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Dançarinos borghese

Dançarinos borghese


Marcella Borghese Princess, 90, começou uma linha de cosméticos

A princesa Marcella Borghese, uma socialite italiana que criou sua própria linha de cosméticos de luxo, morreu no dia 19 de janeiro em sua casa em Montreux, na Suíça, disse sua família hoje. Ela tinha 90 anos.

Ela foi enterrada na cripta da família na Basílica de Santa Maria Maggiore em Roma.

A princesa Borghese, nascida Marcella Fazi, juntou-se à família nobre romana em 1937 com seu casamento com o príncipe Paolo Borghese, duque de Bomarzo. O príncipe, que morreu em 1985, era descendente de uma família que produziu um papa - Paulo V - assim como o parque público mais famoso de Roma e uma de suas galerias de arte mais lindas, a Galleria Borghese.

Em 1958, a Princesa Borghese usou suas próprias receitas de cosméticos para iniciar a Princesa Marcella Borghese como uma subsidiária da gigante dos cosméticos Revlon.

A linha, incluindo produtos caros para a pele e maquiagem, bem como tratamentos de spa, é vendida em algumas das lojas de departamento mais exclusivas. A Revlon vendeu a empresa para investidores sauditas em 1991.

O título da Princesa Borghese & # x27s foi concedido à família por Paul V.

A princesa continuou envolvida com a linha até recentemente, disse seu filho, Livio Borghese, em uma entrevista por telefone de Nova York. & # x27 & # x27Ela nunca realmente saiu da empresa & # x27 & # x27, disse ele.

A princesa deixa dois filhos, Livio e seu irmão gêmeo, Francesco Borghese, uma filha do primeiro casamento, Anita Mauritzi de Roma e sete netos.


Bernini, Borghese e a ascensão da Roma barroca: 6 obras-primas de Bernini na Villa Borghese

Raramente na história da arte uma relação patrono e artista foi tão fecunda quanto a do jovem Gianlorenzo Bernini e do poderoso cardeal Scipione Borghese. Bernini foi uma daquelas figuras da história que parecia ter nascido para a grandeza. Destinado a se tornar o escultor mais famoso de sua geração e a forjar a paisagem urbana da Roma barroca à sua própria imagem, foi na palaciana villa suburbana de Scipione Borghese que o jovem artista encontrou a fama pela primeira vez.

Entrando no mundo em 7 de dezembro de 1598 em Nápoles, onde seu pai florentino era um escultor a serviço da corte, a família e os rsquos mudaram-se para a Cidade Eterna quando Gianlorenzo tinha 7 ou 8 anos pode ser uma das deslocalizações mais importantes da história de arte. Camillo Borghese tinha acabado de assumir o trono de São Pedro como Paulo V, e artistas de todos os lugares se dirigiram a Roma na esperança de seu patrocínio. O respeitado, embora trabalhador, Pietro Bernini estava entre eles e logo encontrou trabalho na corte papal.

Imerso nas oficinas e canteiros de obras de Roma desde tenra idade, o quase inacreditavelmente precoce Gianlorenzo já esculpia obras quando tinha apenas 8 anos de idade. Annibale Carracci teria ficado comovido ao comentar que Bernini havia atingido um nível de habilidade na infância em que muitos se deliciariam no auge de suas carreiras, enquanto o amante da arte e futuro papa Maffeo Barberini advertiu Pietro que seu filho em breve ultrapassaria seu mestre. A resposta imortal de Pietro foi a de um pai amoroso - & lsquoit não importa, pois nesse caso o perdedor ganha. & Rsquo

Foi nas coleções do papa e do poderoso sobrinho cardeal Scipione Borghese que Bernini realmente floresceu pela primeira vez, a admiração do conhecedor refinado lançando o ainda adolescente Bernini no caminho para o estrelato. Bernini iria esculpir algumas das esculturas mais emocionantes, originais e ousadas que o mundo já viu na Villa Borghese. Sua interpretação única da mitologia antiga e concepção revolucionária do espaço tridimensional inaugurou uma linguagem de arte completamente nova, lançando a era de ouro do Barroco. Descubra as magníficas esculturas de Bernini e rsquos na Villa Borghese com nosso guia online!

Se nosso guia o inspirar a aprender mais, não deixe de conferir nosso tour virtual pela Villa Borghese, onde a historiadora da arte Federica o leva em uma jornada em profundidade pela história e pelas obras de arte da coleção Borghese, de obras-primas de Bernini e rsquos a obras icônicas obras de Raphael, Caravaggio e mais.

Retrato do Papa Paulo V, c. 1618

Esculpido em 1618 quando Bernini ainda era pouco mais que um adolescente, este busto de retrato do Papa Paulo V, Camillo Borghese, mostra a entrada precoce do artista nos círculos rarefeitos do patrocínio papal. A história de como Bernini anunciou seu talento precoce para a cena da arte romana é uma das grandes histórias de origem artística. Seu pai viera a Roma para trabalhar em encomendas papais para o papa borghese, incluindo sua capela em Santa Maria Maggiore, mas o incrivelmente jovem Gianlorenzo causou uma impressão imediata maior nos círculos rarefeitos do conhecimento romano.

Já o brinde de grandes figuras como o Cardeal Maffeo Barberini (o futuro Papa Urbano VIII) antes de atingir seu 9º aniversário, o insaciável curioso e ambicioso Bernini passou três anos inteiros de sua infância no Vaticano pintando e esboçando suas coleções, indo para escola em esculturas antigas como o Laocoonte e Apollo Belvedere.

Foi lá que se desenvolveu seu conhecimento pessoal com o papa, para quem ele esculpiu este retrato extremamente expressivo, embora austero, quando tinha apenas 19 anos. seu status como um dos príncipes mais poderosos do mundo. Ele está vestido com vestimentas elaboradamente esculpidas com as figuras de São Pedro e Paulo.

Impressionante como é, especialmente dados os anos tenros de Bernini quando ele o esculpiu, o retrato de Paulo V parece convencional e comum quando comparado com as obras que o artista criaria nos próximos anos para o papa e sobrinho grandioso Scipione .

Enéias, Anquises e Ascanius Fugindo de Tróia, 1619

Um emaranhado de corpos oscilantes e retorcidos, o precário Enéias fugindo de Tróia é a primeira grande obra que Bernini produziria para o todo poderoso cardeal Borghese. A história vem do épico romano de Virgílio, A Eneida, um conto que se destacou na mitologia da Cidade Eterna: de acordo com a mitologia romana antiga, quando o herói Enéias fugiu de sua Tróia nativa no desfecho das guerras de Tróia, os ventos do destino tomaram em direção à costa italiana, onde acabou fundando Roma. O tema tinha uma tradição nobre na arte italiana, com Rafael a retratando de forma anacrônica em seu afresco do Vaticano O Fogo no Borgo.

O Enéias de Bernini é jovem e bonito, tendo uma notável semelhança com o Cristo Ressuscitado de Michelangelo em Santa Maria Sopra Minerva. A reboque estão seu velho pai Anquises, vestido com um duncher rústico, que nosso jovem herói carrega em segurança em seus ombros robustos, e seu filho Ascanius, que cambaleia obedientemente atrás.

A composição à primeira vista parece um tanto estranha, sua forma serpenteante imponente não é totalmente bem-sucedida na obra-prima Estuprada de Sabine de Giambologna, em Florença. Mas, embora a primeira tentativa do jovem Bernini de uma composição narrativa monumental não acerte totalmente o alvo, os detalhes virtuosos são uma dica do que está por vir: observe o contraste maravilhoso entre a figura poderosa e ensinada de Enéias e a figura alongada e flácida pele de seu pai idoso, que desesperadamente agarra os deuses domésticos que eles conseguiram salvar de sua casa destruída em Tróia.

Plutão e Perséfone, 1621-2

O próximo trabalho mitológico em grande escala que Bernini produziu para Scipione marcou um salto quântico em seu desenvolvimento como escultor. No Plutão e Perséfone, criado entre 1621 e 1622, o jovem escultor leva as limitações materiais do mármore ao ponto de ruptura e além, trabalhando a pedra inflexível tão facilmente como se fosse a massa mais elástica. O conjunto também apresenta de forma magnífica Bernini & rsquos desenvolvendo a habilidade de transformar narrativas complexas em grupos escultóricos capazes de contar histórias inteiras em um único momento.

Esta escultura extraordinária na rodada conta a história perturbadora de Plutão, o terrível deus do submundo, e a condenada Perséfone, cujos destinos estão encerrados em um conto sombrio de violência, luxúria e abdução. Chance de espiar Perséfone - a atraente filha da deusa da agricultura Deméter - saltitando em um prado, o amoral Plutão determina à força torná-la sua esposa a todo custo.

Bernini retoma o drama depois que o deus do submundo pegou a jovem Perséfone em seus braços carnudos, já caminhando decididamente em direção a seu reino subterrâneo enquanto sua vítima luta inutilmente em suas garras divinas. Perséfone empurra inutilmente o rosto perplexo do deus & rsquos gananciosamente luxurioso enquanto seu cabelo é açoitado por um vento invisível, seu rosto um retrato horripilante de terror e desespero.

Em um dos maiores detalhes virtuosos da história da escultura, os dedos grossos de Plutão e rsquos afundam na coxa de Perséfone e rsquos, mármore de pedra transformado em carne maleável pela habilidade sobrenatural de Bernini e rsquos. Apenas uma viagem pela totalidade da escultura revela toda a gravidade do momento - revelado aos pés de Plutão está o cão de três cabeças Cerberus, guardião do Mundo Inferior. Perséfone acaba de ser carregada até o limiar de Hades, e não há como voltar atrás - seu destino está selado como relutante deusa da morte e reino rsquos.

Mas, de acordo com o mito, havia pelo menos alguma luz no fim do túnel para Perséfone raptada brutalmente. Graças às imprecações de sua mãe, que se recusou a deixar as safras darem frutos até que ela recebesse justiça, Perséfone foi autorizado a retornar à terra dos vivos a cada primavera - anunciando o crescimento e a nova vida da estação. Persephone & rsquos anuais forçados a retornar ao Hades, em contraste, marcaram o início do inverno, um momento para sempre imortalizado no majestoso mármore de Bernini & rsquos.

Apollo e Daphne, 1622-5

Deve ter parecido a seus contemporâneos que Bernini havia alcançado um nível de perfeição na transformação da narrativa mitológica antiga em escultura com o Plutão e Perséfone isso seria impossível de combinar. E, no entanto, o jovem mestre estava apenas começando. Encantado como estava com o grupo de Plutão, o cardeal Borghese decidiu fazer um presente politicamente astuto para o novo papa e sobrinho de rsquos, Bernini e seu amigo de peito Ludovico Ludovisi (a escultura só foi devolvida à Villa Borghese em 1908). Scipione estava convencido, ao que parece, de que Bernini poderia fazer melhor.

Para substituir a escultura que ele havia doado, Borghese contratou Bernini para produzir outro grupo mitológico, desta vez retratando o conto de Apollo e Daphne, recontado em Ovid & rsquos Metamorphoses. O mito conta como o malvado Cupido perfurou Apolo com uma de suas flechas, fazendo com que o deus se apaixonasse pela bela ninfa Daphne. Ao mesmo tempo, ele perfurou Daphne com uma flecha, fazendo-a detestar o apaixonado Apolo, dando início a uma dança condenada de desejo e repulsa.

Bernini retoma a ação em seu momento crucial. Apollo (cujas feições são inspiradas no Apollo Belvedere no Vaticano) - jovem, bonito e vestido apenas com uma capa leve girando em torno de seu corpo - está perseguindo Daphne pela floresta, seu mármore forma um turbilhão de velocidade e movimento. "Então, o deus e a menina correram", escreve Ovídio, um rápido na esperança, o outro no terror. A ninfa tem pés rápidos, mas não é páreo para o deus & lsquoborne nas asas do amor. & Rsquo

Daphne sente seu perseguidor ganhando terreno, & lsquos sombreando seu ombro, respirando em seus cabelos ondulados. & Rsquo Enquanto olhamos, quase podemos sentir o hálito quente do deus em tranças extraordinariamente esculpidas de Daphne & rsquos. Desesperada, Daphne implora a seu pai, um deus do rio, que a salve de seu destino: & ldquoOh ajude-me, se houver algum poder nos rios, mude e destrua este corpo que deu tanto deleite. & Rsquo

Nem bem dito do que feito: assim que os dedos de Apollo & rsquos se fecham em volta da cintura de Daphne & rsquos, seu corpo começa sua bizarra transformação em um loureiro. Seus dedos brotam folhas, os dedos dos pés criam raízes e sua carne se transforma em casca. Seu vôo rápido foi repentinamente interrompido em um momento de metamorfose, para a incompreensão desnorteada de Apollo & rsquos. Daphne, por sua vez, olha para trás com uma mistura de horror e surpresa no início de sua transformação repentina, não mais a mulher bonita que ela era, mas ainda não a árvore inerte que ela se tornaria - uma fração de segundo capturada e paralisada para sempre em Bernini & rsquos mármore extraordinariamente fluido.

Pelos padrões freqüentemente horríveis do mito de Ovidiano, a história tem um final feliz. Apolo continua a esbanjar seu amor na agora enraizada Daphne, abraçando os galhos e beijando a madeira, acariciando a casca sob a qual imagina que ainda pode sentir o batimento fraco do coração de ninfa. Incapaz de possuir Daphne, Apolo jura fazer do louro sua árvore e símbolo, e ordena que os vencedores romanos usem coroas de louro em suas procissões triunfais nos tempos que virão.

A escolha do tema foi audaciosa ao extremo: raramente tinha sido tentada na escultura, o momento metamórfico chave considerado totalmente inadequado às limitações da escultura em mármore, uma arte espacial incapaz de produzir narrativas baseadas no desenvolvimento temporal. Mas o jovem Bernini só viu oportunidades onde outros viram problemas e conseguiu fazer seu mármore ganhar vida, mudando o mundo da escultura do reino do espaço para o reino do tempo de uma forma que talvez nunca tenha sido igualada antes ou depois.

David, 1623-4

Se o precoce Bernini estava conscientemente aceitando o desafio de Raphael em seu grupo anterior de Enéias, a escultura narrativa épica final que ele produziu para Scipione Borghese o viu mirando ainda mais alto em sua tentativa de criar um lugar para si mesmo no nível superior de Artistas italianos. A figura do Davi bíblico matando o Golias aparentemente imortal já havia produzido duas das maiores obras-primas já ensaiadas em escultura: o herói icônico de Michelangelo contemplando a tarefa à frente e a juventude triunfante e delicada de Donatello descansando na cabeça recém-decepada do gigante.

Em contraste com Michelangelo e rsquos herói indiferente ou Donatello e rsquos pretensioso e jovem encantador, Bernini e rsquos David é uma figura sólida e sem sentido. Ao contrário do Enéias anterior, David está longe de ser uma imitação genérica de um protótipo anterior e exala personalidade individual. Suas sobrancelhas franzidas se eriçam com intensidade e ele morde o lábio superior em concentração feroz. Enquanto Donatello e Michelangelo foram para os momentos anteriores e posteriores à luta, Bernini foi para a jugular dramática. Aqui, Davi é retratado em meio a sua luta titânica, pronto para lançar a funda que derrubará seu temível inimigo. E parece que estamos presos na mira.

Em uma fantástica peça de invenção site specific, quando o espectador entra na sala em que David está alojado, rapidamente percebemos que ele está lançando um ataque a uma figura invisível atrás de nós, nos colocando bem no meio da ação. As críticas de que Bernini carregou o estilingue de David e rsquos ao contrário, embora certamente precisas, parecem um tanto pedantes à luz da inventividade revolucionária da escultura e rsquos.

O David seria a última grande escultura narrativa que Bernini esculpiu para Borghese, sinalizando o fim dessa primeira e gloriosa fase de sua carreira. O escultor e amigo rsquos e apoiava Maffeo Barberini, a quem se dizia que segurava um espelho para Bernini para permitir que ele esculpisse suas próprias feições no rosto de Davi, havia sido eleito Papa Urbano VIII e pretendia fazer pleno uso de seu jovem protegido . Bernini logo se tornaria o maior artista da corte que a Europa já viu - mas talvez nunca tenha excedido as magníficas obras líricas que criou para Scipione Borghese em sua arejada villa romana.

Retrato do Cardeal Scipione Borghese, 1632

A energia vital do homem que deu vida à magnífica Villa e que teve a clarividência de ver em Bernini um talento marcante da época foi captada com extraordinária nitidez em dois bustos de retratos esculpidos pelo artista em 1632, agora no auge de suas forças. . Ocupado trabalhando nas encomendas épicas encomendadas pelo papa Urbano VIII, esta seria a última obra que Bernini esculpiria para seu primeiro grande patrono. E é surpreendente.

As feições de mármore do poderoso e inteligente cardeal cintilam positivamente com uma vida interior surpreendente e profundidade psicológica: seu olhar penetrante é claramente de alguém acostumado a ser obedecido, enquanto as rugas sutis de seu rosto rechonchudo são extraordinariamente realistas. Ao contrário dos retratos estáticos e reverentes de uma época anterior, Bernini parece ter flagrado Borghese no meio da fala, como se ele simplesmente tivesse virado a cabeça para fazer um comentário.

Para captar a verdadeira essência do Cardeal, Bernini aparentemente adotou uma abordagem inteiramente nova para a preparação. Em vez de ter Borghese sentado para ele, o artista seguiu Scipione a fim de identificar exatamente o que tornava o Cardeal único, fazendo esboços improvisados ​​dele no processo. A dedicação de Bernini e rsquos deu frutos, produzindo uma das melhores esculturas de retratos já criadas.

A escultura desta obra magistral não foi totalmente simples, no entanto. À medida que o busto se aproximava da conclusão, Bernini descobriu, para sua consternação, que uma falha no mármore havia aparecido, correndo por toda a testa do Cardeal. Implacável, o artista começou a trabalhar em uma nova versão que concluiu em um período de tempo extraordinariamente curto.

Sempre o showman, Bernini revelou a primeira versão para Borghese, que corajosamente se esforçou para esconder sua decepção com a linha desfigurante na cabeça. No momento certo, Bernini revelou a segunda versão imaculada para a alegria indisfarçável do Cardeal & rsquos, uma vez que & lsquorelief é mais satisfatório quando o sofrimento foi mais severo & rsquo, como contou o biógrafo de Bernini & rsquos, Filippo Baldinucci. Hoje as duas obras estão lado a lado na Galeria, então você pode compará-las!

Através da Eternity oferecemos uma variedade de passeios pela Villa Borghese em Roma. Também oferecemos um roteiro virtual que permite explorar as obras-primas da Villa Borghese da sua própria casa. Continue a jornada conosco!


Lembre-se de diversão? Aqui está uma breve história das melhores festas na memória recente

Uma galeria de bandidos de bon vivants relembra suas noites mais memoráveis ​​na cidade.

Jay McInerney, romancista

Uma das melhores festas de que já participei foi uma festa na casa geminada George Plimpton & rsquos na East 72nd Street. Eu estou supondo que foi no outono de & rsquo83. Para um estudante de graduação que acabou de pegar o trem de Syracuse, foi o nirvana & mdash embalado com escritores, atores e artistas famosos. George me apresentou a William Styron, Gay Talese e Robert Stone. Joguei sinuca com Plimpton e cheirei coca com Truman Capote, que me deu conselhos para escrever e tentou me convencer.

Rick Miramontez, mestre de cerimônias da Broadway

Nos primeiros anos, nossas festas de Tony depois do expediente confinavam-se a uma suíte glamourosa no Carlyle Hotel. Quando superamos o crescimento, passamos a ocupar os espaços públicos do hotel & rsquos, como o Bemelmans Bar e o Caf & eacute Carlyle. Todos os anos, o desafio é como tornar os espaços do andar de baixo tão emocionantes e sexy quanto a suíte. Então, quando estávamos planejando nossa festa de 2018, perguntei a Andrew Lloyd Webber (ganhador do Tony naquela noite) se ele gostaria de ser DJ no Café & eacute. Andrew às vezes oferece essas noites lendárias de música em sua propriedade rural, Sydmonton, para todos, desde a Rainha Elizabeth a Dame Shirley Bassey. Nas noites mais agitadas, ele ficava atrás das plataformas giratórias e girava até altas horas, então eu sabia que ele não era um novato. Ele gentilmente concordou, e as pessoas enlouqueceram por isso! A certa altura, ele começou a tocar a velha canção de Brian Hyland & ldquoItsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polkadot Bikini & rdquo e eu vi Nathan Lane agarrar Tony e Glenda Jackson pelo braço e levá-la para a pista de dança, e me lembro de ter pensado: Esta é a a melhor festa de todas!

Carolyne Roehm, decoradora

Cada pedaço do 70º aniversário de Malcolm Forbes & rsquos no Marrocos foi memorável. Chegamos a um hotel que acabara de ser inaugurado para a festa e não tinha ar condicionado. Você não iria acreditar: você andou pelos corredores e viu Barbara Walters, Bill Buckley, Gianni Agnelli e todos nós estávamos apenas suando! Henry [Kravis] saiu para tentar encontrar alguns fãs, e então tivemos a ideia de pegar um grande pedaço de gelo e colocar o ventilador contra o gelo e eles fazem isso na Índia, você sabe. Eu poderia dizer que essa seria uma das melhores festas da minha vida, mas, oh, a variedade de pessoas que você viu nua quase até a calcinha porque eles eram tão quentes!

"Um bolo de aniversário com 60 falos de maçapão foi lançado enquanto Mick Jagger cantava, 'I Can & rsquot Get No Satisfaction.'"

Bob Colacello, jornalista

A festa mais extravagante que eu já fui, e eu fui a algumas das principais, foi a festa de três dias do 60º aniversário de três dias do príncipe Johannes von Thurn und Taxis em 1986 em seu schloss de 500 quartos em Regensburg, Baviera. O tema era do século XVIII. A princesa Gloria usava uma das tiaras Maria Antonieta e rsquos, Alfred Taubman e John Gutfreund pareciam duques em suas perucas empoadas, e os vestidos de Lamia e Nabila Khashoggi e rsquos eram tão grandes que ficaram presos em uma curva da escada e tiveram que ser presos atendentes de peito. O fim de semana teve um início selvagem com um cruzeiro à tarde pelo Danúbio, durante o qual um bolo de aniversário com 60 falos de maçapão foi empurrado para fora enquanto Mick Jagger cantava & ldquo (I Can & rsquot Get No) Satisfaction. & Rdquo Politicamente correto, não era.

George Wayne, autor

A festa mais fabulosa de todas? Não preciso nem mesmo ponderar sobre a questão. Em 1992, Barbara Davis e seu marido bilionário de Los Angeles, Marvin, deram a maior festa de gala de caridade da América, o Carousel Ball. Nunca esquecerei, porque foi minha primeira vez na presença de um FLOTUS, e porque sempre me lembrarei da expressão estupefata de Nancy Reagan quando avistamos o joalheiro Kenneth Jay Lane literalmente dedilhando a tigela de caviar para o último ovo.

Cameron Silver, fundador da Decades

Não sei se foi a música pulsante do DJ set de Mark Ronson e rsquos, a abundância de tequila ou a suada multidão de arte internacional girando sob uma tenda na Cidade do México à meia-noite, mas Eugenio L & oacutepez & rsquos Museo Jumex com inauguração em 2013 é minha escolha para a maior festa de sempre. Eu usei uma máscara de papier-m & acircch & eacute devil na minha testa, do museu Frida Kahlo que nunca chegou em casa comigo. Posso não ter ido ao Studio 54, mas Eugenio me fez sentir como se Bianca Jagger pudesse entrar em um cavalo branco a qualquer momento.

Geordon Nicol e Leigh Lezark, DJs

Quando você está no ramo de festas, é difícil escolher apenas uma, mas uma das maiores de todos os tempos foi quando Madonna apareceu na nossa festa, o MisShapes no Luke & amp Leroy no West Village [já fechado]. Era 2005, os smartphones não estavam em toda parte, as mídias sociais não haviam arruinado a vida noturna e a aparição de Madonna não foi anunciada. Ela tocou & ldquoBurning Up & rdquo e & ldquoInto the Groove & rdquo e DJ & rsquod com seu produtor Stuart Price em um clube com capacidade para menos de 300. Foi uma Nova York muito pessoal, muito antiga, e provavelmente o mais próximo que chegamos do Studio 54. Momentos espontâneos como que são poucos e distantes entre si.

Bevy Smith, locutora de rádio

Em 2012, eu dei um jantar para Pharrell no maior bangalô do Ch & acircteau Marmont. Foi o ano em que ele estava fazendo a música para o Oscar, e a lista de convidados era incrível: Cameron Diaz, Charlize Theron, Usher, Ellen Pompeo. Durante a temporada do Oscar, há tantas festas, e havia até outras festas acontecendo no Ch & acircteau naquela noite. Chanel deu uma festa naquela noite, e havia outra para O artista. Andr & eacute Balazs e Chelsea Handler entraram e disseram: & ldquoEsta festa é divertida, nós & rsquore vamos ficar! & Rdquo Eu disse a eles que eles não podiam & rsquot, e Chelsea disse, & ldquoEle é dono do lugar & rdquo e eu tive que dizer a ela que ele poderia, mas era alugado para nós durante a noite. Eles acabaram entrando, mas eu não tinha um lugar para eles na mesa. O que o tornava realmente bonito era que as pessoas não queriam ir embora. Todo mundo veio dizendo que eles provavelmente teriam que ir mais cedo, mas eles não o fizeram. Foi uma noite ótima.

Susan Gutfreund, decoradora

Para Valentino & rsquos 45º aniversário em 2007, as festividades em Roma incluíram duas noites memoráveis ​​de galas. O primeiro foi no Templo de Vênus, onde jantamos enquanto acrobatas se apresentavam acima de nós e fogos de artifício enchiam o céu. A segunda noite foi nos jardins do Villa & shyBorghese, onde fomos cantadas pela & tímidaAnnie Lennox. Foi uma mistura incrível de estrelas da realeza e de cinema e todos os grandes designers.

"Noites como essa te fazem estremecer & mdashOMG, o que foi que eu fiz ?!"

Joey Jalleo, guru de eventos

Era 2010 e não havia acontecido uma pós-festa não oficial do Met Ball desde que o Bungalow 8 fechou quatro anos antes. Consegui permissão para abrir a Boom Boom Room no Standard, onde fui diretor de projetos especiais, e enviei cerca de 20 e-mails para amigos que estariam no baile. Não sei quem disse o quê a quem, mas meu telefone começou a explodir rapidamente. Por volta da meia-noite, a sala estava lotada demais para se mover. Posso citar nomes, mas vou contar o que vi: sexo no banheiro, vestidos sendo pisoteados na pista de dança e uma briga de primeira categoria na mesa de canto com vista para o Hudson. Noites como essa fazem você estremecer & mdashOMG, o que eu fiz?! & Mdashmas isso & rsquos nem sempre é uma coisa ruim.

Maureen Dowd, colunista

Sue Mengers foi um portal de volta para a divertida, sexy e glamorosa Holly & shywood que eu amava. Ela puxava um de seus cigarros & ldquofunny & rdquo de uma caixa de prata, enrolava-se como uma odalisca em um cafetã rosa e dourado como um felino mimado em seu poleiro de veludo e tinha um desempenho hilariante, sensual, vulgar, extremamente não-PC para os & ldquotwinklies & rdquo que ela reuniu. A primeira mulher a se tornar o Homem entre os superagentes de Hollywood foi um gênio capaz de criar uma cascata de estrelas de tirar o fôlego: Jack Nicholson, Warren Beatty, Annette Bening, Angie Dickinson, Lorne Michaels, Tim Robbins, Tina Fey, Tom Ford. Freqüentemente, ela começava contando histórias de estrelas com quem havia dormido, apenas para fazer a bola rolar. Ninguém se preocupava que acabassem em uma coluna de fofoca e ninguém se lembrava da comida. Uma noite, no auge de Homens loucos loucura, ela e eu tivemos um jantar aconchegante com Jon Hamm. Outra noite, Alessandra Stanley e eu tivemos um jantar incrível para meninas com Sue & rsquos & ldquoswans, & rsquo & rsquo três ex-clientes de quem ela ficou amiga: Barbra Streisand, Ali MacGraw e Candice Bergen. Ali e Candy compartilharam histórias sobre como trabalhar com Ryan O & rsquoNeal em História de amor enquanto Sue & rsquos recorte de papelão de Robert Evans & ndashAli & rsquos ex & ndash assistia a nós. Depois que Streisand passou um bom tempo falando sobre uma cena que foi cortada de A maneira como éramos, e explicando porque a sequência, Como nós somos, caiu, Sue soprou um pouco de fumaça, nivelou seu olhar em Streisand e se perguntou secamente: & ldquoPodemos chegar a o Coruja e a gatinha? & rdquo

Susan Fales-Hill, escritora / produtora

Em 2005, foi o ex-embaixador dos EUA na Dinamarca (e meu pai e colega de quarto da faculdade) John Loeb e rsquos, 75º aniversário, e sua agora esposa, Sharon, organizou uma festa no Palácio de Blenheim. Todos nós nos encontramos em frente ao Claridge & rsquos em Londres, e esses lindos ônibus & mdashalmost Popemobiles & mdash nos conduziram e, quando chegamos, Handel & rsquos Water Music começou a tocar. Não estávamos em carruagens puxadas por cavalos, mas parecia perto. Depois de uma refeição de quatro pratos na Long Library, fomos ao Salão Principal para dançar a noite toda. Foi uma viagem de volta ao que Blenheim deve ter sido nos dias de Consuelo Vanderbilt, quando era palco de festas extraordinárias. Na manhã seguinte, houve um brunch na casa do conde de Dartmouth e mdasha um ótimo presente, especialmente para aqueles que podem estar com um pouco de ressaca.

Nell Campbell, atriz e dona do clube

Os anos Nell & rsquos & mdashso repletos de aventura. As estrelas tinham o cuidado de não se comportar mal em público, então tudo isso estava reservado para o meu escritório. Stevie Wonder bebeu Dom com suco de laranja e Peter Beard estava cercado por mulheres jovens.

Tama Janowitz, garota literária

A festa mais mágica em que eu já estive foi em 1987, quando Andy Warhol morreu, e era como uma estrela, uma parte da cidade, simplesmente desaparecendo ou explodindo. Multidões se reuniram em frente à Catedral de São Patrício e Rsquos para seu memorial, admirando as celebridades que estavam vestidas para o Oscar. Você poderia ter estado no funeral de Maria Callas ou Anna Magnani, havia uma sensação de glamour. Após o memorial, a amiga mais próxima de Andy e rsquos, Paige Powell, e seu sócio comercial Fred Hughes organizaram uma festa no Billy Rose e rsquos Diamond Horseshoe, uma boate há muito tempo extinta. Acho que datava da década de 1940 e estava praticamente inalterado. Você desceu uma escadaria circular que leva ao subsolo e poderia estar em um cenário de filme com uma aura de glamour decadente de uma era anterior de Manhattan. As pessoas lá dentro eram as mais conhecidas do planeta: estrelas pop, realeza, os fabulosamente ricos, estrelas de cinema, políticos. Você não podia acreditar que estava em uma sala com todas essas pessoas ao mesmo tempo & mdashit não fazia sentido. Mas todos eram amigos desse homem modesto que usava peruca branca porque tinha vergonha de ser careca.

Anna Shay, estrela de Império Bling:

Sempre gosto de agradecer aos estilistas que me enviam convites durante a Paris Fashion Week. As pessoas dirão que se você gastar tanto, receberá um convite, mas qualquer um pode gastar dinheiro comigo pensando nos designers como artistas. Então, toda vez que eu vou a Paris para a Fashion Week, eu tenho um jantar incrível & mdashif eu mesma digo & mdashto para agradecê-los. Sempre tento encontrar um lugar diferente. Uma vez, fizemos isso em uma casa que foi transformada em um restaurante, então cada cômodo era diferente. Acontece que tinha sido um bordel! No começo eu pensei não, nós podemos & rsquot possivelmente, mas então eu decidi, que divertido! As pessoas que temos para o jantar não são abafadas, apenas nos divertimos.

Muita gente não sabia, nem mesmo os franceses. Havia um espelho em cada cômodo, e você podia ver todos esses arranhões neles. Eu estava me perguntando por que eles simplesmente não substituíram os espelhos, mas me disseram que era parte do restaurante que os homens dariam presentes às mulheres que trabalhavam lá, às vezes diamantes, então eles arranharam os espelhos para ter certeza de que eram reais.

April Hunt, DJ

Uma das melhores festas é ironicamente a última em que eu lancei IRL, dias antes de Nova York entrar em quarentena. It was a freezing downtown night during Armory Week, in celebration of the artist Nate Lewis&rsquo first solo show at Fridman Gallery on Bowery. It was one of those parties where the energy was so right. Everyone was dancing. Derrick Adams, Darío Calmese, and my girlfriend were battling it out on the dance floor as I played Zebra Katz and Baltimore club. You could feel the bass.

We had a surprise performance by the amazing London-based vocalist Cosima that took everyone&rsquos breath away. I believe that was her first performance of that scale in NY. As she was performing, there was this collector standing next to me by the DJ booth while I was holding one of her Pomeranian puppies. The pups were in Gucci regalia just like her&mdashonly in New York. The magic in that room was palpable, from Nate&rsquos soulful drawings that surrounded us to everyone&rsquos free-spirited energy. It&rsquos as if we knew this would be our last hoorah (in this way) for quite some time. The cherry on top, for me, was that my girlfriend proposed to me that same night.&rdquo

Andy Warhol

Wednesday, April 13, 1977: I was going up for cocktails and then dinner for Jean Stein at her sister Susan Shiva&rsquos apartment in the Dakota. I thought it couldn&rsquot be anything great, so I was 45 minutes late. The first person I saw when I walked in the door was Jackie O., looking beautiful. Then Norman Mailer&hellip

Sue Mengers was there, and she came over to me and said her knees were buckling, that she&rsquod never been to a party like this. Babe Paley and her chairman-of-CBS husband went by, and later when I saw Sue and Paley sitting together I remembered that Sue had told me in California that the only job she ever wanted was Paley&rsquos&hellip

Renata Adler, who writes for the New Yorker, was there with Avedon. She said she&rsquos going to law school now at Yale, but she thinks she&rsquoll maybe drop out. She says it&rsquos so hard, and that she can&rsquot remember anything. I had the first really nice talk with Jackie O., but I don&rsquot remember too much what it was about. Dennis Hopper told me he&rsquos directing Junkie, the William Burroughs bio, and I made a faux pas by telling him he should use Mick for the star because then Dennis said that he was the star.&mdashFrom The Andy Warhol Diaries

A version of this story appears in the April 2021 issue of Town & Country.
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Latest Updates

“What are they going to get from us? They are not going to get our history,” Lorenzo Borghese said over lunch at Bottega del Vino in Midtown Manhattan. “They believe they own my family’s history for everything.”

Kenneth L. Port, a law professor and director of the Intellectual Property Institute at the William Mitchell College of Law in St. Paul, Minn., said there were a growing number of disputes like this in the courts.

He cited the dispute between North Face and Jimmy Winkelmann, a 16-year-old who started a clothing line called South Butt and North Face. Chick-fil-A sued a Vermont folk artist over a trademark to the phrase “Eat More Kale,” which the company argues overlaps with its slogan “Eat More Chicken.”

“We’re seeing a growth because trademark owners are finding that the more kind of bullying conduct they do, the more the trademark is worth,” Mr. Port said. “They think they have to act like a bully to get the trademark stronger.”

But David S. Welkowitz, a law professor at Whittier Law School in Costa Mesa, Calif., said the Borghese case could not be considered bullying because “the Borghese family sold their rights to the name.”

For decades, the Borghese family and the Borghese cosmetics business coexisted with little dispute.

In 1976, Revlon bought the rights, title and interest to the Borghese cosmetics brand, including what court papers said were “the words and phrases BORGHESE, MARCELLA BORGHESE, PRINCESS MARCELLA BORGHESE.” In 1992, Revlon sold the Borghese company and Ms. Mosbacher became its chief executive and soon reached an agreement with the family for final payments, which also is a matter of dispute.

Over the years, Princess Marcella’s descendants carved out their own niches in the beauty business.

Francesco started his own line of beauty products in the early 1980s in the United States under names like Orlane, Perlier and Elariia, and starting in the 1990s, the family began appearing on the home shopping channel QVC and then, later, on HSN.

Relations with Borghese Inc., which is privately held, started to sour in 2006 when Lorenzo Borghese started working with ABC about possibly appearing on “The Bachelor.” Mr. Borghese contacted the company about serving as a consultant. The television program filmed a scene in the offices of Borghese Inc.

But after ABC issued a news release in 2006 that mentioned Lorenzo’s grandmother and said she had “started the famed self-named cosmetics line, Borghese Inc.,” Ms. Mosbacher wrote to Mr. Borghese warning him against “causing any false impression in the marketplace that there is a connection or relationship between yourself and Borghese Inc. and our cosmetics products.”

In 2008, the companies came to blows again when Lorenzo applied for a federal trademark for a line of pet shampoos and conditioners called “La Dolce Vita by Prince Lorenzo Borghese” for PetSmart. Borghese Inc. contested the trademark. As the trademark neared approval in 2010, Borghese Inc. sued.

The Borgheses say they are reaching their financial limits and have paid $4 million in legal fees. But Lorenzo Borghese says the case is worth pursuing for the family name.


Pauline Borghese

Beautiful and immoral, Napoleon’s sister, Pauline broke hearts all over Europe. It was said of her that she and Napoleon were both going to conquer Europe, but Pauline was going to do it one man at a time! There are many legends about the behavior of this scandalous woman.

Napoleon found his flirtatious young sister difficult to control and managed to marry her to the much older General Leclerc, who was the opposite of Pauline. Wealthy, serious and sickly, he was in charge of the French expedition to put down a black rebellion in Haiti.

When Pauline was ordered to accompany him she refused but Napoleon had her carried on board in a litter! She soon tired of the General, who must have bored her, and continued to have affairs on the island. When he became sick with yellow fever, however, she comforted him and when he died she cut off her beautiful hair which she buried with him.

Pauline traveled back in France and Napoleon again saw his scandalous sister’s behavior as a problem. When he noticed the incredibly wealthy Prince Camillo Borghese’s interest in his sister he saw it as the answer and Pauline married the Prince in 1803. The Prince owned the largest collection of diamonds in the world and a large art collection, part of which Napoleon purchased for the Louver at a discount.

During the marriage Pauline posed for the famous sculptor, Canova, as Venus. She had no qualms about modeling without her clothes which was regarded as very indecent at that time, especially for a member of the European nobility. According to Joan Marble in Notes from a Roman Terrace: “When a shocked friend asked her how she could bear to pose naked for the great artist, the lady replied that it was no trouble as the studio was heated.”

This sculpture which can be seen at the Borghese Gallery has been described thus: “Pauline Borghese’s smoothly sinuous flesh, and the plumped-up cushions on which she rests, are miracles of carving in marble – a skill in which Canova is unequalled among neoclassical sculptors.”

Prince Borghese, like Napoleon, found Pauline difficult to tame and even placed her under house arrest at one stage. He certainly didn’t care for her liking for spending money. Napoleon attempted to please her by having her made the Duchess of Guantella, but the spendthrift Pauline soon sold the Duchy to Parma for six million francs.

This marriage didn’t work out either. Pauline separated from her husband and continued to indulge her liking for parties and beautiful clothes. She also had many lovers. One of these was the great French actor, Talma. When they met at the French spa town of Aix-Les-Bains the actor was immediately smitten by the lovely and charming Pauline. Gossip arose which Talma deflected by pretending that the Princess made him read Moliere every night, but in his letters afterwards he begged her to meet him again. “…Pauline, Pauline, my heart is torn to pieces…,” he wrote when she wouldn’t see him. (Some of his letters are quoted in the article, ‘Talma and the Princess’ at TheatreHistory.com.) In these letters he wrote that he wrapped Pauline’s tresses in the handkerchief that she gave him and placed them next to his heart. Pauline eventually relented, agreeing to see the love-struck Frenchman, but their affair was not destined to end happily. The actor was just one of the many men with whom Pauline had affairs.

In spite of her promiscuous ways, Pauline was the only one of Napoleon’s siblings to remain faithful to her famous brother. She visited him on Elba, helped him with money, and wanted to help restore him to power. But she became ill and was forced to return to Italy where she died of cancer at only forty-four. A generous person, she left bequests to all of her large family.


Bernini at the Borghese

In Rome, Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) is nearly unavoidable. Walk down the center of the Piazza S. Pietro and look up. All along the great curving wings of the Piazza’s colonnades stand Bernini’s saints–carved and executed by other sculptors, but envisioned by Bernini. There he is in Piazza Navona, with the Fontana dei Fiumi, or Fountain of the Four Rivers. Those are his angels on the Ponte Sant’Angelo. That playful little elephant bearing an obelisk in front of Santa Maria sopra Minerva? That belongs to him, too. Only by leaving the historic city center can one escape him. Much like Michelangelo, another sculptor turned architect and impresario, Bernini transformed himself from a maker of precious objects to a maestro whose vision re-shaped the city. If Bernini is synonymous with the Baroque, it is due to his success working on this grand scale, shaping and molding the fabric of Rome to suit the dreams and needs of the Church and its princes.

In the fall of 2017, a monographic exhibition on Bernini opened at the Galleria Borghese, curated by Anna Coliva (also director of the Borghese) and Andrea Bacchi (director of the Fondazione Federico Zeri in Bologna). By the curators’ own admission, there has been no shortage of Bernini-related exhibitions in the past decade. So why mount another one? Their rationale is deceptively simple: “We have attempted for the first time to cover Bernini’s whole career,” with the exception, of course, of those site-specific works (fountains, altars, the baldachin in St. Peter’s) that cannot be moved. What this means, in reality, is that the curators have collected an extraordinary range of freestanding works by Bernini and his workshop. The exhibition also includes Bernini’s paintings (seldom exhibited em massa), sculptures by Bernini’s father, Pietro, and preparatory works for monumental commissions like the Four Rivers Fountain.

Gian Lorenzo Bernini, Apollo and Daphne, Galleria Borghese. All photographs by Cynthia Houng

So much has been written on Bernini in recent years that it seems impossible to propose anything new. But the experience of encountering Bernini’s work is always new. Each encounter is a dance, a performance that requires the beholder’s participation. There are no passive audiences here. Bernini’s orchestration of the pilgrim’s approach to St. Peter’s exemplifies the performative, relational nature of his work. As a series of impressions leading the pilgrim out of the quotidian world and into another world altogether, the work is, to use the language of another time, site specific and performative, requiring activation by a participant in order to be complete. The power of the encounter, and the effect of the performance on the participant-beholder–Bernini’s partner, really, in the work–is ecstatic. In Rudolf Wittkower’s evocative description, the performance of approaching St. Peter’s cathedral via the Piazza transports the viewer “beyond the narrow limits of his own existence and be entranced with the causality of an enchanted world.” In St. Peter’s, “the beholder finds himself in a world which he shares with saints and angels, and he is therefore submitted to an extraordinarily powerful experience. A mystery has been given visual shape, and its comprehension rests on an act of emotional participation rather than one of rational interpretation.”

“The challenge that Bernini set himself in his religious architecture,” Fabio Barry argued, “was always to create visions whose credibility depended upon them being experientially fleeting but permanent in the mind. God had created a heaven, but because its unveiling at the end of time was eternally distant yet perpetually imminent, Bernini must create a heaven just for us.” And who wouldn’t want to experience heaven again and again, each time anew? And so both scholars and laypersons find themselves drawn back to Bernini, each return an attempt to parse their own experiences of Bernini’s art.

The Borghese show makes full use of the relational, performative aspects of Bernini’s work. It is an object-oriented show in the fullest sense, all of its arguments and propositions originate in the objects gathered for the exhibition, in the relationships formed between them, and in the possibilities of close observation and comparison. It invites the visitor to participate in a hermeneutics of looking.

The show is both ambitious and ravishing. It makes full use of the Villa Borghese’s fabulous setting, occupying both the ground floor galleries (where Bernini’s Apollo and Daphne has resided since its creation), and the smaller, more intimate rooms on the second floor. The Metropolitan Museum of Art’s 2012 exhibition, “Bernini: Sculpting in Clay,” was a marvel, but the show was installed in the antiseptic Lehman wing. The Met did not have the benefit of the Borghese’s setting, with its sumptuous ornamentation and rich installations of Old Master paintings and Classical sculptures. Though the Borghese was largely redone in the eighteenth century (by the architect Antonio Asprucci, under the patronage of Prince Marcantonio Borghese IV), it had always served as a site for the display of art. These eighteenth-century renovations codified the building’s role as a site for the display of art. In her study of Asprucci’s renovation of the Galleria Borghese, Carole Paul noted that “Asprucci coordinated the decoration of each room to form a sumptuous ensemble unified in form and content, including the statuary.” Asprucci took everything–from the marble floors to the carved cornices–into consideration, creating new juxtapositions between the paintings, sculptures, and their environments. He also shifted Bernini’s statues, David (1623) and Apollo and Daphne (1622-25), from their original seventeenth-century locations. Today, neither sculpture can be viewed as Bernini intended. Though one can no longer see Bernini’s sculptures in their seventeenth-century settings, the richness and intensity of the Borghese’s environment is closer to how these works were meant to be seen than the clean, white galleries of the modern museum. More importantly, the placement of Bernini’s sculptures in the Borghese maintains their connection to the painting of his time, a connection that is particularly important to the argument of the Borghese’s “Bernini” show, which dedicated an entire section to Bernini’s own practice of painting.

Due to its constraints, “Bernini” is more heavily weighted towards the artist’s production for private patrons. However, Bernini’s greatest patron was the Church. As Wittkower noted in his 1955 study of Bernini (the first English-language study of Bernini intended for a broad audience): “it was Bernini’s tremendous achievement in the area of the Vatican that secured his reputation as the first artist of Europe.”

Appropriately, for our secular age, the major patrons of the Bernini exhibition at Villa Borghese were a bank and a fashion house–Intesa Sanpaolo and Fendi. And this is no accident. If, in Bernini’s time, the Church was the greatest orchestrator of spectacle, then commerce must be the Church’s contemporary analogue. We have grown comfortable with the imbrication of aesthetics and capital. We have even come to expect it. When I saw that Fendi sponsored the Borghese’s Bernini show, my first reaction was, “Of course.” Fendi has been funding various cultural initiatives around Rome, where the house has its headquarters, as part of the house’s mandate to invest in the city’s cultural capital. (Fendi also sponsored the restoration of the Trevi Fountain.) My second reaction was to note the exceptionally spectacular quality of the exhibition’s presentation–the display cases, the lighting, the installations, the quality of the fixtures–which matched the quality and finish of those intended for luxury boutiques.

Installation View, Sculptures by Gian Lorenzo and Pietro Bernini, Galleria Borghese

The Borghese’s “Bernini” exhibition presents a narrative weighted towards the earlier stages of Bernini’s long career. This emphasis was dictated, in part, by the show’s constraints: it could rely only on freestanding, movable works to make its arguments, and much of Bernini’s later output can be characterized as site-specific installation work, literally inseparable from its architectural setting. (The Cornaro Chapel is not going anywhere.) Walking through the show, visitors witness how Bernini became Bernini. The show presents some of his earliest works–including collaborations with his father, Pietro as well as early independent works. Pietro Bernini’s sculptures are also part of the Borghese presentation, and through the younger Bernini’s sculptures we witness Gian Lorenzo’s talent unfurling.

Model for the Four Rivers Fountain, Galleria Borghese

Installation view of bozzetti and modelli, Galleria Borghese

More interesting–and startling–is the development of Bernini’s aesthetic, the emergence of a strong and powerful stylistic vision, though again the show references Bernini’s mature works largely through proxies–through sketches and models for large-scale projects such as the Four Rivers Fountain, Cathedra Petri, and Ponte Sant’Angelo. And for almost all of Bernini’s works–even the bozzetti e modelli–there is always the question of authorship, of hands and facture. (The Met show addressed this problem of the “hands” in remarkable, technical detail.) The Borghese show is less interested in these questions. The curators take it as givens that Bernini operated a large workshop, and that he often outsourced work to other sculptors. As Bacchi and Colivo note in the introductory essay, the show aimed for “a direct dialogue with the works,” and many of the objects are on display together for the first time. The two monumental crucifixes have never been gathered in the same space before.

The show also invites viewers to consider different facets of Bernini’s practice in relation to each other. At the Borghese, visitors can view Bernini’s early putti in relation to his classically-inspired sculpture, The Goat Amalthea (an early work dated before 1615, probably made when Bernini was about 16), in relation to his restoration of ancient Roman sculptures–such as his restoration work on the famous Hermaphrodite sculpture, and to the angels and putti that he imagined for the Ponte Sant’Angelo and the Baldachin and Cathedra Petri projects in St. Peter’s cathedral.

A room full of bozzetti, Galleria Borghese

Installation View, Portrait busts and paintings, Galleria Borghese

The portrait busts and paintings, displayed together in one long gallery, form an interesting dialogue. Bernini is not often thought of as a painter. The paintings gathered for this exhibition will probably not elevate him to the pantheon of great painters, but they are very interesting as windows into his creative practice. They also provide us with clues to his relationship with the painting of his time. And the Borghese, with its impressive collection of Old Master paintings–though several of the Borghese’s most important Caravaggio paintings were on loan to the Getty during this show–provided an apt location to think about Bernini’s style and aesthetic in relation to the painting of his time.

Tightly focused on Bernini, this show was both an investigation and a celebration. It is a testament to Bernini’s magnetism as a subject that the wider world seems to pull in and collapse around him. The Roman Baroque narrows down to the Age of Bernini. The show is both spectacular and ravishing, and it reminds us of how far we can go–how much we can do–with an intense focus on the works themselves. It is their world that we wish to enter. And once there, we linger in pleasure.

At the same time, the Borghese show does not present the full breadth of Bernini, the man, or Bernini, the artist. It is a highly specific vision, one that presents him as a great genius, on par with the other “giants” of Italian sculpture named by the show’s curators in their introduction: Donatello, Michelangelo, Canova. Bernini had another side, one not revealed in this show. As Alexander Nagel once pointed out, “Just about everyone who knew him hated him.” He was domineering, violent, and ruthless. He slashed his mistress’s face in anger. One didn’t have to have to know Bernini to loathe him. In his biography of Bernini, Franco Mormando quotes anonymous pasquinades directed at Bernini, critiques affixed by unhappy Romans to the statue of Pasquino in the Piazza di Parione. The expensive transformation of the Piazza Navona by the Pamphilj family–which included the construction of Bernini’s spectacular Four Rivers Fountain (completed in 1651)–elicited such pasquinades as “Dic ut lapides isti panes fiant [Turn these stones into bread]!” Ordinary Romans, tired of poverty and hunger, railed against the Church’s immense expenditures on projects that did not benefit the populace.

Mormando quotes an impressive kaleidoscope of criticisms, describing Bernini as selfish and avaricious, and accusing him of robbing the papal treasury to enrich himself. Mormando cites an avviso from August 30, 1670, blasting Bernini as “the one who instigates popes into useless expenditures in these calamitous times.” By this time, Bernini was a wealthy man. (Pietro da Cortona was one of his few contemporaries who achieved comparable levels of wealth, and Cortona was, by all measures, also not a very nice man.) The construction of the Piazza San Pietro, with its colonnades and statues, cost 1 million scudi, roughly half of the Church’s yearly revenue. For Bernini’s critics, whether or not ordinary Romans enjoyed the aesthetic experiences of encountering the Four Rivers Fountain or progressing through the Piazza San Pietro was beside the point. Aesthetic pleasure provided no relief from poverty: “We don’t want obelisks and fountains it’s bread we want!”

In 2017, Fendi initiated a three-year partnership with the Galleria Borghese, providing support for the establishment of a Caravaggio Research Institute. This description of the partnership between Fendi and the Borghese comes from the press release for the “Caravaggio” exhibition at the Getty Museum: “The partnership between the Galleria Borghese and FENDI is part of a patronage begun by the luxury goods House in 2015, and is based on the company’s belief that beauty must be shared and spread, and that the incomparable richness of the Galleria Borghese, a reflection of the Eternal City, is a powerful, cosmopolitan pathway to promote a refined cultural sensitivity, both contemporary and universal, in the same way that FENDI pursues in its collections a true example of aesthetic research and the absolute sign of ‘Made in Italy.’”

In our time, commerce has replaced the church as art’s great patron. Private sponsorship of public patrimony raises difficult questions–of appropriation, commodification, profit, and control. It pulls the public patrimony into a process where values inherent in the cultural ‘patrimony’ or ‘heritage’–sometimes called ‘heritage values’–are captured, accumulated, and commodified by private entities. The process is widespread enough to merit its own neologism,“heritagization.” And it is almost always twinned with commodification. Salvatore Settis has written and lectured extensively–and passionately–on this subject, arguing that the transformation of cities rich in cultural heritage–such as Venice and Rome–is almost always accompanied by ossification and decline, as the city ceases to be a city for the living and transforms into a museum city, a set piece for the delectation and consumption of tourists. And yet the profits from the heritagization process flow, not to the public, but to the private entities who sponsored–capitalized, really–the process. As Pablo Alonso Gonzalez noted in his study of the heritagization process in Maragateria, Spain, the process can alienate the community from its heritage or patrimony, eliciting resistance and even fury from community members.

The relationship of the past to the present is always tricky, but perhaps exceptionally so in a place like Italy, where the past is all pervasive, where there is so much value to be extracted from the past (via industries like tourism), and where the past weighs heavily upon the present. History can feel, at times, like a straitjacket upon the present, as the city ossifies into an open-air museum. There is the Rome for the past–but where is the Rome for the living?

Fendi is not the only Italian luxury house to invest in Italy’s cultural heritage, in order to capture and accumulate “heritage values.” Tod’s sponsored the restoration of the Colosseum. Bulgari chose to restore the Spanish Steps. Telecom Italia (also known as TIM) is sponsoring the “re-launch” (the verb employed in the press release announcing the project) of the Augustus Mausoleum through its Fondazione TIM. But investment in Italian cultural heritage is not limited to Italian entities. In a 2014 interview with the New York Times, the minister of culture, Dario Franceschini, said, “Our doors are wide open for all the philanthropists and donors who want to tie their name to an Italian monument. We have a long list, as our heritage offers endless options, from small countryside churches to the Colosseum. Just pick.”

Sponsorship isn’t the only mode of privatization. In a 2007 article, Roland Benedikter noted that a set of laws, introduced in 2002, allowed the Italian government to sell objects and monuments “to international investment firms and private investors for amounts that many Italian experts consider well below the median market price.” Benedikter noted that, since 2002, the privatization of Italian cultural heritage has been “the subject of heated public debate [for it] concerns the limits of privatisation, and could lead to a broad new anti‐capitalism movement.” Settis, too, frames his argument in terms of opposition not only to commodification but also to neoliberalism.

One might argue that Bernini would have understood this process–that, perhaps, he would have encouraged and embraced it. After all, only a hair’s breadth separates the tourist from the pilgrim, and Rome made a mint off pilgrims. (Rome continues to make a mint off pilgrims. The 2000 Jubilee drew 35 million visitors to Rome.) But one might also argue that we live in different times, with different ethics and ideals–and the society we wish to live in looks nothing like the one Bernini knew.

Our wishes, though, are not always consonant with our realities. Neoliberalism, globalization, and capitalism have all incited resistance and fury from the people of Rome. I am no expert on the intricacies of Roman or Italian politics, but it would not be an exaggeration to say, given the recent elections, that Italy is in a difficult place. And– Bernini would also have been familiar with this–the fury of the people is neither predictable nor easily channeled. We don’t want obelisks and fountains it’s bread we want.

Or perhaps more pointedly: We don’t want to live among the patrimony of the past. Nor do we want to alienate our heritage to enrich certain select private coffers (does this sound familiar, again?). We want to be able to create a patrimony that we can call our own.

Bernini was on view at the Galleria Borghese in Rome from Nov. 1, 2017 – Feb. 4, 2018. The exhibition was accompanied by a catalogue (available in Italian or English).


Alessandro Borghese Height, Weight, Measurements, Shoe Size, Biography

Alessandro Borghese Height, Weight, Measurements, Shoe Size, Biography. Alessandro Borghese is an Italian Chef and Television Personality. He became popular for hosting various cooking TV shows in Italy as well as Alessandro Borghase 4 Ristoranti, Cucina con Ale and Alessandro Borghese Kitchen Sound. He has worked as a judge for Junior MasterChef Italy.

Alessandro Borghese was born on 19 November 1976 in San Francicso, California, United States of America. His Age is 43 Years Old and Zodiac Sign is Scorpio. Her father named Luigi Borghese and Barbara Bouchet. She has a younger brother Massimiliano Borghese.

Alessandro Borghese got married to Wilma Oliviero on year of 2009. She has two children. She studied from the Rome International School.

Alessandro Borghese height is 6 feet 1 inches tall and her body weight is 79 kilograms. Her hair color dark brown and eye color dark brown.

Alessandro Borghese Personal Information

  • Date Of Birth: 19 November 1976
  • Age: 43 Years Old
  • Birth Place: San Francisco, California, USA
  • Birth Name: Alessandro Borghese
  • Nickname: Alessandro
  • Zodiac Sign: Scorpio
  • Occupation: TV chef.
  • Nationality: Italian
  • Race/Ethnicity: White
  • Religion: Unknown
  • Hair Color: Dark Brown
  • Eye Color: Dark Brown
  • Sexual Orientation: Straight

Alessandro Borghese Body Statistics

  • Weight in Pounds: 174 lbs
  • Weight in Kilogram: 79 kg
  • Height in Feet: 6′ 1½”
  • Height in Meters: 1.87 m
  • Body Build/Type: Average
  • Shoe Size: N/A

Alessandro Borghese Family Details

  • Father: Luigi Borghese (Film producer)
  • Mother: Barbara Bouchet (Actress)
  • Spouse: Spouse: Wilma Oliviero (m. 2009)
  • Children: Arizona Borghese (Daughter), Alexandra Borghese (Daughter)
  • Siblings: Massimiliano Borghese (Younger Brother)

Alessandro Borghese Education

Alessandro Borghese Facts

  • He is the eldest son of actress Barbara Bouchet and Luigi Borghese.
  • He owns a company, AB Il Lusso Della Semplicitá, dedicated to banqueting and catering for major events.
  • He dub Morad Sumar in the animated series Star Wars Rebels

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Revlon sold the successful cosmetics company to Saudi investors in 1991, according to the Los Angeles Times, and Georgette Mosbacher, the former owner of La Prairie, was hired soon-after as its CEO.

Meanwhile, Prince Lorenzo, who in August last year appeared on the UK's 10th season of Celebrity Big Brother, has continued to sell products like his pet line, Royal Treatment, on various Web sites and the Home Shopping Network (HSN ), using his family’s history in his marketing.

Borghese cosmetics: Founded by Princess Marcella Borghese, Prince Lorenzo's grandmother, in 1958 as a subsidiary of Revlon, it was sold in 2000 and Georgette Mosbacher was hired as CEO

Prince Lorenzo launched Royal Treatment in 2002 then in 2008, Lorenzo and his family applied for a trademark for a new line, called Prince Lorenzo Borghese’s La Dolce Vita .

Borghese Inc. filed a complaint against Prince Lorenzo, several members of his family and HSN, claiming the 'defendant’s unauthorized use of the Borghese brand. is likely to cause confusion or mistake.'

Members of the Borghese family filed counterclaims against Borghese Inc., but they were dismissed by a judge earlier this year.

A trial date for the case is expected to be determined after April 15, the deadline for pretrial filings .


Borghese Dancers - History


Neoclassicism and Romanticism

NAPOLEON, THE SUPREME NEOCLASSICAL HERO

General Napoleon Bonaparte was 28 when he first visited David's studio. David regarded him as a hero: when he was in danger because of his friendship with Robespierre, Napoleon offered him a secret hiding place in his encampment in Italy. Seeking to glorify the emperor's image. David painted him crossing the Alps on 20 May 1800. He is depicted against a mountainous background, advancing not on foot but. unrealistically, on horseback. As fiction and reality-merge, he assumes a dramatic, mythical dimension. Napoleon's exploits were documented on canvas by a variety of European artists. His career from general to emperor and king was depicted in larger-than-life historical imagery: he is seen beaten back from the Alps like Hannibal: victorious in Egypt like Caesar and restored as emperor like Charlemagne. For about twenty years, Napoleon, who was neither handsome nor athletic, was wholly transformed by artists into the supreme Neoclassical hero. The entire Bonaparte family was made the subject of work by the great Neoclassical sculptor Antonio Canova (1757�). Napoleon's sister was portrayed as a Roman goddess in Pauline Bonaparte Borgbese as Venus Victorious (1804-05), while his mother, Letizia Ramolino, was the model for a terracotta in the collection at Possagno, Canova's birthplace. The sculptor also created a heroic nude marble statue of Napoleon, endowing him with all the qualities of a Greek god -just as the Romans had portrayed Augustus as divine and the young Marcellus as a 'prince of youth". Titled Napoleon as Mars the Peacemaker, the statue was later duplicated in bronze ( 1811 ).


Roman statue of
Marcus Claudius Marcellus
Musee du Louvre, Paris.
The young nephew and son-in-law of Augustus, who died in 23bc, is portrayed in heroic nude pose as princeps uventutis, the heir apparent of his uncle.


Antonio Canova
Napoleon as Mars the Peacemaker
1803-08
Apsley House, London
Canova's heroic nude, shown advancing victoriously bearing an orb, a sceptre, and the imperial mantle, was not to the emperor's taste.


Antonio Canova
Napoleon as Mars the Peacemaker
1810
Louvre, Paris


Antonio Canova
Pauline Bonaparte as Venus Victorious
1804-1805
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
As três graças
1816
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Venus Italica
1804-12
Pitti Gallery, Florence

The theme of Venus, as a single figure or part of a group, standing erect or reclining, recurs in the work of Canova, who used it to express sensual beauty and divine dignity.

Having completed his early studies between Pagnano, near Asolo, and Venice, Antonio Canova (1757-1822) established his career in Rome in 1779. His commissions alternated between much-admired papal monuments (Clement XIV and Clement XIII) and secular subjects, but he declined invitations to attend the Russian Court, unlike his friend Giacomo Quarenghi, who had gone there in 1779. Canova went to Vienna in 1798 to fulfil a commission for a monument of Maria Christina of Austria for the Augustine Church. In the same year, France made Rome a republic and paid the artist a great tribute by electing him a member of the National Institute and appointing him Inspector General of Antiquities and Fine Arts for the State and Church.
He went to Paris in 1803 to paint Napoleon and plan a colossal statue of the emperor as "Mars the Peacemaker". In 1815, he was asked by the Papal State to recover works of art confiscated by the French. Before his return to Italy, he was invited to London to give his opinion on the authenticity of the Elgin marbles. At the age of 65, he returned to Venice, where he died.


Canova Antonio
b Possagno, nr Treviso, 1 Nov 1757 d Venice, 13 Oct 1822.
Italian sculptor, painter, draughtsman and architect. He was the most innovative and widely acclaimed sculptor of NEO-CLASSICISM.
His development during the 1780s of a new style of revolutionary severity and idealistic purity led many of his contemporaries to prefer his ideal sculptures to such previously universally admired Antique statues as the Medici Vênus and the Farnese Hércules, thus greatly increasing the prestige of ‘modern’ sculpture. He was also much in demand as a portrait sculptor, often combining a classicizing format with a naturalistic presentation of features.



Antonio Canova
Cupid and Psyche
1796
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Danzatrice con dito al mento
1814


Antonio Canova
Dançarino
1812
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
The Repentant Mary Magdalene
1809
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Bust of a Vestal Virgin


Antonio Canova
The Genius of Death
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Nymph


Antonio Canova
Paris
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Helen


Antonio Canova
Hebe
1805
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Cupid and Psyche
1808
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Theseus and Centaur


Antonio Canova
cupido
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Maddalena Penitente
1809
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Dedal and Icarus


Antonio Canova
Caim
1846


Antonio Canova
Orpheus
1770
Hermitage, St Petersburg


Antonio Canova
Apollo crowning himself


Antonio Canova
Perseus with the Head of Medusa
1806
Metropolitan Museum of Art, New York

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The Bachelor Less Italian and Princey Than Originally Thought

Lorenzo Borghese, the latest meat puppet being fought over by 25 single ladies on the new season of The Bachelor, is turning out to be less charming prince and more average Joe (making it the most true-to-life reality show in recent history).

Though 34-year-old "Italian prince" Lorenzo Borghese calls Rome his "second home," a member of the Borghese family tells Radar that Lorenzo never even visited the city before signing on for The Bachelor.

Also being called into question is where Borghese is really from. Though ABC's Web site claims he was born in Milan and raised in Connecticut, his parents, Princess Amanda Borghese e Prince Francesco Borghese, have lived in Short Hills, New Jersey, since 1979, and his permanent addresses prior to 2001 all list him as a resident of the Garden State.

A source tells Radar that after discovering that Borghese speaks only "menu Italian," the show's producers enrolled Borghese in an intensive Italian language course before filming began. (A spokesman for ABC denies knowledge of the course.)

The title is real, though it doesn't translate into a castle and throne (titles haven't even been recognized in Italy since 1947).

The Borghese family is said to be deeply embarrassed by Lorenzo's participation in the show, though his recent foray into the Borghese Cosmetics line hardly bolstered his pedigree.

Lorenzo's contribution to the family business? A line of doggie grooming products called Royal Treatment Pet Care, including the Stinky-B-Gone odor fighting kit, the Pumpkin Patch spritz, and the After Bath Pet Robe. The latest incarnation of The Bachelor premiered last night.

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