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Victoria and Albert Museum

Victoria and Albert Museum

O Victoria and Albert Museum, mais conhecido como V&A, é o principal museu de arte e design do mundo. Abriga uma coleção permanente de mais de 2,3 milhões de objetos que abrangem mais de 5.000 anos de criatividade humana.

História do Victoria and Albert Museum

Origens: A V&A foi fundada em maio de 1852 com a missão de educar designers, fabricantes e o público em arte e design. Suas origens estão na Grande Exposição de 1851 - a primeira mostra internacional de design e manufatura do mundo.

Após a exposição, seu criador, o príncipe Albert, viu a necessidade de manter e melhorar os padrões da indústria britânica para competir no mercado internacional. Ele pediu que seus lucros fossem canalizados para o desenvolvimento de um distrito cultural de museus dedicados à educação artística e científica, do qual o V&A era o primeiro.

Inicialmente conhecido como Museu das Manufaturas e localizado em Marlborough House em Pall Mall, o museu foi transferido para Somerset House no final daquele ano, depois mudou-se para sua casa atual na Exhibition Road em 1857. Por mais de 40 anos foi conhecido como South Kensington Museu, mas mais tarde foi renomeado após a Rainha Vitória e o Príncipe Albert em maio de 1899 para comemorar o papel de Albert em seu estabelecimento. Na que seria sua última cerimônia pública, a rainha Vitória lançou a pedra fundamental.

Museu para todos: Em 1858, as aberturas noturnas foram possibilitadas pelo uso de iluminação a gás. O objetivo era “averiguar praticamente quais os horários mais convenientes para as classes trabalhadoras”, segundo seu primeiro diretor, Henry Cole, que também declarou que o museu deveria ser uma “sala de aula para todos”.

Cole também instigou o conceito de um restaurante de museu para incentivar as pessoas a vir e desfrutar da cultura, tendo aprendido sobre as necessidades dos visitantes durante a gestão da Grande Exposição. Assim, o V&A teve o primeiro café de museu do mundo.

Tempo de guerra: Quando a Segunda Guerra Mundial estourou, a maior parte da coleção do V&A foi enviada para uma pedreira em Wiltshire, para Montacute House em Somerset ou para um túnel perto da estação de metrô Aldwych por segurança. Itens maiores permaneceram, ensacados com areia e bloqueados.

Algumas galerias foram usadas como escola para crianças evacuadas de Gibraltar, e o Tribunal Sul tornou-se uma cantina para a Força Aérea Real e, mais tarde, para Esquadrões de Reparação de Danos por Bombas - o próprio museu recebeu apenas pequenos danos de bomba.

Depois de aparecer em 1946 na exposição Britain Can Make It, em 1948 a maioria das coleções foi devolvida.

Pós-guerra: Em julho de 1973, o V&A se tornou o primeiro museu na Grã-Bretanha a apresentar um concerto de rock para incentivar os jovens aos museus.

O museu embarcou em um grande programa de renovação de £ 150 milhões em 2001, chamado de “FuturePlan”, para garantir que as exposições fossem melhor exibidas e atendessem às expectativas modernas para as instalações do museu.

Victoria and Albert Museum hoje

Um novo projeto Exhibition Road Quarter foi inaugurado em junho de 2017, proporcionando 6.400 metros quadrados de espaço extra - a maior expansão do museu em mais de 100 anos. Inclui uma nova entrada na Exhibition Road, um pátio com azulejos de porcelana (The Sackler Courtyard) e uma nova galeria subterrânea de 1.100 metros quadrados (The Sainsbury Gallery).

Em março de 2018, foi anunciado que a Duquesa de Cambridge se tornaria a primeira patrona real do museu.

O museu abriga muitas das coleções nacionais do Reino Unido e alguns dos maiores recursos para o estudo de arquitetura, mobiliário, moda, têxteis, fotografia, escultura, pintura, joalharia, vidro, cerâmica, artes do livro, arte asiática e design, teatro e performance .

Tal como acontece com outros museus nacionais britânicos, a entrada é gratuita, embora algumas exposições e eventos tenham uma taxa separada.

Chegando ao Victoria and Albert Museum

O V&A fica em South Kensington, Londres. As estações de metrô mais próximas são South Kensington (5 minutos a pé), Gloucester Road (10 minutos a pé) ou Victoria Station (35 minutos a pé). O aluguel de bicicletas está disponível na Exhibition Road e Thurloe Place, e várias linhas de ônibus param no museu.


10 coisas para ver no Victoria and Albert Museum

Escolher apenas 10 coisas para ver no Victoria and Albert Museum não é uma tarefa fácil, dada a longa lista de obras de arte que podem ser encontradas neste museu incomum. Enquanto para outros museus & # 8211 como o British Museum & # 8211 existem itens únicos e imperdíveis que podem ser encontrados nas listas de todos, no caso do V & ampA (como o Victoria and Albert Museum é comumente chamado), todos têm sua própria lista pessoal. Na verdade, ao contrário de outros museus de Londres, o Victoria and Albert Museum cobre uma gama extremamente diversificada de artes. No V & ampA não encontramos apenas objetos de arte típicos, como pinturas ou esculturas, mas também objetos de uso cotidiano, como móveis ou roupas e joias.

Além disso, as obras em exibição vêm de muitos países diferentes, então você pode facilmente imaginar como é difícil selecionar uma lista que represente bem o V & ampA.

Como o V & ampA tem uma variedade tão extensa?

O V & ampA foi inaugurado em 1852, numa época em que Londres era, em todos os sentidos, o centro geográfico e político do mundo. O enorme sucesso da Exposição Universal realizada no ano anterior levou o Príncipe Albert a criar uma espécie de exposição permanente de objetos de arte, para que as pessoas pudessem admirá-los em um contexto único para sempre.

Foi assim que o V & ampA foi criado e - como resultado - tornou-se não apenas um museu temático, mas sim um maravilhoso contêiner de objetos. E o próprio edifício também pode ser considerado uma verdadeira maravilha arquitetônica. É difícil encontrar outro museu que se compare ao V & ampA, com seu labirinto de salões e galerias, sua coleção de arte e design. Para desfrutá-lo ao máximo, o V & ampA merece ser visto mais de uma vez, para se familiarizar com a difícil distribuição de suas obras-primas. Mas nem todo mundo tem a chance de fazer isso, portanto, uma lista de coisas para ver no V & ampA pode ser ainda mais útil aqui do que em qualquer outro museu de Londres.


O Victoria and Albert Museum: coisas que o Império Britânico roubou do resto do mundo

Brincadeira, mais ou menos. Tenho certeza de que os britânicos realmente compraram a maioria dos itens do museu, embora seja interessante descobrir quais foram dados e quais levaram.

O Victoria and Albert Museum, como a maioria de Londres, é um labirinto complicado com uma surpresa em cada esquina e repleto da cabeça aos pés com diversas histórias e culturas. Uma das principais exposições foi o Club to Catwalk London Fashion na década de 1980, que exibiu as principais tendências da moda da Inglaterra ao longo da história, começando com os vestidos da era vitoriana e terminando com, bem, a moda dos anos 80. Por causa da grande exposição de moda, havia um grupo de estudantes em idade escolar tirando fotos de moda de estranhos para um projeto (eles têm horários escolares diferentes dos da América). Já que eu estava arrasando com um novo macacão da loja mágica da Primark, fui convidada duas vezes para ser modelo! Quem poderia discutir com adoráveis ​​alunos britânicos pedindo para você modelar seu suéter?

De volta ao lado educacional do museu, países e períodos dividiram o resto do museu. Uma das minhas favoritas era a exibição do Oriente Médio por causa de seu contraste com a arte tradicional europeia, que temos visto muito desde que chegamos aqui. Os artefatos do Oriente Médio eram brilhantes, ousados, dramaticamente padronizados, mostrando seu uso único de cor e textura. Tinha uma aparência muito mais marroquina, até mesmo para os padrões decorativos modernos, em comparação com a arte tradicional italiana e a simplicidade britânica que nos rodeava.

Isso faz parte de uma exposição no Victoria and Albert Museum.

O museu continha muitos itens enormes, como uma parede que ficava do lado de fora do prédio, que o museu simplesmente construiu para mantê-la dentro. Além disso, havia muitas réplicas em tamanho real, incluindo um pilar grego, feito por estudantes de arte ao longo dos séculos e que foram preservadas na segurança do museu. Esses gigantes foram ótimos para nós porque nos permitiram ver artefatos incríveis sem ter que viajar para os locais específicos de onde os originais vieram. No geral, o Victoria and Albert Museum ajudou-nos, viajantes de curto prazo, a experimentar o mundo em um lugar tranquilo e alucinante.


Coleção V & ampA Wedgwood

A coleção V & ampA Wedgwood é uma das coleções industriais mais importantes do mundo e um recorde único de mais de 260 anos de produção de cerâmica britânica. Propriedade da V & ampA após uma campanha de arrecadação de fundos bem-sucedida liderada pelo Art Fund, está em exibição em Barlaston, Stoke-on-Trent, onde um programa público criativo celebra a diversidade, criatividade e profundidade da coleção, dentro de seu contexto local de North Staffordshire. , conhecido como The Potteries.

Wedgwood foi fundada em 1759 pelo ceramista e empresário britânico Josiah Wedgwood, que ajudou a transformar a cerâmica inglesa de um artesanato artesanal em uma forma de arte e indústria internacional. A família e os negócios Wedgwood tinham um senso aguçado de seu lugar na história e começaram a colecionar peças e designs já no século XVIII. Um museu existe desde 1906, primeiro no local da Fábrica Etruria e depois a partir de 1952 em Barlaston. Um museu recém-projetado foi inaugurado em 2008, ganhando o prêmio Art Fund Museum of the Year em 2009. Ele abriga a melhor coleção de material Wedgwood documentando a produção até os dias atuais, apresentando inovações no gosto e na moda ao longo de três séculos.

Wedgwood Tray of Jasper Trials. © Fiskars

A coleção V & ampA Wedgwood compreende mais de 165.000 obras de arte, cerâmica, manuscritos e fotografias que traçam a história, os designs e a produção de cerâmica da fábrica. Ele foi salvo para a nação e doado ao V & ampA em 2014, após um grande apelo público organizado pelo Art Fund, generosamente apoiado por milhares de indivíduos, empresas e fundações doadoras, incluindo apoio significativo do Heritage Fund e Art Fund.

Vaso Wedgwood Portland. © Fiskars

Cerca de 3.500 objetos estão em exibição no museu construído para esse fim, mostrando a história comercial e estética da cerâmica Wedgwood, desde os icônicos jasperware e vasos e ornamentos de basalto preto até jogos de chá de porcelana óssea e designs clássicos do século XX. Os destaques da coleção incluem os primeiros experimentos em creamware e jasperware de Wedgwood, a cópia de Wedgwood do vaso Portland, o retrato da família Wedgwood de 1780 por George Stubbs e os primeiros exemplos do medalhão que Wedgwood produzido para apoiar a causa abolicionista. O museu traça a história de Wedgwood através da mudança da moda do Rococó para a cerâmica neoclássica ao lado de exemplos de colaborações pioneiras de Wedgwood com artistas e designers de John Flaxman a Eduardo Paolozzi. As coleções e os arquivos reconhecidos pela UNESCO exploram a história da família Wedgwood, desde o gênio criativo do fundador Josiah Wedgwood - empresário pioneiro e ativista social - até notáveis ​​descendentes de Wedgwood dentro e fora da fábrica, do naturalista Charles Darwin (1809 - 1882 ) ao compositor Ralph Vaughan Williams (1872 - 1958), e seu contexto cultural mais amplo.

Segundo livro de padrões Wedgwood, por volta de 1811. © Fiskars

Saiba mais sobre a coleção V & ampA Wedgwood, nossas atividades e programa seguindo-nos: @vawedgwood.


Edifícios e projetos 1873 – c. 1886

A saída de Cole em 1873 revelou que Scott era menos favorável do que seu ex-chefe ao emprego de estudantes no prédio, o que certamente tinha suas desvantagens. Em 1872, Moody havia feito uma virtude da competência crescente discernível nas contribuições sucessivas dos alunos para a Escada de Cerâmica e Salas 100-1, aceitando tacitamente que o trabalho anterior em exibição era menos do que excelente. (nota de 279) Poynter como Diretor de Arte era mais favorável do que Scott ao emprego de estudantes, mas em 1879 teve que admitir que seu uso menos frequente no final dos anos setenta havia reduzido o número de pessoas competentes para fazer o trabalho. (nota de rodapé 280) Scott também foi talvez menos totalmente favorável do que Cole à escola de decoração de Sykesian, (nota de 281) e é provavelmente verdade que havia uma tendência para a rapidez da modelagem derivada de Stevens se tornar exagerada em seu discípulos: o próprio Cole ultimamente tinha reservas sobre a inclinação de Townroe para a caricatura. (nota de 282) Em 1869 Scott queria que Gamble e Townroe renovassem sua inspiração na Itália em vez de continuar a usar os designs de Sykes e em 1874 Gamble foi por enquanto descartado: (nota de 283) Townroe, no entanto, manteve o de Scott (não correspondido ) estima como artista decorativa.

Durante 1874, Scott estava preparando modelos revisados ​​para a conclusão do museu a um custo de £ 500.000, encorajado pela decisão do Chanceler do Tesouro de Disraeli, Sir Stafford Northcote, em julho de que deveria ser 'de uma maneira condizente com seu propósito e conteúdo '. (nota de 284) Este modelo de '£ 500.000', no qual os painéis decorativos de Townroe foram novamente proeminentes, foi admirado por James Fergusson (ilustração 19b fig. 4 na folha plana A no bolso final). (nota de 285) Comparado com o modelo de 1869-70, ele reduziu ainda mais o pátio de entrada e, talvez inevitavelmente, Cole gostou menos dele, pensando que era 'semelhante a um quartel', 'semelhante a uma rua' e 'não monumental'. (nota de 286) A preparação de desenhos de trabalho foi autorizada em agosto de 1875, mas no início de 1876 o Governo adiou a conclusão do museu, e apenas um esquema mais limitado, de custar £ 80.000 em três ou quatro anos, foi autorizado em julho 1876. (nota de 287) Dificuldades econômicas e estrangeiras desviaram os recursos do Tesouro para outro lugar, e foi somente no início do verão de 1879 que o trabalho começou. (nota de 288)

A gama da Art Library

Um andar foi adicionado à área de escritórios no lado leste (nota 289), mas o trabalho principal foi construir o lado sul do quadrilátero (agora Quartos 21A-25 no andar térreo), e Quartos 41 e 45 se estendendo para o sul: as últimas salas abrigavam, a princípio, a biblioteca científica e educacional e os moldes antigos, respectivamente. No teto das salas 22-24, as vigas são expostas entre os painéis decorativos. Da Sala 21A uma escada, posteriormente removida por Aston Webb, subiu para a atual Sala 74A, e da Sala 25 outra sobe para a grande biblioteca de arte que preenche o lado sul do quadrilátero no primeiro andar (e ocupa os únicos apartamentos consideráveis ​​em o museu terá luz do norte, Placa 22a). Os novos edifícios foram construídos por Perry and Company of Stratford. (nota 290) Eles eram planos no lado sul, e a decoração na biblioteca e na escadaria da biblioteca por Townroe era menos rica do que ele pretendia, embora o Escritório de Obras (que não gostava de seus detalhes) pensasse que Scott havia permitido ele muita liberdade. (nota de 291) A frente do quadrilátero, com painéis de figuras em mosaico de Townroe, (nota de 292) copiou o estilo estabelecido por Fowke e Sykes nos lados oeste e norte, mas com um matiz mais rude e escarlate para o terreno -cotta. Além disso, o telhado era apenas de ardósia, não de telhas, e Cole, em uma de suas últimas visitas ao museu, deplorou "todas as evidências de maldade". (nota de 293) A obra foi concluída em 1884 a um custo de cerca de £ 65.000. (nota de 294)

O Departamento e o Escritório de Obras

Gladstone havia retornado ao poder em 1880. Seu chefe do Comitê de Educação, AJ Mundella, simpatizava com 'South Kensington', mas o Primeiro Comissário de Obras, GJ Shaw-Lefevre, era hostil ao Departamento e apoiava as restrições do O inspetor principal do escritório, Sir John Taylor, em algumas características do telhado da biblioteca de Scott. (nota de 295) Shaw-Lefevre insistiu na capacidade do próprio Escritório de concluir o museu, e o escritório de arquitetura independente em South Kensington foi abolido em março de 1882: (nota de 296) as dificuldades no Museu de História Natural podem ter fortalecido a de Shaw-Lefevre desejam controlar a construção de museus naquela época. Scott morreu no ano seguinte.

A concepção das caixas e estantes para a biblioteca de arte foi entregue a Taylor. Com relação ao trabalho posterior, os planos de conclusão de Scott foram considerados insatisfatórios por Shaw-Lefevre e Taylor, em parte devido ao estranho fundamento de que não estavam em harmonia com o admirado Huxley Building projetado pelo próprio escritório de Scott. (nota de 297) Em 1883 Shaw-Lefevre conseguiu bloquear uma votação parlamentar de fundos para novas construções, autorizada pelo Tesouro em 1882. (nota de 298) Em 1885, alguns esboços alternativos foram preparados por Taylor, mas estes foram talvez não tivesse uma intenção muito séria, e em 1885-6 o Tesouro proibiu despesas adicionais, em favor dos edifícios do Almirantado, do Ministério da Guerra e do Correio Geral. (nota 299)

Alguns trabalhos continuaram a ser executados por alunos da Escola Nacional de Formação de Arte nos anos oitenta. Por exemplo, eles decoraram o teto e as paredes do corredor da Sala de Refresco em 1885-6 com projetos de Hugh Stannus (ex-um dos assistentes de Stevens): o custo estimado foi de £ 200 em comparação com os £ 1.150 que Moody havia oferecido para o trabalho em 1879. (nota 300)

Subjacente à relutância em ver a continuação dos trabalhos de construção em grande escala estava, sem dúvida, uma desconfiança sentida em Whitehall do estabelecimento de South Kensington. (nota 301) Outra causa, entretanto, foi a incerteza sobre a localização final das várias coleções que pareciam periféricas para o papel de sucesso do museu como, em geral, uma coleção de "arte".

O futuro das coleções

Em seus primeiros dias, como vimos no capítulo anterior, a gama de temas reunidos para ilustração no museu do ferro era muito ampla. Isso parecia admirável para polímatas como Whewell, mesmo que a "aparência alegre do museu no meio do caminho entre o Repositório da Sociedade Nacional e o Soho Bazaar" despertasse o talento para o ridículo de BeresfordHope. (nota de 302) Cole, no espírito do Príncipe Albert (que queria um 'Museu de Artes' e não de arte (nota de 303)), tentou manter o conceito de museu como parte de uma coleção comercial ou industrial. Em 1860, ele não se preocupou com o fato de que uma das seções mais populares era a coleção de alimentos destinada a instruir o público "o que é mais barato e melhor para eles comerem", e em sua definição do escopo da coleção de arte ele tinha, pelo menos quando sob interrogatório parlamentar, foi muito utilitarista na tradição de 1851. Ele via isso como um auxílio às manufaturas, "especialmente às manufaturas de arte ornamental". (nota de rodapé 304) O 'museu da construção' sob Fowke era uma seção ativa, exibindo e testando os produtos dos fabricantes para a indústria da construção de uma maneira que antecipava os desenvolvimentos do século XX. (nota 305)

Ao mesmo tempo, Cole manteve vivo de seu passado radical uma abordagem amplamente "humana" que funcionava contra qualquer limitação excessivamente agradável do escopo do museu. Seu relatório departamental de 1858 encantava as inaugurações noturnas, quando “o trabalhador vem ao Museu de Kensington acompanhado de sua esposa e filhos. Os olhares de surpresa e prazer de toda a festa quando observam pela primeira vez a brilhante iluminação dentro do Museu mostram a emoção nova, aceitável e saudável que este entretenimento noturno oferece a todos eles. ' (nota 306) Alguns elementos remanescentes dessa tradição talvez ainda contribuam para a atitude positiva do museu para com seu público, embora tenha levado o próprio Cole a declarações que agora não seriam aprovadas por um diretor de museu. (nota 8)

Uma forte influência, no entanto, foi exercida por J. C. Robinson, até 1863 o detentor da coleção de arte ornamental. Ele tinha um grande desprezo pelo "caos heterogêneo e mesclado" das outras coleções e ficou encantado com o fato de a advertência de Cole de manufaturas mal projetadas em Marlborough House ter logo sido "discretamente desmontada". (nota 308) Como vimos, Robinson aplicou sua habilidade como conhecedor do trabalho do final da Idade Média e do Renascimento, especialmente italiano, para fundar grande parte da força do museu nesse campo. As aquisições de peças de connoisseur e pinturas modernas ajudaram a abrir o escopo do museu para a "arte", e em 1863 Beresford-Hope sugeriu no Revisão Trimestral que o museu deveria ser reconhecido como 'o Museu Britânico de arte pós-clássica', tornando-se uma coleção ilustrativa da história da arte ao invés de diretamente instrutiva para estudantes de arte: ele sugeriu que deveria ser divorciado das escolas de arte e ignorado qualquer papel como uma ajuda para fabricantes e designers industriais. (nota 309) A direção futura das coleções de arte foi, de fato, tratada por uma importante ata do Comitê de Educação da época (junho de 1863). As coleções deveriam ser confinadas geralmente à arte pós-clássica "aplicada a algum propósito de utilidade". Como uma restrição às predileções do conhecedor de Robinson, todos os períodos e regiões geográficas deveriam, dentro dessa limitação, ser representados adequadamente. (Robinson prontamente renunciou para se tornar até 1867 o 'árbitro de arte' do museu. (Nota 310)) A sugestão de Robinson de que a aquisição de objetos modernos deveria ser suspensa foi rejeitada em 1865 (nota 311), mas algumas partes das coleções foram ' removidos 'de itens adequados para distribuição a museus locais (nota 312) e, nos anos seguintes, certas seções da antiga miscelânea foram removidas para galerias a oeste da Exhibition Road ou mais longe. (nota 9)

A tendência do museu no final dos anos 1970 alarmou Cole. Não faltou entusiasmo por aquisições de arte decorativa. (De fato, em 1868, talvez inspirado pelo início das Cortes Fundidas, ele realmente pensou em comprar a capela Arena em Pádua para o museu. (Nota de rodapé 316)) Mas em 1880 ele estava reclamando que as compras recentes continham "uma superabundância de "Virgins and Childs" italianos medievais, e também que o antigo agrupamento de objetos no museu principalmente por 'material e processo'estava sendo subordinado aos requisitos de exibição. Sob a influência revigorante de Robinson, grande parte da arte decorativa moderna foi enviada para Bethnal Green e, na opinião de Cole, a função de 'ensinar Arte aplicada à indústria' estava se tornando subserviente ao estudo do 'Arqueológico e' raro e curioso '". (nota 317) Até o fim, as coleções do Departamento em South Kensington eram muito variadas (ilustração 57), mas a partir de 1889 a exibição de algumas, como o 'museu da construção' e a 'coleção educacional', foi descontinuada. (nota 318)

À medida que as coleções a leste da Exhibition Road se concentravam mais na "arte", o refinamento e o desenvolvimento das outras coleções em um "museu de ciências" atraíam atenção cada vez maior e, na década de 1880, o Tesouro encontrou motivos para inação nas deliberações dos comitês sobre o futuro das coleções científicas.

Em 1886, o Departamento ainda esperava a execução do projeto de Scott. (nota 319) Mas quando em 1890 o congestionamento do museu finalmente induziu o Chanceler do Tesouro de Lord Salisbury, Goschen, a substituí-lo, ele autorizou um concurso para um projeto inteiramente novo.


Esta mesa esculpida em laca é da dinastia Ming (1368–1644). É único em forma e decoração e é um dos objetos mais importantes do período Ming no museu.

É um dos poucos exemplos sobreviventes de móveis produzidos na & # 8216Oficina de Pomar & # 8217, a oficina de laca Imperial criada no início do período Ming no complexo & # 8216Forbidden City & # 8217 em Pequim, hoje Pequim.

A laca entalhada estava sendo usada em todas as superfícies visíveis dos móveis. Este tampo da mesa & # 8217 tem o design imperial Ming com um dragão central e uma fênix, simbolizando o imperador e a imperatriz.

No período Ming, o dragão se tornou um símbolo imperial, aparecendo na laca das oficinas imperiais para uso da corte ou do imperador.

Inicialmente, a cabeça do dragão & # 8217s foi vista no perfil tradicional, mas em meados do século 15, o dragão & # 8220frontal & # 8221, visto olhando de frente.

A dinastia Ming foi a dinastia governante da China de 1368 a 1644. A dinastia Ming também foi a última dinastia imperial da China governada pelos chineses Han.

O fundo do relevo do tampo da mesa era inicialmente amarelo, que contrastava com o vermelho das camadas superiores, mas agora desbotou para uma cor escura.

As pernas e bordas do tampo são esculpidas com as & # 8220Flores das Quatro Estações. & # 8221 As partes internas das gavetas são em laca vermelha lisa e as partes de fora e de baixo da mesa em laca preta.

A mesa traz a marca do reinado do Imperador Xuande (1426–1435) e foi feita para o Palácio Imperial.

Os dragões de cinco garras esculpidos na superfície foram mutilados pela remoção de uma garra em cada pé, como costumava ser feito quando as peças deixavam a propriedade imperial.

O dragão de cinco garras só foi autorizado a ser usado pelo imperador, com penalidades muito severas para abuso.

As peças imperiais às vezes eram dadas como presentes ou levadas pelos eunucos da corte para serem vendidas em mercados fora da Cidade Proibida.


Victoria and Albert Museum

Victoria and Albert Museum. Após o sucesso da Grande Exposição (1851), um museu de manufaturas foi rapidamente estabelecido em Marlborough House, no entanto, apesar de manter fortes ligações com as escolas de design estabelecidas na década de 1830 por causa de lapsos percebidos nos padrões de design devido ao impacto da mecanização sobre o artesanato tradicional , suas políticas de coleta tornaram-se cada vez mais antiquadas. O primeiro diretor foi Henry Cole, um pioneiro das relações públicas, que supervisionou a construção de edifícios novos, mas heterogêneos, em South Kensington (inaugurado em 1857), um local sugerido pelo Príncipe Albert. O caos administrativo após a aposentadoria de Cole acabou levando à separação das ciências em seu próprio museu, e o novo prédio renomeado projetado por Webb (imponente, mas impraticável) foi concluído em 1908. Os arranjos em linhas de artesanato não cederam a apresentações cronológicas até depois de 1948 , mas, comparada a & # x2018 uma bolsa de mão extremamente espaçosa & # x2019, a & # x2018V. & amp A. & # x2019 tornou-se um importante museu de arte decorativa em todo o mundo.

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JOHN CANNON "Victoria and Albert Museum." The Oxford Companion to British History. . Encyclopedia.com. 16 de junho de 2021 & lt https://www.encyclopedia.com & gt.

JOHN CANNON "Victoria and Albert Museum." The Oxford Companion to British History. . Recuperado em 16 de junho de 2021 de Encyclopedia.com: https://www.encyclopedia.com/history/encyclopedias-almanacs-transcripts-and-maps/victoria-and-albert-museum

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Victoria and Albert Museum

O Victoria and Albert Museum (V & ampA), localizado em South Kensington, Londres, Inglaterra, é um dos melhores museus de arte do mundo. Dedicado à arte decorativa e ao design, possui um vasto e diversificado acervo permanente com mais de 6,5 milhões de objetos. Fundada em 1852, e mais tarde nomeada em homenagem à Rainha Vitória e seu marido, o Príncipe Albert, atualmente ocupa cerca de 12,5 acres, contendo cerca de 145 galerias.

A coleção V & ampA - que abrange tanto belas artes quanto arte aplicada - abrange cinco milênios, desde civilizações antigas até o século 21, e mostra a cultura e o patrimônio artístico da Europa, América, África do Norte e Ásia. As coleções de escultura, cerâmica, vidro, têxteis, vidro, ferragens, prata, metais preciosos, joias, móveis, objetos medievais, gravuras, desenhos e arte fotográfica do V&AP estão entre as melhores e mais completas do mundo. Os destaques da coleção V & ampA incluem a maior coleção de esculturas pós-clássicas do mundo, a melhor coleção de obras de arte do Leste Asiático na Europa e uma coleção de arte islâmica que se equipara ao Louvre (Paris) e ao Metropolitan Museum of Art (Nova York ) como a maior do mundo. O museu também contém as coleções nacionais de miniaturas britânicas, pinturas em aquarela e trabalhos de ourives ingleses, bem como a maior coleção de pinturas de John Constable. Junto com 17 outras galerias e museus em toda a Europa e na região do Mediterrâneo, o V & ampA está atualmente participando de um projeto online intitulado Descubra a Arte Islâmica. Mais informações sobre os principais shows do V & amp A, consulte Art News Headlines.

ARTES VISUAIS DO ISLÃO
Para coleções da cultura muçulmana,
veja: Museus de Arte Islâmica.

MELHOR ARTE DO MUNDO
As melhores pinturas de todos os tempos
Óleos, aquarelas, meios mistos
de 1300 até hoje.
As melhores esculturas de todos os tempos
Trabalhos em pedra, bronze, madeira
de 33.000 aC até o presente.

Idealizado pelo Príncipe Albert, o V & ampA nasceu da Grande Exposição de 1851, cujos lucros foram aplicados na compra de um terreno em South Kensington para abrigar vários museus e faculdades. Inaugurado em 1852 como Museu de Arte Ornamental, instalou-se em seu local atual em 1857.

Em 1899, um novo edifício projetado por Sir Aston Webb, e inaugurado pelo Rei Edward VII em 1909, foi fundado no mesmo local e foi rebatizado de Victoria and Albert Museum. As coleções científicas da instituição foram então transferidas para o Museu da Ciência nas proximidades. Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial, grande parte da coleção foi transferida para um local subterrâneo perto da estação de metrô Aldwych, no centro de Londres. Após a guerra, no outono de 1946, o museu sediou a exposição de design de enorme sucesso intitulada Grã-Bretanha pode fazer isso, em associação com o Conselho de Desenho Industrial. Em 1948, a maioria das coleções do V&AAP havia retornado do armazenamento e o museu retomou o serviço normal. Desde então, sob a direção de personalidades como Sir Roy Strong e Elizabeth Esteve-Coll, a V & ampA lançou uma série de campanhas culturais bastante diferentes, ocasionalmente experimentais, destinadas a aumentar a consciência sobre seus acervos de belas-artes e arte aplicada. O nome completo do V & ampA agora é: O Victoria and Albert Museum, o National Museum of Art and Design.

O Victoria & amp Albert Museum está dividido em seis departamentos básicos: (1) Ásia. (2) Móveis, Têxteis, Moda. (3) Escultura, Trabalho em metal, Cerâmica, Vidro. (4) Palavra e imagem de amplificação. (5) Teatro e Performance. (6) Museu da Infância (Bethnal Green). Dentro desses departamentos estão as seguintes coleções.

Arquitetura
Em colaboração com o Royal Institute of British Architects, o V & ampA abriu a primeira galeria permanente do Reino Unido apresentando a história da arquitetura, completa com exibições de modelos, fotografias, elementos de edifícios e desenhos originais. Inclui mais de 600.000 desenhos, 750.000 papéis e 700.000 fotografias. Arquitetos britânicos cujos trabalhos aparecem na coleção incluem: Sir Christopher Wren, Nicholas Hawksmoor, Sir John Vanbrugh, William Kent, Inigo Jones, James Gibbs, Robert Adam, Sir William Chambers, James Wyatt, Henry Holland, John Nash, Sir John Soane , Sir Charles Barry, Charles Robert Cockerell, George Edmund Street, Richard Norman Shaw, Alfred Waterhouse, Sir Edwin Lutyens, Charles Rennie MacKintosh, Richard Rogers e Norman Foster, entre outros. Veja Arquitetura: História, Estilos.

islamismo
The V&A's collection of Islamic art includes such highlights as: the Ardabil Carpet, a 10th century Rock crystal ewer, numerous Qur'ans incorporating exquisite calligraphy, Iznik pottery, 14th century glasswork, an extensive collection of Middle Eastern and Persian rugs and carpets, and intricate mosaic art from Constantinople (Istanbul) and Samarkand.

South and South-East Asia
The V&A's holding of Asian art comprises some 60,000 objects, including about 10,000 textile items and 6000 paintings. Highlights include: an extensive collection of Hindu, Buddhist and Jain sculpture, Mughal art including portraits, drawings, jade wine cups, gold spoons, and exquisite textiles using gold and silver thread. See: India Painting & Sculpture.

China, Japan and Korea
This collection has over 70,000 works of art. Chinese highlights include: The T.T. Tsui Gallery of Chinese art (from the Tang, Ming and Qing Dynasties) featuring Chinese lacquerware, ancient ceremonial bronzes, Chinese pottery, types of porcelain, jade carving, as well as cloisonné enamelling, and silk watercolour paintings. Highlights of the museum's collection of Japanese art include a 13th-century sculpture of Amida Nyorai, Japanese 19th century armour, steel sword blades, Suzuki Chokichi's bronze incense burner, lacquerware, porcelain including Imari, Netsuke, woodblock prints, textiles and kimonos. Its collection of Korean art includes silk embroideries and green-glazed ceramics, while the Himalayan art collection includes early Nepalese bronze sculpture, repoussé work, Tibetan scroll paintings and ritual objects.

Thailand, Burma, Cambodia, Indonesia and Sri Lanka
This collection includes sculptures and precious objects made from gold, silver, bronze, stone, terracotta and ivory.

British Collections
Featuring art and design by British artists and craftspeople, these galleries cover three periods: (1) Tudor and Stuart Britain 1500�: covering the Renaissance, Elizabethan, Jacobean, Restoration and Baroque styles. (2) Georgian Britain 1714�: covering Palladianism, Rococo, Chinoiserie, Neoclassicism, Regency, and the Gothic Revival. (3) Victorian Art 1837�: covering the later Gothic Revival, Classical and Renaissance revivals, Aestheticism, Japanese styles, the Arts and Crafts movement and the Scottish School. Featured artists and designers include: Grinling Gibbons, Sir James Thornhill, William Kent, Sir William Chambers, Robert Adam, Josiah Wedgwood, Matthew Boulton, Eleanor Coade, John Constable, Thomas Chippendale, Augustus Welby Northmore Pugin, William Morris, William Burges, Charles Robert Ashbee, Christopher Dresser, James McNeill Whistler and Charles Rennie Mackintosh.

Furniture and Furnishings
The V&A furniture and furnishings collection contains more than 14,000 items from across Europe, including, complete rooms, musical instruments (notably a 1699 violin by Antonio Stradivari), and clocks, as well as furniture dating from the Middle Ages to the present - although most of the furniture is British and dates to between 1700 and 1900. Furniture designers featured from the 19th and 20th centuries include Ernest Gimson, Edward William Godwin, Charles Voysey, Adolf Loos and Otto Wagner, while modernists include Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Marcel Breuer, Charles and Ray Eames, Giò Ponti, Eileen Gray and Ron Arad.

Ceramics
Numbering over 75,000 objects, drawn from across the world, the V&A ceramic collection includes: examples of ancient pottery, Meissen and Sèvres porcelain, a wide display of Delftware, 18th century British porcelain (Royal Doulton, Chelsea and Worcester), and the finest collection of East Asian (Chinese and Japanese) pottery and porcelain in the world, an unrivalled display of Italian maiolica, Spanish lustreware, and Iznik pottery from Turkey. Famous ceramicists and potters featured, include: Josiah Wedgwood, William Frend De Morgan, Bernard Palissy and Bernard Leach. See also Ceramic art.

Jóias
The V&A jewellery collection has more than 6,000 items, from Ancient Egypt, Greece and Rome the Medieval period the Elizabethan era, and on to the present day. In addition to exquisite items of early Christian art, it features works by jewellery designers Cartier, Peter Carl Fabergé and Lalique, Gerda Flockinger and Wendy Ramshaw.

Copo
The V&A collection of glass art contains over 6,000 items from Africa, Britain, Europe, America and Asia. As well as ancient artifacts, it encompasses Venetian and Bohemian glass, including Art Nouveau glass designs by Louis Comfort Tiffany and Émile Gallé, Art Deco exemplars by René Lalique. Designers of stained glass represented in the collection include, Dante Gabriel Rossetti (1828-82), Edward Burne-Jones (1833-1898) and William Morris. In addition, the collection includes work by 20th century designers like Harry Clarke, John Piper, Patrick Reyntiens, Veronica Whall and Brian Clarke.

Metalwork
The V&A metalwork collection consists of some 45,000 items, including decorative ironwork, bronze, silverware, pewter, brassware and enamels, as well as arms and armour. About a quarter of the items are made from silver or gold. The collection includes the oldest known item of English silver with a dated hallmark (a 1496 silver gilt beaker). See also Celtic Metalwork.

Sculpture
The V&A sculpture collection, consisting of some 17,000 items dating from 400 CE to 1914, is the most extensive assembly of post-classical European sculpture in the world. All types of sculpture are represented, from tomb and memorial, to portrait, garden statues, fountain sculpture and architectural decorations. It includes objects made from various types of marble, stone, wood, ivory, gesso, bronze, lead, ceramics, terracotta, alabaster and plaster.
The museum's collection of Italian sculpture from the Medieval, Renaissance, Baroque and Neoclassical periods is the finest outside Italy. It features works by Luca della Robbia, Giovanni Pisano, Donatello, Antonio Rossellino, Andrea del Verrocchio, Andrea della Robbia, Michelangelo, Jacopo Sansovino, Alessandro Algardi, Benvenuto Cellini, Giacomo della Porta, Giambologna, Bernini and Canova. French sculptors in the collection include François Girardon, Michel Clodion, Jean-Antoine Houdon, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Rodin and Jules Dalou. Northern European sculptors featured, include: the wood-carvers Veit Stoss and Tilman Riemenschneider, Hendrick de Keyser, Jan van Schayck, Hans Daucher and Peter Flotner, Adriaen de Vries, Sébastien Slodtz, as well as British-based sculptors like Grinling Gibbons, John Michael Rysbrack, Louis-Francois Roubiliac, Sir Henry Cheere, Thomas Banks, Joseph Nollekens, Joseph Wilton, John Flaxman, Sir Francis Chantrey, John Gibson, Edward Hodges Baily, Alfred Stevens, George Frampton, and Eric Gill.

Cast Courts
Located in the sculpture wing and consisting of two large, skylighted rooms two storeys high, this display area houses hundreds of plaster casts of famous sculptures, friezes and tombs, including: a full-scale replica of Trajan's Column, replicas of Italian Renaissance sculpture and architecture, such as the immortal David sculptures by Michelangelo and Donatello.

Painting and Drawing
The V&A collection of fine art painting and drawing consists of some 1,130 British and 650 European oil paintings, 6,800 British watercolours, pastels and 2,000 miniatures. It includes the seven surviving Raphael Cartoons (designs for the Vatican's Sistine Chapel tapestries), on long term loan loan to the museum, from the British Royal Art Collection of Queen Elizabeth II. Among the many Old Masters and later famous painters represented in the collection are: Botticelli, Tintoretto, Adriaen Brouwer, Anton Raphael Mengs, Rembrandt, François Boucher, John Constable, JMW Turner, Jean-Baptiste Camille Corot, Gustave Courbet, Eugène Delacroix, Théodore Rousseau, Edgar Degas, Jean-François Millet, Paul Cezanne, Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones. Other famous water colourists represented include: William Gilpin, William Blake, John Sell Cotman, Paul Sandby, William Mulready, Edward Lear, and Whistler. The V & A also includes a wide range of miniature portrait painting by an extensive list of Europe's best miniaturists such as: Jean Bourdichon, Hans Holbein the Younger, Nicholas Hilliard, Isaac Oliver, Peter Oliver, Jean Petitot, Alexander Cooper, Samuel Cooper, Thomas Flatman, George Engleheart, John Smart, Richard Cosway & William Charles Ross.

In addition, the V&A holds drawings by: Albrecht Durer, Giovanni Benedetto Castiglione, Antonio Verrio, John Russell, Angelica Kauffmann, the sculptor John Flaxman, Hugh Douglas Hamilton, Thomas Rowlandson, Thomas Girtin, Jean-Auguste-Dominique Ingres, David Wilkie, John Martin, Samuel Palmer, Sir Edwin Henry Landseer, Lord Frederic Leighton, Sir Samuel Luke Fildes and Aubrey Beardsley. Twentieth century British artists represented include: Paul Nash, Percy Wyndham Lewis, Eric Gill, Stanley Spencer, John Piper, Graham Sutherland, Lucian Freud and David Hockney.

Fotografia
The V&A collection of photographic images consists of some 500,000 images dating from 1839 up to the present day. It features work by photographers such as Fox Talbot, Julia Margaret Cameron, Gustave Le Gray, Frederick Hollyer, Samuel Bourne, Roger Fenton, Man Ray, Curtis Moffat, Henri Cartier-Bresson, Ilse Bing, Bill Brandt, Cecil Beaton, Don McCullin, David Bailey, and Helen Chadwick.

Prints and Books
The Victoria and Albert museum is also home to the National Art Library, one of the world's largest libraries devoted to fine and decorative arts, which contains more than 750,000 books. Collection highlights include: the Codex Forster, notebooks by Leonardo da Vinci. The V&A print collection of 500,000 items, includes posters, greetings cards, book plates, and prints by such masters as Rembrandt, William Hogarth, Canaletto, Karl Friedrich Schinkel, Matisse and Sir William Nicholson.

Textiles
The V&A collection of textiles - one of the world's biggest - comprises more than 38,000 items, dating from the 1st century CE to the present. Mainly western European in origin, it includes works from across the world. Techniques and crafts represented include: weaving, quilting embroidery, lace, tapestry and carpets. Highlights include early silks from the Near East, European tapestries (notably Gobelins tapestry as well as examples from Brussels, Tournai, Beauvais, Strasbourg and Florence), and English medieval church embroidery. The collection also includes woven fabrics, and pattern books designed by the Arts and Crafts Movement leader, William Morris.

The V&A also runs the Museum of Childhood at Bethnal Green, one of the world's largest and oldest collections of toys and childhood artifacts. Dating from the 16th century to the present day, it encompasses dolls, teddy bears, toy soldiers, train sets, puppets, rocking horses, costumes, board games, as well as some of the earliest jigsaw puzzles ever made.

Education, Research and Conservation

Itself established as one of the finest art museums in Europe, The V&A maintains an extensive series of educational programs, along with collaborative ventures with institutions across Britain. In addition, it runs a major research and conservation department for the benefit of scholars and the general upkeep of its exhibits.

Victoria and Albert Museum
242 Brompton Road
London SW3 2BB
Website: www.vam.ac.uk.

• For details of the development of painting and sculpture, see: History of Art.
• For more information about the world's greatest art museums, see: Homepage.


History is our Future

Upon staying at my grandparents’ house in London we decided to make use of our time by visiting the Victoria and Albert Museum which is conveniently neighboured to South Kensington Station, so our worries of having to trek through the bitter cold weather were defused!

Due to a busy time schedule we could not stay at the museum for too long but long enough to appreciate the huge array of artefacts that were on display. Cut for time, I chose to explore the “Medieval & Renaissance 1350-1600” exhibition which covered three entire floors. Having recently read a number of books detailing Renaissance Florence under Medici rule, it felt right to get a first-hand view of the objects which were present in a time and place which turned the very cogs of the historical period which would be come to be known as the Renaissance.

I was first greeted by the pulchrous works of the artist Raphael who took over Michelangelo’s prominent role as the main artist in Florence. I was taken aback by the sheer scale of his paintings and what interested me was his constant depiction of biblical events which occurred in the New Testament. I was particularly analytical of his work “The Miraculous Draft of Fishes”, familiarising it with the Call of the Disciples, having studied the Gospel of Mark. What we can infer from this painting is that Raphael wishes to present Jesus as humanly suggested by the similarities in clothing between Jesus and the fishermen. The stark white robe covering Jesus’ underclothes is a massive contrast to the more neatly blended, complimentary colours which Raphael seems to use on the rest of the painting.

The Renaissance saw the birth of humanism, which was confirmed through the art which was produced in this period. The sculpture “The Rape of Proserpina” by Vincenzo de’ Rossi displays Pluto, the Roman King of the Underworld violently handling Proserpina who can be seen desperately struggling to break free from the clutches of the majesty of the dead. The negative connotations of this sculpture are only amplified by the choice of a depressingly dark bronze which confirms Proserpina’s ill-fate.

I also came across the Medici coat of arms (stemma) during the reign of Lorenzo il Magnifico’s son, Pope Leo X. It shows the six palle (balls) which were traditionally depicted on the Medici stemma. However, in addition to this, there is a tiara and crossed keys depicted which signify Giovanni de’ Medici’s ascendancy to the papacy.

Though what I was most excited about seeing was the “Labours of the Months”, produced by Luca della Robbia for Piero the Gouty’s study in the Palazzo Medici. It depicts the agricultural labours which occurred throughout the year, each of the twelve dishes having its own zodiac sign on it in correspondence to the depiction of day and night.


The History Behind … Posy rings

In the latest installment of The History Behind, National Jeweler explores the origin of posy rings, one of the first examples of personalized jewelry.

New York--Long before today’s couples were engraving their wedding bands with initials or dates, lovers of old were swapping secret messages and vowing their lifelong commitment on posy rings.


Part of the collection of the Victoria&Albert Museum in London, this circa 1300 gold posy ring is inscribed in Lombardic capitals, “Well for him who knows whom he can trust.” (Photo credit: © Victoria and Albert Museum, London)

Also spelled posie or poesy, these rings derived their name from the French word “poésie,” or poem, because of the short sayings with which they were engraved that were religious, friendly or amorous in nature.

While there are not a great number of jewelry designers using the word “posy” in connection with new collections today, the desire for jewelry engraved with personalized messages has never faded.

“It’s continued down through history,” observed Mary Borchert, a historian with Antique Jewelry University. “Nowadays, we don’t call it a posy ring but we technically could because it has the inscription inside.”

National Jeweler dug into the online archives of the Victoria & Albert Museum in London, which houses what is arguably the largest collection of posy rings in the world, and spoke with one modern-day jewelry designer inspired by the poesies of old for this latest installment of The History Behind.

What are posy rings and when were they worn? According to the Victoria & Albert Museum, posy rings were popular from the latter half of the Middle Ages, which extended from the 5th to 15th century.

In medieval times, when religion was very much a part of everyday life, it was common for saints’ figures or religious text to appear on the rings alongside romantic expressions or even expressions of friendship. In this way, the rings functioned both as a religious talisman and a gift of love.

Jewelry designer Monica Rich Kosann, who recently launched a line of posy-ring inspired jewelry, said posy rings also were exchanged between kingdoms and religious houses as a show of support.

According to the Victoria & Albert, posy rings from Medieval period mostly have the words engraved around the outside of the band, while in later examples the lettering is found inside.

What were some of the most common inscriptions? Like much personalized jewelry today, the posy ring provided the wearer the chance to don something completely different than what their neighbor had. They could


Assista o vídeo: Muzeum Wiktorii i Alberta, London (Dezembro 2021).