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Biografia de Joan Miro Pintor Espanhol - História

Biografia de Joan Miro Pintor Espanhol - História


Biografia de Joan Miro


Joan Miro Ferra foi um influente pintor, escultor, ceramista e gravurista do século 20, que nasceu em 1893 na região catalã da Espanha, perto de Barcelona. Ele começou a desenhar quando menino e mais tarde frequentou uma escola de negócios, bem como a La Lonja School of Fine Arts. Nesta última escola, ele foi incentivado por dois professores, um deles o encorajou a reviver o espírito da arte primitiva catalã, combinando-a com descobertas e técnicas modernas. (Isso foi no início do século 20, na época em que a arte moderna estava apenas começando na Europa, e o clima criativo era enérgico e progressivo.) Quando jovem, ele conheceu o rico folclore da Catalunha, que mais tarde influenciou seu imagens, por exemplo, como ele viu formas totalmente naturais como seres, incluindo seixos e árvores. Ele também foi exposto a interiores completos de igrejas com afrescos do século IX ao XII em visitas ao Museu da Catalunha em Barcelona, ​​com sua execução relativamente grosseira e suas imagens simples, planas e semelhantes a desenhos animados. Eles também usaram cores primárias, todas fortemente delineadas em preto, com um campo sombreado ao redor, bem como o tratamento também moderno do espaço como uma superfície plana ao invés da tradicional ilusão de profundidade em uma imagem (perspectiva, etc.). Todos esses elementos podem ser observados na obra de Miro, assim como o uso de diferenças de escala, onde uma forma é desproporcionalmente maior que as outras, método frequentemente utilizado por crianças quando fazem dos objetos mais importantes para elas os maiores objetos do imagem.

Após 3 anos de faculdade de administração, Miro conseguiu um emprego como escriturário de contabilidade em uma drogaria, que foi o tipo de cargo que seus pais escolheram para ele. Ele estava sobrecarregado de trabalho e ficou gravemente doente, à beira de um 'colapso nervoso', seguido por um surto de febre tifóide. Seus pais então o levaram para sua nova fazenda, Montroig, em um vilarejo isolado na Catalunha. O estado de saúde dele levou seus pais a permitirem que ele fizesse o que ele mais queria fazer - pintar. Frequentou a Academia Gali de Barcelona (uma academia de espírito livre com influência de pintores estrangeiros contemporâneos, onde também havia interesse pela literatura e pela música). A expressão individual foi encorajada. Miro também aprendeu a desenhar apenas pelo sentido do tato, ao invés da visão. Nessa época (por volta de 1915), Dada estava começando, e Miro começou a ler poetas surrealistas de vanguarda como Apollinaire e Pierre Reverdy. Ele conheceu Josep Llorens y Artigas, que se tornaria um amigo de longa data, e com quem colaboraria em projetos de cerâmica nos próximos anos. Miro também foi influenciado pelo fauvismo (especificamente Henri Matisse) e pelo cubismo, que começou nos primeiros anos do século 20, e inicialmente pintou naturezas mortas. (A Espanha tem uma tradição histórica de naturezas mortas místicas, que combinam objetos comuns com iluminação sinistra contra escuridão total.) De 1915 a 1918, ele pintou nus, depois retratos e depois paisagens. Nesse ponto, ele começou a "geometrizar" as formas, passando a usar cores independentemente de sua cor local (como os fauves, que usavam cores vivas não vistas na natureza). Ele também começou a procurar por sinais e símbolos para representar humanos e animais em tensão ou movimento. Suas duas maiores influências quando jovem foram Paul Cezanne, Manet, Claude Monet e Vincent van Gogh. A Galeria Dalmau em Barcelona foi um ponto de encontro para visitantes estrangeiros aqui Miro conheceu Francis Picabia, um pintor dadaísta. A obra de Miro tinha passado por um período de expressividade livre que agora decidiu apertar um pouco, fazendo paisagens até 1921-22. Seu trabalho mais conhecido desse período é The Farm, uma vista da fazenda de seus pais. O trabalho realizado nessa época mostra detalhes minuciosos, usando a precisão de um pintor primitivo ingênuo. Nesta época, e durante toda a sua vida, ele foi influenciado por sua herança catalã, como a cerâmica catalã decorada e os murais catalães que foram restaurados na década de 1920 e pintados em padrões planos em estilo folclórico. Ele também estava começando a ser influenciado pelo surrealismo (que começou na década de 1920), e seu trabalho agora assumia uma aparência mais econômica (reduzindo ao essencial).

Em 1919 fez sua primeira viagem a Paris, visitando Picasso em seu estúdio. Os pintores Francis Picabia, Salvador Dali, Antoni Tapies e o arquiteto Antoni Gaudi também nasceram na Catalunha. Embora Picasso tenha nascido em Málaga, na região andaluza da Espanha, ele foi influenciado pela arte catalã. Na vida de Miro, houve três lugares importantes: Montroig (na Catalunha), Barcelona e Paris. (A Catalunha está localizada na parte nordeste da Espanha, perto da França, e a cultura catalã está muito próxima da cultura do sul da França. O povo catalão sempre foi um povo muito independente, mantendo-se fiel à sua língua e tradições.) Um um ano depois, ele visitou Paris novamente, encontrando os poetas surrealistas Pierre Reverdy e Tristan Tzara. Nessa época, ele participou da primeira manifestação Dada em Paris. E, finalmente, ele se mudou para Paris, em um momento emocionante para jovens artistas, que compartilhavam uma amizade solidária. Em 1923, houve uma grande mudança na arte de Miro, movendo-se em direção a formas mais semelhantes a sinais (ou seja, como hieróglifos), formas geométricas e ritmo geral. Houve também um movimento em direção a uma composição mais geral, com The Harlequin's Carnival de 1924-25. Esse tipo geral de composição foi mais tarde usado por Jackson Pollock, Robert Motherwell, Mark Rothko e outros modernistas, em vez de usar um ponto focal como o usado na pintura tradicional, a composição abrangia toda a superfície do quadro igualmente em todos os lugares. Suas formas incluíam gatos, borboletas, manequins e camponeses catalães, e havia movimento visual em suas imagens. O surrealismo começou nesta época, com o escritor Andre Breton lançando o Manifesto Surrealista. O surrealismo deveria ser uma fusão da realidade e do sonho, uma espécie de "super" realidade. Breton achava que o trabalho de Miro tinha inocência e liberdade. Miro expôs seu trabalho em exposições surrealistas e foi influenciado principalmente pelos poetas surrealistas, que em sua busca por explorar o inconsciente jogavam jogos como o "cadáver primoroso" para compor poemas. Cadáver requintado era uma técnica em que um dicionário era distribuído por um grupo de poetas, que escolhiam cada um uma palavra aleatoriamente. Quaisquer que fossem as palavras que surgissem, elas se organizariam em um poema, assim foi criada a frase "cadáver requintado". Eles também usaram as técnicas de automatismo psíquico (como associação livre) e "perturbação sistemática dos sentidos". Miro e outros pintores (como Andre Masson) descobriram uma maneira de transferir essas técnicas para seu meio visual, usando seus sonhos e associação visual livre. Miro pintou cerca de 100 pinturas de seus sonhos nesta época, este foi seu período mais surrealista. Ele também ilustrou poemas surrealistas em colaborações com poetas. Outro conceito introduzido pelos dadaístas foi o elemento do acaso ou acidente na arte. Eles começavam com uma mancha de fluido e depois acrescentavam para fazer uma pintura. "O pintor trabalha como o poeta, primeiro a palavra, depois o pensamento" é uma citação que tenta descrever como artistas e poetas podem ver ou pensar em uma imagem ou palavra concreta, antes de formularem a ideia ou "simbolismo" por trás dela . Nessa época, Miro foi influenciado pela obra de Francis Picabia e Giorgio de Chirico. Embora exibisse com os surrealistas e fosse amigo de muitos deles, nunca se submeteu totalmente ao movimento deles e não assinou o Manifesto Surrealista, talvez por causa das atividades políticas radicais dos surrealistas, também muito interessados ​​no idéias psicológicas de Sigmund Freud e Jung.

Em 1927 e 1928, Miro pintou figuras derivadas da arte popular catalã. Em 1928, começou a pintar imagens baseadas em cartões-postais de alguns interiores holandeses que vira na Holanda, de pintores como Jan Steen. As imagens a partir das quais ele trabalhou estavam repletas de formas, ele gradualmente simplificou as formas e desnudou muito a imagem, usando divisões geométricas e movimentos curvos nas composições. Nessa época, ele se afastou ainda mais de seus pontos de partida e começou a usar fontes incomuns, como um motor a diesel, influenciado pelo pensamento surrealista. De 1928 a 1929, ele produziu uma série de colagens em Paris, ele se aproximou de Max Ernst, Rene Magritte, Paul Eluard e Jean Arp, por isso foi mais influenciado pela obra desses pintores surrealistas e de um poeta. Max Ernst, em particular, é conhecido por suas colagens. Na arte surrealista havia duas tendências: as imagens representacionais de Dali e Magritte, e as imagens mais abstratas de Masson e Miro, embora ambas fossem afetadas por ideias surrealistas de anti-lógica e subconsciente e imagens de Dali e Magritte, embora pintadas em um moda altamente realista, retrata objetos e cenas que não aparecem no mundo racional, como um trem entrando em uma sala através de uma lareira ou relógios derretendo. Em 1929, Miro havia encerrado a primeira fase de seu fazer artístico, e ele começou a questionar e reavaliar seu trabalho durante os 10 anos seguintes, que foram uma luta para ele, financeira e artisticamente. Ele começou a experimentar materiais - fazendo papiers colles e colagens, usando fotos de objetos comuns, como utensílios domésticos, máquinas e pregos reais, barbante, etc. Este período de experimentação o ajudou a abandonar quaisquer práticas tradicionais remanescentes e eliminar hábitos usuais de trabalhando. Ao usar objetos sem significado, os artistas são capazes de se concentrar nas qualidades abstratas dos objetos, ao invés de seus significados ou emoções associadas, permitindo uma liberdade mais formal, o espectador também é menos capaz de atribuir significados literais às imagens. Esses assuntos "neutros" com pouco valor estético ou significado desviam a atenção do assunto e em direção às formas e conteúdo da imagem. Depois de criar essas colagens, Miro faria uma pintura da colagem - transferindo uma imagem de colagem plana para a tela igualmente plana. Essas pinturas das colagens são imagens altamente refinadas e fortemente gráficas e, embora não contenham nenhum assunto identificável, as pinturas contêm conteúdo ou significado. Embora Miro seja muitas vezes caracterizado como um pintor abstrato, ele próprio considerava que não o era - até considerava um insulto chamar a sua obra de abstracta, pois afirmava que todas as formas das suas imagens se baseavam em algo do mundo exterior, apenas simplificado em suas formas biomórficas características e linhas curvas. Na década de 1930, o conflito estava ativo em todo o mundo, em particular a Guerra Civil Espanhola e o início da Segunda Guerra Mundial. Muitas atrocidades ocorreram durante a Guerra Civil Espanhola, infligidas pelas forças fascistas de Franco, conforme retratado por Picasso em seu famoso Guernica. Embora Miro não fosse um artista político, suas formas durante essa época retratam certa brutalidade, com distorções e cores berrantes. Ele criou um mural para o pavilhão espanhol na Exposição de Paris de 1937, chamado The Reaper.

Em 1940 e '41, ele começou sua conhecida série de 22 constelações, que consistem em pontos pretos que representam estrelas em um fundo branco, usando guache e óleo diluído sobre papel. São trabalhos muito complexos, com todas as partes da tela ativadas. Os pontos cuidadosamente colocados criam uma sensação de movimento de 'pular' ou 'dançar', até mesmo uma sensação de "conectar os pontos". Eles lembram visões do trabalho tardio de Piet Mondrian, quando ele descobriu o jazz americano - Broadway Boogie-Woogie de 1947, que tem o mesmo movimento visual e uma qualidade dançante e legal dos pequenos quadrados. No entanto, o trabalho de Miro tende mais para a consciência cósmica - essas são estrelas, em vez de apenas pontos abstratos (poesia pintada).

Miro ficou na Espanha durante a Segunda Guerra Mundial, seu trabalho é influenciado pela noite, música e estrelas. Suas formas tornaram-se ainda mais abstratas e ele usou uma série de técnicas em seu trabalho, por exemplo, sempre que as linhas se cruzavam, havia um toque de cor primária quando o vermelho e o preto se sobrepõem ao amarelo. Ele deu às obras títulos evocativos, como O Belo Pássaro que Revela o Desconhecido a um Par de Amantes. Em 1942 iniciou o seu interesse pela gravura e cerâmica (com o amigo Artigas, ceramista de grande perícia), e em 1944 regressou à pintura, acrescentando agora uma qualidade caligráfica às suas imagens. Já estava começando a ganhar fama internacional, devido à sua exposição retrospectiva de 1941 no Museu de Arte Moderna de Nova York, e sua presença na Exposição Surrealista Internacional de 1947 em Paris, organizada por Marcel Duchamp e Andre Breton. Naquele ano, ele foi convidado a fazer uma encomenda de um mural para um hotel em Cincinnati, Ohio, que tinha 9 metros de comprimento. Em 1950 e '51, ele fez outro mural para o Centro de Pós-Graduação em Harvard, que consistia em blocos de cores frouxamente quadrados combinados com linhas pretas e pequenas áreas de cor pura. Esses elementos formam figuras de desenho animado. (Esse mural foi mais tarde substituído pelo mural de cerâmica de Miro.) Durante a década de 1940, ele também pintou algumas "figuras de palito" e, na década de 1950, suas imagens continham formas que eram quase como pictogramas primitivos. Em suas pinturas, as formas muitas vezes não tocam as bordas da área da imagem - a maioria está a uma distância uniforme das bordas, com talvez um pequeno elemento tocando a borda da tela na parte superior ou em outro lugar. Seus planos de fundo também ficaram mais manchados agora, em vez de áreas planas de tinta, o que dá às imagens uma sensação de profundidade visual. Apesar de não atingir totalmente as bordas, suas formas nesta época ainda conseguem ter um tipo geral de composição. Ele também começou a pintar cerâmica durante esta época. Depois da guerra, depois de ter ficado em reclusão, ele passou um tempo com os amigos artistas Marcel Duchamp, Alexander Calder e Yves Tanguy em Nova York. Ele foi influenciado pelo tempo que passou na América, principalmente pela vida na cidade de Nova York, que consistia em luzes brilhantes e uma espécie de bombardeio sensorial, às vezes estressante. Em 1948 voltou a Paris e teve várias exposições. Algumas de suas obras agora são cuidadosamente compostas e executadas, e outras são deliberadamente espontâneas e experimentais. No início dos anos 1950 começou a mesclar essas duas tendências em seu trabalho, com um fundo pictórico, formas lineares em preto e branco e toques de cor pura. Durante a década de 1950, ele desenvolveu uma abordagem totalmente nova, usando os métodos de pintura do homem primitivo, fazendo formas pintadas e esculpidas. Nessa época, ele teve o sonho de toda a vida de um "grande estúdio" tornado realidade, e ele se cercou de todos os objetos que havia coletado ao longo dos anos em caminhadas, como pedras polidas, troncos, conchas, ferraduras, implementos agrícolas, etc. Isso também refletia o interesse surrealista por objetos mágicos especiais, como talismãs. Suas formas simples encorajavam as formas simples em seu trabalho. De 1945 a 1950, ele esculpiu pequenas figuras em argila, como deusas da fertilidade primitivas e vasos simples com formas de pássaros e cabeças. Entre 1954 e 1960 realizou sua maior produção cerâmica, com o auxílio de Josep Llorens y Artigas, que lhe deu assessoria técnica para suas criações. Eles usaram um forno muito grande para Miro assar suas formas de cerâmica cada vez maiores, que ele criou em partes individuais para serem reconectadas após a queima. Eles queriam produzir obras de cerâmica que não fossem simplesmente pinturas transferidas para a cerâmica, mas em deferência ao próprio meio de cerâmica. Seu grande projeto era converter os objetos de arte de Miro para o meio de cerâmica. Eles começaram com grandes blocos de pedra sugeridos por formações rochosas naturais no campo, depois fizeram pequenas formas de seixos e ovos. Eles fizeram vasos, pratos e tigelas, e acrescentaram formas a eles, para produzir objetos sem uso prático. Finalmente, ele criou formas inteiramente inventadas. Eles desenvolveram um processo de envidraçamento altamente refinado, utilizando de 3 a 8 queimas para cada peça. Devido à imprevisibilidade de um forno, as peças podem se quebrar ou trazer resultados inesperados. O uso do método raku de cerâmica, assando com fogo de lenha, produz efeitos não vistos em fornos a gás ou elétricos. Miro aprendeu muito a controlar esses caprichos do forno, e daí resultaram 232 peças, que enviou a Paris em 1956 para uma exposição na Galerie Maeght. O efeito desse show na galeria foi poderoso, tendo um forte efeito sobre os espectadores - suas formas primitivas em pé e sentadas, como uma floresta paleolítica. Miro também produziu sua primeira escultura em bronze nessa época. Em 1955, ele foi contratado para decorar o novo prédio da UNESCO em Paris. Ele fez um projeto de cerâmica de acordo com o projeto do prédio. Para este projeto, ele e Artigas inspecionaram as pinturas rupestres de Altamira e os afrescos românicos do Museu de Barcelona, ​​bem como as decorações do arquiteto Gaudí. Miro recebeu o Prêmio Guggenheim em 1958 por este trabalho.

Em 1959, ele voltou a pintar, e seu trabalho agora era informado por suas experiências em outras mídias. Em 1962 ele pintou Mural Painting III, uma imagem extremamente sobressalente com uma superfície sólida amarelo-laranja, com dois pequenos pontos pretos e três linhas irregulares, uma imagem sobressalente, pictórica. Durante a década de 1960, ele se dedicou mais aos meios de impressão, cerâmica, murais e escultura. Uma das razões de seu interesse por esses outros meios era que eles envolviam a colaboração com outras pessoas, ao invés da atividade solitária da pintura. Além disso, a produção de muitas imagens pela gravura, em vez de apenas um original, o atraía.

A influência de Miro na arte do final do século 20 é grande, alguns artistas que foram influenciados por ele incluem Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko e pintores abstratos expressivos. Talvez o pintor do campo de cores original tenha sido Matisse, e talvez o uso de um grande campo de cor por Miro se deva à influência de Matisse. Os pintores que vieram depois que usam o campo de cores incluem Helen Frankenthaler, Jules Olitski e Morris Louis. Os vastos campos de cor de Miro também introduziram a ideia de que o espaço "vazio" é tão valioso quanto o espaço ocupado na pintura. Aqui está uma citação de Miro de 1958 de Twentieth-Century Artists on Art:

O espetáculo do céu me oprime. Fico maravilhada quando vejo, em um céu imenso, o crescente da lua ou o sol. Lá, nas minhas fotos, minúsculas formas em enormes espaços vazios. Espaços vazios, horizontes vazios, planícies vazias - tudo o que é vazio sempre me impressionou muito. & # 8221

Sua forma biomórfica característica também teve influência na abstração do século 20, com Alexander Calder e outros. Miro teve um lugar único entre o Surrealismo e o Expressionismo Abstrato, influenciando a Escola de Pintores de Nova York nas décadas de 1940 e 1950. Ao longo de sua vida, Miro trabalhou em diversos processos de gravura, incluindo gravura, litografia e água-forte, além do uso de stencils (chamados pochoir). Afirmou que a gravura enriqueceu as suas pinturas e deu-lhe novas ideias para o seu trabalho. Em 1967, Miro conheceu o carborundum (gravação em carboneto de silício) combinando esta técnica com outros processos de gravura, ele foi capaz de produzir imagens que rivalizavam com as qualidades originais da pintura. Ele continuou a explorar as águas-tintas de carborundo pelo resto de sua vida e, em 1970, o Museu de Arte Moderna de Nova York realizou uma exposição especialmente dedicada a essas gravuras. Em seus últimos anos, ele passou a maior parte de seu tempo fazendo gravuras, aquatints em grande escala e ilustrações de livros. Muito de seu trabalho pode ser encontrado no Guggenheim e no Museu de Arte Moderna de Nova York. Durante a década de 1970, ele continuou a receber ampla aclamação e teve grandes exposições no Musee National d'Art Moderne e em outras instituições de arte importantes na Europa e na América. Em 1980, o rei Juan Carlos da Espanha concedeu a Miro a Medalha de Ouro de Belas Artes. Em 1983, ano de seu 90º aniversário (e de sua morte), houve festas de aniversário para ele em Nova York e Barcelona.

Em 1972, a Fundação Joan Miro, Fundação Joan Miro foi legalmente constituída em Barcelona. O museu foi inaugurado em 1976, com uma coleção de desenhos de Miro. Uma grande seleção de pinturas, esculturas, tecidos e gravuras de Miro estão expostos lá, bem como exposições de outros artistas modernos e contemporâneos. No livro Pintores em pintura, Miro é citado em uma entrevista de 1947, dizendo que suas escolas favoritas de pintura são os pintores de cavernas - os primitivos. Ele afirmou a certa altura que, desde a era da pintura em cavernas, a arte não fez nada além de degenerar. Ele também expressou simpatia por Odilon Redon, Paul Klee e Wassily Kandinsky por seu "espírito". Para artistas de pintura "pura", ele preferia Pablo Picasso e Henri Matisse, e achava que ambos os pontos de vista são importantes. Ele acrescentou que a direção que a pintura deve tomar é "redescobrir as fontes do sentimento humano". Afirmou também que não fazia distinção entre pintura e poesia, e que pintar é "como fazer amor - é uma troca de sangue, um abraço total - imprudente e indefeso". Ele disse que seu objetivo era ajudar a pintura a avançar além do cavalete, para empurrar seus limites para criar uma resposta primeiro de sensação física, depois um grande impacto na psique do espectador. Ele considerava a abstração pura um absurdo e um vazio. Como Gaudi, Miro ficou fascinado com a língua catalã e exigiu em seu testamento que seu funeral fosse celebrado em estilo catalão com o obituário redigido em catalão.

As imagens de Miro, que vieram de sua memória, do inconsciente, dos sonhos e dos processos transformadores da arte modernista, são ao mesmo tempo infantis, inocentes e sofisticadas. Seus dois pólos de existência, Catalunha e Paris, refletem essa combinação de rural e cosmopolita. Suas formas (criaturas como pessoas, pássaros, insetos e animais) são caprichosas e expressivas, além de inventivas. O significado último de todas as suas realidades abstratas pode não ser conhecido, mas é seguro dizer que todas elas tiveram um significado para ele, em sua infância, em seus sonhos e em sua vida.


NORD-SUD, 1917

Nord-Sud, 1917, de Joan Miró. Fotografia: Coleção Maeght, Paris

Aos 24 anos, Miró anseia por deixar Barcelona e ir para Paris

Miró fez esta pintura em 1917, quando morava em sua Barcelona natal e sonhava em se mudar para Paris. Ele estava no último ano de seu serviço nacional como soldado. A Espanha não estava envolvida na Primeira Guerra Mundial e estava frustrado porque os combates na França colocaram em espera suas ambições de alistar-se na vanguarda parisiense. Após um período de depressão, ele desistiu da carreira de negócios que seu pai havia planejado para ele, e passou os últimos quatro anos, quando não estava de uniforme, pintando em tempo integral que tinha aquele menino prematuro de 24 anos. sentir que a vida já estava passando por ele.

A presença em sua pintura do jornal Nord-Sud - fundada naquele ano em Paris pelo poeta Guillaume Apollinaire, entre outros - aponta tanto para essa ansiedade, quanto para uma solidariedade com os ideais de liberdade que a revista representava. O pássaro enjaulado atrás dele se depara com uma porta aberta, mas ainda não voou: "Devo dizer-lhe", escreveu Miró a seu amigo e colega pintor EC Ricart em 1917, "que se eu tiver que viver muito mais em Barcelona, será asfixiado pela atmosfera - tão mesquinho e tão atrasado (artisticamente falando). "

Miró estava, acima de tudo, desesperado, no espírito do momento, por fazer parte de um ismo, ou melhor, por criá-lo. O impressionismo estava morto, ele sugeriu: "Abaixo os crepúsculos do pôr-do-sol em amarelo-canário. Abaixo tudo isso, feito por bebês chorões!" Ele já estava antecipando o fim do cubismo, futurismo e fauvismo (embora este último em particular tenha uma forte influência em sua pintura aqui). A tesoura está aberta para que ele corte os laços com o passado e o presente, com a Catalunha (representada no vaso característico) e com os ritos de passagem Goethe. Mas suas esperanças de encontrar esse novo estilo, essa nova forma de pintar pareciam estar além dele, e para o norte.

Dois anos depois, Miró ainda se encontrava enlouquecidamente preso neste limbo e encontrando novos tormentos nas partidas de seus amigos: "Ricart deve ter lhe contado", escreveu a JF Rafols em agosto de 1919, "que está determinado a ir a Paris para alguns meses. Receio que ele se assuste se não perceber que a vida em Paris é cara se ele não conseguir ir para lá com uma boa mesada. Definitivamente, irei no final de novembro. Você tem que ir lá como lutador e não como espectador da luta, se quiser fazer alguma coisa. ”

Quando Miró finalmente conseguiu chegar a Paris, em 1920, ele visitou Picasso, a quem nunca conheceu, mas cuja mãe era amiga da família em Barcelona. Picasso cuidou dele, comprou um quadro que Miró lhe mostrou e ajudou-o a entrar na sociedade radical com que sempre sonhou. Em um ano, o minúsculo estúdio de Miró na rue Blomet recebia visitas regulares de seus novos amigos: o poeta Paul Éluard, o dramaturgo Antonin Artaud e o artista Tristan Tzara. Sud encontrou seu caminho Nord.


Joan Miró: biografia, obras, exposições

Joan Miró nunca foi do tipo que segue as regras. Como artista, viveu e trabalhou com os mais notáveis ​​criadores de sua época e estava aberto à influência de todos e quaisquer movimentos, obras de arte, escolas e manifestos. Mas sua obra rompe sutilmente com a de seus contemporâneos, sempre seguindo uma trajetória única e pessoal. À força de uma criatividade constante e do seu interesse por todo o tipo de técnicas artísticas, Miró deixou um legado vasto, versátil e cheio de coerência.

A arte mais pessoal de toda a vanguarda do século 20

Foto de Joan Miró de Man Ray (1933). De www.museoreinasofia.es

Joan Miró nunca foi do tipo que segue as regras. Como artista, viveu e trabalhou com os mais notáveis ​​criadores de sua época e estava aberto à influência de todos e quaisquer movimentos, obras de arte, escolas e manifestos. Mas sua obra rompe sutilmente com a de seus contemporâneos, sempre seguindo uma trajetória única e pessoal. À força de uma criatividade constante e do seu interesse por todo o tipo de técnicas artísticas, Miró deixou um legado vasto, versátil e cheio de coerência. Hoje, ele é considerado um dos mais importantes artistas do século 20 em escala internacional, sua influência transcendendo o campo das artes plásticas para impactar e moldar outros como o design gráfico e a publicidade. Durante os seus noventa anos de vida, Miró viveu e trabalhou em Barcelona, ​​Maiorca, Paris e Nova Iorque e o seu amor profundo pelo lar, especialmente Barcelona e a ilha de Maiorca, manteve-se no centro da sua obra, impregnado das outras paisagens que influenciou sua vida.

"Femme, oiseau, étolie (Hommage a Pablo Picasso)", 1966-1973. De www.museoreinasofia.es

O amor pela arte e a descoberta da modernidade

Joan Miró i Ferrà nasceu em Barcelona em 1893, quando o século 19 chegava ao fim e a chegada do século 20 pressagiava uma mudança preocupante na sociedade, na cultura e nas práticas artísticas. A vocação artística de Miró provavelmente foi sustentada pelas profissões de sua família - seu pai era ourives e relojoeiro, enquanto seu avô era marceneiro de Maiorca. Os primeiros desenhos conhecidos de Miró datam de 1901, quando ele tinha apenas 8 anos. Durante seus anos de universidade, ele combina negócios com estudos de Belas Artes e em 1910 começa a trabalhar como contador em uma empresa farmacêutica, mas sua disposição artística se rebelou contra a estagnação da análise de números e ele se demite. Mais ou menos na mesma época, ele adoece com febre tifóide e vai viver pela primeira vez em Mont-Roig, em uma casa de campo de propriedade de seus pais, e as Baixadas Catalãs vizinhas permanecerão para sempre em seu coração e mente, tornando-se o protagonista em muitas de suas obras.

“Sirurana, el camí” (1917). Museu Reina Sofia, Madrid. De www.museoreinasofia.es

A convalescença permite a Miró refletir sobre seu futuro e é então que decide se dedicar à pintura e se matricula na Escola de Arte Francesc Gali, onde entra em contato pela primeira vez com o círculo de artistas catalães que mais tarde se tornarão seus amigos. , colegas e negociantes de arte. São anos de paixão e juventude, de pintar modelos vivos e dividir estúdios com outros artistas. São também anos de descobertas: a arte dadaísta e as publicações catalãs e francesas de vanguarda despertam o interesse do jovem Miró.

Os anos de Paris

No início da década de 1920 e após sua primeira exposição nas Galerias Dalmau de seu amigo e primeiro marchand Josep Dalmau, Miró muda-se para Paris, onde trabalha no ateliê de Pablo Gargallo. Durante os meses de folga, retorna a Mont-Roig que, junto com Paris, Barelona e Nova York, constitui o núcleo em torno do qual sua obra se estruturaria. Foram anos emocionantes em que conheceu Picasso, André Masson, Ernest Hemingway, André Breton e Paul Éluard, entre outras figuras notáveis ​​das elites intelectuais e artísticas da época. Miró trabalha em projetos que vão além da mera pintura, como a colaboração com Max Ernst no figurino e na encenação do balé ”Romeu e Julieta". É também nessa época que ele cria seu primeiro " Dançarinos espanhóis " (1928), colagens de inspiração dadaísta que marcarão seu trabalho posterior. A partir de 1930, Miró mostra um interesse crescente por outras disciplinas, como o baixo-relevo e a escultura, que virão a ter mais destaque nos anos seguintes do que sua pintura, embora ele nunca a abandone totalmente.

"Dançarino Espanhol I” (1928). Museu Reina Sofia, Madrid. De www.museoreinasofia.es

Colagens, objetos e murais

Joan Miró trabalhando no mural "The Reaper" (1937). De www.20minutos.es

A partir de 1931, Miró, dividindo seu tempo entre Mont-Roig, Paris e Barcelona, ​​acrescenta outro novo e fascinante local - Nova York, onde Pierre Matisse, filho do pintor e gravador fauvista francês Henri, será seu representante. Durante esses anos, Miró amplia cada vez mais o espectro de disciplinas utilizadas em seu trabalho, criando gravuras, colagens, montagens e pinturas sobre a maçonita. A eclosão da Guerra Civil Espanhola o obriga, junto com sua família, a se mudar para Paris, onde se compromete com a causa republicana pintando, em 1937, um grande mural ",The Reaper (camponês catalão em revolta) ", para o Pavilhão da Espanha na Expo Internacional desse ano. Desde então, o mural desapareceu e só sobreviveram fotos em preto e branco.

Uma paixão pela escultura

"Personagem" (1974) da exposição Joan Miró: Esculturas, organizado pelo Centro Botin de Santander em 2018. Do ABC

A partir da década de 1920, Miró se dedica grande parte do tempo à escultura. Seus trabalhos tridimensionais inspiraram-se em sua paixão declarada por 'objetos', tanto que chegou a estocar centenas deles em seu estúdio. Na década de 1940, o artista lançou seus primeiros bronzes e começou a fazer experiências com diferentes materiais e mídias. Até o final da vida, Miró desenvolveria seu trabalho em escultura e compilaria um enorme portfólio. Nos anos 1960, Alberto Giacometti o aconselhou a pintar alguns de seus bronzes, sugestão que resultou em algumas peças magníficas, como "Personnage " (1967). Além de bronzes e figuras pintadas, Miró também trabalhou com mármore e concreto revestido de cerâmica. Sua última escultura monumental, "Dona i Ocell " (1987), é um belo exemplo de seu domínio dos materiais.

Arte internacional que vive

A partir da década de 1950, Miró consolida sua reputação internacional e sua fama começa a se espalhar pelo mundo. Estabelece-se definitivamente em Palma de Pallorca onde realiza as suas primeiras peças de cerâmica, em colaboração com o ceramista Josep Llorens Artigas. Ele vai empregar essa técnica em enormes murais que ainda podem ser vistos e admirados em várias cidades importantes, como as da sede da UNESCO em Paris (vencedor do prêmio Prêmio Internacional Guggenheim), Universidade de Harvard e Aeroporto de Barcelona, ​​para citar apenas alguns. Em 1975 é inaugurada a Fundação Miró, em Barcelona, ​​com a missão de gerir e divulgar o legado do artista. Miró continuou a trabalhar pelo resto da vida e morreu aos 90 anos em 1983, amplamente considerado um dos maiores artistas do século XX.

Mural "A lua" (1958) em colaboração com Josep Llorens Artigas na sede da UNESCO, Paris. De www.unesco.org

EXPOSIÇÕES

Hommage a Miró (1974)

Esta exposição no Grand Palais de Paris foi a última retrospectiva de sua obra realizada durante a vida de Miró. Mais de quarenta anos depois, em 2018, o Grand Palais inauguraria outra grande exposição dedicada ao artista, “Miró, a cor dos sonhos”, apresentando mais de 150 de suas obras.

Miró e o objeto (2016)

Organizada pela CaixaForum Madrid, esta exposição teve como objetivo explorar novas facetas do universo de Miró através dos objetos: a sua poética, as suas possibilidades expressivas e a "alma" que Miro sempre soube encontrar neles. A exposição foi inaugurada em Madrid após a primeira exibição na Fundação Miró em Barcelona e cobre o longo período artístico das décadas de 1920 a 1970. Algumas das obras em exibição (por exemplo "Os brinquedos", 1924) estavam sendo vistos na Espanha pela primeira vez.

Miró, a cor dos sonhos (2018-19)

Como mencionado acima, esta exposição no Grand Palais foi uma homenagem à obra e figura de Joan Miró quarenta e quatro anos após a retrospectiva anterior dos anos 1970. Como comentou na época seu amigo pessoal e curador da exposição, Jean Luis Prat: “Miró provavelmente foi profundamente afetado por 50 anos de história marcados por duas guerras mundiais. Esses eventos formidáveis ​​e as perguntas que ele fez aos homens, a si mesmo e à sua terra natal coloriram seu trabalho. "

Nascimento do Mundo - MoMA (2019)

No início de 2019, o Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) organizou uma grande exposição do trabalho do artista com peças-chave de sua magnífica coleção e vários empréstimos exclusivos. A exposição tem como foco a pintura "O Nascimento do Mundo". A mostra foi composta por quase 60 óleos sobre tela, desenhos sobre papel, gravuras, livros ilustrados e objetos.

"Miró". Jacques Dupin, 1961

Constantemente revisada, atualizada e retrabalhada, a monografia publicada por Jacques Dupin no início dos anos 1960 é uma leitura essencial para quem deseja saber tudo o que há para saber sobre o nosso artista catalão. O biógrafo completou o livro incluindo a obra de Miró nas duas décadas seguintes de sua vida, graças ao excelente relacionamento que manteve com a família de Miró e ao acesso sem precedentes a trabalhos realizados por historiadores, curadores e especialistas em arte. Em 1993, foi publicada mais uma edição revisada que ainda hoje é considerada um dos textos mais fundamentais sobre a vida e a obra de Joan Miró.

"Miró". Janis Mink, 1999

A editora Taschen, referência em arte e monografias de artistas, publicou uma biografia de Joan Miró em 1999 por Janis Mink. Com centenas de ilustrações e uma atenção magnífica aos detalhes, o livro cobre a trajetória do artista de quase 70 anos - de seus desenhos automáticos de estilo surrealista às esculturas-assemblage que ele construiu a partir de objetos. O livro tem o cuidado de respeitar as idiossincrasias de Miró como um artista inclassificável e figura que resistiu a ser picado em categorias, tendências ou escolas.

“Joan Miró. The Road To Art ”. Pilar Cabañas, 2013

Muito se tem escrito sobre a vida e obra de Joan Miró, mas mesmo assim, em 2013, Pilar Cabañas conseguiu lançar uma nova luz sobre a obra da artista e escrever um livro que é vital para compreendê-la. Baseando-se nos princípios que regem a obra de Miró, a autora nos fornece as diretrizes para a compreensão do homem como ser humano e como artista. Cabañas investiga questões como o que move sua criatividade, o raciocínio por trás de sua arte e a exploração da tristeza, solidão e dor em seu trabalho, entre outros. Tendo Miró como ponto de partida, Cabañas nos guia pela arte em geral como caminho para a transcendência e a essência da humanidade. O texto é enriquecido pela participação de Ignacio Llamas que desenhou a edição.


Conteúdo

Nascido em uma família de ourives e relojoeiros, Miró cresceu no bairro Barri Gòtic de Barcelona. [6] O Miró o sobrenome indica possíveis raízes judaicas (em termos de marrano ou converso Judeus ibéricos que se converteram ao cristianismo). [7] [8] Seu pai era Miquel Miró Adzerias e sua mãe era Dolors Ferrà. [9] Ele começou a desenhar aulas aos sete anos de idade em uma escola particular em Carrer del Regomir 13, uma mansão medieval. Para o desespero de seu pai, ele se matriculou na academia de belas artes de La Llotja em 1907. Ele estudou no Cercle Artístic de Sant Lluc [10] e teve sua primeira exposição individual em 1918 nas Galerias Dalmau, [11] onde seu trabalho foi ridicularizado e desfigurado.[12] Inspirado por exposições fauves e cubistas em Barcelona e no exterior, Miró foi atraído pela comunidade artística que se reunia em Montparnasse e em 1920 mudou-se para Paris, mas continuou a passar os verões na Catalunha. [6] [13] [14] [15]

Edição de carreira

Miró inicialmente foi para a escola de negócios e também de arte. Ele começou sua carreira profissional como balconista quando era adolescente, embora tenha abandonado completamente o mundo dos negócios pela arte após sofrer um colapso nervoso. [18] Sua arte inicial, como a dos Fauves e Cubistas com influência semelhante, foi inspirada por Vincent van Gogh e Paul Cézanne. A semelhança da obra de Miró com a da geração intermediária da vanguarda levou os estudiosos a apelidar esse período de seu período fauvista catalão. [19]

Alguns anos após a exposição individual de Miró em 1918 em Barcelona, ​​[11] ele se estabeleceu em Paris, onde terminou uma série de pinturas que havia começado na casa de verão de seus pais e na fazenda em Mont-roig del Camp. Uma dessas pinturas, A Fazenda, mostrou uma transição para um estilo de pintura mais individual e certas qualidades nacionalistas. Ernest Hemingway, que mais tarde comprou a peça, comparou a realização artística com a de James Joyce Ulisses e o descreveu dizendo: "Está nele tudo o que você sente sobre a Espanha quando está lá e tudo o que você sente quando está fora e não pode ir para lá. Ninguém mais foi capaz de pintar essas duas coisas tão opostas." [20] Miró retornou anualmente a Mont-roig e desenvolveu um simbolismo e nacionalismo que permaneceria com ele ao longo de sua carreira. Duas das primeiras obras de Miró classificadas como surrealistas, Paisagem catalã (o caçador) e O Campo Arado, [21] empregam a linguagem simbólica que dominaria a arte na década seguinte. [22]

Josep Dalmau organizou a primeira exposição individual parisiense de Miró, na Galerie la Licorne em 1921. [13] [23] [24]

Em 1924, Miró ingressou no grupo surrealista. A natureza já simbólica e poética da obra de Miró, bem como as dualidades e contradições que lhe são inerentes, enquadram-se bem no contexto de automatismo onírico defendido pelo grupo. Grande parte da obra de Miró perdeu a desordenada e caótica falta de foco que havia definido seu trabalho até então, e ele experimentou a colagem e o processo de pintura dentro de sua obra para rejeitar o enquadramento que a pintura tradicional fornecia. Essa atitude antagônica em relação à pintura se manifestou quando Miró se referiu à sua obra em 1924 de forma ambígua como "x" em uma carta ao amigo poeta Michel Leiris. [25] As pinturas que surgiram deste período foram eventualmente apelidadas de pinturas dos sonhos de Miró.

Miró não abandonou completamente o assunto, entretanto. Apesar das técnicas automáticas surrealistas que ele empregou extensivamente na década de 1920, os esboços mostram que seu trabalho era frequentemente o resultado de um processo metódico. A obra de Miró raramente mergulha na não objetividade, mantendo uma linguagem simbólica e esquemática. Isso foi talvez mais proeminente nas repetidas Chefe de um camponês catalão série de 1924 a 1925. Em 1926, ele colaborou com Max Ernst em projetos para o empresário de balé Sergei Diaghilev. Com a ajuda de Miró, Ernst foi pioneiro na técnica de grattage, em que se aplica o pigmento com uma espátula em uma tela e depois o raspa. [26] [ citação necessária ]

Miró voltou a uma forma de pintura mais representativa com Os interiores holandeses de 1928. Elaboradas a partir de obras de Hendrik Martenszoon Sorgh e Jan Steen vistas como reproduções de cartões-postais, as pinturas revelam a influência de uma viagem à Holanda feita pelo artista. [27] Essas pinturas têm mais em comum com Campo Arado ou Carnaval do Arlequim do que com as pinturas de sonho minimalistas produzidas alguns anos antes.

Miró casou-se com Pilar Juncosa em Palma (Maiorca) em 12 de outubro de 1929. Sua filha, María Dolores Miró, nasceu em 17 de julho de 1930. Em 1931, Pierre Matisse abriu uma galeria de arte em Nova York. A Galeria Pierre Matisse (que existiu até a morte de Matisse em 1989) tornou-se uma parte influente do movimento de arte moderna na América. Desde o início, Matisse representou Joan Miró e apresentou seu trabalho ao mercado dos Estados Unidos, exibindo frequentemente o trabalho de Miró em Nova York. [28] [29]

Até a eclosão da Guerra Civil Espanhola, Miró costumava voltar à Espanha no verão. Assim que a guerra começou, ele não pôde mais voltar para casa. Ao contrário de muitos de seus contemporâneos surrealistas, Miró antes preferia ficar longe de comentários explicitamente políticos em sua obra. Embora um senso de nacionalismo (catalão) tenha permeado suas primeiras paisagens surreais e Chefe de um camponês catalão, não foi até que o governo republicano da Espanha o encarregou de pintar o mural O ceifeiro, para o Pavilhão Republicano Espanhol na Exposição de Paris de 1937, que a obra de Miró assumiu um significado politicamente carregado. [30]

Em 1939, com a invasão da França pela Alemanha iminente, Miró se mudou para Varengeville, na Normandia, e em 20 de maio do ano seguinte, quando os alemães invadiram Paris, ele fugiu por pouco para a Espanha (agora controlada por Francisco Franco) durante o regime de Vichy regra. [31] Em Varengeville, Palma e Mont-roig, entre 1940 e 1941, Miró criou a série de vinte e três guache Constelações. Girando em torno do simbolismo celestial, Constelações ganhou o elogio do artista de André Breton, que dezessete anos depois escreveu uma série de poemas inspirados na série de Miró. [32] Características deste trabalho revelaram uma mudança de foco para os assuntos de mulheres, pássaros e a lua, que dominaria sua iconografia por grande parte do resto de sua carreira.

Shuzo Takiguchi publicou a primeira monografia sobre Miró em 1940. Em 1948–49 Miró morou em Barcelona e fez visitas frequentes a Paris para trabalhar em técnicas de impressão nos Estúdios Mourlot e no Atelier Lacourière. Desenvolveu uma estreita relação com Fernand Mourlot e isso resultou na produção de mais de mil edições litográficas diferentes.

Em 1959, André Breton pediu a Miró para representar a Espanha em A Homenagem ao Surrealismo exposição ao lado de Enrique Tábara, Salvador Dalí e Eugenio Granell. Miró criou uma série de esculturas e cerâmicas para o jardim da Fundação Maeght em Saint-Paul-de-Vence, França, que foi concluída em 1964.

Em 1974, Miró criou uma tapeçaria para o World Trade Center de Nova York junto com o artista catalão Josep Royo. Ele inicialmente se recusou a fazer uma tapeçaria, então ele aprendeu o ofício com Royo e os dois artistas produziram vários trabalhos juntos. Seu Tapeçaria do World Trade Center foi exibido no prédio [33] e foi uma das obras de arte mais caras perdidas durante os ataques de 11 de setembro. [34] [35]

Em 1977, Miró e Royo concluíram uma tapeçaria para ser exibida na National Gallery of Art em Washington, DC. [36] [37]

Em 1981, Miró's O Sol, a Lua e Uma Estrela—Mais tarde renomeado Miró's Chicago—Foi revelado. Esta grande escultura de mídia mista está situada ao ar livre na área de Loop no centro de Chicago, do outro lado da rua de outra grande escultura pública, o Chicago Picasso. Miró havia criado um modelo de bronze de O Sol, a Lua e Uma Estrela em 1967. A maquete agora reside no Museu de Arte de Milwaukee.

Vida tardia e morte Editar

Em 1979 Miró fez doutorado honoris causa da Universidade de Barcelona. O artista, que sofria de insuficiência cardíaca, morreu em sua casa em Palma (Maiorca) em 25 de dezembro de 1983. [38] Ele foi posteriormente enterrado no cemitério de Montjuïc, em Barcelona.

Saúde mental Editar

A partir da análise de textos pessoais de Joan Miró, constatou-se que ele vivenciou múltiplos episódios de depressão ao longo de sua vida. [39] Ele experimentou sua primeira depressão quando tinha 18 anos em 1911. [40] Grande parte da literatura se refere a isso como se fosse um pequeno revés em sua vida, embora parecesse ser muito mais do que isso. [41] O próprio Miro afirmou: "Eu estava desmoralizado e sofri de uma grave depressão. Eu fiquei muito doente e fiquei três meses na cama ’’. [42]

Existe uma ligação clara entre a sua saúde mental e a sua pintura, uma vez que utilizou a pintura como forma de lidar com os seus episódios de depressão. Supostamente, até o deixou mais calmo e seus pensamentos menos sombrios. Joan Miró disse que sem pintar ele ficava ‘‘ muito deprimido, sombrio e eu tenho ‘ideias negras’, e não sei o que fazer comigo mesmo ’’. [43]

A influência de seu estado mental é muito bem visível em sua pintura Carnaval do Arlequim. Ele tentou pintar o caos que experimentou em sua mente, o desespero de querer deixar aquele caos para trás e a dor criada por causa disso. Miró pintou aqui o símbolo da escada, que também é visível em várias outras pinturas após essa dor. É suposto simbolizar a fuga. [44]

A relação entre criatividade e doença mental é muito bem estudada. [45] Pessoas criativas têm maiores chances de sofrer de uma doença maníaco-depressiva ou esquizofrenia, bem como maior chance de transmitir isso geneticamente. [46] Embora saibamos que Miró sofria de depressão episódica, não é certo se ele também teve episódios maníacos, que costumam ser chamados de transtorno bipolar. [47]

Edição dos primeiros fauvistas

Suas primeiras obras modernistas incluem Retrato de Vincent Nubiola (1917), Siurana (o caminho), Nord-Sud (1917) e Pintura de toledo. Essas obras mostram a influência de Cézanne e preenchem a tela com uma superfície colorida e um tratamento mais pictórico do que o estilo arrojado da maioria de suas obras posteriores. No Nord-Sud, o jornal literário com esse nome aparece na natureza morta, um dispositivo composicional comum nas composições cubistas, mas também uma referência aos interesses literários e vanguardistas do pintor. [48]

Edição de realismo mágico

A partir de 1920, Miró desenvolveu um estilo muito preciso, escolhendo cada elemento de forma isolada e detalhada e organizando-os em uma composição deliberada. Essas obras, incluindo Casa com Palmeira (1918), Nu com um espelho (1919), Cavalo, cachimbo e flor vermelha (1920), e A mesa - Natureza morta com coelho (1920), mostram a clara influência do cubismo, embora de forma contida, sendo aplicado a apenas uma parte do sujeito. Por exemplo, Esposa do fazendeiro (1922-23), é realista, mas algumas seções são estilizadas ou deformadas, como o tratamento dos pés da mulher, que são aumentados e achatados. [49]

O ponto culminante deste estilo foi A Fazenda (1921–22). A cena rural catalã que retrata é aumentada por um jornal francês de vanguarda no centro, mostrando que Miró vê esta obra transformada pelas teorias modernistas a que foi exposto em Paris. A concentração em cada elemento igualmente importante foi um passo fundamental para a geração de um sinal pictórico para cada elemento. O fundo é representado em plano ou padronizado em áreas simples, destacando a separação entre figura e fundo, o que se tornaria importante em seu estilo maduro.

Miró fez muitas tentativas para promover esse trabalho, mas seus colegas surrealistas acharam-no muito realista e aparentemente convencional, então ele logo se voltou para uma abordagem surrealista mais explícita. [50]

Surrealismo primitivo Editar

Em 1922, Miró explorou o surrealismo abstrato e fortemente colorido em pelo menos uma pintura. [51] A partir do verão de 1923 em Mont-roig, Miró começou um conjunto chave de pinturas onde sinais pictóricos abstratos, ao invés das representações realistas usadas em The Farm, são predominantes. No O Campo Arado, Paisagem catalã (o caçador) e Pastoral (1923-1924), essas formas e linhas planas (principalmente pretas ou fortemente coloridas) sugerem os assuntos, às vezes de forma bastante enigmática. Para Paisagem catalã (o caçador), Miró representa o caçador com uma combinação de signos: triângulo para a cabeça, linhas curvas para o bigode, linhas angulares para o corpo. Esta obra está tão codificada que, posteriormente, Miró forneceu uma explicação precisa dos sinais utilizados. [52]

Linguagem pictórica surrealista Editar

Em meados da década de 1920, Miró desenvolveu a linguagem de sinais pictórica que seria central ao longo de sua carreira. No Carnaval do Arlequim (1924-25), há uma continuação clara da linha iniciada com O Campo Arado. Mas em trabalhos subsequentes, como A felicidade de amar minha morena (1925) e Pintura (Fratellini) (1927), há muito menos figuras em primeiro plano e as que permanecem são simplificadas.

Logo depois Miró também começou seu Dançarina espanhola série de trabalhos. Essas colagens simples eram como um contraponto conceitual às suas pinturas. No Dançarina espanhola (1928) ele combina uma cortiça, uma pena e um alfinete de chapéu em uma folha de papel em branco. [50]

Livres d'Artiste Edit

Miró criou mais de 250 livros ilustrados. [53] Estes eram conhecidos como "Livres d 'Artiste". Um desses trabalhos foi publicado em 1974, a pedido da viúva do poeta francês Robert Desnos, intitulado Les pénalités de l'enfer ou les nouvelles Hébrides ("As penalidades do inferno ou as novas Hébridas"). Era um conjunto de 25 litografias, cinco em preto e as demais em cores.

Em 2006 o livro foi exibido em "Joan Miró, Livros Ilustrados" no Museu de Arte de Vero Beach. Um crítico disse que é "um conjunto especialmente poderoso, não apenas pelas ricas imagens, mas também pela história por trás da criação do livro. As litografias são longas e estreitas verticais e, embora apresentem as formas familiares de Miró, há uma ênfase incomum na textura. " O crítico continuou: "Fiquei instantaneamente atraído por essas quatro gravuras, por uma exuberância emocional, que contrasta com as superfícies legais de grande parte da obra de Miró. A pungência delas é ainda maior, eu acho, quando você lê como elas surgiram . O artista conheceu e tornou-se amigo de Desnos, talvez o escritor surrealista mais amado e influente, em 1925, e em pouco tempo, eles fizeram planos para colaborar em um livre d'artiste. Esses planos foram suspensos por causa da Guerra Civil Espanhola e da Segunda Guerra Mundial. As críticas ousadas de Desnos a este último o levaram à prisão em Auschwitz, e ele morreu aos 45 anos logo após sua libertação em 1945. Quase três décadas depois, por sugestão da viúva de Desnos, Miró decidiu ilustrar o manuscrito do poeta. Foi seu primeiro trabalho em prosa, que foi escrito no Marrocos em 1922, mas permaneceu inédito até esta colaboração póstuma. "[ Esta citação precisa de uma citação ]

Em Paris, sob a influência de poetas e escritores, ele desenvolveu seu estilo único: formas orgânicas e planos de pintura achatados desenhados com uma linha nítida. Geralmente considerado um surrealista por causa de seu interesse no automatismo e no uso de símbolos sexuais (por exemplo, ovóides com linhas onduladas emanando deles), o estilo de Miró foi influenciado em graus variados pelo surrealismo e dadá, [18] ainda que ele rejeitou a adesão em qualquer movimento artístico nos anos europeus entre as guerras. André Breton o descreveu como "o mais surrealista de todos nós". Miró confessou ter criado uma de suas obras mais famosas, Carnaval do Arlequim, em circunstâncias semelhantes:

Como é que pensei nos meus desenhos e nas minhas ideias para a pintura? Bem, eu voltava para o meu estúdio em Paris na rue Blomet à noite, ia para a cama e às vezes não jantava. Eu vi coisas e as anotei em um caderno. Eu vi formas no teto. [54]

As origens surrealistas de Miró evoluíram a partir da "repressão", assim como toda obra surrealista e realista mágica espanhola, especialmente por causa de sua etnia catalã, que foi alvo de perseguições especiais pelo regime de Franco. Além disso, Joan Miró conhecia bem a arte vodu haitiana e a religião santería cubana por meio de suas viagens antes de ir para o exílio. Isso o levou ao seu estilo próprio de fazer arte. [ citação necessária ]

Estilo experimental Editar

Joan Miró foi um dos primeiros artistas a desenvolver o desenho automático como forma de desfazer técnicas já consagradas na pintura e, assim, com André Masson, representou o início do surrealismo como movimento artístico. No entanto, Miró optou por não se tornar um membro oficial dos surrealistas para ter a liberdade de experimentar outros estilos artísticos sem comprometer sua posição dentro do grupo. Ele perseguiu seus próprios interesses no mundo da arte, variando do desenho automático e surrealismo ao expressionismo, abstração lírica e pintura do campo de cores. A pintura quadridimensional era um tipo teórico de pintura proposto por Miró em que a pintura transcenderia sua bidimensionalidade e até mesmo a tridimensionalidade da escultura. [ citação necessária ] [55]

O interesse frequentemente citado de Miró no assassinato de pintura é derivado de uma aversão à arte burguesa, que ele acreditava ser usada como uma forma de promover a propaganda e a identidade cultural entre os ricos. Especificamente, Miró respondeu ao cubismo dessa maneira, que na época de sua citação havia se tornado uma forma de arte estabelecida na França. Ele é citado como tendo dito "Vou quebrar seu violão", referindo-se às pinturas de Picasso, com a intenção de atacar a popularidade e apropriação da arte de Picasso pela política. [56]

O espetáculo do céu me oprime. Fico maravilhada quando vejo, em um céu imenso, o crescente da lua ou o sol. Lá, nas minhas fotos, minúsculas formas em enormes espaços vazios. Espaços vazios, horizontes vazios, planícies vazias - tudo o que é vazio sempre me impressionou muito. —Joan Miró, 1958, citado em Artistas do século XX na arte

Em entrevista ao biógrafo Walter Erben, Miró expressou sua aversão aos críticos de arte, dizendo: "eles estão mais preocupados em ser filósofos do que qualquer outra coisa. Formam uma opinião preconcebida, então olham para a obra de arte. A pintura serve apenas como um capa para envolver seus sistemas filosóficos emaciados. " [57]

Nas últimas décadas de vida Miró acelerou seu trabalho em diferentes mídias, produzindo centenas de cerâmicas, incluindo a Parede da lua e Parede do sol no edifício da UNESCO em Paris. Ele também fez pinturas temporárias em janelas (em vidro) para uma exposição. Nos últimos anos de sua vida, Miró escreveu suas idéias mais radicais e menos conhecidas, explorando as possibilidades da escultura a gás e da pintura quadridimensional.

Ao longo da década de 1960, Miró foi um artista de destaque em muitas mostras de salão organizadas pela Fundação Maeght que também incluíram obras de Marc Chagall, Giacometti, Brach, Cesar, Ubac e Tal-Coat.

As grandes retrospectivas dedicadas a Miró em sua velhice em cidades como Nova York (1972), Londres (1972), Saint-Paul-de-Vence (1973) e Paris (1974) foram uma boa indicação da fama internacional que teve crescido de forma constante ao longo do meio século anterior, outras retrospectivas importantes aconteceram postumamente. As mudanças políticas em seu país natal levaram em 1978 à primeira exposição completa de sua pintura e trabalho gráfico, no Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid. Em 1993, ano do centenário de seu nascimento, foram realizadas várias exposições, entre as quais as mais destacadas foram as realizadas na Fundació Joan Miró, em Barcelona, ​​no Museu de Arte Moderna de Nova York, no Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid e a Galerie Lelong, Paris. [58] Em 2011, outra retrospectiva foi montada pela Tate Modern, Londres, e viajou para a Fundació Joan Miró e a National Gallery of Art, Washington, D.C .. Joan Miró, Gravura, Fundação Joan Miró (2013). E duas exposições em 2014, Miró: Da Terra ao Céu no Museu Albertina, e Obras-primas do Kunsthaus Zürich, Centro Nacional de Arte, Tóquio.

Exposições com direito Joan Miró: instinto e imaginação e "Miró: The Experience of Seeing" ocorreram no Denver Art Museum de 22 de março a 28 de junho de 2015 e no McNay Art Museum de 30 de setembro de 2015 a 10 de janeiro de 2016 (respectivamente), exibindo obras realizadas por Miró entre 1963 e 1981 , emprestado pelo Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid. [59] [60] [61] [62] [63]

Na primavera de 2019, o Museu de Arte Moderna de Nova York foi lançado Joan Miró: Nascimento do Mundo. [64] Em execução até julho de 2019, a exposição mostra 60 trabalhos desde o início da carreira de Miró, e incluindo a influência das Guerras Mundiais. A exposição apresenta telas de 18 metros, bem como pinturas menores de 2,5 metros, e as influências variam do cubismo à abstração. [65]

Miró teve uma influência significativa na arte do final do século 20, em particular nos artistas expressionistas abstratos americanos que incluem: Motherwell, Calder, Gorky, Pollock, Matta e Rothko, enquanto suas abstrações líricas [66] e pinturas de campos de cores foram precursores disso estilo de artistas como Helen Frankenthaler, Olitski e Louis e outros. [67] Seu trabalho também influenciou designers modernos, incluindo Paul Rand [68] e Lucienne Day, [69] [ fonte autopublicada? ] e influenciou pintores recentes como Julian Hatton. [70]

Uma das fotos de Man Ray dos anos 1930, Miró com Corda, retrata o pintor com uma corda arrumada presa a uma parede e foi publicado na obra surrealista de edição única Minotauro.

Em 2002, o percussionista / compositor americano Bobby Previte lançou o álbum As 23 constelações de Joan Miró na Tzadik Records. Inspirado por Miró's Constelações série, Previte compôs uma série de peças curtas (nenhuma mais longa do que cerca de 3 minutos) para paralelizar o pequeno tamanho das pinturas de Miró. As composições de Privete para um conjunto de até dez músicos foram descritas pelos críticos como "nada convencionalmente leves, etéreas e oníricas". [71]

Em 1954 recebeu o prêmio de gravura da Bienal de Veneza, em 1958 o Prêmio Internacional Guggenheim. [18] [72]

Em 1981, a Câmara Municipal de Palma (Maiorca) estabeleceu o Fundação Pilar i Joan Miró a Mallorca, alojado nos quatro estúdios que Miró doou para o efeito. [73]

Em outubro de 2018, o Grand Palais de Paris inaugurou a maior retrospectiva dedicada ao artista até esta data. A exposição incluiu cerca de 150 obras e foi curada por Jean Louis Prat. [74]

Hoje, as pinturas de Miró são vendidas por US $ 250.000 a US $ 26 milhões a US $ 17 milhões em um leilão americano para o La Caresse des étoiles (1938) em 6 de maio de 2008, na época o maior valor pago por uma de suas obras. [75] Em 2012, Poema-pintura ("le corps de ma brune puisque je l'aime comme ma chatte habillée en vert salade comme de la grêle c'est pareil") (1925) foi vendido na Christie's London por $ 26,6 milhões. [76] Mais tarde naquele ano na Sotheby's em Londres, Peinture (Etoile Bleue) (1927) trouxe quase 23,6 milhões de libras com taxas, mais do que o dobro do que tinha vendido em um leilão de Paris em 2007 e um preço recorde para o artista em leilão. [77] [78] Em 21 de junho de 2017, o trabalho Femme et Oiseaux (1940), um de seus Constelações, vendido na Sotheby's London por 24.571.250 GBP. [79]

"Les Fusains": 22, rue Tourlaque, 18º arrondissement de Paris, onde Miró se estabeleceu em 1927.


JOAN MIRÓ

Joan Miró i Ferrà (20 de abril de 1893 - 25 de dezembro de 1983) foi um pintor, escultor e ceramista espanhol nascido em Barcelona. Embora seu trabalho seja rotineiramente associado ao surrealismo, Miró não abandonou completamente o assunto em seu trabalho. Apesar das técnicas automáticas surrealistas que ele empregou extensivamente, os esboços de seu trabalho de estúdio indicam que suas pinturas acabadas eram frequentemente o resultado de um processo metódico. O trabalho de Miró raramente mergulha verdadeiramente na não objetividade. Seu trabalho está repleto de linguagem artística simbólica e esquemática. Ele compartilhava uma semelhança particular com os surrealistas, mas Miró expressou desprezo pelos métodos convencionais de pintura como forma de apoiar a sociedade burguesa. Ele declarou o famoso "assassinato da pintura" em favor de perturbar os elementos visuais dos estilos clássicos de pintura.

Miro deixou Paris e foi para Varengeville-sur-Mer, na Normandia, em 1939, e foi aqui que um novo e importante corpo de trabalho foi formado - uma série de 23 guaches, que ficou conhecida como Constelações. Eles estão entre as obras mais complexas do artista, explorando ideias ligadas a processos regenerativos localizados na natureza. Fortemente influenciado pela turbulência da Segunda Guerra Mundial, sua obra parece refletir sobre a frágil e transitória qualidade da existência. Cada peça da Constelação retrata um momento no tempo, um microcosmo da vida: capturado em animação suspensa sem peso. Em 1945, as Constelações foram contrabandeadas para fora da Europa para uma exposição de Pierre Matisse em Nova York. Andre Breton foi imediatamente inspirado pela série e escreveu o que se tornariam suas obras poéticas finais. Em 1959, sob a direção do mestre de pochoir Daniel Jacomet, 22 das 23 constelações de guache originais foram transformadas em 350 suítes de pochoir.

As Constelações inspiraram diretamente os emergentes pintores expressionistas abstratos americanos que, na época, buscavam escapar das restrições do realismo social e do regionalismo. Além disso, a influência de Miro na arte moderna é inegável. Mestres artísticos como Robert Motherwell, Alexander Calder, Arshile Gorky, Jackson Pollock, Roberto Matta e Mark Rothko o citam como inspirador. Talvez tenha sido o pintor americano Robert Motherwell quem expressou de forma mais vívida suas opiniões sobre a importância de Miró e sua obra: “Gosto de tudo em Miró - seu rosto perspicaz, sua modéstia, sua reticência ironicamente contundente como pessoa, seu trabalho duro constante, sua sensibilidade mediterrânea e outras qualidades que se manifestam em um corpo de trabalho em crescimento contínuo que, para mim, é o mais comovente e bonito que está sendo feito na Europa. Um equilíbrio sensível entre a natureza e a obra do homem, quase perdido na arte contemporânea, satura a arte de Miró, de modo que sua obra, tão original que quase ninguém tem noção de quão original, nos atinge imediatamente nas profundezas ”


Biografia de Joan Miro

O pintor Joan Miró nasceu em Barcelona em 1893 e morreu em Maiorca em 1983. Produziu obras nos mais variados estilos e com uma grande variedade de materiais, mas a maioria deles de sabor surrealista. É assim que ele é melhor lembrado, embora preferisse pensar em suas obras como individualistas e não necessariamente enquadradas em nenhuma categoria particular.

Desde cedo mostrou uma paixão pela arte e frequentou aulas de desenho enquanto estava na escola primária. Em 1907 matriculou-se na Escola de Artes Industriais e Belas Artes (Llotja) de Barcelona e aí estudou até 1910. Em 1912 Miró estava a recuperar de um ataque de febre tifóide e decidiu que queria seguir o seu amor pela pintura e não uma carreira na contabilidade que ele vinha tentando perseguir. Ele passou 3 anos em uma escola de arte dirigida por Francesc Galí, e estudou Life Art no Cercle Artístic de Sant Lluc. Sua primeira exposição individual foi em 1918 e suas obras mostraram uma série de influências. Entre eles, as cores vibrantes do fauvismo, as formas cubistas, a arte catalã e os afrescos romanos.

Mulher, pássaro, estrela de Miró e # 8217 (homenagem a Pablo Picasso)

Em 1920, ele visitou Paris pela primeira vez e conheceu Picasso. Este é provavelmente um dos principais motivos pelos quais seu estilo mudou a partir desse ponto e Miró passou a se concentrar em pinturas mais surreais. Decidiu se mudar para Paris e ali realizou sua primeira exposição individual em 1921. Ele dividiu seu tempo entre a Espanha e a França e conheceu e trabalhou ao lado de muitos dos artistas e poetas surrealistas da época. Ernest Hemingway estava entre os clientes de Miró durante esse tempo. Ele comprou uma pintura que misturava cubismo com surrealismo, ‘A Fazenda’. Em 1926, Miró e seu amigo Max Ernst foram contratados para projetar os cenários e os figurinos do balé "Romeu e Julieta", apresentado em Paris pelos Ballets Russes.

Por volta dessa época, Miró também começou a se interessar por colagens de objetos. O primeiro que ele produziu foi o ‘Dançarino Espanhol’. Ele se afastou da pintura por um tempo e se concentrou nas esculturas. No entanto, ele também experimentou uma ampla variedade de outras formas artísticas, incluindo litografia, gravura e pintura sobre cobre. Casou-se em 1929 e sua filha nasceu no ano seguinte. Miró então decidiu ficar mais tempo na Espanha até que a eclosão da Guerra Civil Espanhola o forçou a mudar sua família de volta para Paris em 1936. Eles permaneceram lá até 1940, quando voltaram para a Espanha. Miró continuou a aprender e a experimentar vários materiais e tipos de arte, mas foi na sua obra de cerâmica que se concentrou.

Miró & # 8217s The Farm

No final dos anos 1950, Miró começou a produzir trabalhos encomendados, especialmente murais e grandes esculturas ao ar livre para locações em todo o mundo. Em 1972, foi encomendado um prédio para abrigar a Fundação Joan Miró, Centre d & # 8217Estudis d & # 8217Art Contemporani (Fundação Joan Miró, Centro de Estudos de Arte Contemporânea). Foi aberto ao público em 1975 e abriga a maior coleção de obras de Miró. Esta é de longe a maior coleção do mundo, o que não é de surpreender, porque o próprio Miró doou a grande maioria das peças antes de morrer. Inclui 240 pinturas, 175 esculturas, 9 tecidos, 4 cerâmicas, as obras gráficas quase completas e cerca de 8.000 desenhos. Outros exemplos do trabalho de Miró podem ser encontrados em museus e locais ao redor do mundo.


Joan Miró - Biografia e Legado

Joan Miró nasceu na Espanha em 1893 em uma família de artesãos. Seu pai Miguel era relojoeiro e ourives, enquanto sua mãe era filha de um marceneiro. Talvez em sintonia com o comércio artístico de sua família, Miró exibiu um forte amor pelo desenho desde cedo, não muito inclinado para os acadêmicos, ele disse que era "um aluno muito pobre. Quieto, um tanto taciturno e um sonhador".

Em 1907, quando tinha quatorze anos, Miró começou a estudar paisagismo e artes decorativas na Escola de Belas Artes e Industriais (Llotja) de Barcelona. Ao mesmo tempo, a pedido de seus pais, que queriam que ele seguisse uma carreira mais prática, ele frequentou a Escola de Comércio. Começou a trabalhar como escriturário e, devido às constantes exigências dos estudos, experimentou o que foi caracterizado como um colapso nervoso, seguido de um caso grave de febre tifóide. Sua família comprou Montroig, uma fazenda na zona rural fora de Barcelona, ​​como um lugar onde Miró pudesse se recuperar, e enquanto convalescia, ele se dedicou totalmente à arte e abandonou suas atividades comerciais.

Treinamento Inicial

Em 1912, Miró se matriculou em uma academia de arte em Barcelona, ​​onde aprendeu sobre os movimentos da arte moderna e poetas catalães contemporâneos. A poesia teria uma influência vitalícia sobre ele, como disse mais tarde: "Não faço distinção entre pintura e poesia", vendo sua obra como implicitamente metafórica, evocando semelhança com a realidade objetiva, embora permanecendo fora dela. Como parte dos estudos, o professor Francisco Galí fez com que o jovem artista desenhasse com o toque, às vezes com os olhos vendados, para estimular a compreensão espacial dos objetos, ao mesmo tempo que se apoiava na intuição. Miró também se associou ao Cercle Artístic de Sant Lluc, grupo artístico que incluía o renomado arquiteto Antoni Gaudí entre seus membros. Entre 1912 e 1920, Miró pintou naturezas-mortas, retratos, nus e paisagens, em um estilo apelidado de fauvismo catalão por alguns estudiosos. Influenciado por Vincent van Gogh, Paul Cézanne e pelas cores ousadas e brilhantes dos pintores Fauve franceses, ele também se baseou em suas raízes catalãs, chamando a si mesmo de "um catalão internacional".

Período maduro

A primeira exposição individual de Miró em Barcelona em 1918 foi um desastre completo, suas obras ridicularizadas pela crítica e pelo público, e nenhuma obra vendida. Totalmente desapontado e em busca de um mundo artístico mais revigorante e receptivo, ele foi para Paris em 1920, onde conheceu vários artistas, incluindo Max Jacob, Pablo Picasso, André Masson e Tristan Tzara. No entanto, não foi senão três meses e meio depois, quando ele voltou para casa na fazenda Montroig, que ele foi capaz de pintar, dizendo: "Eu imediatamente comecei a pintar do jeito que as crianças começam a chorar." Na década seguinte, para manter o equilíbrio entre sua inspiração catalã e o mundo da arte parisiense, ele subsequentemente começou a morar em Paris durante parte do ano, enquanto retornava a Montroig todos os verões, como ele disse, "Paris e o campo até eu morrer . " Devido às dificuldades financeiras, sua vida em Paris foi difícil no início. Mais tarde, descrevendo aqueles primeiros anos magros, ele brincou: "Como é que eu pensei em meus desenhos e minhas idéias para a pintura? Bem, eu voltava para meu estúdio em Paris na Rue Blomet à noite, eu ia para a cama e às vezes eu não tinha jantado. " No entanto, parece que a privação física animou a imaginação do jovem Miró. "Eu vi coisas", explicou ele, "e as anotei em um caderno. Vi formas no teto."

Ele teve sua primeira exposição individual em Paris em 1921 e expôs no Salon d'Automne em 1922, enquanto se associava com muitos dos principais artistas dadaístas e surrealistas. Tornou-se amigo do líder e escritor surrealista André Breton, formando uma relação que durou muitos anos. Os surrealistas eram mais ativos em Paris durante a década de 1920, tendo juntado forças formalmente em 1924 com a publicação de seu Manifesto Surrealista. Seus membros, liderados por Breton, promoviam o "puro automatismo psíquico", conceito pelo qual Miró sentia uma afinidade com sua própria história de desenho inconsciente por meio do toque e da intuição. Ele participou da primeira exposição surrealista em 1925, embora, no entanto, como observou o historiador da arte Stanley Meisler, "recusou-se firmemente a assinar qualquer manifesto surrealista, especialmente aqueles que exaltam o 'automatismo psíquico'." Ele simplesmente se recusou a acreditar que qualquer pintura pudesse sair totalmente de um sonho. " Sua arte cada vez mais biomórfica, enigmática e inovadora, como se vê na Carnaval do Arlequim (1924-25), uma obra que ele disse ter pintado em uma "alucinação da fome", também foi cuidadosamente planejada, inicialmente composta sobre um fundo de grade. Simultaneamente, ele também explorou tratamentos quase abstratos, à medida que simplificou suas formas biomórficas para formas esquemáticas, sinais pictóricos e gestos visuais, como visto em seu Quadro (1927), onde três formas ambíguas e linhas esquemáticas são representadas contra um fundo azul vazio.

Miró se casou com Pilar Juncosa em 1929, e sua única filha Dolores nasceu em 1931. Como sua arte começou a ser exibida e vendida na França e nos Estados Unidos, sua carreira começou a florescer, embora qualquer estabilidade econômica tenha sido interrompida pelos efeitos da depressão global. Em 1932, não podendo mais sustentar sua família em Paris, eles se mudaram para Barcelona. Anos de perturbação se seguiram, já que em 1936, enquanto visitava Paris, ele ficou preso com sua família, incapaz de retornar à Espanha, onde a guerra civil estourou. Em 1939 ele fugiu para a Normandia devido à ameaça da invasão alemã e em 1941 para Maiorca, onde disse: "Eu estava muito pessimista. Senti que tudo estava perdido." Ele passou a pintar pequenas obras em papel, que intitulou Constelações (1939-41), do qual ele disse: "Quando eu estava pintando o Constelações Tive a sensação genuína de que estava trabalhando em segredo. Mas foi uma libertação para mim. Parei de pensar em toda a tragédia ao meu redor. "

Ironicamente, enquanto estava escondido em Maiorca, usando o sobrenome da esposa para escapar da atenção do governo de Franco, Miró recebeu sua primeira retrospectiva no Museu de Arte Moderna de Nova York, com grande aclamação. Quando, imediatamente após o fim da guerra, Constelações também foi mostrado em Nova York, sua fama continuou a crescer na América, o que levou a uma comissão de murais de grande escala em Cincinnati em 1947. As formas simplificadas de Miró e seu impulso de experimentação inspiraram a geração de expressionistas abstratos americanos cuja ênfase em não a arte representacional sinalizou uma grande mudança na produção artística nos Estados Unidos e na Europa. No entanto, apesar da aclamação por suas pinturas, ele continuou a explorar novas mídias, voltando-se para a cerâmica, como colaborou com Joseph Llorens Artigas, e para a escultura em meados da década de 1940.

Na década de 1950, Miró voltou a dividir seu tempo entre a Espanha e a França. Uma grande exposição de suas obras foi realizada na Gallerie Maeght em Paris e posteriormente na Galeria Pierre Matisse em Nova York em 1953. No entanto, de 1954 a 1958 ele trabalhou quase exclusivamente em gravura e cerâmica, incluindo dois murais de parede de cerâmica para a UNESCO edifício em Paris. Em 1959, ele, junto com Salvador Dalí, Enrique Tabara e Eugenio Granell participaram da Homenagem ao Surrealismo, uma exposição na Espanha organizada por André Breton. A década de 1960 foi uma época prolífica e aventureira para Miró, quando ele pintou o grande tríptico abstrato Bleu (1961) e trabalhou intensamente na escultura, em alguns casos revisitando e reinterpretando algumas de suas obras mais antigas. Embora ele nunca tenha alterado a essência de seu estilo, seu trabalho posterior é reconhecido como mais maduro, destilado e refinado em termos de forma.

Período Tardio e Morte

À medida que Miró envelhecia, continuou a receber muitos elogios e encomendas públicas. Ele continuou a seguir em novas direções, dizendo: "São os jovens que me interessam, não os velhos dodôs. Se eu continuar a trabalhar, será para o ano 2000 e para as pessoas de amanhã." Em 1974, ele foi contratado para criar uma tapeçaria para o World Trade Center de Nova York, demonstrando suas realizações como um artista de renome internacional, bem como seu lugar na cultura popular. Ele recebeu um diploma honorário da Universidade de Barcelona em 1979. Miró morreu em sua casa em 1983, um ano depois de completar Mulher e pássaro, uma grande escultura pública para a cidade de Barcelona. A obra foi, em certo sentido, o culminar de uma carreira prolífica, profundamente integrante do desenvolvimento da arte moderna.

O Legado de Joan Miró

Miró disse uma vez a famosa frase: "Eu quero assassinar a pintura". Junto com outros artistas dadá e surrealistas como Jean Arp e Yves Tanguy, ele explorou a possibilidade de criar um vocabulário visual inteiramente novo para a arte que poderia existir fora do mundo objetivo, embora não divorciado dele. Seu idioma artístico único costumava usar formas biomórficas que permaneceram dentro dos limites da objetividade, ao mesmo tempo em que eram formas de pura invenção. Expressivos e imbuídos de significado pela justaposição com outras formas e pelo uso da cor pelo artista, eles se tornaram signos pictóricos cada vez mais abstratos. Suas explorações de todas as mídias e técnicas inovadoras deram a seu trabalho uma vantagem - simultaneamente, nova, mas instantaneamente reconhecível como Miró.

O que o crítico de arte Ryan Steadman chamou de "forma pessoal de abstração" de Miró foi uma influência determinante em seu amigo de longa data Alexander Calder e nos expressionistas abstratos Jackson Pollock, Robert Motherwell, Arshile Gorky e William Baziotes, bem como os pintores do Color Field Mark Rothko e Barnett Newman. Helen Frankenthaler também creditou a influência de Miró no desenvolvimento de seu estilo Post-Painterly Abstraction. Mais recentemente, seu trabalho influenciou os designers Paul Rand, Lucienne Day e Julian Hatton, bem como os artistas contemporâneos Josh Smith e Chris Martin.

Até hoje, a expressão artística livre de Miró continua a ser uma centelha geradora para artistas e movimentos artísticos em evolução.


Sucesso Crítico

Fiel ao caráter que ela desenvolveu durante sua longa gestão como atleta campeã, Mitchell exibiu uma dureza que seu pai teria desacreditado como não feminina, mas que pode ter sido essencial para o meio em que ela operava. Mitchell bebia, fumava, praguejava e ficava em bares e, embora não fosse condizente com uma senhora da alta sociedade em Chicago, essa atitude serviu bem a Mitchell: ela era uma de um punhado de membros femininos do Eighth Street Club, um grupo icônico de artistas do centro em 1950 em Nova York.

O primeiro indício de sucesso de crítica veio em 1957, quando Mitchell foi apresentado na revista ArtNews “. Pinta uma coluna ”. “Mitchell pinta um quadro”, escrito pelo proeminente crítico Irving Sandler, traçou o perfil do artista para a grande revista.

Em 1961, a Russell Mitchell Gallery organizou a primeira grande exposição do trabalho de Mitchell e, em 1972, ela foi reconhecida com sua primeira grande mostra em museu, no Museu de Arte Everson em Syracuse, NY. Logo depois, em 1974, ela fez uma exposição no Whitney Museum de Nova York, consolidando assim seu legado.

A última década da vida de Mitchell viu um sucesso crítico contínuo. Fumante ao longo da vida, Joan Mitchell morreu de câncer de pulmão em Paris aos 67 anos em 1992.


Arte importante de Joan Miró

A Fazenda (1920-21)

Um plano de pintura dramaticamente inclinado apresenta uma visão do artista masia ou "fazenda da família", apinhada de animais, implementos agrícolas, plantas e evidências de atividade humana. Miró explicou: "A Fazenda foi o currículo de toda a minha vida no país. Eu queria colocar tudo o que eu amava no país naquela tela - de uma árvore enorme a um minúsculo caracol. "A intensidade da visão e a atenção quase maníaca aos detalhes dão ao trabalho a qualidade de uma memória eidética, reconfigurada em um sonho, e prefigura seu trabalho surrealista posterior.

Como escreveu a crítica de arte Laura Cummings, "cada entidade recebe seu próprio espaço autônomo no quadro, elogiado separadamente, mas conectado por formas rimadas", devido ao "espaço quase cubista, inclinado para cima e presumivelmente porque Miró está celebrando o crescimento próspero para cima de casa. "

A obra ilustra importantes inovações que assinam a artista ao incluir diversos elementos abstratos, como o círculo preto onde se ergue o eucalipto no centro, símbolos como as duas escadas, uma com uma cabra em pé e outra com um galo. Além disso, como observa Cummings, em "sua nova forma de pintar. Os objetos têm uma vida dupla como letras - o E de uma caixa, o A de uma escada, o O de roda, balde e sol - e tudo está simultaneamente dentro da cena e escrito em sua superfície. A Fazenda é imagem e poema. "

O artista considerou esta obra uma das mais importantes, marcando um ponto de inflexão. Embora reflita uma série de influências, incluindo a arte popular catalã, um senso românico de hierarquia onde a escala reflete a importância e um vocabulário cubista, a obra resistiu a se estabelecer em um estilo, exemplificando a abordagem incansável e iconoclasta do artista.

Depois de concluir a obra, Miró lutou para encontrar um comprador em um mercado de arte moderna parisiense que preferisse o cubismo. Um negociante sugeriu cortá-lo em várias pinturas menores para facilitar a venda. Felizmente, o artista tinha se tornado amigo do escritor Ernest Hemingway, então um desconhecido lutador, e, depois de horas de trabalho, os dois se encontravam para sessões de boxe para relaxar. Hemingway estava determinado a comprar A Fazenda e, depois de pedir dinheiro emprestado e trabalhar como balconista de mercearia, conseguiu comprá-lo e guardá-lo por toda a vida. Como ele escreveu: "Eu não trocaria por nenhuma imagem do mundo. Tem nela tudo o que você sente sobre a Espanha quando está lá e tudo o que você sente quando está fora e não pode ir para lá."

Carnaval de Arlequim (1924-25)

Esta pintura retrata uma cena festiva e lotada, onde biomorfos quixotescos parecem estar envolvidos em uma celebração animada. Cada forma evoca semelhanças e as recusa, como no centro à esquerda, o arlequim, identificado pelos xadrez preto e branco do traje do italiano commedia dell'artefigura de estoque de, tem um corpo em forma de guitarra distorcida. O gato, no canto inferior direito, fica de pé sobre as patas traseiras, como se estivesse dançando, seus "braços" estendidos para a cena, enquanto seu rosto vermelho e amarelo se vira para olhar o observador. Um peixe amarelo e preto está sobre a mesa, uma orelha e um olho crescem da escada à esquerda, notas musicais aparecem na parede, tubos pretos e brancos em forma de cobra se cruzam no centro, e muitas das formas são conectadas por finos linhas de rolagem, enquanto a criatura preta e amarela dançando no centro inferior agarra um fio que se estende até os bigodes do gato. O espectador fica preso a esse mundo imaginado, intrigado pela dissonância entre identificação e significado.

Um dos primeiros exemplos da virada do artista para o surrealismo, este trabalho também foi pioneiro no uso de formas biomórficas, já que a maioria dos objetos evoca organismos vivos. Ele explicou parte do significado simbólico da pintura, dizendo que o triângulo preto simbolizava a Torre Eiffel e a escada representava tanto elevação quanto evasão. No entanto, as formas de fusão e fusão derrubam as certezas do mundo consciente, incluindo as da arte, como disse o artista: "Só estou interessado na arte anônima, o tipo que surge do inconsciente coletivo." Miró nunca quis se fixar em um estilo artístico particular e se esforçou para derrubar hierarquias estéticas. Nesta obra, ele criou seu próprio idioma pictórico. Como escreveu a crítica de arte Laura Cummings: "Quando Miró morreu em 1983, aos 90 anos, há muito era estimado como a última das estrelas modernistas. Sua linguagem pictórica era singular, imediatamente reconhecível e - com razão - não era mais percebida como algum dialeto catalão do surrealismo. "

Cachorro latindo para a lua (1926)

Em uma paisagem despojada que é ao mesmo tempo surrealista e humorística, dividida entre a rica terra chocolate e um céu noturno negro, um cão caprichosamente distorcido, retratado em cores brilhantes, late para a lua acima dele. À esquerda, uma escada, representada em branco e amarelo com degraus vermelhos, se estende até o céu. As distorções da lua e do cachorro, junto com a improbabilidade da escada, criam uma sensação de jogo onde tudo tanto é e não é o que parece, enquanto o branco, o vermelho e o amarelo, usados ​​para as quatro formas, cria algum sentido misterioso de conexão entre eles.

Como escreveu a crítica de arte Laura Cummings: "No chão, uma criatura multicolorida com algo parecido com patas e mandíbulas late para a lua com toda a energia implícita em sua forma fortemente arqueada. A lua não é totalmente imune a essa exibição absurda: ela tem uma coração pintado. Mas também tem um nariz vermelho satírico. " No entanto, o vasto espaço, preenchido pelo fundo escuro, também evoca uma sensação de profunda solidão e mistério, como escreveu a crítica de arte Judith Flanders, "No seu melhor, em obras como Cachorro latindo para a lua, ele criou um mundo misteriosamente flutuante e não ancorado onde seu léxico padrão de símbolos - aqui a escada, simbolizando não apenas individualidade e fuga, mas também futilidade e uma saída para o vazio da morte - se tornam potentes. "

No período anterior a este trabalho, o artista começou às vezes incluindo palavras em suas pinturas, criando o que chamou de "poemas de pintura". O esboço original incluía a resposta da lua ao cachorro em catalão: "Sabe, não estou nem aí". Embora Miró tenha deixado o texto de fora da pintura, permanece um sentimento de comunicação implícita, criado pela insistência do cachorro, seu corpo se erguendo com sua voz inédita, e pela lua, visualmente, parecendo se afastar em rejeição. Como Cummings observou, a obra famosa "como uma obra de surrealismo. Foi igualmente interpretada como um manifesto pessoal. Aqui está o jovem artista, ainda filhote, tentando encontrar sua voz na vanguarda internacional. A bela escada, portanto, deve ser sua arte, pela qual ele vai ascender. "


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