialmente e popularmente aceito. Ganchos e produção no estilo Silky R & ampB, assuntos mais materialistas e samples de canções pop e soul de sucesso dos anos 1970 e 1980 foram a base desse som, que foi apresentado por produtores como Combs, Timbaland, The Trackmasters, The Neptunes, e Scott Storch. Também alcançando níveis semelhantes de sucesso nesta época foram Master P e seu selo No Limit em Nova Orleans Master P construiu uma lista de artistas (o grupo No Limit) baseado em Nova Orleans e incorporou influências do funk G e baixo de Miami em seu música. O novo selo Cash Money de Nova Orleans também estava ganhando popularidade durante esse tempo, [170] com artistas emergentes como Birdman, Lil Wayne, B.G e Juvenile.

Muitos dos rappers que alcançaram sucesso mainstream nesta época, como Nelly, Puff Daddy, Jay-Z, a carreira posterior de Fat Joe e seu Terror Squad, Mase, Ja Rule, Fabolous e Cam'ron, tiveram um estilo orientado, enquanto outros como Big Pun, Fat Joe (em sua carreira anterior), DMX, Eminem, 50 Cent e seu G-Unit e The Game tiveram sucesso comercial neste momento com um estilo mais corajoso. Embora rappers brancos como Beastie Boys, House of Pain e 3rd Bass já tivessem algum sucesso popular ou aceitação crítica da comunidade hip hop, o sucesso de Eminem, começando em 1999 com o disco de platina The Slim Shady LP, [171] surpreendeu a muitos. As influências do hip hop também encontraram seu caminho cada vez mais para o pop mainstream durante este período, particularmente em gêneros como R & ampB (por exemplo, R. Kelly, Akon, TLC, Destiny's Child, Beyonce, Ashanti, Aliyah, Usher), neo soul (por exemplo, Lauryn Hill, Erykah Badu, Jill Scott) e nu metal (por exemplo, Korn, Limp Bizkit).

Dr. Dre continuou sendo uma figura importante nesta época, fazendo seu retorno em 1999 com o álbum 2001. Em 2000, ele produziu The Marshall Mathers LP por Eminem, e também produziu o álbum de 2003 do 50 Cent Fique Rico ou Morra Tentando', que estreou como número um nas paradas da Billboard 200 dos EUA. [172] Jay-Z representou o triunfo cultural do hip hop nesta era. Conforme sua carreira progredia, ele passou de artista performático a empresário, presidente de gravadora, chefe de uma linha de roupas, dono de clube e consultor de mercado - quebrando ao longo do caminho o recorde de Elvis Presley para a maioria dos álbuns número um no Painel publicitário gráficos de revistas por um artista solo.

Ascensão do hip hop alternativo

O hip hop alternativo, que foi introduzido na década de 1980 e depois declinou, ressurgiu no início de meados dos anos 2000 com o interesse rejuvenescido do público em geral pela música indie. O gênero começou a alcançar um lugar no mainstream, em parte devido ao sucesso de crossover de artistas como OutKast, Kanye West e Gnarls Barkley. [173] Álbum do OutKast de 2003 Speakerboxxx / The Love Below recebeu grande aclamação dos críticos musicais e atraiu uma ampla gama de ouvintes, sendo que abrangia vários gêneros musicais - incluindo rap, rock, R & ampB, punk, jazz, indie, country, pop, eletrônica e gospel. O álbum também gerou dois singles de sucesso número um, e foi certificado como diamante ao vender 11 vezes a platina pela RIAA por despachar mais de 11 milhões de unidades, [174] tornando-se um dos álbuns de hip-hop mais vendidos de todos os tempos. Ele também ganhou um Grammy de Álbum do Ano no 46º Grammy Awards, sendo apenas o segundo álbum de rap a fazê-lo. Anteriormente, artistas de hip hop alternativo haviam alcançado muita aclamação da crítica, mas receberam relativamente pouca exposição através do rádio e de outros meios de comunicação durante este tempo, artistas de hip hop alternativo como MF Doom, [175] The Roots, Dilated Peoples, Gnarls Barkley, Mos Def , e Aesop Rock [176] [177] começou a obter um reconhecimento significativo.

Glitch hop e música instável

O glitch hop e a música instável evoluíram após o surgimento do trip hop, do dubstep e da música de dança inteligente (IDM). Tanto o glitch hop quanto a música instável freqüentemente refletem a natureza experimental do IDM e o baixo pesado presente nas canções de dubstep. Embora o trip hop tenha sido descrito como uma abordagem distinta da classe média alta britânica no hip-hop, o glitch-hop e a música instável têm muito mais diversidade estilística. Ambos os gêneros são potes de influência. Glitch hop contém ecos da música pop dos anos 80, ragas indianas, jazz eclético e rap da costa oeste. Los Angeles, Londres, Glasgow e várias outras cidades se tornaram pontos quentes para essas cenas, e as cenas undergrounds se desenvolveram em todo o mundo em comunidades menores. Ambos os gêneros costumam homenagear artistas de música eletrônica mais antigos e bem estabelecidos, como Radiohead, Aphex Twin e Boards of Canada, bem como produtores independentes de hip hop como J Dilla e Madlib.

Glitch hop é um gênero de fusão de hip hop e glitch music que se originou no início da década de 2000 nos Estados Unidos e na Europa. Musicalmente, é baseado em breakbeats irregulares e caóticos, basslines glitchy e outros efeitos sonoros típicos usados ​​em música glitch, como saltos. Artistas do glitch hop incluem Prefuse 73, Dabrye e Flying Lotus. Wonky é um subgênero do hip hop que se originou por volta de 2008, mas principalmente nos Estados Unidos e no Reino Unido, e entre artistas internacionais da gravadora Hyperdub, sob a influência do glitch hop e do dubstep. A música Wonky é do mesmo estilo glitchy do glitch hop, mas era especificamente conhecida por suas melodias, ricas com "sintetizadores instáveis ​​de gama média". A Escócia se tornou uma das cenas instáveis ​​mais proeminentes, com artistas como Hudson Mohawke e Rustie.

Glitch hop e wonky são populares entre um público relativamente menor interessado em hip hop alternativo e música eletrônica (especialmente dubstep), nem glitch hop nem wonky alcançaram popularidade mainstream. No entanto, artistas como Flying Lotus, The Glitch Mob e Hudson Mohawke tiveram sucesso em outras áreas. A música do Flying Lotus ganhou várias críticas positivas no site independente de crítica musical Pitchfork.com, bem como um destaque (ainda não creditado) durante os intervalos comerciais do Adult Swim. Hudson Mohawke é um dos poucos artistas do glitch hop a tocar nos principais festivais de música, como o Sasquatch! Festival de Música.

Música Crunk

Crunk é um gênero regional de hip hop que se originou no Tennessee, no sul dos Estados Unidos, na década de 1990, influenciado pelo baixo de Miami. Um dos pioneiros do crunk, Lil Jon, disse que era uma fusão de hip hop, electro e música eletrônica de dança. O estilo foi pioneiro e comercializado por artistas de Memphis, Tennessee e Atlanta, Geórgia, ganhando popularidade considerável em meados dos anos 2000 por Lil Jon e os gêmeos Ying Yang. Ritmos de drum machine em loop e simplificados são normalmente usados. O Roland TR-808 e 909 estão entre os mais populares. Os loops de bateria eletrônica são geralmente acompanhados por melodias de sintetizador simples e repetidas e "golpes" de baixo pesado. O ritmo da música é um pouco mais lento do que o hip-hop, em torno da velocidade do reggaeton. O ponto focal do crunk são mais frequentemente as batidas e a música instrumental do que as letras. Rappers Crunk, no entanto, freqüentemente gritam e berram suas letras, criando um estilo agressivo, quase pesado de hip-hop. Enquanto outros subgêneros do hip-hop abordam questões sociopolíticas ou pessoais, crunk é quase exclusivamente "música de festa", favorecendo slogans de hip-hop de chamada e resposta em vez de abordagens mais substantivas. [179] Crunk ajudou o hip hop do sul a ganhar destaque durante este período, à medida que os estilos clássicos da costa leste e oeste da década de 1990 perdiam força gradualmente.

Snap music e influência da Internet

Snap rap (também conhecido como ringtone rap) é um subgênero de crunk que surgiu em Atlanta, Geórgia, no final dos anos 1990. [179] O gênero ganhou popularidade mainstream em meados dos anos 2000, e artistas de outros estados do sul, como o Tennessee, também começaram a surgir atuando neste estilo. As faixas geralmente consistem em um bombo Roland TR-808, chimbal, baixo, estalo de dedo, um groove principal e um gancho vocal simplista. As canções de sucesso incluem "Lean wit It, Rock wit It" de Dem Franchize Boyz, "Laffy Taffy" de D4L, "It's Goin 'Down" de Yung Joc e "Crank That (Soulja Boy)" de Soulja Boy Tell' Em . Em retrospecto, Soulja Boy foi creditado por definir tendências no hip hop, como a autopublicação de suas canções através da Internet (o que os ajudou a se tornarem virais) e pavimentando o caminho para uma nova onda de artistas mais jovens. [180] [181]

Queda nas vendas

A partir de 2005, as vendas de música hip hop nos Estados Unidos começaram a diminuir drasticamente, levando Tempo revista para questionar se o hip-hop mainstream estava "morrendo". Painel publicitário A revista descobriu que, desde 2000, as vendas de rap caíram 44% e caíram para 10% de todas as vendas de música, o que, embora ainda seja uma figura impressionante quando comparada a outros gêneros, é uma queda significativa de 13% de todas as vendas de música em que o rap música regularmente colocada. [182] [183] ​​De acordo com Courtland Milloy de The Washington Post, pela primeira vez em cinco anos, nenhum álbum de rap estava entre os 10 mais vendidos em 2006. [184] A crítica cultural da NPR, Elizabeth Blair, observou que "alguns especialistas da indústria dizem que os jovens estão fartos da violência, das imagens e das letras degradantes . " No entanto, o relatório de 2005 Geração M: a mídia na vida de crianças de 8 a 18 anos descobriram que a música hip hop é de longe o gênero musical mais popular para crianças e adolescentes, com 65% das crianças de 8 a 18 anos ouvindo-a diariamente. [185]

Outros jornalistas dizem que a música é tão popular como sempre foi, mas que os fãs encontraram outros meios de consumir a música, [186] como baixar músicas ilegalmente através de redes P2P, em vez de comprar álbuns e singles em lojas legítimas. Por exemplo, Flo Rida é conhecido por suas baixas vendas de álbuns, independentemente de seus singles serem populares e terem sucesso digital. Seu segundo álbum RAÍZES. vendeu apenas mais de 200.000 unidades no total nos EUA, o que não atingiu as vendas do single principal do álbum "Right Round". Isso também aconteceu com ele em 2008. [187] Alguns culpam o hip hop se tornando menos lírico ao longo do tempo, como o álbum de estreia de Soulja Boy em 2007 souljaboytellem.com que recebeu críticas negativas. [188] A falta de amostragem, um elemento-chave do hip hop inicial, também foi observada pela diminuição da qualidade dos álbuns modernos. Por exemplo, existem apenas quatro amostras usadas em 2008 Trilha de papel por T.I., embora haja 35 amostras em 1998 Momento da verdade por Gang Starr. A diminuição na amostragem se deve em parte ao fato de ser muito caro para os produtores. [189]

No documentário de Byron Hurt Hip Hop: além das batidas e rimas, ele afirma que o hip hop mudou de "rimas inteligentes e ritmos de dança" para "defendendo a corrupção pessoal, social e criminosa". [190] Apesar da queda nas vendas de discos em toda a indústria da música, [191] o hip-hop permaneceu um gênero popular, com artistas de hip-hop ainda regularmente liderando o Painel publicitário 200 gráficos. No primeiro semestre de 2009, artistas como Eminem, [192] Rick Ross, [193] The Black Eyed Peas, [194] e Fabolous [195], todos tiveram álbuns que alcançaram a posição nº 1 no Painel publicitário 200 gráficos. Álbum do Eminem Recaída foi um dos álbuns mais vendidos de 2009. [196]

Inovação e revitalização

No final dos anos 2000, o hip hop alternativo havia garantido seu lugar no mainstream, em parte devido ao declínio da viabilidade comercial do gangsta rap. Observadores da indústria veem corrida de vendas entre Kanye West Graduação e 50 cent's Curtis como um ponto de viragem para o hip hop. West saiu vencedor, vendendo quase um milhão de cópias apenas na primeira semana, provando que a música rap inovadora poderia ser tão comercialmente viável quanto o gangsta rap, se não mais. [197] Embora o tenha desenhado como um álbum pop melancólico em vez de um álbum de rap, Kanye segue 808s e Amp Heartbreak teria um efeito significativo na música hip hop. Embora sua decisão de cantar sobre amor, solidão e dor de cabeça durante todo o álbum tenha sido fortemente criticada pelo público da música e o álbum foi previsto para ser um fracasso, sua aclamação da crítica subsequente e o sucesso comercial encorajaram outros rappers tradicionais a tomarem mais partido riscos criativos com sua música. [198] [199] Durante o lançamento de The Blueprint 3Jay-Z, magnata do rap de Nova York, revelou que o próximo álbum de estúdio seria um esforço experimental, afirmando: ". Não vai ser um álbum # 1. É onde estou agora. Quero fazer o álbum mais experimental que já feito." [200] Jay-Z elaborou que, como Kanye, ele estava insatisfeito com o hip hop contemporâneo, estava sendo inspirado por indie-rockers como Grizzly Bear, e afirmou sua crença de que o movimento indie rock desempenharia um papel importante na evolução contínua do hip -saltar. [201]

O movimento do hip hop alternativo não se limitou apenas aos Estados Unidos, como rappers como o poeta somali-canadense K'naan, o rapper japonês Shing02 e o artista britânico do Sri Lanka M.I.A. alcançou considerável reconhecimento mundial. Em 2009, Tempo A revista colocou M.I.A na lista Time 100 das "pessoas mais influentes do mundo" por ter "influência global em muitos gêneros". [202] [203] Movimentos com temas globais também surgiram da cena hip-hop internacional com microgêneos como o "Eco-Rap islâmico" abordando questões de importância mundial por meio de vozes tradicionalmente privadas de direitos civis. [204] [205]

Devido em parte ao uso crescente da distribuição de música por meio de mídia social e blogs, muitos rappers alternativos e não alternativos encontraram aceitação por um público de longo alcance, daí porque esta era do hip hop é às vezes chamada de "era do blog". [206] [207] Vários artistas, como Kid Cudi e Drake, conseguiram atingir o topo das paradas, "Day 'n' Nite" e "Best I Ever Had" respectivamente, lançando suas músicas em mixtapes online grátis sem a ajuda de uma grande gravadora. Artistas emergentes da época, como Wale, Kendrick Lamar, [208] J. Cole, Lupe Fiasco, The Cool Kids, Jay Electronica e BoB foram notados pelos críticos como expressando sons ecléticos, experiências de vida sensíveis e emoções vulneráveis ​​que raramente existiam visto na era anterior de bling. [209] [210]

Também nessa época, o efeito vocal Auto-Tune ganhou popularidade pelo rapper T-Pain, que elaborou o efeito e fez uso ativo do Auto-Tune em suas canções. [211] Ele cita o novo produtor de jack swing, Teddy Riley, e o uso do artista de funk Roger Troutman do Talk Box como inspirações para seu próprio uso do Auto-Tune. [212] T-Pain tornou-se tão associado ao Auto-Tune que ele tinha um aplicativo para iPhone com o seu nome que simulava o efeito, chamado "I Am T-Pain". [213] Eventualmente apelidado de "efeito T-Pain", [214] o uso de Auto-Tune tornou-se um acessório popular do hip hop do final dos anos 2000 e início dos anos 2010, exemplos sendo "Sexual Eruption" de Snoop Dogg, [215] Lil Wayne's " Lollipop ", [216] álbum de Kanye West 808s e Amp Heartbreak, [217] e o hit número um do Black Eyed Peas, "Boom Boom Pow". [214]

A música trap é um subgênero do rap sulista que se originou no início dos anos 1990. Ele cresceu na década de 2000 para se tornar uma sensação mainstream, [218] eventualmente alcançando a onipresença em meados da década de 2010 e frequentemente tendo músicas no topo da Painel publicitário gráficos de hip hop. [219] [220] [221] É tipificado por chimbais subdivididos em tempo duplo ou triplo, [222] bumbo pesado da bateria eletrônica Roland TR-808, sintetizadores em camadas e um quadro geral escuro, sinistro ou sombrio atmosfera. [223] A forte influência do som levou outros artistas do gênero a se moverem em direção ao som trap, com um exemplo notável sendo Jay-Z e Kanye West em sua música conjunta, "PRESUNTO". Outros artistas fora do gênero hip hop também experimentaram armadilhas, como "7/11" de Beyoncé e "Dark Horse" de Katy Perry com Juicy J.

Os principais artistas que surgiram com o gênero na década de 2010 incluem Waka Flocka Flame, Future, Chief Keef, Migos, Young Thug, Travis Scott, Kodak Black, 21 Savage, Yung Lean, Lil Uzi Vert, XXXTentacion, Ski Mask the Slump God, Juice Wrld, Trippie Redd, Lil Pump, Smokepurpp, Rae Sremmurd, Tekashi 6ix9ine, NBA YoungBoy, Lil Baby, Fetty Wap, entre outros. As rappers Cardi B e Megan Thee Stallion também entraram no mainstream. Trap artistas que se originaram na década de 2000 foram capazes de recapturar o sucesso mainstream na década de 2010 com a ascensão de trap, incluindo 2 Chainz, Gucci Mane e Juicy J, tornando-se mais bem-sucedidos na última parte de sua carreira do que quando estreou. Os produtores de armadilhas para alcançar o sucesso mainstream incluem Metro Boomin, London on da Track e Mike WiLL Made-It.

Os críticos do gênero trap usaram o termo "rap murmurante" para descrever os versos altamente auto-sintonizados, e às vezes difíceis de entender, da maioria dos artistas. [224] Artistas de longa data dentro do gênero tiveram seus próprios comentários sobre a ascensão do rap murmurante, como Rick Rubin afirmando que Eminem estava confuso com isso, [225] e Snoop Dogg alegando que ele não consegue diferenciar entre os artistas. [226] Black Thought, rapper principal do The Roots, afirmou que "o jogo mudou. É diferente. Os padrões são diferentes, os critérios que são levados em consideração para determinar a validade são diferentes. Estamos em um ponto da história em que o lirismo quase vem por último em muitos aspectos. " [227]

Em 17 de julho de 2017, Forbes relataram que o hip-hop / R & ampB (que Nielsen SoundScan classifica como sendo do mesmo gênero) usurpou o rock como o gênero musical mais consumido, tornando-se o gênero musical mais popular pela primeira vez na história dos EUA. [228] [229] [230] [231]

Idade do streaming

A ascensão de plataformas de streaming, como Spotify e Apple Music, em meados dos anos 2010, impactou fortemente todo o mercado musical como um todo. [232] [233] Apesar de ser uma mixtape de streaming gratuito e sem lançamento comercial, Chance the Rapper's Livro de colorir ganhou o Melhor Álbum de Rap no Grammy Awards 2017, sendo o primeiro álbum de streaming de todos os tempos a ganhar um Grammy. [234] [235] Kanye West declarou que seu próprio álbum, Yeezus, marcou a morte de CDs e, portanto, seu lançamento subsequente, A vida de Pablo só foi lançado digitalmente. [236] A vida de Pablo também foi nomeado para Melhor Álbum de Rap de 2017. Em 2017, Drake lançou um projeto gratuito apenas para streaming intitulado Mais vida, que ele chamou de "lista de reprodução", insistindo que não era nem uma mixtape nem um álbum. [237]

A plataforma de distribuição de áudio online SoundCloud desempenhou um papel importante na criação de carreiras de vários artistas na segunda metade da década de 2010.As atrações principais para começar no SoundCloud incluem Post Malone, Lil Uzi Vert, Russ, Bryson Tiller, Lil Xan, Lil Pump, Lil Peep, Lil Skies, Smokepurpp, Ski Mask the Slump God, XXXTentacion, Trippie Redd, Playboi Carti, YBN Nahmir, Tay-K, ZillaKami, Ugly God, NAV entre outros. Essas músicas geralmente estão intimamente relacionadas a trap, mas também foram rotuladas separadamente como rap do SoundCloud. Eles têm sido caracterizados como geralmente tendo conotações tristes e melancólicas, e geralmente apresentam uma produção bruta lo-fi. O gênero foi recebido com muitas críticas por seu baixo esforço em letras e produção, [238] e a natureza problemática dos artistas que surgiram a partir dele, como o abuso de drogas de Lil Peep que levou à sua morte, [239] o ataque múltiplo acusações a XXXTentacion, [240] 6ix9ine se declarando culpado de usar uma criança em uma performance sexual, [241] e as acusações de assassinato em Tay-K. [242]

A música hip-hop alcançou os corredores culturais do globo e foi absorvida e reinventada em todo o mundo. [243] A música hip hop se expandiu para além dos EUA, muitas vezes misturando estilos locais com hip hop. O hip hop se globalizou em muitas culturas em todo o mundo, como fica evidente através do surgimento de várias cenas regionais. Ele emergiu globalmente como um movimento baseado nos princípios principais da cultura hip hop. A música e a arte continuam a abraçar, até mesmo a celebrar, suas dimensões transnacionais, ao mesmo tempo em que se mantêm fiéis às culturas locais nas quais estão enraizadas. O impacto do hip-hop difere dependendo de cada cultura. Ainda assim, a única coisa que virtualmente todos os artistas de hip hop em todo o mundo têm em comum é que eles reconhecem sua dívida para com o povo afro-americano de Nova York que lançou o movimento global. [244]

Latinos e caribenhos desempenharam um papel fundamental no desenvolvimento inicial do hip hop em Nova York, e o estilo se espalhou por quase todos os países da região. O hip hop se desenvolveu inicialmente no South Bronx, que tinha uma alta população latina, principalmente porto-riquenha, na década de 1970. [245] Alguns rappers famosos de Nova York de origem porto-riquenha são Big Pun, Fat Joe e Angie Martinez. Com grupos de rap latinos como Cypress Hill nas paradas americanas, grupos de rap rock mexicanos, como Control Machete, ganharam destaque em sua terra natal.

Em muitos países da América Latina, como nos EUA, o hip hop tem sido uma ferramenta com a qual as pessoas marginalizadas podem articular sua luta. O hip hop tornou-se cada vez mais popular em Cuba nas décadas de 1980 e 1990, durante o período especial de Cuba, que veio com a queda da União Soviética. [246] Durante esse período de crise econômica, que afetou especialmente as populações pobres e negras do país, o hip hop tornou-se uma forma de a população afrodescendente do país abraçar sua negritude e articular uma demanda por igualdade racial para os negros em Cuba. [247] A ideia de negritude e libertação negra nem sempre foi compatível com os objetivos do governo cubano, que ainda operava sob a ideia de que uma sociedade sem raça era a correta realização da Revolução Cubana. Quando o hip-hop surgiu, o governo cubano se opôs à imagem vulgar que os rappers retratavam, mas depois aceitou que seria melhor ter o hip-hop sob a influência do Ministério da Cultura como uma expressão autêntica da cultura cubana. [248] Os rappers que falam explicitamente sobre raça ou racismo em Cuba ainda estão sob escrutínio do governo. [249] Um concerto anual de hip hop cubano, iniciado em 1995, realizado no Alamar em Havana ajudou a popularizar o hip hop cubano. Grupos de rap cubanos famosos incluem Krudas Cubensi e Supercrónica Obsesión.

Os negros e indígenas da América Latina e das ilhas do Caribe usam o hip hop há décadas para discutir questões raciais e de classe em seus respectivos países. O hip hop brasileiro está fortemente associado às questões raciais e econômicas do país, onde muitos afro-brasileiros vivem em comunidades economicamente desfavorecidas, conhecidas no Brasil como favelas. São Paulo é onde o hip hop começou no país, mas logo se espalhou por todo o Brasil, e hoje, quase todas as grandes cidades brasileiras, incluindo Rio de Janeiro, Salvador, Curitiba, Porto Alegre, Belo Horizonte, Recife e Brasília, tem um quadril cena de lúpulo. Alguns artistas notáveis ​​incluem Racionais MC's, Thaide e Marcelo D2. Um dos rappers mais populares do Brasil, MV Bill, passou sua carreira defendendo a juventude negra no Rio de Janeiro. [249]

Reggaeton, um estilo de música porto-riquenho, tem muitas semelhanças com o hip hop dos Estados Unidos. Ambos foram influenciados pela música jamaicana, e ambos incorporam rap e call and response. [250] A música dancehall e o hip dos Estados Unidos são ambos música popular em Porto Rico, e o reggaeton é a acumulação de diferentes tradições musicais fundadas por afrodescendentes no Caribe e nos Estados Unidos. [251] Alguns dos artistas mais populares do reggaeton incluem Don Omar, Tego Calderón e Daddy Yankee.

Na Venezuela, a agitação social no final da década de 1980 e início da década de 1990 coincidiu com o surgimento do gangsta rap nos Estados Unidos e levou ao surgimento dessa música também na Venezuela. Rappers venezuelanos na década de 1990 geralmente modelavam sua música após o gangsta rap, adotando e tentando redefinir estereótipos negativos sobre jovens pobres e negros como perigosos e materialistas e incorporando críticas socialmente conscientes à criminalização da Venezuela de jovens descendentes de pobres em sua música. [252]

No Haiti, o hip hop se desenvolveu no início dos anos 1980. Mestre Dji e suas canções "Vakans" e "Politik Pa m" são creditados principalmente com a ascensão do hip hop haitiano. O que mais tarde ficou conhecido como "Rap Kreyòl" cresceu em popularidade no final dos anos 1990 com King Posse e Original Rap Stuff. Devido à tecnologia de gravação mais barata e ao fluxo de equipamentos para o Haiti, mais grupos de Rap Kreyòl estão gravando músicas, mesmo depois do terremoto de 12 de janeiro. O hip hop haitiano tornou-se recentemente uma forma de artistas de origem haitiana no Haiti e no exterior expressarem sua identidade nacional e opiniões políticas sobre seu país de origem. [253] Os rappers adotaram o vermelho e o azul da Bandeira do Haiti e o rap em crioulo haitiano para mostrar sua origem nacional. Na República Dominicana, uma gravação de Santi Y Sus Duendes e Lisa M se tornou o primeiro single de merenrap, uma fusão de hip hop e merengue.

Na Europa, África e Ásia, o hip hop começou a se mover do underground para o público mainstream. Na Europa, o hip hop era domínio tanto de cidadãos étnicos quanto de imigrantes. O hip hop britânico, por exemplo, tornou-se um gênero próprio e gerou artistas como Wiley, Dizzee Rascal, The Streets e muitos mais. A Alemanha produziu o conhecido Die Fantastischen Vier, bem como vários artistas turcos, como o controverso Cartel, Kool Savaş e Azad. Da mesma forma, a França produziu várias estrelas nativas, como IAM e Suprême NTM, MC Solaar, Rohff, Rim'K ou Booba. Na Holanda, rappers importantes dos anos 90 incluem The Osdorp Posse, uma equipe de Amsterdã, Extince, de Oosterhout e Postmen. A Itália encontrou seus próprios rappers, incluindo Jovanotti e Articolo 31, que se tornaram renomados nacionalmente, enquanto a cena polonesa começou para valer no início da década com a ascensão do PM Cool Lee. Na Romênia, B.U.G. A máfia saiu do bairro de Pantelimon, em Bucareste, e sua marca de gangsta rap destaca os paralelos entre a vida nos blocos de apartamentos da era comunista na Romênia e nos conjuntos habitacionais dos guetos da América.

Um dos países fora dos Estados Unidos onde o hip-hop é mais popular é o Reino Unido. Grime, um gênero musical derivado do UK Garage, drum and bass e influenciado pelo hip hop, surgiu no início dos anos 2000 com artistas como Dizzee Rascal se tornando um sucesso. Embora seja imensamente popular, muitos políticos britânicos criticam a música pelo que consideram uma promoção de roubo e assassinato, semelhante ao gangsta rap na América. Essas críticas foram consideradas racistas pela indústria britânica de sujeira, em sua maioria negra. Apesar de sua natureza controversa, o grime teve um grande efeito na moda e na música pop britânicas, com muitos jovens da classe trabalhadora imitando as roupas usadas por estrelas do grime como Dizzee Rascal e Wiley. Existem muitos subgêneros de grime, incluindo "Rhythm and Grime", uma mistura de R & ampB e grime, e grindie, uma mistura de indie rock e grime popularizado pela banda de indie rock Hadouken!

Na Alemanha e na França, o gangsta rap se tornou popular entre os jovens que gostam de letras violentas e agressivas. Alguns rappers alemães flertam abertamente ou comicamente com o nazismo, por exemplo, Bushido (nascido Anis Mohamed Youssef Ferchichi) canta "Salutiert, steht stramm, Ich bin der Leader wie A" (Salute, fique atento, eu sou o líder como 'A') e Fler fez sucesso com o disco Neue Deutsche Welle (New German Wave) completo com o título escrito em estampa gótica no estilo do Terceiro Reich e anunciado com uma citação de Adolf Hitler. Essas referências também geraram grande polêmica na Alemanha. Enquanto isso, na França, artistas como Kery James 'Idéal J mantiveram uma atitude radical e anti-autoritária e lançaram canções como Hardcore que atacou o crescimento da extrema direita francesa. Na Holanda, MC Brainpower deixou de ser um rapper de batalha underground para se tornar conhecido no Benelux, influenciando diversos artistas de rap da região. Em Israel, o rapper Subliminal alcança a juventude israelense com letras com temas políticos e religiosos, geralmente com uma mensagem sionista.

Na Ásia, as estrelas do mainstream ganharam destaque nas Filipinas, liderados por Francis Magalona, ​​Rap Asia, MC Lara e Lady Diane. No Japão, onde os rappers undergrounds antes encontravam um público limitado, e os ídolos adolescentes populares trouxeram um estilo chamado J-rap para o topo das paradas em meados da década de 1990. De particular importância é a influência nos países do Leste Asiático, onde a música hip hop se fundiu com a música popular local para formar diferentes estilos, como K-pop, C-pop e J-pop.

O hip hop de Israel cresceu muito em popularidade no final da década, com várias estrelas palestinas (Tamer Nafar) e israelenses (Subliminal). Em Portugal o hip hop tem um tipo de rap próprio, que é mais político e da cena underground, são conhecidos por Valete, Dealema e Halloween. O hip hop russo surgiu durante os últimos anos da União Soviética e cimentou-se mais tarde, com grupos como Malchishnik e Bad Balance desfrutando de popularidade nos anos 1990, enquanto Ligalize e Kasta eram populares nos anos 2000. Na ex-Iugoslávia, o hip hop apareceu pela primeira vez durante os anos 1980, principalmente com o hip hop sérvio, com artistas como B-boy, The Master Scratch Band, Badvajzer e outros. Durante o final da década de 1990, o hip hop teve um boom, com Rambo Amadeus e mais tarde Beogradski sindikat se tornando um grande artista. O hip hop da Bósnia e Herzegovina é hoje dominado por Edo Maajka. Na região, o hip hop é frequentemente usado como uma mensagem política e social em temas musicais como guerra, especulação, corrupção, etc. Frenkie, outro rapper da Bósnia, está associado a Edo Maajka e colaborou além das fronteiras da Bósnia.

Na Tanzânia, no início dos anos 2000, os artistas locais de hip hop tornaram-se populares ao infundir estilos locais de Afrobeat e melodias arabesque, dancehall e batidas de hip-hop com letras em suaíli.


Qual é a origem do Rap? - História

Nas últimas semanas, uma série de rixas de rap ganharam as manchetes internacionais. Primeiro veio o álbum surpresa de Eminem Kamikaze, que viu o experiente rapper de batalha mirar em todos, de Vince Staples e Drake a Machine Gun Kelly e Tyler, The Creator (com uma injúria homofóbica usada para garantir, naturalmente) dias depois, Meek Mill e Drake finalmente esmagaram seus longos Correndo carne (poucos dias depois de Kanye se desculpar por seu papel nas faixas de dissimulação de Pusha-T) então, depois de ignorar o que muitos percebiam ser uma série de dissidências furtivas, Cardi B intensificou sua rivalidade com Nicki Minaj jogando um sapato nela durante Nova York Fashion Week e, em seguida, lançar um ataque ao Instagram.

Tem sido uma semana turbulenta, para dizer o mínimo, mas todas essas histórias parecem indicar que a longa cultura do hip-hop de raps - bem como as faixas dissimuladas e as batalhas que os tornaram tão lendários - não vão a lugar nenhum. O próprio Pusha recentemente duvidou disso, argumentando que eles simplesmente não são mais divertidos, mas o apetite do público por essas notícias parece sugerir o contrário.

Portanto, vale a pena explorar: como e quando as faixas líricas e dissimuladas se tornaram um grampo do rap? E como o papel dessas carnes mudou na era cada vez mais digital de hoje?

Para entender a resposta completamente, é necessário uma viagem de volta à história do hip-hop. Embora haja um punhado de precursores - os poetas de jazz pioneiros do Harlem, os griots da África Ocidental e o trabalho do "Avô do Rap" Gil Scott-Heron são apenas alguns exemplos - as origens da música hip-hop como a conhecemos são geralmente rastreadas de volta a um bloco de apartamentos despretensioso (1520 Sedgwick Avenue, para ser exato) no Bronx.

Foi no verão de 1973 que o desejo de Cindy Campbell de ganhar dinheiro para algumas novas adições ao guarda-roupa a levou a dar uma festa do bairro de "volta às aulas". Campbell estava com poucos fundos, mas determinada a fazer funcionar, então ela elaborou alguns convites inspirados em grafite e olhou dentro de sua própria família quando se tratava de contratar tudo, desde catering até entretenimento. Alimentos e bebidas foram fornecidos por seus pais, e seu irmão - um jovem de 16 anos conhecido primeiro como Hércules e depois DJ Kool Herc, tanto por sua altura quanto por seu físico - foi para o toca-discos. Mais de 40 anos depois, esta noite fatídica foi retrospectivamente apelidada de a primeira festa de hip-hop de todos os tempos.

Havia algo diferente no DJ Kool Herc. Ele foi o pioneiro em uma técnica de DJ que logo se tornou um grampo da música hip-hop - tocava discos de funk, mas estendia seus segmentos instrumentais, gritando para seus amigos sobre as batidas e rapidamente mudando para intervalos em outras faixas. Como muitos outros MCs, ele também fazia frases de rap para a multidão que, no estilo de chamada e resposta característico, as repetia ao longo do tempo. Essas linhas gradualmente se tornaram mais complexas, ramificando-se em versos e então evoluindo para o rap como o conhecemos hoje.

É mais difícil rastrear as origens do rap de batalha, já que essas trocas rápidas geralmente aconteciam nas ruas, com o vencedor ganhando um pequeno prêmio de vitória. Novamente, alguns dos primeiros exemplos podem ser rastreados até Nova York. Em 1981, o rapper Busy Bee Starski - conhecido principalmente por suas rimas de comédia - estava tocando em um cenário na celebração mundial do Natal do Harlem, que apresentava alguns comentários de merda, mas ele sabia que um dos artistas que ele nomeou, Kool Moe Dee, também estava no local, e ele não estava disposto a deixar a dissimulação deslizar. Letrista respeitada e membro dos Três Traidores, Dee subiu ao palco para dar uma resposta de estilo livre que se tornou um dos momentos mais famosos da história da batalha do rap.

Em termos de rap, que dependia de dissidências registradas em vez de batalhas de rua, um dos primeiros grandes exemplos costuma ser creditado a Roxanne Shanté. A estrela criminosamente esquecida passou seus anos de formação em Queensbridge, um complexo habitacional de Nova York que também gerou lendas como Nas e Mobb Deep. Foi dentro dessas paredes que ela aprimorou suas habilidades em batalhas improvisadas de rap, desenvolvendo uma reputação como uma das mais letristas ferozes no prédio.

Foi só quando ela foi convidada por Marley Marl - um operário de fábrica de jeans que ocasionalmente produzia batidas - para fazer freestyle sobre uma batida que ela realmente entrou nos anais do rap. A batida em questão foi inicialmente retirada de uma faixa do grupo de rap U.T.F.O., "Roxanne, Roxanne", cujas letras eram dedicadas a uma mulher desconhecida que resistia aos seus avanços. Em 1984, eles cometeram o erro de irritar Marl cancelando um programa promocional de rádio, então, em retaliação, ele convocou uma então-14-year-old Shanté para freestyle uma resposta mordaz na qual ela interpretou o papel da Roxanne em questão. A faixa explodiu quase imediatamente e, embora uma ação legal tenha levado à criação de novos beats e à remoção de algumas maldições, o single resultante "Roxanne’s Revenge" vendeu mais de 250.000 cópias.

Uma série de faixas de resposta foram gravadas - a rixa agora é conhecida como ‘Roxanne Wars’ - mas a carreira de Shanté foi essencialmente interrompida por empresários que iriam maltratá-la. “Os rappers do sexo masculino achavam que eu estava jogando coisas fora”, ela explicou em um Painel publicitário entrevista lançada após seu filme biográfico da Netflix em 2018. “Se a melhor no jogo é uma menina, o rap não será mais visto como uma coisa masculina”.

Esse sucesso levou a uma explosão na popularidade das faixas diss ao longo da década de 1980. Algumas das faixas de diss mais conhecidas vieram de dentro do Juice Crew - do qual Shanté também era membro - mas outra rivalidade lendária envolveu Kool Moe Dee e um então emergente letrista chamado LL Cool J. Em 1987, Dee primeiro acusou LL de mordendo seu fluxo (uma acusação também feita por MC Shan em "Beat Biter") e mirou em suas letras carregadas de se gabar em "How Ya Like Me Now" LL respondeu com "Jack, o Estripador", provocando uma série de respostas -outras faixas que desde então se tornaram icônicas.

A maioria das primeiras reclamações de rap de alto perfil - e muitas das rixas mais recentes - foram provocadas por acusações de "morder", ou em outras palavras, emprestar pesadamente ou apenas copiar direto, o estilo, fluxo ou batida de outro artista. Alguns vêem isso como uma homenagem e outros como um roubo - até hoje é um debate que ainda está em andamento. Também vale a pena lembrar que a carne pode ficar feia. Embora algumas rixas inegavelmente se tornem pessoais, as batalhas de rap e as faixas de dissimulação são parte integrante da cultura hip-hop, que em grande parte são feitas por prêmio em dinheiro ou respeito. É competitivo, mas, em última análise, trata-se de habilidade. Infelizmente, as coisas nem sempre terminam aqui.

Os assassinatos de ambos Notorious B.I.G. e 2Pac permanecem sem solução, mas tem sido argumentado em inúmeras ocasiões que sua carne de longa duração - parte da rixa da Costa Leste / Oeste que dominou o apogeu do gangster rap - causou suas mortes prematuras. Em um documentário lançado no ano passado, Ice-T descreveu sua história como "uma tragédia que não precisava acontecer" e admite que nunca pensou em seus golpes líricos (ele explicou que a competição faz parte "do que construiu o hip-hop" ) se materializaria em perigo real. Os dois rappers podem ser responsáveis ​​por algumas das faixas de dissimulação mais icônicas da indústria ("Hit Em Up" e "Who Shot Ya?" São frequentemente saudadas como as melhores da história), mas sua rivalidade serve como um lembrete de que essas rixas não t termina sempre no estúdio, em detrimento de todos.

Outros problemas se tornaram igualmente perigosos - veja o ataque de Lil B, os comentários de Styles P sobre a rivalidade Beanie Siegel e, claro, o arremesso de calcanhar de Cardi como exemplos. Um artista com uma pilha de rixas em seu currículo é 50 Cent, cujas longas rivalidades com todos, de Ja Rule (ainda em curso) a vários ex-membros da G-Unit (em grande parte ainda em curso) deram a ele a reputação de um dos mais homens contestados no rap. Eles podem ter acabado com o drama, mas sua rixa com The Game também ficou feia em 2005, um tiroteio ocorrido fora do estúdio de rádio Hot 97 de Nova York depois que 50 o expulsou formalmente do grupo no ar, deixando uma pessoa ferida.

Apesar dos problemas jurídicos e financeiros frequentemente envolvidos, a grande maioria das rixas é resolvida. Até a famosa carne do Ice Cube com sua ex-tripulação N.W.A. - que começou com royalties não pagos, bem como com as alegações de Cube de que os rappers políticos haviam se vendido - chegou ao fim depois de cinco anos, embora seu legado viva na forma de "Sem vaselina", um dos disses mais contundentes já registrados .

Depois, há a rivalidade de quase uma década entre Nas e JAY-Z, que finalmente foi esmagada no palco em 2005. A tensão começou a aumentar entre os dois titãs em 1996, quando Nas supostamente não apareceu para uma sessão de gravação recentemente quebramos exatamente o que se desdobrou na década depois que Nas lançou pela primeira vez um subliminar em "A Mensagem". Por acaso, Jay deu continuidade aos rumores de que seu show ‘I Declare War’ iria ao ar alguns nomes importantes, mas na noite ele mudou a face da história do hip-hop ao trazer Nas ao palco. “Toda aquela merda de carne está acabada”, explicou ele. “Nós nos divertimos.”

Mas nem sempre os tiros são disparados sobre as trilhas gravadas. Embora muitos disses sejam inteiramente livres no estúdio, a mais pura destilação musical do gênio do rap pode ser encontrada em torneios de batalha. As competições de ida e volta tendem a operar com regras rígidas e vêm com um prêmio em dinheiro, mas também são responsáveis ​​por descobrir alguns dos rappers mais talentosos da história da música. Kendrick Lamar - então conhecido como K Dot - roubou a cena como um membro do público nesta batalha de 2009, enquanto as próprias experiências de Eminem no circuito inspiraram os anos 2002 8 milhas e o ajudou a desenvolver a técnica de tiro rápido e as rebatidas rápidas pelas quais ele é conhecido.

Em termos de locais, eles não são muito mais famosos do que o Fight Klub de Nova York. Estabelecido em algum momento em meados dos anos 90, foi palco de uma batalha icônica e implacável entre Lady Luck e Remy Ma (que, mesmo depois de sua libertação da prisão, não era estranho a rixas de alto perfil) e até se tornou a primeira liga para ser exibido na televisão. Embora a exibição de Fight Klub na MTV2 tenha durado pouco, gerou uma série de batalhas impressionantes e até contou com veteranos de rap como Murda Mook e French Montana. Auditions reabriu em 2016, mas sua história mainstream foi amplamente esquecida - com exceção de alguns clipes de arquivo que permanecem online.

O papel das mulheres na história da carne do rap também é frequentemente ignorado. Shanté basicamente escreveu o projeto, e sua influência inspirou muitas outras mulheres a aplaudir em 2017 Eu iria entrevista Salt-N-Pepa revelou que ela era seu "modelo", e que ela era uma grande parte da razão pela qual eles também se juntaram a Marley Marl para disparar uma faixa de resposta em Slick Rick e Doug E Fresh, que essencialmente lançou sua carreira .

Décadas mais tarde, as mulheres do rap começaram a vir atrás umas das outras regularmente - em parte porque a carne é uma parte integrante da cultura hip-hop, mas também porque as mulheres muitas vezes são colocadas umas contra as outras por causa de um (e apenas um ) vaga de 'rapper' na indústria. Essa ideia está obviamente enraizada no sexismo. Funkmaster Flex até admitiu em uma recente e longa entrevista com Nicki Minaj que uma das principais razões pelas quais ele acreditava nas acusações de escrita fantasma feitas contra ela era o fato de que ela era uma mulher.


Qual é a origem do Rap? - História

Dubspot & # 8217s Rory PQ nos leva através da história de volta às origens do hip-hop e explora a evolução cultural explosiva dos gêneros.

Origens do hip-hop

O hip-hop é uma cultura nascida das cinzas da discoteca e do desenvolvimento do funk. No início dos anos 70, muitos grupos de funk começaram a tocar disco porque na época era a última tendência. Desenhando a partir de técnicas de produção de disco, o funk começou a se tornar tecnológico à medida que absorveu mais sons eletrônicos de sintetizadores e baterias eletrônicas. Em meados dos anos 70, o funk se tornou a nova dance music na América urbana.

Olhando para trás, para Nova York durante esta era, começamos a ver um colapso econômico. A cidade de Nova York estava em uma crise fiscal e a economia da cidade estava desmoronando devido ao declínio da indústria manufatureira. Grande parte da classe média branca também começou a se mudar para os subúrbios, e a violência das gangues estava aumentando. Muitas das oportunidades na indústria musical e nas fontes de recreação evaporaram. Discotecas e boates fecharam suas portas porque não havia dinheiro suficiente para pagar o entretenimento. Como resultado, a juventude urbana trouxe a festa para as ruas com um equipamento de áudio móvel chamado “Sound Systems” que foi introduzido pela cultura jamaicana.

Durante essas festas, os DJs tocavam gêneros populares de música, especialmente funk e soul. Semelhante ao estilo dos DJs de disco em sua época, os DJs de funk misturavam quebras percussivas nas canções. Misturar e misturar intervalos era uma técnica comum usada na música dub jamaicana e mais tarde foi introduzida em Nova York principalmente por imigrantes do Caribe. Essas reinterpretações rítmicas se tornaram as partes mais esperadas das canções, onde as pessoas mais dançavam. Um novo estilo de dança baseado nos intervalos surgiu, chamado breakdance, ou "b-boying".

Um dos primeiros DJs de hip-hop mais influentes foi o DJ Kool Herc, considerado o “pai fundador do hip-hop”. Kool Herc isolava a seção instrumental de um disco que enfatizava a batida da bateria, ou “break”, e então mudava de um break para outro usando um par de toca-discos. Ele também tocaria duas cópias do mesmo disco para estender o intervalo. Este estilo de malabarismo breakbeat de DJing formou a base do turntablism que influenciou fortemente a ascensão da música hip-hop.

O MC

Para animar o público nessas festas, os DJs foram acompanhados por um mestre de cerimônias, também conhecido como MC ou mestre de cerimônias. Um MC apresentaria os DJs, entreteria a multidão, falaria ou rimaria para o público e forneceria vocais falados sobre a música. No final dos anos 70, gravadoras como "Sugar Hill" começaram a lucrar com a tendência crescente de DJ e MC. Alguns dos primeiros discos de rap foram gravados por bandas disco ao vivo e um MC cantando rap sobre a música.

O Padrinho do Hip-Hop

Uma das figuras mais influentes e importantes a emergir da cena musical de rua de Nova York foi Afrika Bambaataa, também conhecido como & # 8220O Poderoso Chefão. & # 8221 Em muitos aspectos, Bambaataa foi um visionário que ajudou a guiar os jovens da cidade para longe da violência de gangues e nas muitas expressões da cultura hip-hop através do DJing, rap, beatbox, breakdance e artes visuais. Ele formou o Zulu Nation, um movimento orientado para a música de pessoas criativas que acreditavam na unidade por meio de uma cultura hip-hop positiva.

Confira "Planet Rock" e "Looking for the Perfect Beat", duas das canções de Bambaataa que se tornaram hinos do hip-hop.

Tecnologia de Música Antiga

Movendo-se para o final dos anos 70 e início dos anos 80, os fabricantes de instrumentos musicais começaram a projetar mais instrumentos de hardware, como o lendário Roland TR-808, que foi uma das primeiras baterias eletrônicas programáveis. Com o desenvolvimento da música rap, começamos a ver bateristas ao vivo sendo substituídos por baterias eletrônicas e um uso cada vez maior de DJs que faziam scratchs para adicionar um elemento percussivo à música. Por volta dessa época, a tecnologia de amostragem surgiu e as baterias eletrônicas tornaram-se amplamente disponíveis ao público em geral a um custo acessível ao consumidor médio. DJs também começaram a se tornar produtores e começaram a usar a tecnologia de amostragem para juntar as quebras nas músicas, em vez de usar toca-discos. Samplers lendários como o MPC de Akai permitiram aos produtores pegar uma seção de uma música e editá-la para tocar como um instrumento em uma sequência ou adicionar sons e textura extras. Essencialmente, essa técnica era remixagem inicial.

Era de ouro do hip-hop

No final dos anos 80, o hip-hop se espalhou por todo o país. As gravadoras reconheceram o gênero como uma tendência emergente e começaram a investir muito dinheiro no movimento. Novos cenários e estilos diferentes surgiram de cidade em cidade à medida que a cultura se popularizou. A música desenvolveu-se rapidamente e tornou-se mais complexa também. A nova geração de produtores de hip-hop teve acesso a baterias eletrônicas e samplers mais avançados que lhes permitiram levar os samples e camadas de sons a um outro nível. Esta nova era foi rotulada como a “Idade de Ouro” do hip-hop e durou ao longo dos anos 80 e início dos anos 90. Durante esse período, o hip-hop era amplamente experimental e se caracterizava por seu som, diversidade, inovação, atitude e influências de diferentes regiões. Novas e inovadoras técnicas de produção foram sendo descobertas, levando a estilos mais avançados. Até mesmo o conteúdo lírico dos rappers do hip-hop evoluiu.

Amostragem e direitos autorais

No início dos anos 90, a amostragem estava sendo usada pesadamente na música rap. Os proprietários originais dos direitos autorais da música que estava sendo amostrada estavam ouvindo partes de suas canções usadas em novas músicas de rap e perceberam que não estavam sendo pagos por isso. Depois de muitas ações legais, as leis de aplicação de direitos autorais foram implantadas exigindo que os artistas limpassem todas as amostras com antecedência para evitar processos judiciais. Limpar amostras era muito caro, e muitas gravadoras não tinham dinheiro para limpar todas as amostras. A música rap começou a tomar uma direção totalmente nova e os produtores tiveram que começar a fazer seus próprios sons, em vez de depender muito de samples. Começamos a ouvir um som completamente diferente porque os produtores não estavam mais tirando amostras de funk, disco e rock. A música começou a perder muito de seu jazz, soul e estética.

Cultura Global

Após a explosão da diversidade em meados dos anos 80 e 90, a música hip-hop tornou-se mais comercial e foi o gênero musical mais vendido no final dos anos 90. A popularidade da música hip-hop continuou durante os anos 2000 e finalmente encontrou seu caminho para o pop mainstream e a música eletrônica. Até hoje, o hip-hop é mundialmente reconhecido e continua a influenciar a música, os estilos e a cultura em todo o mundo. Tornou-se um estilo de vida. Nas palavras de KRS-One, “hip-hop é algo que você vive, rap é algo que você faz”.

Programa de fundações musicais

Desvende as origens da música eletrônica, construa suas habilidades, aprenda a linguagem e a teoria musical e faça e toque música da maneira que você quiser. Os alunos desenvolverão uma compreensão mais profunda das raízes e linhagens de uma variedade de gêneros musicais eletrônicos e de dança, fortalecerão suas habilidades no teclado e aprenderão uma teoria musical valiosa, aprofundando sua prática criativa e facilitando colaborações eficazes com parceiros musicais.

Sobre este programa

Os melhores produtores, DJs e músicos do mundo se esforçam para ser completos. Você também deveria. No Programa de Fundamentos de Música do Dubspot, você explorará três aspectos principais da música: teoria rítmica, teoria melódica e audição crítica.

A maioria dos primeiros músicos eletrônicos pioneiros teve anos de treinamento conservatório em teoria e performance, mas teve acesso a tecnologias muito limitadas. No mundo musical de hoje, é o oposto: temos uma gama poderosa e versátil de ferramentas de criação de música eletrônica ao nosso alcance, mas muitas vezes falha em nossa compreensão teórica de como a música eletrônica funciona.

Nosso programa Music Foundations foi criado para preencher essa lacuna e fornecer treinamento em habilidades e conceitos fundamentais com o músico, DJ e produtor eletrônico em mente. Neste curso, você desenvolverá suas habilidades e aprenderá o básico da linguagem musical e da teoria para que possa fazer e tocar a música que desejar. Você também desenvolverá uma compreensão mais profunda das raízes e linhagem de uma variedade de gêneros musicais eletrônicos e de dança, e explorará técnicas de composição e estrutura musical. As aulas semanais de dever de casa para todos os três cursos foram elaboradas usando o Ableton Live e, ao longo do caminho, você também aprenderá o básico do Ableton e como usá-lo como uma ferramenta poderosa para melhorar sua musicalidade de várias maneiras.

O que está incluído

  • Nível 1 de bases musicais: Pads e teoria rítmica de amp
  • Nível 2 de bases musicais: teclas e teoria melódica do amplificador
  • Nível 3 de bases musicais: audição crítica

Informações adicionais

Visite as fundações musicais página do curso para informações detalhadas sobre este programa aqui.

Se você tiver dúvidas, ligue para 877.DUBSPOT ou envie-nos uma mensagem.


Qual é a origem do Rap? - História

Reserve hoje! Entre em contato com a Ebony Golden - [email protected]

ou Kori Rushton - [email protected]

A arte de ritmar as palavras pode ser encontrada em muitas culturas. Na China eles chamam Canções Qin os Ashantes da África chamam sua versão Versos Opo na Jamaica, é chamado conversando e em Trinidad é & # 8217s dobragem ou Mamaguy. Na Europa Ocidental, é chamado de poesia.

No entanto, o rap é uma invenção afro-americana. Assim como a cultura afro-americana desenvolveu sua própria herança musical reconhecível na música jazz, o rap também se tornou uma marca registrada não só da cultura afro-americana, mas também da cultura da juventude moderna, à medida que expressam opiniões e procuram respostas. Ampliando fronteiras e confundindo as linhas da arte, cultura, política e sociedade, o rap vai além da música, letras e poesia com performances que inspiram o público jovem a olhar além da superfície de tudo o que experimentam para encontrar sua própria voz. .

Poemas executados em & # 8220Roots of Rap: Poetry & # 8221

& # 8220Tudo é alto & # 8221 (rima pigmeu)
& # 8220Sangaree & # 8221 (música escrava)
& # 8220Negro Speaks Of Rivers & # 8221 (Langston Hughes)
& # 8220I Eu & # 8221 (Angel Gonzales)
& # 8220Nós usamos a máscara & # 8221 (Paul Lawrence Dunbar)
& # 8220 Strong Men & # 8221 (Sterling A. Brown)
& # 8220Runagate I & amp II & # 8221 (Robert Hayden)
& # 8220 No Dia do Julgamento & # 8221 (Sepho Sempamla)
& # 8220Weary Blues & # 8221 (Langston Hughes)
& # 8220Heritage & # 8221 (condado Cullen)
& # 8220Little Brown Baby & # 8221 (Paul Lawrence Dunbar)
& # 8220Mas ele era legal & # 8221 (Don L. Lee)

Como o rap, a poesia convencional usa palavras e ritmo para transmitir imagem e significado de uma forma artística e memorável. Os elementos de poesia que exploramos em The Roots of Rap: Poetry incluem: simbolismo, ponto de vista, métrica, rima e dialeto.

Rap e História

Milhares de anos atrás, os contadores de histórias africanos memorizaram a história de suas tribos e a colocaram em palavras e canções. Esses contadores de histórias se autodenominavam Jollees.

Os reis forneceriam moradia, comida e abrigo para esses contadores de histórias especiais, que também eram chamados para resolver disputas e aconselhar os governantes.

Quando os africanos foram trazidos para este hemisfério como escravos nos anos 1500, eles trouxeram com eles uma antiga tradição de falar com o ritmo: o que hoje chamaríamos de rap.

Escravos nos Estados Unidos, influenciados pelo rap de sua herança africana, enviaram mensagens codificadas na forma de canções e tambores. Usar palavras no ritmo para transmitir mensagens (secretas ou públicas) é um uso muito eficaz da linguagem.

Ainda hoje as pessoas usam cânticos e slogans quando se manifestam politicamente. Os anunciantes aproveitam o poder dessa técnica em jingles comerciais.

A música rap é frequentemente controversa e contundente, fazendo pleno uso do poder das palavras e do ritmo aperfeiçoado por séculos de uso.

O que as pessoas estão dizendo & # 8230

& # 8220Wow! Você os tinha nas palmas das mãos. Eu sei que eles carregarão esta lição com eles por muito tempo. Imperdível. & # 8221 - Genia Flammia, Pearls Hawthorne ES

& # 8220Eu nunca vi minhas aulas tão fascinadas com uma apresentação - não precisei dizer a nenhum deles para parar de falar! Eles gostavam tanto dos atores, da música, da dança e da mensagem. & # 8221 - Denise Casale, Robert Moses MS

& # 8220Roots of Rap foi excelente tanto para o Mês da História Negra quanto para o nosso estudo de gênero poético. O material aprimora muito nosso currículo e é uma maneira excelente e divertida de aprender. Não deixe este programa ir !! & # 8221 - Michele Bodanza, Eastern Suffolk BOCES


Uma história do Hick-Hop: a história de 27 anos do country rap

Simplesmente não há como ignorar o fenômeno do hick-hop. Isso gerou um reality show, vídeos virais e uma cena marginal próspera, junto com a medida tradicional de sucesso country & # x2014 singles no topo das paradas. Essa tendência atual foi precedida por mais de meio século de gravações no estilo blues falante: o swinger ocidental Tex Williams & quotSmoke! Fumaça! Fumaça! (That Cigarette) & quot roqueiro sulista Charlie Daniels & apos & quotThe Devil Went Down to Georgia & quot; catador-narrador funky Jerry Reed & quotWhen You & aposre Hot, You & aposre Hot & quot & quot; Johnny Cash & quotA Boy Named Sue & quot para citar apenas alguns.

Mas Cash and Co. não estavam tecnicamente fazendo rap. Cantando animadas e sincopadas era sua maneira de transmitir baladas contadoras de histórias com brio. A tradição de recitações country rítmicas preparou personalidades descomunais como Toby Keith, Trace Adkins e Big & amp Rich para começar a se inspirar no hip-hop. A estética country-rap se cristalizou quando uma rede de produtores musicais da Geórgia & # x2014, lar da capital do rap do sul, Atlanta & # x2014, fez sua presença ser sentida em Nashville. Logo, rappers tradicionais com tendência country migraram para o formato country e uma nova geração de fãs surgiu no twang, rock e Tupac. Aqui estão os marcos do movimento, em forma de linha do tempo. Por Jewly Hight


Assista o vídeo: História do Rap (Dezembro 2021).