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Estatueta de bronze helenística de um jovem etíope

Estatueta de bronze helenística de um jovem etíope


História da Escultura: Estilos Helenístico, Grego e Romano

Assim como as obras-primas dos pintores mudam a cada geração à medida que novos estilos e técnicas são adotados, também são evidentes as mudanças na evolução da imagem escultural e do design, à medida que épocas específicas emprestam suas técnicas e estilos à sua criação. A estátua Kourus, criada no estilo arcaico da Grécia antiga (600 a 480 aC), é um exemplo de um estilo clássico usado inicialmente pelos gregos antigos, que foi fortemente influenciado pelos antigos egípcios, em que a pose frontal egípcia padrão pode ser claramente vista .

A estátua de Laocoonte e seus dois filhos foi criada no estilo do período helenístico, visto pelo movimento melodramático e violento da estátua, um estilo característico deste período particular da história. Da mesma forma, a estátua, Augutus of Prima Porta, é um exemplo de uma estátua criada durante o período romano facilmente identificável devido à iconografia associada à estátua como o poder de Roma encarnado por Augusto como imperador.

Deve-se notar que essas estátuas Kourus realmente proliferaram na Grécia antiga e eram geralmente usadas como um meio de homenagear o Deus Apolo ou como um monumento aos vencedores de jogos específicos. Como tal, de acordo com a antiga tradição grega de competir nus, tais estátuas são sempre retratadas como nuas, a fim de mostrar a & # 8220beleza da forma nua & # 8221, conforme mencionado pelos antigos gregos.

Isso pode ser visto no detalhe atribuído à abertura e musculosidade da peça com grande detalhe sendo enfatizado nas joelheiras e na área das costelas. Diz-se que o Lacoome foi originalmente criado para a casa de um rico romano, provavelmente o próprio Nero, por ter sido encontrado em uma área próxima à Domus Aurea. A inspiração para a estátua veio da história de Lacoome na mitologia grega antiga, que tentou alertar os troianos do perigo do cavalo de Tróia, mas foi posteriormente atacado, junto com seus filhos, por uma serpente enviada por Atena.

Ao contrário do Kourus, que foi criado a partir de uma única peça de mármore ou tipo de pedra, o Laocoonte foi criado com o uso de 7 peças interligadas. Uma maior atenção aos detalhes e realismo pode ser vista nesta estátua em que através da utilização do mármore branco como um meio, a estátua parece quase viva, congelada no tempo, por assim dizer, com uma precisão quase misteriosa em termos de definição da musculatura humana apropriada. Notavelmente, a estátua de Augusto contém várias referências à divindade, conforme visto em várias iconografias, como estar descalço com Cupido em sua perna direita (uma referência sutil à sua conexão com a antiga linhagem cesariana que atribui sua ancestralidade à própria Deusa Vênus).

Ao examinar as estátuas lado a lado, fica claro que cada uma é um produto do período histórico em que foi feita com a semelhança de todas as três sendo construídas em escala.

Cada estátua tem seu próprio estilo distinto anexado a ela, por exemplo, as esculturas helenísticas e gregas arcaicas celebravam a beleza da forma humana, enquanto o estilo distintamente romano da escultura de Augusto enfatizava o uso de realismo semelhante ao estilo helenístico, mas desta vez com túnica nas roupas e com ênfase no uso de determinados tipos de iconografia. Deve-se notar que o Kourus, quando comparado com os outros dois, carece de detalhes, isso se deve ao fato de que foi feito para ser uma representação genérica da juventude grega geral e da virilidade, ao invés de uma pessoa em particular.


O Museu Getty no J. Paul Getty Trust

28 de julho e 1º de novembro de 2015

Getty Center

Boxeador sentado, “The Terme Boxer” (detalhe), 300-200 a.C., bronze e cobre. Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme, Roma. Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali and del turismo - Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma.

Retrato de Aule Meteli, “O Arringatore”, 125-100 a.C., bronze e cobre. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Herm de Dioniso, 200-100 a.C., Atribuído à Oficina de Boëthos de Kalchedon, bronze, cobre e pedra. Museu J. Paul Getty

Alexandre o Grande a Cavalo, 100-1 a.C., bronze e prata. Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali and del Turismo — Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli. Foto Giorgio Albano

Cabeça de cavalo, “O cavalo Medici Riccardi”, cerca de 350 a.C., bronze e ouro. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana). Foto: Antonio Quattrone

Retrato de Seuthes III, cerca de 310-300 a.C., bronze, cobre, calcita, alabastro e vidro. Instituto Nacional de Arqueologia com Museu, BAS. Foto: Krasimir Georgiev

Retrato de homem, 300-200 a.C., bronze, cobre, vidro e pedra. Ministério da Cultura, Educação e Assuntos Religiosos da Grécia. O Museu Arqueológico de Kalymnos. Imagem © Ministério Helênico da Cultura e Esportes / Fundo para Receitas Arqueológicas

Eros adormecido, 300-100 a.C., bronze (com uma base de mármore moderna). Museu Metropolitano de Arte, Rogers Fund, 1943 (43.11.4). Imagem © The Metropolitan Museum of Art / Scala, Firenze

Atleta Vitorioso, “The Getty Bronze”, 300-100 a.C., bronze e cobre. Museu J. Paul Getty

Herakles cansado, 1-100 d.C., bronze, cobre e prata. Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj. Su gentile concessione della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici dell'Abruzzo: Soprintendenza per i Beni Archeologici dell'Abruzzo — Chieti

Boxeador sentado, “The Terme Boxer”, 300–200 a.C., bronze e cobre. Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme, Roma. Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali and del turismo - Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma. Foto © Vanni Archive / Art Resource, vista da Galeria NY, da esquerda para a direita: Atleta Vitorioso, 300-100 a.C. (Museu J. Paul Getty) Herakles cansado, A.D. 1-100. (Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj) Boxeador sentado, 300-200 A.C. (Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme, Roma)

Chefe da Apollo, 50 a.C.- 50 d.C., bronze. A Província de Salerno - Setor de Museus. Archivio Fotografico del Settore Musei e Biblioteche della Provincia di Salerno - Foto Gaetano Guida

Cabeça de Deus ou Poeta, 100-1 a.C., bronze. O Museu de Belas Artes de Houston. Compra do museu financiada por Isabel B. e Wallace S. Wilson

Visualização de galeria, da esquerda para a direita: Chefe de um Atleta, 200-1 a.C. (Museu de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas) Atleta, A.D. 1-90 (Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung) Atleta, 100-1 a.C. (República da Croácia, Ministério da Cultura)

Retrato de um Poeta, “The Arundel Head”, 200-1 a.C., bronze e cobre. Imagem cortesia de e © os curadores do Museu Britânico

Visualização de galeria, da esquerda para a direita: Apollo, 120-100 a.C. (Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris) Apollo, 100 A.C.-A.D. 79 (Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Pompei, Ercolano e Stabia) Torso de um jovem, 200-100 a.C. (Museu Nacional da Geórgia, Museu Arqueológico de Vani-Reserva)

Juventude, “O Idolino”, cerca de 30 a.C., bronze, cobre e chumbo. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Boxeador sentado, “The Terme Boxer” (detalhe), 300-200 a.C., bronze e cobre. Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme, Roma. Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali and del turismo - Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma.

Retrato de Aule Meteli, “O Arringatore”, 125-100 a.C., bronze e cobre. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)

Herm de Dioniso, 200-100 a.C., Atribuído à Oficina de Boëthos de Kalchedon, bronze, cobre e pedra. Museu J. Paul Getty

Alexandre o Grande a Cavalo, 100-1 a.C., bronze e prata. Su concessione del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali and del Turismo — Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli. Foto Giorgio Albano

Cabeça de cavalo, “O cavalo Medici Riccardi”, cerca de 350 a.C., bronze e ouro. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana). Foto: Antonio Quattrone

Retrato de Seuthes III, cerca de 310-300 a.C., bronze, cobre, calcita, alabastro e vidro. Instituto Nacional de Arqueologia com Museu, BAS. Foto: Krasimir Georgiev

Retrato de homem, 300-200 a.C., bronze, cobre, vidro e pedra. Ministério da Cultura, Educação e Assuntos Religiosos da Grécia. O Museu Arqueológico de Kalymnos. Imagem © Ministério Helênico da Cultura e Esportes / Fundo para Receitas Arqueológicas

Eros adormecido, 300-100 a.C., bronze (com uma base de mármore moderna). Museu Metropolitano de Arte, Rogers Fund, 1943 (43.11.4). Imagem © The Metropolitan Museum of Art / Scala, Firenze

Atleta Vitorioso, “The Getty Bronze”, 300-100 a.C., bronze e cobre. Museu J. Paul Getty

Herakles cansado, 1-100 d.C., bronze, cobre e prata. Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj. Su gentile concessione della Direzione Regionale per i Beni Culturali e Paesaggistici dell'Abruzzo: Soprintendenza per i Beni Archeologici dell'Abruzzo — Chieti

Boxeador sentado, “The Terme Boxer”, 300–200 a.C., bronze e cobre. Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme, Roma. Su concessione del Ministero dei beni e delle attività culturali and del turismo - Soprintendenza Speciale per il Colosseo, il Museo Nazionale Romano e l’area archeologica di Roma. Foto © Vanni Archive / Art Resource, vista da Galeria NY, da esquerda para a direita: Atleta Vitorioso, 300-100 a.C. (Museu J. Paul Getty) Herakles cansado, A.D. 1-100. (Museo Archeologico Nazionale dell’Abruzzo Villa Frigerj) Boxeador sentado, 300-200 A.C. (Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme, Roma)

Chefe da Apollo, 50 a.C.- 50 d.C., bronze. A Província de Salerno - Setor de Museus. Archivio Fotografico del Settore Musei e Biblioteche della Provincia di Salerno - Foto Gaetano Guida

Cabeça de Deus ou Poeta, 100-1 a.C., bronze. O Museu de Belas Artes de Houston. Compra do museu financiada por Isabel B. e Wallace S. Wilson

Visualização de galeria, da esquerda para a direita: Chefe de um Atleta, 200-1 a.C. (Museu de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas) Atleta, A.D. 1-90 (Kunsthistorisches Museum Wien, Antikensammlung) Atleta, 100-1 a.C. (República da Croácia, Ministério da Cultura)

Retrato de um Poeta, “The Arundel Head”, 200-1 a.C., bronze e cobre. Imagem cortesia de e © os curadores do Museu Britânico

Visualização de galeria, da esquerda para a direita: Apollo, 120-100 a.C. (Musée du Louvre, Département des antiquités grecques, étrusques et romaines, Paris) Apollo, 100 A.C.-A.D. 79 (Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Pompei, Ercolano e Stabia) Torso de um jovem, 200-100 a.C. (Museu Nacional da Geórgia, Museu Arqueológico de Vani-Reserva)

Juventude, “O Idolino”, cerca de 30 a.C., bronze, cobre e chumbo. Museo Archeologico Nazionale, Firenze (Soprintendenza per i Beni Archeologici della Toscana)


‘Poder e Pathos’: Bronzes Helenísticos como Realismo na Carne

WASHINGTON - No ano passado, a escultura helenística da Grécia antiga recebeu um grande impulso em status e visibilidade. O instrumento de mudança é “Poder e Pathos: Escultura de Bronze do Mundo Helenístico”, uma exposição fascinante que apresenta mais de 40 figuras e cabeças de bronze em tamanho natural. Depois de paradas no Palazzo Strozzi em Florença e no J. Paul Getty Museum em Los Angeles, ele fará sua apresentação de despedida na National Gallery of Art aqui.

Como costumavam ser derretidas por causa do metal, as esculturas de bronze têm uma taxa de sobrevivência muito baixa. Dos milhares de bronzes produzidos durante a era helenística, não se sabe da existência de mais do que cerca de 200. Esta exposição é rara por reunir tantos exemplares de alta qualidade. Muitos nunca foram exibidos nos Estados Unidos e vários são descobertas recentes.

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A mostra se propõe a revisar a visão de que a escultura do período helenístico representou um declínio em relação às esculturas gregas idealizadas de deuses, heróis e atletas da era clássica (séculos V e IV a.C.). Essa é a visão que lembro dos cursos de história da arte da faculdade, onde o proto-barroco Laocoön, com suas figuras se contorcendo, expressões angustiadas e serpentes assassinas, era citado como um sinal de decadência.

A era helenística era muito diferente da era clássica. Foi moldado principalmente por Alexandre, o Grande, cujas conquistas destruíram a concentração geográfica da era clássica, que se concentrava em Atenas. Por ocasião de sua morte em 323 a.C. na Babilônia, Alexandre deixou para trás o maior império que o mundo já conheceu e espalhou a cultura grega por meio mundo. Esta exposição inclui obras descobertas no Iêmen, no leste da Geórgia e no mar da Tunísia. O ano da morte de Alexandre é considerado o início da era helenística. Sua conclusão é geralmente colocada em 31 a.C., quando Otaviano derrotou Marco Antônio e Cleópatra em Ácio, ou no ano seguinte, quando os romanos conquistaram o Egito.

Esta mostra nos lembra que a escultura helenística fluiu do clássico e fez bem em sua obsessão de longa data com o rosto e a forma humana. Mas fez isso principalmente moderando a idealização clássica com um realismo sem precedentes e, acima de tudo, descobrindo como fazer com que os exteriores de esculturas e cabeças transmitam um sentido de experiência vivida, isto é, pathos. Em contraste com a estilização das esculturas clássicas - bem como da arte egípcia - os escultores helenísticos lançaram as bases do retrato que permanecem pertinentes.

O bronze, que poderia ser trabalhado com mais detalhes do que o mármore, era o material preferido para a inovação helenística. Como o catálogo do programa mostra, o meio também criou um envolvimento diferente e mais visceral. Sentimos o vazio da escultura de bronze em tamanho natural como semelhante ao nosso próprio corpo e compreendemos seu metal fino como uma espécie de pele. Figuras de bronze podiam ser feitas para sugerir a leveza de corpos e movimentos reais de uma forma silenciosa, o mármore sólido não poderia.

Outro fator que puxou a escultura helenística para o retrato foi a necessidade de representar governantes, uma convenção ricamente reforçada, senão instigada por Alexandre, que erguia monumentos para si mesmo em todos os lugares que ia. Seu escultor da corte, Lysippos, é creditado com um retrato do imperador como forte, ágil e barbeado com cabelos esvoaçantes. Nenhuma de suas estátuas sobreviveu, mas foram amplamente copiadas, estabelecendo o padrão para retratos de grandes homens nos séculos vindouros. Uma base de calcário para escultura assinada por Lysippos está na primeira galeria da mostra. Uma cópia de meio tamanho de sua representação do carismático Alexandre em um cavalo empinado saúda você na segunda galeria.

É o surgimento do realismo que torna este show tão impressionante. Muito do que vemos aqui não havia sido retratado em escultura antes. Isso é verdade tanto para a faixa finamente tecida sob a aba de um chapéu em forma de boina na cabeça de um homem quanto para a testa franzida, os lábios entreabertos, as sobrancelhas incisadas e a barba encaracolada que contribuem para sua expressão de concentração ansiosa. Também é verdade para o "Eros adormecido", que radicalmente reimaginou Eros como uma criança cochilando em vez de um jovem errante, preparando o cenário para os esquadrões de putti alados renascentistas e cupidos que viriam.

O realismo determinado das esculturas helenísticas é realmente estabelecido na terceira galeria por um retrato gigantesco de Aule Meteli, um diplomata etrusco e líder militar com um rosto cansado do mundo. Seu braço está levantado no modo “amigos, romanos, conterrâneos” de um orador experiente.

Ele é flanqueado pelas cabeças igualmente dignas e detalhadas de dois outros líderes e supervisionado por uma pequena estatueta impressionante de um artesão, embora tenha sido argumentado que ele pode ser um deus. Seja ele quem for, perdeu uma perna e um braço e há a sugestão na posição do ombro truncado de que tinha uma muleta. O livro primoroso enfiado em seu cinto com nós sugere que seu trabalho não era manual, mas o que realmente nos prende é sua expressão. Velho e careca, ele inclina a cabeça para baixo e para a esquerda e olha fixamente para a meia distância, parecendo taciturno.

Há um olhar semelhante no rosto de um retrato de um menino na galeria ao lado, que se envolve com tanta força em sua capa que parece se inclinar para trás defensivamente. Pensa-se que foi feito como monumento funerário.

O show tem sido um pouco diferente a cada parada, com peças importantes indo e vindo. O que falta na versão de Washington é a comovente “Estátua de um Boxeador Sentado”, também conhecido como o Boxer Terme, que foi inesperadamente chamado de volta a Roma para o Jubileu Papal. Um antigo bronze helenístico em tamanho natural (século III a.C.) desenterrado em Roma em 1885, que retrata um homem musculoso e visivelmente maltratado, cotovelos apoiados nos joelhos, olhando cansado por cima do ombro. A fusão do trabalho das realidades físicas e psíquicas é tão profunda que pode chocar até hoje.

Jens M. Daehner e Kenneth Lapatin, os curadores de antiguidades do Getty e os organizadores do show, encontraram substituições significativas, senão equivalentes. Isso inclui um corredor masculino em tamanho real mostrado no meio do passo e uma figura ligeiramente menor que o real de Minerva, notável especialmente pela indicação do vento soprando e achatando suas roupas. A estilização da figura de Minerva traz à mente a do escultor americano do século 20 Paul Manship, estabelecendo que o helenístico é uma categoria um tanto fluida.

Outra adição é o “Fauno Dançante (Pan),” uma figura de pés leves com braços levantados, uma cauda enrolada, chifres, cabelos exuberantes e uma coroa de bolotas de tamanho grande. A descrição do rótulo de que ele está estalando os dedos dá uma clareza emocionante à posição delicada de suas mãos. Assim como o Boxer, o Fauno é incrível por estar completamente intacto. Ao contrário do Boxer, ele pode reviver pensamentos sobre a reputação da escultura helenística por exibições impressionantes de habilidade exagerada como o "Laocoön".

O Terme Boxer torna surpreendentemente claro quão pouco a escultura realista conseguiu desde este nível profundo e holístico de verdade.A conclusão desse show, mesmo sem o Boxer, é que os artistas helenísticos não deixaram muito que fazer aos escultores realistas do futuro e que virtualmente ninguém depois deles usou a habilidade do bronze para conjurar a pele - e os estados emocionais contidos nela - para um melhor efeito. Ao todo, esta é uma das melhores exposições de escultura que você pode ver.


Variedade Helenística

A era helenística é caracterizada pela disseminação da influência grega após a morte de Alexandre, o Grande. Os artistas foram além das imagens do ideal e, em vez disso, representaram uma gama maior de assuntos. No entanto, não existe um estilo único que reúna os trabalhos desta época. Descreva como a arte helenística pode ser considerada mais individualista e diversa do que a arte grega clássica?

Onde a arte grega clássica teve um grande influxo de designs de contrapposto e "proporção de prata", a era helenística quase completamente mudou a partir desses conceitos (embora tenham se baseado neles). Não há nada ligando esta era da arte & # 8211, vemos deuses e deusas representados tão bem quanto o homem, e nenhum deles tem uma linha verdadeira de conexão entre todos eles. As duas grandes esculturas masculinas que vemos no Período Helenístico são Pergamon e The Laocoon & # 8211, ambas com dor. No entanto, Pergamon, o trompetista gaulês moribundo, carece do "corpo ideal" visto em obras anteriores do período clássico. As esculturas de Laocoonte e Seus Filhos têm corpos idealizados, mas estão na pose única de serem estranguladas por uma única cobra muito grande.

Há a estátua de Eros adormecido, que é a mais original desta época & # 8211, representando o pequeno deus rechonchudo em uma posição adormecida. A Nike de Samotrácia e Afrodite de Melos são semelhantes no efeito de que estão em um contrapposto, mas com as pernas esquerdas em vez da direita. Assim, com todos esses aspectos únicos, faz muito sentido que a arte helenística seja considerada mais individualista do que a arte grega clássica.

Lucas & # 8211 Concordo que vemos uma variedade nos indivíduos escolhidos para serem retratados e que há variedade em sua aparência. O cupido adormecido é um grande exemplo disso, é muito diferente da arte que notamos no período clássico. Obrigado por este post!

Uau, Lucas, não poderia concordar mais com você. Acho que a arte avançou no período helenístico. A arte foi construída sobre os fundamentos e técnicas do período clássico grego. O período helenístico não teria existido sem os artistas clássicos criando a base.

A arte helenística é certamente mais ampla no assunto que cobre quando comparada com o período do grego clássico. Ainda temos o estudo do corpo humano, mas a área de estudo inclui indivíduos, bebês e uma mulher idosa. Os personagens retratados têm características exclusivas de seus corpos individuais. O bebê, querubim, Eros Adormecido, apresenta-se com a pele arredondada e macia, como a de um bebê. Suas expressões duplicam as de uma criança dormindo. O material da aula afirma que ele foi criado por um escultor grego e reproduzido em muitas variações. “Tantas variações que acreditamos que foi um dos motivos mais populares nos tempos antigos. & # 8217 Também é mencionado que no final do período helenístico a civilização grega foi conquistada pelos romanos. Ele descreve como escultores gregos foram utilizados para produzir arte para os romanos. Isso certamente teria diversificado a forma de arte helenística em todo o Mediterrâneo. Os artistas podem ter se baseado na forma e estrutura helenística, mas a forma de arte foi modificada pelo uso de diferentes materiais artísticos, interpretações artísticas e culturas. Não há mais um tema central baseado apenas na religião e nos deuses. Há um novo ideal estabelecido, baseado na forma humana.

Bob & # 8211, você fez uma observação excelente sobre as influências dos romanos que assumiram o controle antes do período helenístico. Concordo plenamente com você que existe uma grande diversidade nos vários seres humanos escolhidos para representação na arte. Parece que o período helenístico se concentra mais na diversidade da beleza, que pode ser capturada por meio das emoções.

Bob, achei que você tivesse muitos exemplos excelentes. Talvez dê mais detalhes sobre as diferenças das duas eras. Acho que você falou principalmente sobre a arte helenística e realmente não comparou as duas. No geral, porém, acredito que você fez um ótimo post e receba exemplos.

Acho que, no geral, na arte da Grécia Antiga, vemos uma atenção muito mais detalhada ao corpo humano em seu estado natural. Mas ainda mais durante a era helenística. Enquanto na era clássica parece que o corpo humano e a beleza eram mais generalizados, e há mais foco no status do indivíduo que leva à beleza, a era helenística se concentra mais no indivíduo como tendo beleza em seu próprio sentido. Por exemplo, se olharmos para a AFRODITE DE KNIDOS DE PRAXITELES ou para o GRAVE STELE DE HEGESO, essas duas representações de mulheres parecem muito semelhantes, embora uma seja uma deusa e a outra seja humana. As representações parecem colocar o foco no significado da representação. Enquanto na era helenística, vemos o gaulês um bárbaro e um pai com seus dois filhos que estão sendo massacrados pelos deuses, estes não pareceriam indivíduos significativos ou importantes, mas há muitos detalhes colocados nas representações de sua beleza individual .

Eu diria até que na era helenística vemos mais variedade na pose do corpo humano, como se fosse captado em breves momentos. A era clássica parece ser mais modesta, colocando o corpo humano em poses de reflexão e consideração, enquanto a era helenística está capturando emoções na pose. Nesse sentido, eu diria que a era helenística está colocando mais ênfase no individualismo.

Re: Miranda
Eu concordo completamente com você. Você faz alguns pontos importantes sobre o individualismo da arte da era & # 8217. Eles começam a avançar nas progressões clássicas da forma humana, mudando de estátuas em contrapposto para poses mais elaboradas. É fascinante ver como ele evolui!

Gostei do que você disse sobre representar o corpo do indivíduo em seu estado natural. Mesmo indivíduos que provavelmente não seriam considerados & # 8216importantes & # 8217 na sociedade foram celebrados e bem representados. E você está tão certo sobre capturar momentos em vez de capturar contemplação! Muitas das esculturas estão em movimento. É um instantâneo de um momento que quase não pôde ser recriado! Acho esse tipo de perspectiva tão interessante e até profundo.

A arte desse período se concentra menos em deuses e deusas e mais em pessoas individualmente. Obras como The Old Woman não representam uma versão idealizada de uma pessoa, focando em vez disso na dureza do envelhecimento e no preço que uma vida longa representa para uma pessoa. Essa mulher pode ter sido uma seguidora de Dioniso, e as festas são evidentes em sua época. Sleeping Eros retrata Eros (deus do amor) enquanto dorme, afastando-se das imagens de deuses fortes e imbatíveis para imagens mais humanas.
Essa gama de assuntos na arte helenística fornece à época sua diversidade e individualismo. Como o corpo humano foi formado na arte clássica
foi mais evoluído do que eras passadas, mas a arte helenística avançou o estilo e tornou-se mais livre, como desde A velha e Eros adormecido. O movimento dos corpos é mais natural, fluido e criativo.

Laura-
Acho legal que você tenha dito que a Velha pode ter sido uma seguidora de Dioniso. Acho que isso mostra o que torna a arte desse período & # 8217 tão grande. A individualidade das esculturas realmente faz o espectador pensar.

Uma das grandes coisas sobre a arte é quando ela deixa espaço aberto para a interpretação do espectador e acho que é exatamente isso que a estátua da velha faz. Poderia ser a avó do artista ou algo parecido que foi mencionado antes que pudesse ter sido um & # 8220 jovem & # 8221 seguidor de Dionísio que absorveu um pouco ou muito o estilo de vida. De qualquer forma, é uma bela obra de arte a ser apreciada e comentado nos próximos anos.

Sempre tive curiosidade de saber por que Eros é um querubim. É porque os bebês são mais corporificados e apaixonados? Eros e cupido me parecem estranhos! Mas eu concordo que eles são mais interessantes e diferentes do que a divindade grega uniforme usual.

Gosto da sua explicação Laura. Eu também acho que talvez uma mudança da estética inicial para uma beleza mais profunda arredondada pela emoção, sentimento e enredo acrescente à riqueza e individualidade do período helenístico.

Antes do período helenístico, os gregos realmente se concentravam apenas em criar esculturas de corpos idealizados em seus primórdios, e muitos deles pareciam iguais. Durante o período helenístico, no entanto, as pessoas começaram a se ramificar e criar esculturas de pessoas mais exclusivas. A velha é a representação de uma pessoa que já passou da idade, o que realmente não tinha sido feito antes desse período. Proporções perfeitas eram menos importantes e as coisas que tornavam as pessoas únicas eram celebradas. Isso levou a uma arte realmente incrível que celebrava a individualidade.

Acho que a arte helenística pode ser considerada mais individualista e diversa do que a arte grega clássica, uma vez que vai além de um homem jovem perfeitamente esculpido e mostra coisas mais diversas, ou seja, mostra uma mulher velha, crianças e não formas masculinas perfeitas. Este período de tempo também incluiu algumas cenas caseiras comuns com famílias contratando artistas para esculpirem suas casas. Existem também muitos exemplos dos deuses Afrodite e Dionísio na arte helenística, bem como uma grande ênfase na arquitetura e nas pinturas. Ao pesquisar este período de tempo, li sobre como a arquitetura durante este período de tempo muitas vezes tinha casas simples sem janelas para que pudessem manter a privacidade nas casas. Parece muito irônico para mim que uma casa não possa ter uma janela, de modo que todas as atividades domésticas sejam privadas e, ainda assim, toda a arte mostra nudez importante e exemplifica partes do corpo privadas que a maioria das pessoas consideraria "privadas & # 8217.

Ei Valene,
Acho que você está absolutamente certo de que a arte helenística é mais diversa e individualista do que a arte grega clássica. Embora vejamos algumas imagens & # 8216perfeitas & # 8217, muitas coisas diferentes acontecem na escultura da velha, bem como nas crianças e outras estátuas masculinas que você mencionou. Eu concordo com seu ponto sobre a ironia entre querer privacidade, mas a saturação de esculturas nuas & # 8211 é um tanto engraçado. Eu não tinha lido sobre essa arquitetura dessa época, então é bom ver a sua opinião! Ótimo post.

A era helenística é caracterizada pela disseminação da influência grega após a morte de Alexandre, o Grande. Os artistas foram além das imagens do ideal e, em vez disso, representaram uma gama maior de assuntos. No entanto, não existe um estilo único que reúna os trabalhos desta época. Descreva como a arte helenística pode ser considerada mais individualista e diversa do que a arte grega clássica?

Prefiro apreciar as qualidades individualistas da arte helenística. Podemos ver a diversidade se aprofundar da arte grega clássica. A velha, por exemplo, tem uma postura curvada e um rosto magro, embora ainda seja uma bela obra de arte. Também aprecio a postura mais orgânica das estátuas durante esse tempo, como em O NIQUE DE SAMOTHRACE, e um exemplo ainda mais extremo em LAOCOÃ – N E SEUS FILHOS. Seus corpos não são rígidos, eles não são estáveis, eles têm uma forma muito mais livre. O assunto era mais diversificado, as atividades dos sujeitos eram mais amplas, da agonia ao relaxamento completo. Este é um momento que realmente parece empurrar o conforto do espectador, ampliando as fronteiras dos artistas.

Para Lacey Miller
O que você acha que fez com que os gregos mudassem seu estilo cultural de períodos anteriores? Você acha que eles evoluíram por conta própria ou foram outros fatores envolvidos?

Valene- Um boato engraçado sobre as casas deles não terem janelas. Eu me pergunto se isso era mais para proteção do que privacidade & # 8230? De qualquer forma, interessante.

Para Lacey, de acordo com o artigo sobre as janelas, eles afirmaram que era para privacidade, mas fazer sentido para proteção. Parecia engraçado para uma cultura que idealizava o corpo nu não ter janelas em suas casas. Eu entendo que talvez a sociedade goste de nudez na arte, mas uma casa significa privacidade para tudo, não apenas nudez.

Durante o período clássico na cultura grega, eles estavam desenvolvendo sua padronização de material cultural. Com o crescimento do grego neste período, sua civilização se tornou mais complexa. Estabelecendo maiores rotas de comércio, resultando no intercâmbio de estilos culturais que conhecemos como período helenístico. ‘O Laocoonte e seus filhos’ é uma mistura excepcional dos estilos romano e grego. Os coreanos gregos influenciaram a musculatura perfeita do corpo contra os romanos que influenciam as emoções realistas e os movimentos corporais. À medida que as civilizações se tornam mais desenvolvidas, novos fatores aumentam a influência. Eventualmente mudando a padronização grega de seu estilo em uma generalização de outras culturas sendo adicionadas, criando uma variedade de obras de arte sendo feitas. Isso continuou até os dias atuais, muito da cultura grega influenciou a arquitetura moderna em suas obras de arte.

Durante este período, vimos uma gama mais diversificada de arte produzida, em termos de afastamento dos ideais anteriores dos gregos para uma representação mais ampla de humanos e deuses. Produziu-se arte de pessoas mais velhas, pessoas mais jovens e bebês. A arte produzida por deuses variava muito, em termos de poses representadas e figuras exibidas. O assunto da arte variava muito, produzindo uma coleção de peças rica e cheia de nuances. A arte helenística é de fato mais diversa do que a dos gregos, que retratava um ideal consistente, muitas vezes em poses semelhantes.

O que me impressiona sobre a arte helenística versus arte clássica é o quanto mais emoção é mostrada nas estátuas. A angústia em particular é enfatizada e os personagens vão muito além do contrapposto. O Laocoon é uma das minhas peças de arte favoritas de todos os tempos. Por alguma razão, gosto da maneira como a cobra está lutando contra os três ao mesmo tempo, parece muito excessivo. Esse excesso é um aspecto de toda a arte helenística que é muito mais original e se destaca, enquanto a ênfase clássica na proporção uniformizava tudo. Eu me pergunto se as divindades que os gregos estavam adorando mudaram durante este período de tempo para refletir a mudança nos gostos artísticos & # 8211 uma pergunta para os historiadores!

Concordo que mais emoção está sendo mostrada nas artes no período helenístico. Tudo parece mais realista e comparável à vida real quando há emoção verdadeira sendo mostrada. A ideia de que mulheres exibindo suas rugas e imperfeições & # 8220 ideais & # 8221 sendo mostradas também ajuda a trazer realidade a esse período.

Gabe, eu sinto o mesmo! Acho a emoção e a humanidade da arte helenística muito mais comoventes e atraentes.

A arte helenística parece exibir mais obras e emoções variadas do que a arte clássica grega - a agonia e a dor vistas em O Laocoonte são muito diferentes das emoções exibidas nas esculturas clássicas do período. Embora o período clássico seja mais variado do que o período arcaico na expressão facial, o período helenístico exibe dor, sono, velhice e derrota (Gália moribunda). Parece que eles queriam mostrar mais complexidade e variação, chegando ao ponto de esculpir seus inimigos porque admiram sua bravura. É muito mais genuíno e individualista do que as idades anteriores & # 8211 menos estruturado do que o do período clássico.

Jessi,
Bom destaque quando você disse que o período helenístico era mais sobre as emoções. Como você apontou que parte da arte estava exibindo dor, derrota, sono e velhice. Isso me leva de volta ao artigo que li que dizia que o Eros era uma visão do amor, porém o artista, mas na forma de uma criança vs uma forma diferente, como com um casal. Posso ver por que fizeram isso e como uma criança pode representar o amor.

Jessi, genuíno é uma ótima maneira de descrever a obra de arte helenística. Eles definitivamente mostraram sua admiração e apreço por um número maior de aspectos da vida em cada peça do que os artistas fizeram na era clássica.

A arte helenística mostra empatia por seus inimigos. Interessante que sentissem admiração e empatia pelos gauleses, porque depois que a Grécia foi conquistada pelos romanos, Roma caiu nas mãos dos gauleses. Os romanos quase não resistiram, nem mesmo postando sentinelas fora das muralhas da cidade. Cidadãos romanos importantes, como cultos de virgens e políticos, fugiram para outras cidades, enquanto os idosos foram deixados para trás para morrer. Antes do saque de Roma, o Império Romano estava sofrendo uma crise econômica & # 8211, talvez por causa da expansão do império muito rapidamente ao conquistar a Grécia. Eu li em algum lugar, mas não consigo encontrar novamente, que Roma estava tão indefesa porque eles não podiam pagar seus soldados. De qualquer forma, não sinta empatia pelos bárbaros.

Mais tarde, Roma caiu novamente para os visigodos alemães, mais bárbaros.

RE: Gabe
Eu concordo & # 8211 que as emoções são muito mais vívidas na arte helenística. O Laocoonte com sua cobra é único em si mesmo, não vemos muitas criaturas nos períodos anteriores! Eu amo essa peça também. Eu penso muito no Gália Moribundo, como sua angústia é tão imensa, mas ele é idealizado por seu inimigo na escultura. Isso mostra quanto respeito eles tinham.

Jessi, você está certo ao dizer que os artistas desse período começaram a & # 8220a quebrar o molde & # 8221 dos períodos anteriores e a começar a pensar em termos de arte e menos em termos de função. Em tempos anteriores, parecia que eles estavam fazendo arte para apaziguar e honrar seus deuses. Começando no período helenístico, parece que estamos usando a arte para homenagear outras coisas como a idade e seus inimigos.

RE: Maggie May
Sim, é menos consistente do que no período clássico. Eu realmente gosto da estátua da velha, é tão única e diferente do que estamos acostumados quando pensamos em arte grega e romana. Acho que seria ótimo se a sociedade moderna pegasse uma página deste livro e visse a beleza na velhice, ou qualquer outra falha nesse sentido!

Uma coisa que me impressiona sobre o período helenístico da arte é o movimento ainda mais profundo no humanismo. Os deuses representados são mais parecidos com os humanos, no caso de “Eros Adormecido & # 8217, vemos um deus, em um ideal muito mais humano. Os deuses não são vistos dormindo, muito menos em uma forma mais humana com o rechonchudo e fofinho de uma criança. As formas humanas que vemos não são tão idealizadas, pois têm uma aparência muito mais natural e real. Isso se presta a uma representação mais individualista. Além disso, a quantidade de emoção que é mostrada e o fato de que vemos medo e dor é uma representação muito mais diversa da vida humana da arte grega clássica anterior.

RE: Tamara Toy
Tamara,
Excelente postagem sobre o período helenístico. Gostei de como você incluiu exemplos desta semana em sua postagem.É muito interessante ver que os deuses estavam se tornando mais parecidos com os humanos e que os corpos no período helenístico não eram tão perfeitos e ideais como no período clássico.

O período helenístico foi uma época de individualismo à medida que os artistas começaram a se aventurar em novas poses, situações e emoções para ampliar seus horizontes. Isso resultou em uma grande variedade de esculturas, variando de jovens a velhos, ideais e não, humanos e deuses, e realistas e fictícios. Um exemplo disso é a estátua de Eros adormecido, uma de uma criança com uma forma realista baseada na observação. Outro é o Trompetista Gaulês Moribundo, outra escultura não ideal que se inclina mais para a expressão da emoção crua e do realismo (veja o detalhe de seus pés!). Deuses também foram representados, sendo um deles minha peça de arte favorita de todos os tempos, Nike de Samotrácia (veja como seu tecido parece macio! Suas asas!) Com belos detalhes, embora também sem realismo. O idealismo se mostra ainda presente na estátua de Laocoonte e seus filhos, enquanto seus filhos têm cerca de metade de sua altura, mostrando sua juventude, ao mesmo tempo que mantêm o físico de um homem adulto ideal. Esta escultura também mostra o poder das emoções representadas, bem como detalhes incríveis nas figuras, bem como nos tecidos, enquanto a serpente carece de muitos recursos realistas. Este período empresta a muitas belas obras de arte apresentando uma grande variedade de expressões individualistas.

Mbsimington, adorei sua apreciação pelos detalhes do tecido e das asas da Nike! A enorme atenção que colocam nos pequenos detalhes de cada pessoa realmente faz com que cada peça se destaque mais do que em épocas anteriores.

À medida que os gregos se movem do início do período clássico para o final do período clássico, vemos uma mudança no que é idealizado na forma humana. Em “Kritios Boy & # 8217, vemos a forma simétrica de um jovem em seu auge. No final do período clássico, vemos essa mudança em “Apoxyomemos & # 8217, ainda vemos um homem em sua melhor forma física, mas agora a representação é mais realista e menos idealizada. É muito parecido com a forma como o ideal moderno mudou ao longo do tempo. O ideal dos anos 40 e 50 agora seria considerado obeso em comparação com o photoshop e as imagens digitais de retoque que são usadas hoje. Ainda idealizamos a juventude e a presença física como perfeição, além de irrealista, como a proporção cabeça-corpo usada por Lysippos em “Apoxyomemos. & # 8217

A arte do período helenístico mostrou muito mais variedade de temas. Este período também começou a se distanciar do tipo de corpo ideal e experimentou assuntos que não eram vistos em períodos anteriores. Em Eros adormecido, o tema é o de um deus, mas na forma de um bebê. Também vemos os idosos retratados nesse período na Velha. O Período Helenístico também contou com peças que mostravam emoção no assunto, como em Trompetista Gálico Morrendo e Laocoonte e Seus Filhos.

Ei Dean, gosto de suas idéias sobre as peças que vimos do período helenístico serem mais diversificadas do que as anteriores. No entanto, quanto dessa diversidade você acha que se deve aos exemplos específicos que temos? É difícil dizer se a arte helenística que sobreviveu é ou não mais diversa do que a arte clássica devido a uma tendência mais ampla dentro da própria comunidade artística. Qual a probabilidade de algumas das peças clássicas mais variadas terem sido simplesmente perdidas?

Durante o período helenístico, devo dizer que a obra de arte realmente se tornou mais diversa e individualista. Percebi que durante essa época a arte e as esculturas se tornaram mais realistas do que antes. Em vez de se concentrar nos deuses, reis e pessoas ricas, esta era começou a se concentrar nas pessoas em geral. Observei na escultura da Velha Mulher como era mais detalhado e realista de como uma pessoa idosa realmente seria. O artista helenístico se adaptou às eras anteriores da arte, mas também fez grandes inovações. Eu li em um artigo que o Eros era a personificação do amor dos gregos, porém é retratado como uma criança.

A arte grega helenística é muito mais diversa do que a arte grega clássica. A arte clássica começou a dar passos no sentido de humanizar suas divindades, como visto em Nike ajustando sua sandália, mas a obra de arte helenística vai um passo adiante e realmente os mostra com traços mais humanísticos, como visto em Eros adormecido. A arte helenística não apenas mostra deuses e deusas como mais humanos do que antes, mas também mostra mais emoção em cada peça e tem esculturas maiores contando mais histórias. o Laocoön é um ótimo exemplo disso, pois mostra a agonia nos rostos dos três homens, bem como conta a história de suas mortes pela serpente. Também vemos uma gama de idades, desde o bebê Eros até a velha mulher do mercado na arte helenística versus a arte clássica que mostrava apenas jovens adultos.

Parabéns ao fazer o backup da pergunta com exemplos fortes usando os artigos fornecidos. Gosto de como você notou que a arte helenística mostrava mais diversidade de bebês a mulheres mais velhas, enquanto a arte grega clássica apenas retratava jovens adultos em suas peças de arte. Eu realmente não percebi isso enquanto olhava os artigos com olhos tão bons.

No período helinístico, vemos uma mudança dramática em direção ao realismo. As obras já não eram corpos geralmente idealizados; em vez disso, possuíam atributos humanos muito mais reais. Vemos isso na representação de um Cupido adormecido. Antes dessa época, as crianças eram representadas como "pequenos adultos", mas na escultura vemos uma representação muito mais precisa do corpo de uma criança. Com os traços arredondados suaves, rola a barriga e até mesmo traços faciais e mãos infantis. Além disso, neste período de tempo há uma mudança para cenas muito mais dramáticas, por exemplo, o ‘Trompetista Gaulês Moribundo’ é visto deitado no chão com uma ferida sangrando e rosto de intensa derrota. O artista parecia capturar um momento tão único e diferente de outras obras anteriores. Os artistas realmente deixaram de criar pessoas e momentos bonitos estereotipados para capturar mais momentos da vida real de indivíduos específicos. Acho que em parte pode ser porque, à medida que a arte mudou, as pessoas começaram a ver quanta variação havia no corpo humano e nas maneiras como a beleza podia ser expressa. Embora o Galho Moribundo não seja exatamente uma representação ideal de força, a forma ainda é esteticamente agradável e absolutamente linda.

A arte helenística, embora seja influenciada pela arte grega, vem em uma forma mais ampla de meios e estilos. Isso pode ser visto no sentido de que as estátuas, embora realisticamente proporcionadas como a estatuária grega anterior, mostram uma ampla gama de assuntos em uma gama ainda mais ampla de situações e estados emocionais. Estátuas de deuses como Eros, uma figura não idealista e infantil, eram virtualmente inexistentes na arte grega. A presença de estátuas de pessoas de outras culturas, como o Trompetista gaulês e Laocoón, também não foi vista na arte grega. Todos esses exemplos anteriores também mostram uma gama muito mais ampla de emoções e circunstâncias humanas, retratando coisas novas como exaustão, tranquilidade e até mesmo sofrimento ativo. No entanto, o maior exemplo disso para mim é a existência do Teatro Epidauros. O teatro é por natureza um meio muito diversificado e individualista, com atores vivos que retratam histórias de uma forma muito envolvente, exigindo a presença, atenção e interação de um público ao vivo. Embora um script possa persistir, uma única peça de palco em si não pode ser preservada por centenas de anos, ela só pode ser apreciada pelos espectadores individuais presentes ali no momento. Isso contrasta muito com a arte grega, que foi projetada para durar séculos e gerações, contando a mesma história da mesma maneira indefinidamente.

A arte clássica grega se concentrava muito no corpo do homem e da mulher. cada escultura tem detalhes incrivelmente altos e parece tão humana. Observe como a maioria das esculturas de aspecto humano estavam nuas, isso pode ser devido ao fascínio dos gregos pelo corpo humano. Quanto à arte helenística, eles também fizeram muitas esculturas de aspecto humano, mas quando você olha para elas de perto, é como se cada uma estivesse contando uma história de algo que aconteceu em seus tempos.

O período clássico lidou com desenhos de contrapposto e "proporção de prata", mas a era helenística começou a se mover para uma representação mais ampla de humanos e deuses. No período helenístico, a perfeição humana começou a mudar e a forma livre começou. Como você pode ver ao olhar para a escultura antiga “SLEEPING EROS & # 8217, a escultura não tem uma forma corporal perfeita como no período clássico e o deus está deitado. A escultura de bronze, “DYING GALLIC TRUMPETER & # 8217 não tinha grandes músculos e outras formas como o período clássico. Cada escultura criada no período helenístico foi diferente e confere à época sua diversidade e individualismo. O período helenístico não apenas mostrou as mesmas formas humanas continuamente. Ele mostrava crianças, homens de meia-idade, até mulheres velhas e de forma livre. Os artistas formaram as esculturas em eventos da vida real em vez de contrapposto. A arte do período helenístico em comparação com o período clássico também teve muito mais emoções nas esculturas e em suas poses.

Acho que a arte helenística definitivamente diferiu das proporções perfeitas populares do período clássico. Ele mostrou uma gama mais ampla de corpos humanos e faixas etárias dessas figuras. O cupido adormecido, as mulheres mais velhas são exemplos fora do comum, nenhum corpo perfeito ou ideal é mostrado nestas peças. Outra grande diferença que vejo é o movimento. Muitas das peças da era helenística parecem estar em movimento ou mostrando uma ação, o Pergamon lutando contra a morte, o Laocoonte e seus filhos em agonia ao serem atacados pela cobra enviada pelos deuses. Mesmo a Afrodite de Melos, embora se assemelhe muito a uma peça que viria a ser encontrada no período clássico, a artista acrescentou uma torção no corpo, revelando movimento. Portanto, acho que pode ser considerado mais individualista do que a era clássica porque se concentra profundamente no movimento ou nas ações de uma pessoa, e é mais diverso porque não se concentra apenas nos homens jovens e musculosos ou nas mulheres jovens sensuais , mostra os deuses, crianças, jovens e velhos, uma gama muito diversa.

RE: Kaylyn Kelly, eu realmente gosto de como você apontou que as peças de arte do período helenístico mostravam mais emoções do que na era anterior. Definitivamente parece ser uma das maiores mudanças, a arte de repente parecia estar focada em torno da emoção da pessoa que estava sendo retratada, e então o cenário foi criado em torno da emoção que estava sendo mostrada. Já o período clássico era mais voltado para a massa muscular, ou seja, aspectos perfeitos do belo corpo humano.

Na era helenística, a imagem corporal & # 8220perfect & # 8221 mudou e se tornou mais individualizada. Nesta época, começamos a ver mais de uma variedade de esculturas, como esculturas de todas as idades de indivíduos masculinos e femininos. A arte realmente passou de idolatrar a forma muscular masculina e as curvas femininas, em seguida, mudou para uma importância mais geral para retratar o corpo humano na vida cotidiana e retratou as pessoas da era helenística. A arte vista na cultura grega não mostrava tanta emoção quanto a retratada na arte helenística da época. A arte helenística mostrou expandir suas esculturas e retratar emoções em suas esculturas, o que me leva a crer que o propósito dessas esculturas era começar a retratar a forma humana da forma mais realista possível.

A arte grega clássica era frequentemente obcecada pelas proporções perfeitas, mas como vemos na era helenística, a arte começou a representar uma gama maior de assuntos. Por exemplo, acredita-se que Sleeping Eros retrata Eros, ou Cupido, e parece ter sido modelado a partir de uma criança adormecida e de uma Mulher do Velho Mercado. O período helenístico também se concentrou em mais emoção do que vimos na era do grego clássico, que você pode ver em Pérgamo, Laocoonte e seus filhos.
Kaitlyn: Gosto de como você falou sobre as esculturas que parecem mostrar movimento e seu exemplo de Afrodite de Melos foi interessante.

A arte de estilo helenístico difere da arte de estilo clássico porque não retrata apenas um tema “ideal & # 8217, mas uma variedade de temas. É quase como se os gregos finalmente superassem um pouco de sua vaidade e percebessem que a vida é mais do que um homem musculoso e atraente! Esculturas como a da Velha Mulher do Mercado diferiam enormemente dos semblantes juvenis do período clássico. Além disso, representações de dor e outras emoções foram instituídas. O trompetista gaulês moribundo e Laocoonte são exemplos disso muito diferentes do sorriso arcadiano que era a norma geral do período clássico.

Isso não se encaixa em nenhum lugar, mas achei interessante: como os mudras das deusas hindus, as estátuas de Afrodite do período clássico posterior tinham suas mãos cobrindo os seios ou a vagina, agachada, olhando para o próprio traseiro ou tirando a sandália espancar um agressor. No caso de Afrodite olhando para trás, para sua própria bunda, é interessante ver a personagem da Disney Sininho na mesma pose na animação original de Peter Pan. Isso me sugere que tanto Sininho quanto Afrodite são personagens arquetípicos que passam por nossa memória coletiva para serem expressos em novas formas.

O período helenístico permitiu uma ampliação do assunto, como a representação de crianças e idosos junto com os tradicionais jovens perfeitos. Eles retratavam os deuses como mais humanos, mais vulneráveis, no caso da Estátua de Bronze do Dormir de Eros.

Em vez de mostrar rostos serenos de atletas e guerreiros, mesmo quando seus corpos estão tensos ou morrendo, as estátuas do período helenístico podem mostrar emoção. A estátua do gaulês moribundo, por exemplo, mostra um bigode que não pertenceria a um guerreiro grego, com o rosto contorcido ao morrer. É interessante que essa empatia pelos derrotados seja mostrada nesta estátua.

A cortina de túnicas esculpidas tornou-se mais dinâmica, se você olhar para a estátua de bronze anterior do cocheiro em comparação com o Grande Altar de Zeus e Atenas. No primeiro caso, o tecido drapeado imita os pilares gregos, permanecendo sólido e forte. Neste último, a roupa dos deuses cria um movimento excitante. Há luta em vez de apenas mostrar uma vitória tranquila. Figuras da batalha caótica rastejam pela parede e compartilham as escadas com os adoradores que vieram para dar oferendas.

O período clássico tardio viu a arte grega ser vendida e adotada por outras culturas, como os romanos. Foi quando as regras clássicas, como as mulheres nunca são mostradas nuas, foram quebradas por culturas menos rígidas. Afrodite foi mostrada em poses dinâmicas sem roupas. No período helenístico, deusas eram mostradas em ação, roupas coladas em seus corpos para mostrar toda a sua glória feminina - como na estátua da Nike de Samotrácia. E no caso da Venus De Milo, sua blusa caiu completamente. Arrumado.

Sempre digo que a arte é uma expressão tangível da expressão emocional, considerando que somos todos apenas energia, então as emoções devem ser como essa energia se expressa.
Pergamon e The Laocoon são grandes exemplos de como a era helenística se divorciou da arte anterior. Ambas as estátuas incorporam características faciais que retratam emoções. A arte romana anterior concentrava-se em corpos musculosos de proporções perfeitas, enquanto a arte helenística procurava retratar emoções. A era helenística também ampliou o tema aceitável para a arte ao adicionar pessoas comuns, talvez esta fosse apenas outra forma de propaganda para fazer as pessoas se sentirem mais importantes.


O mais rico encontro de bronzes helenísticos em séculos entra em turnê

No Poder e Pathos: Escultura de Bronze do Mundo Helenístico, inaugurado na semana passada no Palazzo Strozzi de Florença, mais bronzes gregos são montados do que nunca na era moderna. A exposição envolve cerca de 50 figuras completas e fragmentos de museus de todo o mundo, viajando para o J. Paul Getty Museum em Los Angeles em julho e a National Gallery of Art em Washington, DC, em dezembro.

Head of an Apoxyomenos (2o-1o século AC), bronze grego (cortesia Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas / Scala, Firenze) (clique para ampliar)

Com curadoria de Jens Daehner e Kenneth Lapatin, ambos curadores de antiguidades no Getty, e organizada pelos dois museus americanos com a Soprintendenza Archeologica della Toscana, a exposição é por meio do acordo cultural do Getty com a República da Itália e o Museu Arqueológico Nacional de Florença e Superintendência Arqueológica da Toscana. Poder e Pathos centra-se no período helenístico, datando aproximadamente entre a morte de Alexandre o Grande em 323 AEC e a queda de Antônio e Cleópatra em 31 aC. É difícil estimar quantos bronzes existem, pois os métodos de contagem variam (uma única mão conta como um, ou apenas uma estátua inteira?), Mas existem apenas entre 100 e 200 no mundo, e a maioria dos museus tem apenas um punhado se qualquer mesmo.

“O que é notável é que sabemos que havia literalmente dezenas de milhares de estátuas de bronze antigas dedicadas em santuários antigos, erguidas em centros cívicos para homenagear reis, benfeitores e cidadãos e instaladas em outro lugar”, explicou o curador Lapatin ao Hyperallergic. “Nós sabemos disso tanto por textos antigos quanto por bases de estátuas sobreviventes. Mas como o bronze era valioso como metal e poderia ser reutilizado, a grande maioria - eu arriscaria algo em torno de 99% - foi derretida para seu metal. Além disso, estátuas de deuses pagãos e heróis nus não eram populares na Idade Média. ”

Os que sobreviveram eram, em geral, tesouros enterrados, quer perdidos em naufrágios, cobertos por um deslizamento de terra ou por um vulcão, ou destruídos por uma cidade saqueada. Por exemplo, em 1996, um mergulhador descobriu o incrivelmente intacto "Apoxyomenos Croata" apresentado em Poder e Pathos, retratando um jovem atleta limpando o suor de seu corpo com uma strigil. Esses momentos às vezes cândidos, muitas vezes naturalistas, foram o destaque da era helenística e uma das razões pelas quais os curadores deram seu foco. “No período helenístico, os artistas exploraram novos gêneros de arte com grande habilidade, inventando, por exemplo, retratos expressivos e realistas do tipo que reconhecemos hoje”, disse Lapatin. “Assim, parecemos ver não apenas as formas físicas convincentes de indivíduos específicos, mas também algo de suas vidas interiores.”

Terme Boxer (século 3 a 2 a.C.), bronze grego (cortesia do Museo Nazionale Romano - Palazzo Massimo alle Terme)

Estamos muito mais familiarizados com os fantasmas dos bronzes através das réplicas de mármore dos romanos, mas Poder e Pathos comemora esse período como o início de um mercado de arte onde os bronzes eram rapidamente produzidos a partir de moldes.Conforme a exposição se desloca de Florença para Los Angeles e DC, ela se altera ligeiramente com base no que pode viajar, mas os objetos incluirão aqueles de uma linha impressionante de credores, como o Museu Britânico, Louvre, o Museu Kunsthistorisches de Viena, o Museu Metropolitano de Arte , Museu Nacional do Prado de Madrid, Boston MFA, Houston MFA, Museus do Vaticano, Museo Archeologico Nazionale em Nápoles e museus nacionais da Grécia, Geórgia e Tunísia. Algumas das peças podem ser familiares como ícones de suas instituições, como o Eros dormindo serenamente do Met ou o Museu Nacional de Terme Boxer de Roma com seu rosto machucado.

Esta é a primeira vez que a maioria é vista juntos, dando uma nova perspectiva sobre como a arte tão antiga ainda pode evocar emoções tão imediatas. Como afirmou Lapatin: “O que já aprendemos em poucos dias sobre o desenvolvimento da técnica e a manipulação do estilo é notável, e acho que todos que virem o show certamente ficarão surpresos e comovidos com a qualidade expressiva do obras excelentes, milênios. ”

Cabeça (berbere) (300 a.C.), bronze grego e osso amp (cortesia dos curadores do Museu Britânico)

Estatueta de Alexandre, o Grande, a cavalo (século I aC-século I dC), bronze grego (cortesia do Ministro dos Beni e delle Attività Culturali e del Turismo - Soprintendenza per i Beni Archeologici di Napoli, foto de Giorgio Albano)

Estátua de Aulus Metellus (Arringatore) (século 2 a 1 AEC), bronze grego (cortesia do Museu Arqueológico Nacional de Florença)

Poder e Pathos: Escultura em Bronze do Mundo Helenístico continua no Palazzo Strozzi (Piazza degli Strozzi, Florença, Itália) até 21 de junho. Depois de Florença, é no J. Paul Getty Museum (1200 Getty Center Dr, Los Angeles, Califórnia) de 28 de julho a 1º de novembro, depois na National Gallery of Art (6th & amp Constitution Ave NW, Washington, DC) 6 de dezembro a 20 de março de 2016.


Estátuas da Grécia Antiga - Origem e Evolução

No entanto, como toda arte, foi um processo de evolução lenta e deliberada que criou as belas representações do corpo humano que todos nós amamos, e a evolução do homem no mármore é tão intrigante quanto o produto acabado.

Os Jovens da Maratona
Datado de ca. 330 - 325 a.C. Museu Arqueológico Nacional de Atenas

O Período Geométrico

Na verdade, não se sabe muito sobre esse período da arte grega, pois não há escritos desse período para descrever a obra de arte.

As esculturas criadas costumavam ser objetos muito pequenos, como carruagens e cavalos. Muitas das peças foram colocadas em tumbas e não se destinavam à exibição pública.

É possível que esculturas maiores feitas nesta época tenham sido construídas a partir de materiais perecíveis, como madeira. Acredita-se que esse período tenha durado cerca de 900-700 aC.

O Período Arcaico

Acredita-se que o período arcaico tenha durado cerca de 700-480 aC. Esta era viu o primeiro representações da forma humana. Essas esculturas não eram as belas representações idealizadas que seriam produzidas posteriormente, mas, em vez disso, os corpos eram geralmente rígidos e rígidos.

As principais esculturas da época receberam o termo genérico de kouros, uma escultura simplificada de nu de um jovem do sexo masculino, e kore, que era a representação de uma jovem normalmente vestida.

Essas estátuas eram simplificadas, voltadas para a frente e não tinham muitos detalhes. Acredita-se que eles tenham sido influenciados pelas culturas do Egito e do sudoeste da Ásia. o kouros e kore costumava ser retratado sorrindo, o que era incomum em esculturas posteriores. Essas estátuas serviriam de base para obras-primas posteriores da Grécia antiga.

O Período Clássico

Acredita-se que o período clássico tenha começado com a escultura conhecida como “O menino Kritios”Por volta de 480 AC.

Esta escultura foi uma das primeiras a retratar a forma humana de uma forma muito realista. O corpo foi esculpido para refletir proporções humanas precisas. O mármore aparece como se houvesse músculos definidos cobertos por uma pele esticada, enquanto a própria escultura parece estar deslocando seu peso em um quadril. Isso é conhecido como contrapposto postura e representou uma inovação significativa na representação do ser humano.

Embora o menino Kritios seja considerado o início do período clássico grego, ele de forma alguma abrange todo o período.

O período clássico viu o surgimento de artistas brilhantes como Polyclitus, Lysippos, Scopas e Praxiteles.

Todos eles contribuíram para a inovação e realismo que viria a constituir o período clássico grego. É nessa época que vemos um olho obsessivo por detalhes e, às vezes, um exagero do corpo humano.

Muitas estátuas idealizadas podem ser vistas com definição muscular e proporções de membros inatingíveis por um ser humano. Muitas das representações são criações divinas isso teria sido maior do que a vida quando comparado ao cidadão médio da Grécia antiga.

O período helenístico

O período helenístico veria um aumento dramático na inovação artística na extensa área conquistada por Alexandre o grande. Acredita-se que este período durou cerca de 323-1 AC.

Embora a influência de Atenas e outros centros de inovação artística durante o período clássico, começou a declinar a influência do Mediterrâneo oriental estava em ascensão.

Enquanto o período clássico se concentrava em formas idealizadas, muitas vezes representadas em posturas frias e simplificadas, as esculturas helenísticas se concentravam fortemente em contrastes nítidos e arredores dramáticos para criar um ambiente envolvente dentro do mármore. Os escultores se concentraram tanto no cenário em torno do sujeito humano quanto no próprio sujeito. As figuras nem sempre foram mostradas em pé, contrapposto ou então. Eles eram freqüentemente vistos deitados, encostados em objetos ou mesmo se contorcendo de dor.

O período helenístico também viu a representação de assuntos que eram menos do que idealizados. Esculturas de humanos que eram velhas, deformadas ou mesmo morrendo surgiram nessa época. Além disso, era comum que as esculturas contassem uma história.

O jovem (ou efebe) de Antikythera”É talvez um dos melhores exemplos do estilo helenístico. A escultura mostra um jovem, um deus ou um herói que segurava um objeto esférico na mão direita (possivelmente Paris com a maçã) É um dos produtos mais brilhantes da escultura de bronze do Peloponeso, talvez obra do famoso escultor Eufranor. Foi encontrado na área de um antigo naufrágio na ilha de Antikythera.

Observe a poderosa representação retratada. A escultura não é apenas uma figura simples e ereta de detalhes anatômicos surpreendentes, mas um retrato nítido de um movimento.


Museu J. Paul Getty

Uma estatueta de molde sólido retrata um jovem nu em uma base em forma de carretel, que originalmente funcionava como o remate de um candelabro. Seu cabelo curto e encaracolado, testa franzida, nariz largo e curto e lábios carnudos o identificam como um africano negro. Sentado em postura de repouso e apoiando o braço no joelho esquerdo levantado, o jovem embala a cabeça na palma da mão.

Geralmente entendido como um escravo sonolento esperando seu mestre, a imagem de um jovem cochilando é um antigo motivo egípcio que foi popularizado na Grécia e na Itália por meio do comércio de artefatos egípcios feitos em Chipre, Rodes e Jônia. No século V aC, escultores etruscos nas oficinas de bronze de Vulci adaptaram essa imagem para apliques decorativos em equipamentos usados ​​em banquetes e na refeição fúnebre, bem como para puxadores de vasos. Os escravos domésticos da Europa transalpina e de outras regiões eram comuns na Etrúria, mas os africanos negros escravizados seriam mercadorias de luxo, sinalizando o status e o poder de seus proprietários. Suas imagens conferiam um elemento exótico aos implementos que aludiam às tarefas que os escravos desempenhavam. Candelabro, timiateria (queimadores de incenso), oinochoai (jarras de vinho) em forma de cabeça negra africana, e outros utensílios antropomórficos referenciavam o trabalho de escravos e o naturalizavam em formas ornamentais.

A tez escura e as características dos negros africanos os marcaram como fisicamente distintos dos povos mediterrâneos. Acreditava-se que eles habitavam a região mítica de Etiópia, um reino rico nas franjas meridionais do mundo conhecido. Embora os etruscos conhecessem bem as comunidades do norte da África por meio de alianças comerciais e militares estreitas com Cartago, os negros raramente aparecem na arte etrusca. Em uma hidria (jarra de água) feita em Caere (Cerveteri dos dias modernos) com o mito de Hércules derrotando o rei egípcio Busiris (Viena, Museu Kunsthistorisches, inv. IV 3576), o pintor de vasos retratou caricaturas estereotipadas de sacerdotes egípcios e retratos realistas de guerreiros africanos. Os telhados dos templos em Caere e seu santuário-porto de Pyrgi também foram decorados com antefixos e esculturas arquitetônicas retratando rostos da África negra. Essas imagens, bem como as estatuetas de bronze de um escravo cochilando produzidas nas proximidades de Vulci, testemunham a influência do intercâmbio cultural internacional nas artes do sul da Etrúria.

Leitura adicional: O tema de um africano cochilando é discutido em J. Masséglia, A linguagem corporal na arte e na sociedade helenística, 2015, pp. 159-67. Sobre a escravidão na Etrúria, consulte D. N. Briggs, "Servos na festa de um homem rico: Primeiros escravos de casa etrusca e suas aquisições", Estudos etruscos 9, 2002, pp. 153-76. Para a hidria de Caeretan em Viena com Herakles e Busiris, ver J. Hemelrijk, Caeretan Hydriae, 2009, pls. 118-25. Terracotas arquitetônicas na forma de cabeças africanas e outras representações de africanos negros nas artes da Etrúria são ilustradas em ML Gualandi, "L'immagine dei neri nel mondo greco e romano: spunti per un'interpretazione del mosaico di Populonia", em C . Mascione e A. Patera, Materiali por Populonia 2, 2003, pp. 199–229. Sobre imagens de indivíduos escravizados nas artes aplicadas, consulte N. Lenski, "Working Models: Functional Art and Roman Conceptions of Slavery", em M. George ed., Escravidão Romana e Cultura Material Romana, 2013, pp. 129–57.

Proveniência
Proveniência

Robin Symes (Londres, Inglaterra), vendido para Barbara e Lawrence Fleischman, 1988.


A Galeria Nacional de Arte oferece a rara chance de ver bronzes da Grécia antiga

Os antigos atenienses consideravam quase todos os outros bárbaros, e esse esnobismo chegou até nós ao longo das eras. Quando pensamos na civilização grega, pensamos na Idade de Ouro de Atenas no século 5 aC, de Ésquilo e Sófocles, e estadistas como Péricles, cujo discurso fúnebre soaria quase traiçoeiro para muitos americanos hoje: “Abrimos nossa cidade para o mundo, e nunca por atos estranhos, exclua os estrangeiros de qualquer oportunidade de aprender ou observar, embora os olhos de um inimigo possam ocasionalmente lucrar com nossa liberalidade. . . . ”

A Era Helenística veio mais tarde, inaugurada pelas conquistas de Alexandre, o Grande, um macedônio que ainda é lembrado um pouco como Napoleão, um parvenu brilhante e implacável. Embora o império de Alexandre possa ter desmoronado após sua morte, os fragmentos do que restou levaram a cultura grega adiante, muitas vezes em feroz competição cultural entre si, cada um reivindicando o patrimônio grego e superando-o com inovações virtuosísticas. E, no entanto, o legado helenístico ainda é um pouco suspeito, muito extravagante e exagerado se julgado pelos padrões de Atenas em seu ápice de poder.

Uma exposição na Galeria Nacional de Arte, “Poder e Pathos: Escultura em Bronze do Mundo Helenístico”, oferece o que é provavelmente uma oportunidade única na vida de estudar um aspecto essencial da Era Helenística. Em todo o mundo, existem menos de 200 bronzes sobreviventes das idades helenística e clássica, e cerca de um quarto deles estão em exibição. Entre eles estão algumas das obras de arte mais comoventes e celebradas de qualquer época, incluindo um Apoxyomenos (atleta com ferramenta de raspagem) do Kunsthistorisches Museum em Viena, o surpreendente Sleeping Eros do Metropolitan Museum of Art de Nova York e uma cabeça de cavalo que outrora pertencia a Lorenzo, o Magnífico, o governante de 'Medici, e era admirado por Donatello e Verrocchio.

Vá agora e volte muitas vezes antes que a exposição feche em 20 de março. Se você se desespera com o mundo que fizemos, recue aqui. Qualquer obra isolada é um tônico, coletivamente, eles são uma maravilha.

O título da exposição refere-se à inovação essencial dos artistas helenísticos, a extensão da escultura de um repertório limitado de corpos ideais a uma linguagem mais expressiva, naturalista e individualizada. Os escultores nunca deixaram de retratar a serenidade dos deuses e a perfeição da juventude, mas também abrangiam os velhos e enfermos, os ansiosos e preocupados, os inquietos e pensativos. Ao lado de Apolo e Atenas vieram imagens de artesãos, poetas e aristocratas mal-humorados, em toda a sua glória carnuda, barriguda e depravada.

Artista Desconhecido (Bronze Helenístico). “Fauno Dançante (Pan),” c. 125-100 aC. (Copyright Archivio dell'arte, Luciano Pedicini)

Embora o mármore fosse o meio preferido para representar o ideal, especialmente os deuses, o bronze se tornou o meio preferido para fazer imagens de humanos comuns. Era capaz de formas mais ousadas do que o mármore. O cabelo pode enrolar longe da cabeça, os braços podem ser representados estendidos sem apoios. Também era possível fazer vários moldes da mesma forma, então milhares de bronzes foram feitos em todo o mundo grego e romano e podiam ser encontrados até mesmo nas periferias do que então era considerado civilização.

Para ter uma ideia impressionante de como os artistas helenísticos usavam a forma, passe algum tempo com uma escultura conhecida como Fauno Dançante. Esta é a mesma figura que deu nome à Casa do Fauno em Pompéia, e ele, como tantos outros trabalhos da mostra, existe hoje porque em algum momento da história, ele se perdeu - em um acidente, ou naufrágio, ou o colapso de um edifício ou, neste caso, a erupção do Monte Vesúvio.

Os designers da exposição posicionaram habilmente o Fauno Dançante de forma que ele seja flanqueado por duas estátuas de bronze de Apolo, e os Apolo não poderiam ser mais diferentes da excitante e extasiada figura de Pan perdida em êxtase lascivo. Os Apolo, embora ambos de origem helenística, remetem a uma tradição mais antiga e arcaica. Eles são rígidos e relativamente inexpressivos, e seus rostos são genericamente belos, mas sem quaisquer características individuais. Eles foram feitos para apelar ao interesse contínuo pelas formas gregas mais antigas, prova da amplitude do gosto e do interesse pelo historicismo. Eles foram, talvez, criados para o público grego tardio e romano da mesma forma que algumas pessoas hoje colocam obras recém-pintadas em um falso estilo da era colonial acima da lareira.

O Fauno é uma obra espetacular, desde seu rabinho alegre (o tipo de coisa que seria impossível fazer em mármore) até suas tranças coroadas de bolotas e descontroladamente despenteadas. Mas também é curiosamente lúdico e perturbador ao mesmo tempo. Seu corpo é jovem e ágil, enquanto o rosto parece mais velho e marcado por uma vida daquilo que os gregos mais temiam, o excesso, a extremidade e a selvageria. Ele é uma figura composta, que reúne o ideal e a destruição da beleza.

Uma pequena estátua dos Heráculos cansados ​​é em alguns aspectos semelhante. O herói musculoso está apoiado em seu porrete sobre o qual está envolta a pele do leão de Neméia. Seu braço esquerdo está desajeitadamente posicionado sobre o topo da clava, e seu rosto e olhar estão voltados para baixo para ver a ferramenta e a recompensa por seu trabalho. A clava e a pele de leão, entretanto, deformam a perfeição de seu físico, fazendo-o parecer desproporcional e ligeiramente grotesco. Ele. também, é uma figura composta, filho de Zeus e do mortal Alcmene, e ele é pego em um momento de contradição: sucesso e exaustão, realização e esgotamento. O trabalho tem uma espécie de energia circular que começa com os olhos, flui pelo clube e retorna pelo lado direito do corpo, para formar um ciclo de significado, uma reencenação infinita de como os seres humanos são tão frequentemente esmagados pelo próprio grandeza que procuram.

Esta exposição é a terceira iteração de uma mostra que começou em março no Palazzo Strozzi em Florença e viajou para o Museu Getty em Los Angeles. É muito diferente do show apresentado no Getty, que incluiu uma peça de tirar o fôlego - um boxeador sentado - que teve que ser devolvido a Roma antes que pudesse viajar para cá. O Getty também incluiu uma impressionante justaposição de duas versões de bronze do Apoxyemenos e uma versão de bronze e mármore do Spinario (Menino que remove um espinho de seu pé). No lugar dessas obras, a Galeria Nacional substituiu outras, incluindo um magnífico Menino Corredor da Villa dei Papiri na antiga cidade de Herculano e uma estátua encantadora de Artemis e um Veado (o veado olha para ela com inteligência e fidelidade de um cachorro). A perda do Boxer é particularmente lamentável, visto que representa perfeitamente a ideia de pathos, mas isso estava além do controle da galeria.

A exposição da National Gallery parece mais íntima e, se houver menos fator “uau”, há momentos particularmente maravilhosos de conexão. Uma pequena estátua de Alexandre a Cavalo é vista em frente a uma reprodução de um detalhe do Mosaico de Alexandre, outro tesouro encontrado na Casa do Fauno de Pompéia. Se você ficar na porta que une o terceiro e o quarto cômodo, poderá ver a estátua de um menino enrolado em uma capa, segurando-a fechada com as mãos. O menino parece mal-humorado e triste, um adolescente abatido. Na outra direção estão o torso e a cabeça de um homem, encontrados no Mar Adriático em 1992. Ele é musculoso e corpulento e parece carrancudo, e sua expressão - é autoritária ou brutal? decisivo ou megalomaníaco? - é enervante. Há algo de criminoso nele.

Você pode ter a sensação de que o garoto com a capa pode muito bem crescer e se tornar o homem com a energia demoníaca na outra sala. E, no entanto, isso é improvável. A estátua do menino era provavelmente um monumento funerário, um detalhe que dissolve sua petulância em nossa pena. Suas mãos, escondidas pela capa, tornam-se, em certo sentido, um marcador de sua remoção do mundo. Juntos, sentimos dois estados diferentes de estar no mundo, lutando com ele ou encolhendo-nos em nosso próprio canto delimitado.

Mais ou menos como as energias circulantes dos Heráculos cansados, o diálogo entre essas duas figuras é sedutor - juventude e maturidade, vida e morte, ser temível e estar amedrontado. Você pode se sentir como John Keats ao contemplar uma urna antiga: "Tu, forma silenciosa, nos arranca do pensamento / Como faz a eternidade."


A Galeria Nacional de Arte oferece a rara chance de ver bronzes da Grécia antiga

Os antigos atenienses consideravam quase todos os outros bárbaros, e esse esnobismo chegou até nós ao longo das eras. Quando pensamos na civilização grega, pensamos na Idade de Ouro de Atenas no século 5 aC, de Ésquilo e Sófocles, e estadistas como Péricles, cujo discurso fúnebre soaria quase traiçoeiro para muitos americanos hoje: “Abrimos nossa cidade para o mundo, e nunca por atos estranhos, exclua os estrangeiros de qualquer oportunidade de aprender ou observar, embora os olhos de um inimigo possam ocasionalmente lucrar com nossa liberalidade. . . . ”

A Era Helenística veio mais tarde, inaugurada pelas conquistas de Alexandre, o Grande, um macedônio que ainda é lembrado um pouco como Napoleão, um parvenu brilhante e implacável. Embora o império de Alexandre possa ter desmoronado após sua morte, os fragmentos do que restou levaram a cultura grega adiante, muitas vezes em feroz competição cultural entre si, cada um reivindicando o patrimônio grego e superando-o com inovações virtuosísticas. E, no entanto, o legado helenístico ainda é um pouco suspeito, muito extravagante e exagerado se julgado pelos padrões de Atenas em seu ápice de poder.

Uma exposição na Galeria Nacional de Arte, “Poder e Pathos: Escultura em Bronze do Mundo Helenístico”, oferece o que é provavelmente uma oportunidade única na vida de estudar um aspecto essencial da Era Helenística. Em todo o mundo, existem menos de 200 bronzes sobreviventes das idades helenística e clássica, e cerca de um quarto deles estão em exibição. Entre eles estão algumas das obras de arte mais comoventes e celebradas de qualquer época, incluindo um Apoxyomenos (atleta com ferramenta de raspagem) do Kunsthistorisches Museum em Viena, o surpreendente Sleeping Eros do Metropolitan Museum of Art de Nova York e uma cabeça de cavalo que outrora pertencia a Lorenzo, o Magnífico, o governante de 'Medici, e era admirado por Donatello e Verrocchio.

Vá agora e volte muitas vezes antes que a exposição feche em 20 de março. Se você se desespera com o mundo que fizemos, recue aqui. Qualquer obra isolada é um tônico, coletivamente, eles são uma maravilha.

O título da exposição refere-se à inovação essencial dos artistas helenísticos, a extensão da escultura de um repertório limitado de corpos ideais a uma linguagem mais expressiva, naturalista e individualizada. Os escultores nunca deixaram de retratar a serenidade dos deuses e a perfeição da juventude, mas também abrangiam os velhos e enfermos, os ansiosos e preocupados, os inquietos e pensativos. Ao lado de Apolo e Atenas vieram imagens de artesãos, poetas e aristocratas mal-humorados, em toda a sua glória carnuda, barriguda e depravada.

Artista Desconhecido (Bronze Helenístico). “Fauno Dançante (Pan),” c. 125-100 aC. (Copyright Archivio dell'arte, Luciano Pedicini)

Embora o mármore fosse o meio preferido para representar o ideal, especialmente os deuses, o bronze se tornou o meio preferido para fazer imagens de humanos comuns. Era capaz de formas mais ousadas do que o mármore. O cabelo pode enrolar longe da cabeça, os braços podem ser representados estendidos sem apoios. Também era possível fazer vários moldes da mesma forma, então milhares de bronzes foram feitos em todo o mundo grego e romano e podiam ser encontrados até mesmo nas periferias do que então era considerado civilização.

Para ter uma ideia impressionante de como os artistas helenísticos usavam a forma, passe algum tempo com uma escultura conhecida como Fauno Dançante. Esta é a mesma figura que deu nome à Casa do Fauno em Pompéia, e ele, como tantos outros trabalhos da mostra, existe hoje porque em algum momento da história, ele se perdeu - em um acidente, ou naufrágio, ou o colapso de um edifício ou, neste caso, a erupção do Monte Vesúvio.

Os designers da exposição posicionaram habilmente o Fauno Dançante de forma que ele seja flanqueado por duas estátuas de bronze de Apolo, e os Apolo não poderiam ser mais diferentes da excitante e extasiada figura de Pan perdida em êxtase lascivo. Os Apolo, embora ambos de origem helenística, remetem a uma tradição mais antiga e arcaica. Eles são rígidos e relativamente inexpressivos, e seus rostos são genericamente belos, mas sem quaisquer características individuais. Eles foram feitos para apelar ao interesse contínuo pelas formas gregas mais antigas, prova da amplitude do gosto e do interesse pelo historicismo. Eles foram, talvez, criados para o público grego tardio e romano da mesma forma que algumas pessoas hoje colocam obras recém-pintadas em um falso estilo da era colonial acima da lareira.

O Fauno é uma obra espetacular, desde seu rabinho alegre (o tipo de coisa que seria impossível fazer em mármore) até suas tranças coroadas de bolotas e descontroladamente despenteadas. Mas também é curiosamente lúdico e perturbador ao mesmo tempo. Seu corpo é jovem e ágil, enquanto o rosto parece mais velho e marcado por uma vida daquilo que os gregos mais temiam, o excesso, a extremidade e a selvageria. Ele é uma figura composta, que reúne o ideal e a destruição da beleza.

Uma pequena estátua dos Heráculos cansados ​​é em alguns aspectos semelhante. O herói musculoso está apoiado em seu porrete sobre o qual está envolta a pele do leão de Neméia. Seu braço esquerdo está desajeitadamente posicionado sobre o topo da clava, e seu rosto e olhar estão voltados para baixo para ver a ferramenta e a recompensa por seu trabalho. A clava e a pele de leão, entretanto, deformam a perfeição de seu físico, fazendo-o parecer desproporcional e ligeiramente grotesco. Ele. também, é uma figura composta, filho de Zeus e do mortal Alcmene, e ele é pego em um momento de contradição: sucesso e exaustão, realização e esgotamento. O trabalho tem uma espécie de energia circular que começa com os olhos, flui pelo clube e retorna pelo lado direito do corpo, para formar um ciclo de significado, uma reencenação infinita de como os seres humanos são tão frequentemente esmagados pelo próprio grandeza que procuram.

Esta exposição é a terceira iteração de uma mostra que começou em março no Palazzo Strozzi em Florença e viajou para o Museu Getty em Los Angeles. É muito diferente do show apresentado no Getty, que incluiu uma peça de tirar o fôlego - um boxeador sentado - que teve que ser devolvido a Roma antes que pudesse viajar para cá. O Getty também incluiu uma impressionante justaposição de duas versões de bronze do Apoxyemenos e uma versão de bronze e mármore do Spinario (Menino que remove um espinho de seu pé). No lugar dessas obras, a Galeria Nacional substituiu outras, incluindo um magnífico Menino Corredor da Villa dei Papiri na antiga cidade de Herculano e uma estátua encantadora de Artemis e um Veado (o veado olha para ela com inteligência e fidelidade de um cachorro). A perda do Boxer é particularmente lamentável, visto que representa perfeitamente a ideia de pathos, mas isso estava além do controle da galeria.

A exposição da National Gallery parece mais íntima e, se houver menos fator “uau”, há momentos particularmente maravilhosos de conexão. Uma pequena estátua de Alexandre a Cavalo é vista em frente a uma reprodução de um detalhe do Mosaico de Alexandre, outro tesouro encontrado na Casa do Fauno de Pompéia. Se você ficar na porta que une o terceiro e o quarto cômodo, poderá ver a estátua de um menino enrolado em uma capa, segurando-a fechada com as mãos. O menino parece mal-humorado e triste, um adolescente abatido. Na outra direção estão o torso e a cabeça de um homem, encontrados no Mar Adriático em 1992. Ele é musculoso e corpulento e parece carrancudo, e sua expressão - é autoritária ou brutal? decisivo ou megalomaníaco? - é enervante. Há algo de criminoso nele.

Você pode ter a sensação de que o garoto com a capa pode muito bem crescer e se tornar o homem com a energia demoníaca na outra sala. E, no entanto, isso é improvável. A estátua do menino era provavelmente um monumento funerário, um detalhe que dissolve sua petulância em nossa pena. Suas mãos, escondidas pela capa, tornam-se, em certo sentido, um marcador de sua remoção do mundo. Juntos, sentimos dois estados diferentes de estar no mundo, lutando com ele ou encolhendo-nos em nosso próprio canto delimitado.

Mais ou menos como as energias circulantes dos Heráculos cansados, o diálogo entre essas duas figuras é sedutor - juventude e maturidade, vida e morte, ser temível e estar amedrontado. Você pode se sentir como John Keats ao contemplar uma urna antiga: "Tu, forma silenciosa, nos arranca do pensamento / Como faz a eternidade."


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