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Chapéu Bizantino Usado por João VIII

Chapéu Bizantino Usado por João VIII


Guerra dos Cem Anos

O nome Guerra dos Cem Anos & # x2019 tem sido usado por historiadores desde o início do século XIX para descrever o longo conflito que opôs os reis e reinos da França e da Inglaterra entre 1337 e 1453. Dois fatores estão na origem de o conflito: primeiro, o status do ducado da Guyenne (ou Aquitânia) - embora pertencesse aos reis da Inglaterra, permaneceu um feudo da coroa francesa, e os reis da Inglaterra queriam a posse independente em segundo lugar, como os parentes mais próximos de o último rei capetiano direto (Carlos IV, que morreu em 1328), os reis da Inglaterra de 1337 reivindicaram a coroa da França.

Teoricamente, os reis franceses, possuindo os recursos financeiros e militares do estado mais populoso e poderoso da Europa Ocidental, detinham a vantagem sobre o reino inglês menor e menos povoado. No entanto, o exército expedicionário inglês, bem disciplinado e usando com sucesso seus arcos longos para deter cargas de cavalaria, provou-se repetidamente vitorioso sobre forças francesas muito maiores: vitórias significativas ocorreram por mar em Sluys (1340) e por terra em Crecy (1346) e Poitiers ( 1356). Em 1360, o rei João da França, a fim de salvar seu título, foi forçado a aceitar o Tratado de Calais, que concedeu independência completa ao ducado de Guyenne, agora consideravelmente ampliado para incluir quase um terço da França. No entanto, seu filho Carlos V, com a ajuda de seu comandante-chefe Bertrand du Guesclin, por volta de 1380 conseguiu reconquistar quase todo o território cedido, notadamente por uma série de cercos.

Após um hiato, Henrique V da Inglaterra renovou a guerra e saiu vitorioso em Agincourt (1415), conquistou a Normandia (1417-1418) e tentou ser coroado como futuro rei da França pelo Tratado de Troyes (1420). Mas seus sucessos militares não foram acompanhados por sucessos políticos: embora aliados dos duques da Borgonha, a maioria dos franceses recusou o domínio inglês. Graças a Joana d'Arc, o cerco de Orleans foi levantado (1429). Em seguida, Paris e a lle-de-France foram libertadas (1436-1441), e depois que o exército francês foi reorganizado e reformado (1445-1448), Carlos VII recapturou o ducado da Normandia (a Batalha de Formigny, 1450), e então apreendeu Guyenne (a Batalha de Castillon, 1453). O fim do conflito nunca foi marcado por um tratado de paz, mas morreu porque os ingleses reconheceram que as tropas francesas eram fortes demais para serem confrontadas diretamente.

O território inglês na França, que era extenso desde 1066 (ver Hastings, Batalha de), agora permanecia confinado ao porto de Calais no Canal da Mancha (perdido em 1558). A França, finalmente livre dos invasores ingleses, retomou seu lugar como o estado dominante da Europa Ocidental.

The Reader & # x2019s Companion to Military History. Editado por Robert Cowley e Geoffrey Parker. Copyright & # xA9 1996 por Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. Todos os direitos reservados.


Moda medieval

Bem-vindo à primeira parte de nossa série Fashion Through the Ages. Começando com a moda medieval, terminando nos anos 60, esta seção cobre a moda britânica desde os normandos até a Idade Média e medieval até o final do século XV.

Roupas para o dia cerca de 1050

Este homem e essa mulher (à esquerda) datam de cerca de 1050, pouco antes da Conquista Normanda em 1066. Eles vestem as vestimentas medievais básicas: uma túnica, provavelmente de lã, ligeiramente ajustada com um pescoço alto e mangas compridas, geralmente usada sobre uma camisa de linho .

A túnica senhora & # 8217s, semelhante à do homem & # 8217s mas mais comprida, tem um manto semicircular com fecho no ombro. A senhora cobre os longos cabelos com um capuz preso por uma faixa e carrega uma bolsa de viagem - o homem usa meia-calça solta e sapatos de couro.

Roupas para o dia e viagens por volta de 1150

Roupas de viagem por volta de 1250 (esquerda)

Por volta de 1250, as túnicas masculinas e femininas foram cortadas com uma manga superior larga. A maioria dos homens, exceto os idosos, preferia túnicas curtas. As capas eram geralmente presas por uma corda no ombro. Uma variedade de sobretudos soltos também era popular, e estes tinham mangas com duas aberturas, permitindo-lhes pendurar livremente como os vestidos de universidade baseados neles e ainda vistos hoje.As tranças femininas são enroladas em um coque em cada orelha, às vezes coberto com uma rede, e a faixa plana da cabeça é mantida no lugar por um véu ou & # 8216wimpole & # 8217 esticado bem abaixo do queixo.

O jovem (à esquerda) está vestindo uma túnica mais curta e sapatos pontudos. Esses sapatos eram característicos do século 14 e eram chamados de crackowes ou poulaines, e acredita-se que tenham derivado da Polônia. Dizia-se que o comprimento do dedo do pé indicava a posição do usuário e tornava-se cada vez mais exagerado no final do século XIV.

Esta senhora (à esquerda) de cerca de 1490 usa um rico vestido de tecido grosso com brocados de ouro. Esta linha prenuncia os estilos severos da corte dos primeiros Tudors, com cintura baixa e decote alto. Sua saia tem cauda, ​​mas é presa nas costas para maior comodidade ao caminhar e para mostrar o forro de pele. Suas mangas estão em uma nova moda, em forma de funil e revestidas de pele.

Este jovem usa roupas na & # 8216Moda italiana & # 8217, muito menos envolventes do que as de sua dama acima. Seu gibão chega apenas à cintura e é muito justo, com fendas no peito e nas mangas dando espaço para se mover e uma oportunidade para sua bela camisa ser vista. Sua mangueira é amarrada à cintura com & # 8216points & # 8217 (atacadores) e presa na frente com uma & # 8216cod piece & # 8217 (aba). Para montar, ele usa meias de couro protetoras e seus sapatos têm biqueiras largas. Este estilo substituiu os sapatos pontiagudos por volta de 1480.


Quando os papas usavam coroas: uma história pictórica da tiara papal

Em particular, observe que ele nem mesmo usa os tradicionais sapatos vermelhos (a cor vermelha simbolizava o sangue dos mártires).

Para entender como isso é historicamente único para o papado, você deve ter em mente que, apenas algumas décadas atrás, esse tipo de coisa era normal:

Este é o Papa Beato. Paulo VI presidiu o Concílio Vaticano II na década de 1960.

E é assim que os papas se locomoveram:

Neste segundo, observe que o Papa Ven. Pio XII (papa 1939-1958) não é apenas ser carregado em uma cadeira, ele & # 8217s usando a tradicional tiara papal, uma coroa de três camadas.

Sim: não apenas os papas costumavam usar coroas, eles usavam uma tiara com três coroas. E eles fizeram isso por séculos.

As origens da tiara papal

Os historiadores não têm certeza sobre quando a tiara papal foi usada pela primeira vez. A primeira menção a algum tipo de coroa papal data do século 8, e obras de arte do período mostram papas usando um capacete em forma de cone com uma pequena coroa presa na parte inferior

A primeira menção da palavra tiara sendo usado para descrever o capacete do papa data por volta do início do século XII.

Em algum momento do século 13, uma segunda coroa foi adicionada. As duas coroas aparentemente simbolizavam o fato de que o papa tinha autoridade sobre questões espirituais e, em última instância, questões temporais, e também distinguiam a tiara do papa & # 8217s das coroas monárquicas de camada única.

No século 14, uma terceira coroa foi adicionada. O significado exato pretendido para as três coroas não é claro, e uma ampla gama de interpretações foi oferecida ao longo dos séculos. Alguns dizem que as três coroas representam o tríplice ofício de Cristo, sacerdote, profeta e rei, outra interpretação diz que representam os papéis do bispo de Roma como Pastor Universal, como tendo jurisdição eclesiástica universal e poder temporal. Seja qual for o significado, a tiara papal de três camadas foi usada pelos próximos seis séculos.

Curiosamente, Suleiman, o Magnífico, o sultão muçulmano do Império Otomano no século 16, teve um quatroCriada a coroa de três camadas, aparentemente para superar a coroa de três camadas usada pelo bispo de Roma.

As tiaras papais em suas várias formas foram usadas nas cerimônias de coroação papal pelo menos desde o século 12 até o final do século 20.

O fim de uma tradição

A longa tradição da tiara papal teve um fim dramático em 1963. No final da segunda sessão do Concílio Vaticano II, o Papa Beato. Paulo VI desceu deste trono papal na Basílica de São Pedro e 8217, subiu ao altar e colocou sua tiara papal sobre o altar. Ele fez isso para simbolizar uma renúncia da glória mundana para o papado.

A tiara foi vendida para católicos nos EUA, com o dinheiro revertido para os pobres. Sua tiara & # 8211 a última usada por um papa até agora & # 8211 está agora em exibição na cripta da Basílica do Santuário Nacional da Imaculada Conceição em Washington D.C .:

Embora Paulo VI tivesse desistido de sua tiara papal, o plano que ele deixou para as eleições papais ainda incluía uma coroação papal. Mas quando João Paulo I foi eleito, ele decidiu renunciar à tradicional cerimônia de coroação papal e simplesmente não receber uma tiara papal. E quando São João Paulo II assumiu o papado algumas semanas depois, ele seguiu o precedente de João Paulo I & # 8217, assim como Bento XVI e Francisco.

Mesmo assim, a tiara papal como um símbolo puro ainda é usada em alguns casos.

Por exemplo, aqui está o brasão da Cidade do Vaticano:

Claro, um papa pode decidir reviver o costume a qualquer momento e começar a usar uma tiara papal, embora pareça improvável por enquanto.

Alguns católicos criticaram Paulo VI por abandonar a prática, visto que era um símbolo tão antigo. Outros dizem que a tiara papal não fazia mais sentido como símbolo em nossa época, e Paulo VI estava certo em aposentá-la.

Aqui estão algumas fotos de alguns papas do século 20 usando a tiara papal:

Papa Bl. Paulo VI:

Papa São João XXIII:

Papa Ven. Pio XII:

Papa Bento XV:

Papa São Pio X:

O que você acha? Você está feliz que os papas não usam mais a tiara? Ou um papa deveria trazê-lo de volta?

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Ícone da moda: Mary Tudor, Rainha da França

Fig. 1 - Michiel Sittow (1468-1525). Mary Rose Tudor (1496-1533), 1514. Óleo sobre carvalho 28,7 x 21 cm. Viena: Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie, 5612. Fonte: Kunsthistorisches

Fig. 2 - Artista desconhecido (francês). Discours adressé au nom de l'Université de Paris à Marie d'Angleterre, reine de France, par maître «MAY DU BREUL», docteur en théologie., 1514. Pergaminho. Paris: Bibliothèque nationale de France, Français 5104. Fonte: BNF

M ary Tudor (1496-1533) era filha de Henrique VII, rei da Inglaterra, e Elizabeth de York era irmã de Henrique VIII, rei da Inglaterra. Em 1514, quando tinha 18 anos, Maria casou-se com Luís XII, rei da França, que na época tinha 52 anos. Um retrato de 1514 (fig. 1) mostra Mary em um rico vestido cor de vinho com um decote quadrado, sua camisa branca é bordada em ouro e preto e ela usa um capuz francês elaboradamente ornamentado. Maria era ruiva e aclamada por sua beleza, Erasmus escreveu sobre ela:

“A natureza nunca formou nada mais belo, e ela não excede nada menos em bondade e sabedoria.”

Para seu casamento por procuração com Luís XII, ela vestiu "um vestido de púrpura e ouro xadrez, com um kirtle de cetim cinza-prata" (Tudor Times).

Depois de ser rainha, uma dedicatória em manuscrito a Maria (Fig. 2) pela Universidade de Paris em busca de seu apoio a retrata usando um vestido feito de tecido de ouro, com grandes punhos de arminho voltados para trás, enquanto ela fica em frente a um trono envolto no mesmo tecido de ouro. Como Maria Hayward observa em Rich Apparel: Clothing and the Law in Henry VIII & # 8217s England (2009), “‘ pano de ouro ’englobava uma variedade de tecidos de seda tecidos com fios de metal que eram usados ​​pela realeza e pela nobreza” (89). Observe que a bainha de seu vestido agora chega até o chão, não mais se acumulando aos pés como os vestidos do século XV.

Seu casamento com Luís XII duraria pouco, pois o rei morreu três meses após o casamento. Após um breve período de luto obrigatório, Mary rapidamente se casou com Charles Brandon, primeiro duque de Suffolk, contra a vontade de seu irmão, Henrique VIII. Seu retrato de casamento (Fig. 3) mostra Maria em um vestido de veludo preto, decorado com pérolas, com costuras abertas nas mangas que permitem que a camisa seja visível entre os fechos. Seu capuz francês é novamente ricamente ornamentado com pérolas, pedras preciosas e bordados.

Um retrato sem data (fig. 4) enfatiza seu cabelo ruivo e agora tem as mangas presas ao vestido por meio de pontas douradas. Seu decote baixo e quadrado é preenchido por uma partlet bordada em ouro (ou possivelmente uma camisa com bordados intensos). Uma imagem relacionada de Maria Madalena (Fig. 5) também parece ter sido modelada em Maria. Nele ela usa um vestido de tecido de ouro, não muito diferente daquele visto no manuscrito iluminado, embora agora as mangas tenham costuras abertas e broches cheios de joias ligando-as ao corpete.

Mary Tudor teve quatro filhos durante seu segundo casamento, sua filha mais velha, Frances, seria a mãe da infeliz Lady Jane Gray, que governaria a Inglaterra por nove dias em 1553. Embora Mary fosse apenas brevemente Rainha da França, sua beleza e vestido luxuoso fez dela um ícone da moda dos anos 1510.


Os 10 principais itens do regalia papal

Todos nós estamos familiarizados com os ornamentos especiais usados ​​pela realeza, mas não estamos tão familiarizados com os trajes do papado. Esta é uma lista dos 10 principais itens da regalia papal, a maioria dos quais ainda em uso hoje.

O manto ou manto papal difere pouco de uma capa comum, exceto que é um pouco mais longo e é preso na frente por um morse elaborado. Nos séculos anteriores, era vermelho na cor vermelha, na época sendo a cor papal em vez de branco. Nos séculos XI e XII, a immantatio, ou outorga do mantum ao papa recém-eleito, era considerada especialmente simbólica de investidura com autoridade papal: Investio te de papatu romano ut praesis urbi et orbi, & ldquoI investir-te no papado romano, que governas sobre a cidade e o mundo & rdquo foram as palavras usadas para conferir isso na Coroação Papal. O uso do mantum pelos papas cessou com Paulo VI, após as reformas do Vaticano II. Esta é a primeira das tradicionais vestes papais restauradas pelo atual Papa Bento XVI. Na imagem acima vemos o Papa Bento XVI usando o mantum. [Wikipedia]

Um cappello romano (literalmente chapéu romano) ou saturno (porque é uma reminiscência do planeta Saturno) é um chapéu de aba circular larga e aba arredondada usado pelo clero católico. É feito de pele de castor ou feltro e forrado de seda branca. Ao contrário de muitos outros artigos do traje eclesiástico, não serve a nenhum propósito cerimonial, sendo principalmente um item prático, usado na vida privada. O papa usa um capelo vermelho com cordões de ouro. Antigamente, os cardeais também tinham o privilégio de usar um cappello vermelho, mas essa regra foi derrubada por Paulo VI, e agora os cardeais & rsquo cappelli são negros, assim como os de todos os outros clérigos. [Wikipedia]

Na imagem acima, vemos o Papa Júlio II. Esta é outra tradição restaurada por Bento XVI. Os camauros papais são de lã ou veludo vermelho com detalhes em arminho branco e são usados, geralmente no inverno, no lugar do abobrinha, que por sua vez toma o lugar do biretta usado por outros membros do clero. Como o biretta (chapéu de padre e rsquos) usado pelo baixo clero e o almofariz usado por acadêmicos, o camauro deriva do boné acadêmico (o pileus), originalmente usado para proteger as cabeças clericais tonsuradas do frio. Muitas vezes é usado com uma capa de inverno (mozzetta), às vezes também forrada de pele. O camauro papal caiu em desuso após a morte do Papa João XXIII em 1963, mas foi revivido em dezembro de 2005 pelo Papa Bento XVI. [Wikipedia]

Os chinelos papais são uma vestimenta histórica da Igreja Católica Romana usada tradicionalmente pelo papa. Eles são uma forma de sandálias episcopais usadas pelos primeiros bispos. De cor vermelha para simbolizar o sangue dos mártires, os chinelos simbolizavam totalmente a submissão do papa à autoridade suprema de Jesus Cristo. O Papa Paulo VI interrompeu seu uso em favor dos sapatos papais vermelhos para uso externo. O Papa Bento XVI optou por usar os sapatos papais vermelhos, semelhantes aos usados ​​por Paulo VI. [Wikpedia]

Na foto acima vemos o Papa João XXIII usando o fanon. O leque consiste em uma capa de ombro dupla (algo parecido com uma mozzetta) de seda branca ornamentada com estreitas faixas de ouro entrelaçadas, de forma que as cores alternam o branco e o ouro. O papa o usa apenas para celebrar uma missa pontifícia solene, isto é, somente quando todas as vestes pontifícias são usadas. A maneira de colocar o fanon lembra o método de assumir o amice universal na Idade Média e ainda observado por algumas das ordens religiosas mais antigas. [Wikipedia]

O Pallium ou Pall (derivado do pallium romano ou palla, um manto de lã) é uma vestimenta eclesiástica da Igreja Católica Romana, originalmente peculiar ao Papa, mas por muitos séculos concedida por ele aos metropolitas e primatas como um símbolo da jurisdição . O pálio moderno é uma faixa circular com cerca de cinco centímetros de largura, usada no pescoço, no peito e nos ombros. Ele tem dois pingentes, um pendurado na frente e outro atrás, que têm cerca de cinco centímetros de largura e trinta de comprimento, e são pesados ​​com pequenos pedaços de chumbo cobertos com seda preta. O resto do pálio é feito de lã branca, parte da qual é fornecida por dois cordeiros apresentados anualmente a título de taxa pelos Cônegos Regulares de Latrão. [Wikipedia]

A sedia gestatoria é o trono portátil em que outrora os papas eram carregados. Consiste em uma poltrona ricamente adornada, forrada de seda, presa a um suppedaneum, de cada lado dois anéis dourados através desses anéis passam as longas varas com as quais doze lacaios (palafrenieri), em uniformes vermelhos, carregam o trono. seus ombros. A Sedia gestatoria é uma variação elaborada da liteira. Dois grandes leques (flabela) feitos de penas brancas de avestruz e relíquia de mdasha do antigo uso litúrgico do flabelo, mencionados em Constitutiones Apostolicae, VIII, 12 e mdashare, carregados em ambos os lados da sedia gestatoria. Na foto acima, vemos o Papa Pio XII no trono. [Wikipedia]

Acima vemos o Papa São Silvestre I carregando a tradicional cruz papal. A prática dos papas carregando um Crúzio (pastor de ovelhas) foi gradualmente eliminada e desapareceu na época do papado de Inocêncio III, no século XI. Na Idade Média, os papas carregavam uma cruz de três barras (uma barra a mais do que aquelas carregadas antes dos arcebispos), da mesma maneira que outros bispos carregavam um báculo. Este, por sua vez, foi eliminado, mas Paulo VI introduziu o moderno pessoal pastoral papal, que em vez da tríplice cruz representa uma versão moderna do Cristo crucificado, cujos braços são fixados em uma barra transversal que é curvada um pouco como um báculo oriental . [Wikipedia]

O Anel do Pescador, também conhecido como Anel Piscatório e Pescatorio (em italiano), é uma parte oficial do uniforme usado pelo Papa, que é descrito pela Igreja Católica (da qual ele é o chefe) como o sucessor de São Pedro, que era pescador de profissão. Um novo anel é lançado em ouro para cada Papa. Ao redor da imagem em relevo está o nome em latim do Papa e rsquos reinante em letras em relevo. Durante a cerimônia de uma coroação papal ou inauguração papal, o decano do Colégio dos Cardeais desliza o anel no quarto dedo do novo Papa & rsquos mão direita. Após a morte papal, o anel é cerimonialmente esmagado na presença de outros cardeais pelo Camerlengo, a fim de evitar o lacre de documentos forjados e desatualizados durante o interregno, ou sede vacante.

A Tiara Papal (Triregnum) é a coroa papal com joias de três camadas, supostamente de origem bizantina e persa, que é um símbolo proeminente do papado. Os braços do Sumo Pontífice & rsquos apresentam uma & ldquotiara & rdquo desde os tempos antigos, principalmente em combinação com as chaves cruzadas de São Pedro & rsquos. Embora atualmente não seja usada como parte da regalia papal (embora ainda seja permitida), o simbolismo contínuo da tiara papal se reflete em seu uso na bandeira e nos brasões da Santa Sé e do Vaticano. Embora muitas vezes referido como a Tiara papal, historicamente houve muitos, e vinte e dois ainda existem. [Wikipedia]

Este artigo foi licenciado pela GFDL. Ele usa material dos artigos da Wikipedia citados acima.


Chapéu Bizantino Usado por João VIII - História

Devido às leis que proíbem quem pode usar o quê, e ao custo dos materiais, havia uma grande diferença de vestimenta entre as classes. Não apenas os materiais variavam, mas também os estilos, já que as classes mais baixas optavam pela praticidade em suas roupas por necessidade. As classes mais baixas, como trabalhadores e aprendizes, usariam linho, um tecido leve e fresco derivado da planta do linho, lã ou pele de carneiro. O algodão era produzido desde a antiguidade, mas sua importação e fabricação foram proibidas na Inglaterra elisabetana para proteger a indústria da lã, uma das principais exportações da Inglaterra. Não foi até a cultura do algodão no novo mundo e o desenvolvimento do descaroçador de algodão por Eli Whitney em 1793 que o algodão se tornou um tecido preferido (algodão).
Um exemplo de vestimenta feminina de classe média, c. 1570

Os tecidos disponíveis para as classes mais altas incluíam seda, cetim, veludo e brocado. Como isso foi antes da revolução industrial, toda a colheita, tecelagem e produção de tecidos e roupas eram feitas à mão, influenciando muito os preços. Tal como acontece com as escolhas de tecidos, as classes mais baixas eram limitadas na quantidade de roupas que podiam pagar e só podiam ter um conjunto de roupas. Libré, uniformes usados ​​pelos servos com as cores ou emblemas de seu senhor, eram fornecidos pelo senhor ao servo. As librés estavam isentas de muitas das restrições suntuárias, pois representavam o mestre da classe alta, não o criado.

Embora os materiais e suntuosidade das roupas variassem muito entre as classes, os elementos básicos de uma roupa eram praticamente os mesmos. Como hoje, os estilos entraram e saíram de moda, muitas vezes rapidamente.

Os estilos dos vestidos usados ​​pelas mulheres na Inglaterra do Renascimento mudavam de ano para ano, mas os estilos básicos permaneceram os mesmos. As mulheres usavam vestidos compostos por um corpete justo e uma saia mais cheia que ia até os tornozelos. Vestidos cortados para expor grande parte do decote eram aceitáveis ​​e estavam na moda. As roupas das classes altas eram pesadas e desajeitadas e restringiam os movimentos de quem as vestia. As mulheres das classes mais baixas usavam estilos muito menos restritivos, tanto para a liberdade de movimento, quanto porque não tinham criados para ajudá-las a se vestir. Ao se vestir, uma mulher de classe baixa usaria um espartilho muito mais folgado, ou nenhum, e possivelmente evitaria outras peças de apoio, como rolos de bumbum (almofadas em forma de meia-lua usadas ao redor dos quadris) ou farthingales (saias de aro usadas para segurar as saias para fora ) para maior conforto.

Todas as roupas femininas começavam com uma combinação (um avental de linho solto usado para proteger o vestido) e meias, que normalmente iam até os joelhos. Anáguas foram adicionadas tanto para preencher um vestido como para manter o usuário aquecido.


Lady Jane Gray, c. 1545

A roupa de um homem começaria com uma camisa, semelhante à camisa social de hoje, mas sem gola e punhos que conhecemos, em vez de usar golas e punhos de renda. Sobre ele iria um gibão, ou blusa justa, e, finalmente, um gibão, uma jaqueta justa. Os homens da classe trabalhadora, como suas contrapartes femininas, vestiam-se para a utilidade e podiam simplesmente usar a camisa sozinhos.

Em vez de calças como estamos acostumados hoje, os homens usariam meias nas pernas. A mangueira superior era (muitas vezes fofa) calças na altura do joelho, que se juntavam à meia de baixo, ou meias, na parte inferior da perna. No reinado de Henrique VIII, os gibões tornaram-se mais curtos, criando um espaço entre a mangueira superior e o gibão. No intuito de preservar o pudor, o pedaço de bacalhau voltou a ser popular, existindo desde a Idade Média. A peça de bacalhau era originalmente um bolso de tecido ou pele de animal na forma de meia ou calça, mas agora era feita de vários materiais e muitas vezes acolchoada ou usada para armazenamento - Henrique VIII usava seu tapa-sexo para guardar dinheiro. Mais uma vez, esses acréscimos ao traje seriam mais comuns em um indivíduo de classe alta ou pessoa na corte do que o inglês médio (Kosir).


Henry Wriothesley, 3º Conde de Southhamptam

As crianças na Inglaterra da Renascença eram consideradas simplesmente pequenos adultos, e suas roupas refletiam isso. As crianças vestiam roupas muito semelhantes às de seus pais, e tanto os meninos quanto as meninas usavam vestidos durante a infância. Para os meninos, isso ajudava a mãe a treinar e cuidar do banheiro. Quando os meninos tinham idade suficiente (geralmente por volta dos sete anos, quando podiam começar a ajudar os pais), eram "culatras" ou calçavam o primeiro par de calças ou meia. Essa prática continuou até o século 19 no mundo ocidental, e retratos de crianças costumam ser difíceis de definir sem adereços reveladores, como espadas ou chapéus.


Um exemplo das roupas da filha refletindo as da mãe, c. 1580

O termo suntuário refere-se à suntuosidade, ou aos excessos da vestimenta. As restrições suntuárias não eram novas para a monarquia ou o povo ingleses. O primeiro parlamento de Henrique VIII reuniu-se em janeiro de 1510 e aprovou uma lei suntuária que tirou grande proveito de atos anteriores em 1463 e 1483. Os atos aprovados durante o reinado elisabetano baseiam-se no ato de seu pai, mas compartilham muitas qualidades. No governo de Henry, as cores e roupas eram restritas por classe, permitia multar os infratores e também se preocupava não apenas com roupas masculinas, mas também femininas. Henrique e seu parlamento continuaram a emendar e fortalecer essas leis, concentrando-se nas penalidades impostas, outras restrições aos tecidos e ao comprimento dos tecidos, e continuando a permitir que o rei concedesse licença especial para aqueles que considerasse adequados (Hooper 433). Elizabeth, ao assumir o trono, estipulou ainda mais o que poderia ser usado e por quem. Ela primeiro deu ordens para garantir que os atos anteriores fossem seguidos. Uma proclamação datada de 21 de outubro de 1559 colocou a responsabilidade de garantir que essas leis fossem aplicadas nas mãos de magistrados e homens no poder. Uma carta foi então enviada à corporação da cidade, solicitando a aprovação desta proclamação e sugerindo que dois vigilantes por paróquia fossem destacados para realizar essa tarefa (437). Mais tarde, novamente em resposta ao que Elizabeth I denominou "o excesso de roupas e a superfluidade de mercadorias estrangeiras desnecessárias" que se acreditava causar sérios problemas para o reino, uma série de estátuas foram colocadas em prática, incluindo a maior em 15 de junho, 1574 (Hooper 437). A estátua final era a mais detalhada, listava especificamente tecidos, cores e designs, e designava explicitamente o uso deles a nobres específicos.

Todas essas restrições, de Henrique VIII a Elizabeth I, serviram a diversos propósitos, tanto abertos quanto encobertos. O propósito mais explícito era abordar o problema de jovens cavalheiros e nobres promissores, que, no esforço de ter uma aparência melhor e usar os melhores materiais disponíveis, gastariam com seus recursos. Isso não era apenas um problema para suas famílias, mas para a monarquia, pois esse dinheiro poderia ser mais bem gasto em bens de melhor uso para a nação. Também era de vital importância em uma sociedade estritamente baseada em classes e segregada por classes como a Tudor England que as pessoas se vestissem de acordo com os padrões de sua própria classe e gênero. Um sistema de classes não funciona de maneira eficiente se não se pode dizer a qual classe uma pessoa pertence, e o borramento das linhas de classe retira parte do significado das posições mais altas. Essa distinção clara entre grupos também é necessária para conter as tentativas de mobilidade ascendente da classe média emergente de mercadores e para manter a conformidade social e a etiqueta, que Elizabeth favorecia fortemente. Além disso, essas leis restringiram o influxo de mercadorias estrangeiras desnecessárias, em um esforço para apoiar o comércio inglês (436).

A punição pela violação desses estatutos eram multas e / ou penas de prisão no valor de até três meses para o estatuto de 1562 proibindo qualquer pessoa sob a categoria de cavaleiro usar enfeites de seda em chapéus e outros artigos diversos. Durante o reinado de Henrique, a Lei de 1533 para a Reforma da Excesse em Apparayle cobrava uma multa de 3 xelins e 4 pence por cada dia da ofensa (435). Não era uma multa astronômica, mas pode-se imaginar que seria um desgaste para um membro da classe trabalhadora. Aqueles que empregam empregados que violaram as restrições também podem enfrentar uma grande multa por não dispensar o empregado de seu emprego ou contratá-lo novamente. As penalidades pagas foram multas, não taxas, e pessoa de menor status não poderia adquirir os "direitos" de um determinado item ou material (Secara).

Em 1561, foram impostas restrições à quantidade de tecido a ser usado na mangueira, e os alfaiates obrigados a firmar laços para observar essas disposições. A recusa significava prisão e perda da ocupação. As buscas eram feitas regularmente para garantir a cooperação, e os funcionários e aprendizes também eram ensinados a seguir a lei (440). Em 24 de janeiro de 1565, Richard Walweyn, um servo cujo senhor também fora acusado de "um grande par de mangueiras ultrajantes", foi detido até que pudesse adquirir uma mangueira mais apropriada para si. Em outro caso, o alfaiate comerciante Thomas Bradshaw foi condenado por usar meias inaceitáveis. O tribunal ordenou que todo o enchimento e forro de uma de suas ditas mangueiras sejam cortados e retirados imediatamente, e ele seja colocado em seu gibão e mangueira, e assim conduzido de volta para casa pela rua em sua Casa da Sra., E lá o forro e enchimento do outro a ser cortado e puxado da mesma forma (441)

Os violadores de cargos superiores eram tratados com mais delicadeza. Em um caso, os infratores descritos como "cavalheiros" foram multados em 20 e obrigados a corrigir seus trajes. Mesmo com punições, os estatutos eram difíceis de aplicar. Foram nomeados oficiais para o tribunal, e vereadores foram encarregados de monitorar seus tutelados. Isabel I atribuiu a responsabilidade de fazer cumprir as restrições a todo o clero para seu rebanho, senhores para seus servos, vizinhos uns para os outros (Secara). No entanto, os vizinhos provavelmente não se entregariam se quisessem violar as próprias estátuas. Em 1566, Elizabeth emitiu preceitos ordenando que os guardas nos portões da cidade às sete da manhã:

Os infratores foram levados aos magistrados no Guildhall (443).

Apesar do possível custo em multas para os infratores, a melhor fiscalização foi a opinião pública. O constrangimento público era uma punição muito eficaz. Vestir algo que não se encaixava na visão da sociedade do aceitável poderia ser ridicularizado (Secara). Ridículo no tribunal ou na cidade por uma violação ou item impróprio seria mais prejudicial, e público, do que uma multa, como no caso do alfaiate Thomas Bradshaw, por quem a maior punição foi marchar através de Londres para sua casa em seu rasgado, traje ilegal. A menção de sua "senhora" no relato acima também implica que os violadores também enfrentariam censura em casa.

The specific items restricted were detailed, and covered every aspect of the Elizabethan costume. Among the restrictions listed in Elizabeth I's 1574 statute were:

Purple silk and sable fur: Reserved strictly for the Queen, King, and their family members.

Velvet: The colors crimson and scarlet being reserved for only the highest nobility: dukes, marquises, and earls.

Tinseled cloth: Cloth that was woven with strands of gold and silver, that is, tinsel, was reserved for the nobility including viscounts and barons.

Gold, silver, or pearl embroidery: Reserved for dukes, marquises, earls (including the children of all three), viscounts, barons, and Knights of the Garter.

Lynx and civet cat fur: Restricted to the above ranks, and including the wives of men who can dispend 100 by the year.

Enameled buttons, chains, etc.: Restricted to the above nobility, and including wives of barons' sons, and wives of knights.

Silk, satin, and damask: Reserved for the above, and including knights' daughters.

The statues covered both men and women's clothing. These statues were specific to all ranks of the nobility, and dictated the allowances from the Queen down to knights. The only non-nobles permitted these types of materials and items were those who were in service to the Queen through diplomatic positions, the privy chamber, or other court office, or those men and women in service to nobles, who were permitted materials in their liveries.

There was not only concern in this period for men and women dressing above their status and means, but also, men and women testing gender boundaries by cross dressing. Just as sumptuary violations blurred class lines, so did Renaissance cross dressing blur gender lines. In a strictly gendered and homosocial environment, this was of great concern. The most public instance of cross dressing was in theatre. Women were not allowed onto the stage, and therefore young men and boys would play female roles, dressing completely for the part. This raised concerns about homoeroticism and feminization (Cressy 438). Instances of cross-dressing abound in Renaissance theatre, not only in males dressing for female roles, but female characters dressing as males. That is, a male actor would dress as a female character who in turn dresses as a male. A classic Shakespearean example is As You Like It, wherein the female charatcer Rosalind (played by a male actor) dresses as the male Ganymede.

Off-stage, women would cross-dress for a number of reasons, including to avoid rape, be able to travel alone, practice a profession, or simply to have adventures (Cressy 440). A notable example of female cross-dressing is Mary Firth, also known as Moll Cutpurse, awell-known character about London, who regularly dressed as a man, smoked, and appeared on stage (462). Thomas Middleton and Thomas Dekker's The Roaring Girl is based on Firth. She was forced to appear in court for her transgressions, although was treated lightly (462).

For the most part, off-stage cross dressing was viewed as a prank, or lark and punishments were often mild in the courts (461). Punishments, like for violating sumptuary statutes, were often focused on public embarrassment. One women in 1578 was required to ask her father's forgiveness before communion (460).

Above all, clothing violations, whether classed or gendered were enforced to keep conformity, preserve class distinctions, and with these, preserve social harmony as a gender- and class-segregated society. While the punishments were often light, the number of records of violations and the need of statutes implies the seriousness to which Tudor monarchs viewed the matter.

Cressy, David. "Gender Trouble and Cross-Dressing in Early Modern England." The Journal of British Studies, Vol. 35, No. 4 (Oct., 1996), pp. 438-465

Elizabeth I, "Statute Issued at Greenwich," 15 June 1574.

Hooper, Wilfrid. "The Tudor Sumptuary Laws," The English Historical Review. Vol. 30, No. 119. July 1915.

Kosir, Beth Marie. "Modesty to Majesty: The Development of the Codpiece." Richard III Society, American Branch: http://www.r3.org/life/articles/codpiece.html

Leed, Drea. "History of the Elizabethan Corset." Elizabethan Costume Page: 2008: http://www.elizabethancostume.net/corsets/history.html

Leed, Drea. "Overview of an Elizabethan Outfit," Elizabethan Costume Page: 2008: http://www.elizabethancostume.net/overview.html

Secara, Maggie. "Elizabethan Sumptuary Statutes." Elizabethan.Org: http://elizabethan.org/sumptuary/index.html

Tudor and Elizabethan Potraits. Vast collection of images spanning from the reign of Henry VII to James I.

The Faces of Elizabeth I and Luminariium.org. Includes potraits of Elizabeth I, demonstrating the changing fashion of her reign.

Elizabethan Costume Page. Large list of links for anyone interested in Renaissance Costuming. Includes histories, images, tutorials, and other resources.


Glossary of Renaissance Fashion

Once again I shall make a glossary of clothing terms, this time from the Renaissance. Some of the terms I defined for Medieval clothing were also used during the Renaissance and I will most likely use some of those terms in current posts, so their definitions can be found here.

basquine — boned bodice made of whalebone and leather, gave the appearance of wider shoulders tapering to a tiny waist (women)

beret— thin, loose hats that usually tilted towards one side of the head

bombasting — stuffing for trunk hose, peascod-belly, and leg-of-mutton sleeves, composed of rags, flock, and other materials

bourrelet — wider version of the farthingale adapted in France, more cylindrical in shape rather than conical (women)

bum roll/bolster — roll of padding tied around the hip line to hold the skirt out from the body, less restrictive than the farthingale (women)

camicia — undershirt usually made of white linen (men)

canions — upper stocks worn from the doublet to the knee (men)

chopines — shoes that elevated the wearer, eventually developed into high heels

crescent cap — circular/heart-shaped cap worn towards the back of the head with a velvet veil covering the rest of the hair

codpiece — padded triangle of fabric worn laced to the front of the trunk hose over the groin (men)

copotain — high bell-shaped hat

duckbill shoes/scarpines/ox-mouth shoe — large, wide, square-toed shoes often decorated with jewels or slashes (men)

enseigne — disc-shaped hat ornament, usually extremely detailed with jewels/carvings (men)

farthingale — topmost petticoat, hooped to give shape to the skirt (women)

finestrella sleeves — sleeves where the outer fabric was slit horizontally and the sleeves of the undergarment were pulled through (women)

flat cap — flat hat with soft crown and moderately broad brim (men)

funnel sleeves — sleeves that were fitted at the upper arm and ballooned out, fitted tightly around wrist

Kennel or Gable Headdress

jerkin— short velvet or leather jacket, usually sleeveless (men)

kennel/gable headdress — pentagonal piece worn over the top of the head with veil/bag cap of dark velvet attached to the back and covering hair (women)

leg-of-mutton sleeves — puffed sleeves that extended the entire length of the arm

neck wisk — a falling ruff that was open at the front, resembling a collar

nether stocks — trunks worn under breeches, long enough so that the bottoms could be seen (men)

pantofles — wooden platforms attached to the sole of the shoe with pieces of fabric to protect them from rain, snow, and mud

peascod-belly doublet — doublet rounded at the abdomen to give the appearance of a filled-out belly (men)

points — resembled shoelaces, used to attach trunk hose to doublets or sleeves to doublets or bodices (lacing/trussing)

pokes — apron-like pockets tied to the doublet (men)

ruff — starched (often with different colors) and wired collar pleated into ruffles, could be made of lace or jeweled, usually had matching cuffs

shoe rose — decoration usually made of lace or jewels that was worn at the front of the shoe

slashing and puffing — slits cut in a garment with fabric from the undergarment pulled through to form puffs

stomacher — stiffened triangular piece worn at the front of the bodice, reaching from neckline to lower abdomen (women)

supportasse — frames of silk-colored wire pinned underneath the ruff to keep it in place

trunk hose/pumpkin hose — ballonish-looking breeches that extended from the end of the doublet to about mid-thigh (men)

Venetians— full breeches that reached the knee

verdingale/farthingale frill — stiff wheel of fabric, often pleated, worn between the bodice and the skirt (women)

wasp waist — deep V-shaped waistline that extended over the skirt

wings — rolled fabric worn vertically around each shoulder, between the sleeve and the bodice

wisk/Medici collar — fan-shaped pleated collar, stiffened with wire and open at the front

zipone — buttoned tunic that reached the knee worn over the doublet (men)

zornea — cape with wide sleeves, belted at the waist (men)


The history of Middle Eastern and Western dress

Modern knowledge of ancient Egyptian dress derives from the ample evidence to be seen in the wealth of wall and sarcophagus paintings, in sculpture, and in ceramics few actual garments have survived. Such illustrative material is depicted clearly and colourfully, but care must be taken in interpreting the designs too literally, partly because the art is frequently stylized but also because the artists were bound by tradition and their representation of dress often lagged far behind the actual changes of fashion.

The chief textile to have been preserved is linen, which has been found in graves from the Neolithic Period. The growing of flax, from which linen is made, dates from very early times the Egyptians believed that the gods were clothed in linen before they came to earth. Wool was more rarely employed, and sericulture, the raising of silkworms, had not yet extended as far west as Egypt.

The technique of using mordants, any of several chemicals used to bind dyes to cloth, was slow to come to Egypt, so most garments were white. Instead, colour was provided by jewelry, in which semiprecious stones were widely incorporated. Among the most common types, the characteristic deep, decorative collar, worn by both sexes, was introduced early. These brightly hued bands were made of embroidered and beaded materials and set around the neck and shoulders either on bare skin or on top of a white cape or gown. In some depictions the collar is clearly the major, if not the only, item of apparel worn.

During the most distant era, dress for both sexes was confined to loincloths, a vest or shirt, capes, and robes. Skins of various animals were utilized. These were sometimes simply raw hides, which have survived only rarely, but the Egyptians became skilled at curing the skins to become leather by the tawing method—that is, by the use of alum or salt. Tawing yields a white, stiff leather that may be dyed various colours. Later they adopted the tanning method, employing oak galls for the purpose. Leather was used widely in dress for footwear, belts, and straps.

During the 3,000 years of the ancient Egyptian culture, costume changed comparatively little and very slowly. It generally emphasized a draped style of dress, the garments consisting of pieces of material held in place around the body by knots tied in the fabric and by belts, sashes, and collars. Little sewing was needed, being confined generally to side seams and, in later years, to armholes. This draped type of dress conformed to that of other civilizations in the Mediterranean and Middle Eastern region, such as Greece, Rome, and Mesopotamia, but differed from the styles of Persia, northern India, and China, where people wore more fitted, sewn garments based upon coats, tunics, and trousers.

Over the years the style of these garments slowly evolved and became more complex a greater number were worn either in combination with or on top of one another. During the Old Kingdom (its capital at Memphis), which lasted until about 2130 bce , dress was simple. Men wore a short skirt tied at the waist or held there by a belt. As time passed, the skirt became pleated or gathered. Important people wore in addition a decorative coloured pendant hanging in front from the waist belt and a shoulder cape or corselet partly covering their bare torso. A sheathlike gown was typical of feminine attire. This encased the body from the ankles to just below the breasts and was held up by decorative shoulder straps. Woolen cloaks were worn for warmth by men and women.

Under the Middle Kingdom (its capital at Thebes), which prospered until about 1630 bce , the masculine skirt could be hip- or ankle-length. More material was now used, making the garment fuller, such fullness being concentrated in the centre front and the pendants became more elaborate and ornamental. A cape might be draped around the shoulders and knotted on the chest. Late in the period a double skirt was introduced alternatively, a triangular loincloth might be worn under a skirt.

The most elaborate dress for both sexes was to be seen under the New Kingdom from about 1539 bce until the Egyptians were conquered by the Assyrians (671 bce ), the Persians (525 bce ), Alexander the Great (332 bce ), and finally Rome (30 bce ). During these later years Egyptian dress was strongly influenced by that of the conquerors. New Kingdom dress was more complex than theretofore. The garments were of similar type but were composed of larger pieces of material draping became more complicated and ornamentation richer. A robe or gown was now worn by important persons of both sexes. It consisted of a piece of fabric measuring 5 by 4 feet (1.5 by 1.2 metres) that was draped and held in place by pins and a waist belt, creating wide, elbow-length sleeves. There were many ways of draping the material, but with most methods all the pleats and folds seemed to be gathered around a single point at the waist. The cape, decorative collar, skirt, and pendant girdle also continued to be worn. Foci of bright colour were provided by the deep collar and pendant apron. Embroidered and carved ornamental motifs included especially the lotus flower, the papyrus bundle, birds in flight, and many geometric forms. Sacred emblems such as the scarab beetle and the asp were worn by priests and royalty.

Children were dressed, as in most of the history of costume everywhere, as miniature versions of their parents, although they are often depicted wearing little at all—not surprising considering the climate of Egypt. Servants also were almost naked, as were labourers in the fields, who are depicted clad only in a loincloth.

Heavy wigs or a padding of false hair, worn by men and women alike, are known from an early period. They served not only as an adornment but also to protect the wearer’s head from the burning rays of the Sun, thus in a way acting as hats. Semicircular kerchiefs, tied by the corners at the nape of the neck under the hair, were sometimes worn to protect the wig on a dusty day. Wigs were dressed in many different ways, each characteristic of a given period generally speaking, the hair became longer and the arrangement of curls and braids—set with beeswax—more complicated as time went on.

The earliest records indicate that Egyptian men grew hair on their chins. They might frizz, dye, or use henna on this beard, and sometimes they plaited it with interwoven gold thread. Later, a metal false beard, or postiche, which was a sign of sovereignty, was worn by royalty. This was held in place by a ribbon tied over the head and attached to a gold chin strap, a fashion existing from about 3000 to 1580 bce .

Many people went barefoot, especially indoors, but people of rank are depicted outdoors in sandals made from palm leaves, papyrus, or leather.

Cosmetics were extensively applied by both sexes, and considerable knowledge of their use is available because of the Egyptian custom of burying comforts and luxuries with the dead. Examples of the cosmetics used and of the means of making, applying, and keeping them may be seen in museums, especially in Cairo and London. The Egyptians applied rouge to their cheeks, red ointment to their lips, and henna to their nails and feet, and ladies traced the veins on their temples and breasts with blue paint, tipping their nipples with gold. The chief focus of makeup was the eye, where a green eye shadow (made from powdered malachite) and a black or gray eyeliner was applied the latter substance, called kohl, was manufactured from, among other materials, powdered antimony, carbon, and oxide of copper.


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Victorian Children’s Fashion

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